Ok

En poursuivant votre navigation sur ce site, vous acceptez l'utilisation de cookies. Ces derniers assurent le bon fonctionnement de nos services. En savoir plus.

Cinéma

  • Joueur 1, prêt, partez

    Pin it!

    Que les lecteurs de Bla Bla Blog m’excusent : l’écriture d’une chronique sur Ready Player One, le nouveau Speilberg, aurait nécessité un double, voire triple visionnage, démarche que le bloggeur avoue ne pas avoir faite. Il est vrai aussi que le dernier long-métrage de Spielberg, qui est aussi le premier film de SF qu’il a réalisé depuis La Guerre des Mondes (2005) vient de sortir dans les salles.

    Bien entendu, ce n’est pas l’histoire en elle-même qui nécessite une relecture et une analyse pointue. Elle est même d’une simplicité évangélique : en 2045, dans un futur rongé par la pollution, les conflits et la misère sociale, les habitants, fatalistes, se réfugient dans le jeu, en l’occurrence un monde idéal et virtuel, l’OASIS. Wade Owen Watts fait partie de ces drogués à ce jeu en ligne. Son avatar Parzival, navigue tel un super héros, à la recherche d’un trésor, l’easter egg, caché par le créateur de l’OASIS, James Halliday. Mais d’autres joueurs sont à la recherche de cet objet virtuel et surtout de sa récompense de 500 milliards de dollars, bien réelle celle-ci.

    Les amateurs de Spielberg boiront comme du petit lait ce pur divertissement, aux effets visuels bluffants. Mais ce sont les fans de pop culture qui se régaleront le plus devant un film aux références nombreuses : Akira, Le Géant de Fer ou Retour vers le Futur. Les nostalgiques auront également droit à un grand bain dans les années 80, avec une grande place accordée aux jeux vidéos de cette époque. Mais la séquence phare du film restera sans doute celle consacrée à Shining de Kubrick. Un Kubrick qui, au moment de son décès en 1999, travaillait sur le projet de film A.I. Intelligence artificielle, que réalisa finalement... Steven Spielberg.

    Inspiré du roman Player One d'Ernest Cline, Ready Player One peut autant se voir comme un objet ludique que comme un hommage d’un réalisateur culte au cinéma qu’il aime.

    Ready Player One, de Steven Spielberg, avec Tye Sheridan, Olivia Cooke, Ben Mendelsohn, T. J. Miller, Simon Pegg et Mark Rylance, USA, 2018, 140 mn

  • 2001 a 50 ans

    Pin it!

    2018 marque les 50 ans de mai 68. Mais cette année, le cinéma fête le cinquantenaire d’une autre révolution, cinématographique celle-là. C’est en effet le 2 avril 1968 qu’est sorti aux États-Unis 2001 : L’Odyssée de l’Espace de Stanley Kubrick. Rappelons que Bla Bla Blog avait consacré par le passé un hors-série sur ce cinéaste exceptionnel. Cette fois, nous ferons un focus sur ce film de science-fiction majeur à travers le passionnant essai de Roberto Lasagna (2001 : L’Odyssée de l’Espace, éd. Gremese), complet et richement illustré.

    Il y a cinquante ans tout pile, donc, sortait ce fameux 2001, film de SF spectaculaire autant que fable métaphysique sur la destinée humaine. Réflexion géniale, travail cinématographique à la perfection rarement égalée, coup de poing visuel et véritable révolution artistique, c’est peu de dire que Stanley Kubrick a réussi là un coup de maître qui fait que 2001 n’a jamais vieilli. Le réalisateur disait de ce film qu’il le considérait comme son plus réussi : "J’ai essayé de créer une expérience visuelle, qui contourne l’entendement et ses constructions verbales, pour pénétrer directement l’inconscient avec son contenu émotionnel et philosophique. J’ai voulu que le film soit une expérience intensément subjective qui atteigne le spectateur à un niveau profond de conscience, comme la musique."

    Roberto Lasagna spécialiste et critique cinématographique italien consacre tout un essai à 2001 : L’Odyssée de l’Espace. Il en explique la genèse, la fabrication, l’histoire et en fait une exégèse qui ravira les cinéphiles et spécialement les amoureux de Kubrick. L’auteur rappelle à quel point le huitième film du réalisateur américain a marqué à plus d’un titre. Pour la première fois, en effet, Stanley Kubrick entend, après le succès de Docteur Folamour, ne plus être dépendant des studios hollywoodiens. Il vit désormais en Angleterre et choisit les studios londoniens de la Metro-Goldwyn-Mayer qu’il transforme en véritable laboratoire pour créer un film de science-fiction qu’il veut d’un réalisme absolu.

