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Les Cramés de la Bobine présentent à l'Alticiné de Montargis le film Le Goût des autres. Il sera visible du 11 au 17 novembre.
Castella est un chef d'entreprise peu porté sur la culture. Pourtant, un soir, en allant par obligation assister à une représentation de "Bérénice", il tombe en adoration du texte et de l'actrice principale, Clara. Par une coïncidence, celle-ci va lui donner des cours d'anglais, nécessaires à son travail. Castella tente de s'intégrer à ce milieu artistique mais sans grand succès. On ne bouscule pas ainsi les cadres de références et les barrières culturelles sans faire d'histoires.
Le goût des autres, comédie dramatique française de Jean-Pierre Bacri et Agnès Jaoui Avec Anne Alvaro, Jean-Pierre Bacri, Alain Chabat, Agnès Jaoui et Gérard Lanvin, 2000, 112 mn https://www.cramesdelabobine.org/spip.php?article5267
Thierry Juffard (violon), Blandine Leydier (alto), Pierre Nentwig (violoncelle) s’emparent des Variations Goldberg (chez Klarthe, en deux CD), sans peur et sans reproches. Là où l’instrument seul – le piano, le pianoforte pu le clavecin – peut présenter le risque d’être soit sec, soit redondant d’une version à une autre, cette version séduit par sa simplicité comme par ses couleurs.
Solution de facilité que de proposer ce qui est devenu une des œuvres les plus connues de Bach ? Non, car il faut avoir à la fois du cœur et de l’audace pour s’attaque à ce chef d'œuvre en l’adaptant pour trois instruments. Le violon, l’alto et le violoncelle nous font (presque) oublier l’instrument d’origine pour lequel Bach a composé son aria (joué deux fois, au début et à la fin) et ses trente-deux variations.
Aucun instrument ne vient prendre le lead sur les autres
Dans ce trio, aucun instrument ne vient prendre le lead sur les autres. L’osmose est parfaite chez Thierry Juffard, Blandine Leydier et Pierre Nentwig (par exemple la Variation 17). Le compositeur allemand prouve qu’il est un maître des lignes mélodiques (Variations 4, 6, 8, 11, 13, 15). La mélancolie perce par moment dans cette œuvre qui n’était que de commande au départ (Variation 9).
On a souvent dit que Jean-Sébastien Bach fait naturellement la jonction entre l’époque baroque qu’il a traversée avec grandeur et le classicisme qu’il a annoncé. Ici, le Trio Alphea fait résonner un compositeur nourri par les influences italiennes. Ces 32 variations invitent souvent à la danse (Variations 1, 5, 22). Il y a aussi un Bach que l’on pourrait dire archaïque, tant il semble être nourri des musiques de son pays (Variation 7, 10, 18 et l’irrésistible n° 24).
On était curieux de savoir comment le trio allait s’emparer de la longue et sévère Variation 21. L’écoute nous fait découvrir une variation poignante et hivernale, presque funèbre. Il y a presque du Vivaldi des Quatre Saisons dans cet album étonnant (Variations 23 et 26). Et si l’on se disait qu’un Bach se découvre, à savoir un Bach précurseur du romantisme (Variation 25) ? La 30e et dernière Variation marque l’apothéose de ces pièces étonnantes et qui étaient au départ destinées à son commanditaire, le comte Hermann von Keyserling – et au jeune apprenti claveciniste Johann Gottlieb Goldberg – un aristocrate qui ne voulait surtout pas se prendre la tête avec une œuvre difficile ! Et voilà le résultat.
Et si Jules Verne était plus que jamais d’actualité ? Rien d’étonnant pour un tel artiste, convaincu des bienfaits du progrès, visionnaire génial et écrivain dont les textes continuent d’influencer la culture pop.
Marc Frachet a choisi de s’attaquer à l’un de ses romans les plus célèbres, Le tour du monde en 80 jours en imaginant un univers augmenté, InCarnatis. "Incarné", littéralement, car Marc Frachet a mis les bouchées doubles en proposant QR codes, liens web vers des vidéos et de la musique et des textes inédits pour aller plus loin dans le personnage de Phileas Fogg.
En 1872, Jules Verne publie l’histoire d’un excentrique gentleman anglais pariant une somme importante avec ses homologues du Reform-Club, un de ces salons sélectes londoniens. En cette fin du XIXe siècle, alors que les moyens de transports se modernisent – à commencer par le train – Phileas Fogg entreprend de faire le tour du monde en 80 jours par tous les moyens de locomotion possibles pour l’époque. Il est accompagné de son domestique Passepartout, bientôt rejoint par Mrs Aouda, une jeune indienne sauvée d’une mort atroce. Un individu les suit à la trace, l’inspecteur Fix, persuadé que l’aristocrate est un voleur.
Mise en abîme
Cette aventure est devenue l’un des plus grands ouvrages de Jules Verne et certainement l’un des meilleurs récits d’aventures. Il faut le lire avec un regard d’enfant, sans s’arrêter sur des détails un peu dépassés. Après tout, nous sommes en 1872.
La version d’Incarnatis dépoussière l’ouvrage sans rien enlever au texte. En l’enrichissant, même. Le personnage de Phileas Fogg prend même un petit peu plus d’épaisseur. Marc Frachet imagine notre héros membre d’une société secrète, la Compagnie de l’Arcane. Une porte ouverte dont on imagine quel développement elle pourrait avoir si on choisissait de l'ouvrir en grand.
À côté des cartes et visuels d’après l’édition Hetzel de 1873, Marc Frachet propose des créations audio-vidéo, les "illustrensons", un néologisme imaginé pour l’occasion, sont disponibles en cours de lecture grâce à un simple téléphone. Il est acompagné d'une vraie équipe d’illustrateurs, de musiciens et d’acteurs et actrices pour les voix off.
Cette version du Tour du monde en 80 jours se lit comme un vrai bel hommage à l’un des plus grands écrivains de langue française, indémodable, hommage qui prend la forme d’une mise en abîme dans l’illustrenson "Retour vers le futur". Saluons ce chouette projet de rendre Jules Verne plus actuel que jamais.
Partons en Lorraine, cette région méconnue et parfois caricaturée.Victoire et le Secret de la Terre de Meusefait de ce pays de l’est le décor et le point de départ d’une aventure.
Baptiste Kasprowicz signe son premier long-métrage qui a déjà rassemblé 9 500 spectateurs dans 20 salles, et ce pour un budget de 60 000 euros. De quoi laisser songeur par mal de producteurs souvent frileux lorsqu’un projet sort des sentiers battus. Pensez : des acteurs inconnus, pas de lancement national massif, pas de pub. Et pourtant, le film est porté par un bouche-à-oreille élogieux.
Avec comme véritable héros la Lorraine et son patrimoine
L'histoire. Victoire est une jeune adulte parisienne en conflit avec son père. Lorsqu’elle revient passer ses vacances en Meuse, ce retour n’a rien d’un refuge apaisé. Il ressemble plutôt à une confrontation avec ce qu’elle a laissé derrière elle : une famille, des silences, une histoire, des lieux dont elle s’est éloignée. Il y a justement la maison familiale. Elle incarne un héritage, un attachement, une mémoire commune. Car derrière le mystère, les indices et la légende médiévale liée au roi Lothaire.
Là commence une chasse au trésor et un récit d’aventure qui renvoie à Da Vinci Code, mais aussi Indiana Jones et Benjamin Gates, pour le lien entre mystère, patrimoine et découverte. Avec comme véritable héros la Lorraine et son patrimoine.
Oublions un instant Mahler pour mieux y revenir, grâce à ce singulier Chant de la terre pour Mahler, créée en résidence à la Fondation Royaumont et enregistré en live en novembre 2024.
Jocelyn Miennel et Olivier Cadiot sont aux commandes de cet hommage d’aujourd’hui à une des plus bouleversantes œuvres qui soient. Revenons pour commencer à la suite romantique de six lieder. Composées entre 1908 et 1909, Les Chants de la terre de Gustav Mahler adaptent en musique des poèmes chinois qui sont devenus célèbres par la grâce du compositeur allemand qui traversait une période difficile à l’époque (mort de sa fille Maria de quatre ans, graves problèmes de santé et démission forcée de son poste de directeur de l'Opéra de la Cour de Vienne).
Ce Chant de la terre pour Mahler (b.records) est composé de six parties, comme les lieder d’origine. Comment rendre actuel une œuvre vieille de plus d’un siècle et d’une autre époque, néo-romantique ? Surtout ne pas trahir l’essence des Chants de la terre. La Chanson à boire de la douleur de la Terre, d’après le poème de Li Bai, devient Douleur ("La terre est morte et je suis encore vivant"). Un mouvement faisant se rencontrer tonalités classiques, chants d’enfants, jazz (Adieu), vagues électroniques, boucles répétitives à la Steve Reich mais aussi esprit pop. Sans oublier les mots qui sont ceux d’Olivier Cadiot, ceux précisément de son livre Pour Malher (éditions P.O.L.). Le deuil est au centre de ce nouveau Chants de la terre, les créateurs considérant avec justesse que l’œuvre de Mahler est l’une des plus humanistes et des plus poignantes ("Je prends congé intérieurement de cette enfant adorée").
Le deuxième lied du chant de la terre était inspiré du poème de Qian Qi, Le Solitaire en automne. La seconde partie de l’opus d'Olivier Cadiot et Jocelyn Mienniel est sobrement intitulé Automne. Les mots d’Olivier Cadiot résonnent comme un chant chinois, bientôt rejoints par la voix de la mezzo-soprano Marielou Jacquard puis du récitant Jean-Christophe Quenon, sans doute plus néo-romantique que jamais.
Réécriture
On peut bien parler ici de "réécriture", comme le dit Fiona Monbet, ce qui ne veut pas dire que ces Chants de la terre tournent le dos au passé. Bien au contraire, grâce à cette composition faisant la part belle aux découpages et montages musicaux. La beauté surgit comme par magie, à l’instar de Jeunesse où la musique et le chant laissent largement leur place à la voix grave et habitée de Jean-Christophe Quenon. C’est là qu’il faut parler du texte d’Olivier Cadiot. L’écrivain s’est mis dans la tête de Gustav Mahler en jouant avec trois langues – allemand, anglais, français – et quelques échos d’idéogrammes. La musique est tout aussi complexe, alternant musique traditionnelle, orchestre classique, électronique, voix d’enfants et d’adultes. Cela donne paradoxalement une grande cohérence dans cette œuvre dirigée par Fiona Monbet. L’opus sombre par essence a des éclats lumineux que retranscrivent les créateurs (Beauté), ce qui n’enlève pas la douleur du récitant : "Moi, avec l’idéal, je prends des gants. Il me faut réapprendre à marcher et à me tenir debout".
La douleur est-elle effaçable ? "Le courant m’emporte. Y a-t-il une pensée possible ?"… C’est ça, vraiment, la mort ?" Dans la quatrième partie Printemps, le beau cache mal la douleur, l’inquiétude ni la confusion des sentiments. Étonnant mouvement où le jazz se mêle au classique et aux formes les plus audacieuses du contemporain. Ce chant semble funèbre, hanté par des voix tour à tour angéliques et ectoplasmiques.
C’est d’ailleurs le compositeur lui-même qui vient faire ses adieux à son "enfant adorée", dans une dernière partie (Adieu). Cet au revoir devient un long chant glacial rempli de mélancolie et de regret. L’innommable se fait musique mais derrière le départ définitif et injuste, il y a cette fragile lueur d’espoir : "Fais-moi un signe de bonheur. Que ma pensée lui fasse une vie plus belle". Gustav Mahler devient bien plus proche de nous, contemporains et contemporaines du XXIe siècle.
Paul Lannes a illustré ce très bel album proposé par le label b•records, devenu maître dans l’enregistrement live. Une œuvre essentielle de notre époque.
Contrainte à un mariage arrangé, Hicran s’enfuit de chez elle. Inquiété par sa disparition, son supposé fiancé Riza quitte son village pour Istanbul, à la recherche de celle qu’il n’a pas eu le temps de connaître. Face à la réalité d’un monde masculin qui veut la soumettre, Hicran s’abandonne à son destin qui ne cessera de la surprendre.
Le cousin de la réalisatrice, Jean-Henri, se reconnaît dans La Jetée de Chris Marker. Il est là de dos, avec ses parents sur la terrasse d’Orly dans le cinquième plan du film. Aucun doute, il reconnaît ses oreilles décollées. Et si c’est lui, il est le héros du film, enfant... Dominique Cabrera est immédiatement happée par cette enquête intime et historique ; quelle était la probabilité pour que Marker et les Cabrera choisissent ce même dimanche de 1962 pour se rendre sur la jetée d’Orly ?
Cela fait un bout de temps que Bla Bla Blog suit Vanessa Philippe.
On aime sa pop électro-bricolo-rigolo, sa poésie se cachant derrière des titres faussement légers, en un mot sa personnalité qui fait d’elle une figure attachante de la scène française.
La voilà de retour avec Bizarre, un titre électro-pop dans lequel l’artiste n’a qu’un seul leitmotiv qui nous concerne, je crois, tous et toutes : "Les gens sont bizarres".
Vanessa Philippe est aux manettes de ce single à découvrir. Non contente d’avoir réalisé le clip, elle s’est payé le luxe de gagner le prix du Meilleur Clip au Festival New-York Movie Awards.