    La plus ahurissante ellipse du cinéma

    Mais à ce réalisme du décor et des vaisseaux spatiaux vient répondre un discours scientifique pointu et pensé avec Arthur C. Clark (sa nouvelle écrite pour l’occasion, La Sentinelle). 2001 est aussi un manifeste au langage cinématographique époustouflant de créativité, cette "sémantique des images" dont parle Roberto Lasagna : le fameux monolithe noir, l’os devenu arme préhistorique se transformant en navette spatiale dans la plus ahurissante ellipse du cinéma, le personnage et supercalculateur HAL ou la dernière séquence psychédélique jusqu’à l’apparition du fœtus astral.

    Roberto Lasagna revient de manière très pertinente sur le contexte de la SF en 1968 : à ce titre, 2001 sera le premier véritable film de space-opera doté d’effets spéciaux réalistes : "Grâce à une rigueur scientifique nouvelle pour l’époque, Kubrick souhaitait prendre ses distances des space operas des années cinquante dont la crédibilité était proche de zéro. Afin d’éviter que les planètes et les vaisseaux spatiaux ne ressemblent à des maquettes à petite échelle, il fit fabriquer de grands modèles avec une précision méticuleuse, puis les filma avec une caméra Panavision 65mm qui permettait une très haute définition."

    Délaissant le langage des dialogues au profit de l’écriture visuelle ("46 minutes de dialogues sur les 139 de la durée totale du film"), Kubrick ne fait cependant pas de son 8e film une simple œuvre spectaculaire. L’émotion et l’éblouissement sont bien au cœur de son film. Mais ce qui le caractérise 2001 est une ambition philosophique et métaphysique : "La machine narrative – en réalité presque une non narration – n’est pas seulement belle à contempler : c’est une machine significative, où l’observateur, comme l’astronaute Bowman, sont invités à se poser des questions. Après tout, le cadrage de l’os qui se transforme en vaisseau spatial – le raccord le plus célèbre du film et peut-être de toute l’histoire du cinéma – exige un effort d’interprétation spécifique."

    Un trip sans LSD

    Arthur C. Clark et Stanley Kubrick interrogent l’intelligence humaine et artificielle, la persistance des instincts, le culte de la technologie, le destin de l’espèce humaine ou le concept de vérité et de révélation, comme le conceptualise brillamment Roberto Lasagna.

    Au-delà de la première séquence, "À l’aube de l’humanité," celle sur la lune ou celle de l’affrontement entre HAL et ses collègues astronautes humains, le spectateur qui découvre 2001 restera sans doute d’abord marqué par le dernier voyage de David Bowman vers Jupiter, "un trip sans LSD" comme le remarque malicieusement l’auteur et aussi, cinématographiquement parlant, "une union impensable entre cinéma expérimental et cinéma grand public…"

    C'est dans cette dernière partie du film, sans doute, que divergent le plus les interprétations : voyage dans le passé ou le futur ? Macrocosme ou microcosme ? Visions de Bowman ou de son double ? Réflexion phénoménologique sur la perception ? On peut saluer dans l’essai de Roberto Lasagna les références artistiques éclairant les intentions de Kubrick : Ivan le Terrible de Eisenstein, le Christ du Jugement dernier de Michel-Ange ou Ulysse de James Joyce : "Comme chaque chapitre du plus grand roman du XXe siècle est écrit dans un style particulier, le film de Kubrick semble être un voyage dans l’histoire du cinéma, qui commence par le muet (la partie préhistorique africaine), se poursuit par la comédie musicale (les vaisseaux dansant la valse de Strauss), et arrive au parlant (la partie faite de dialogues qui a pour protagoniste le scientifique Floyd), il revisite divers genres à la façon de la science fiction (le duel David/Hal n’est-il pas le passage biblique du défi David/Goliath ?) et se termine par un morceau lysergique de pur cinéma underground."

    Un argument supplémentaire pour voir et revoir 2001 : L’Odyssée de l’Espace, et le redécouvrir grâce au regard affûté et passionné de Roberto Lasagna.

    Roberto Lasagna, 2001 : L’Odyssée de l’Espace, éd. Gremese,
    coll. Les meilleurs films de notre vie, 96 p. avril 2018

    2001, L'Odyssée de l'Espace (2001 : A Space Odyssey) de Stanley Kubrick, avec Keir Dullea, Gary Lockwood et William Sylvester, Etats-Unis, 1968, 139 mn

    "Hors-série Kubrick"

  • Les bourreaux meurent aussi

    Pin it!

    Il était question il y a quelques semaines de l’assassinat d’Heydrich, un sujet traité avec maestria par Laurent Binet dans HHhH, avant deux films tournés et sortis à un an d’intervalle : Opération Anthropoid de Sean Ellis et HhhH de Cédric Jimenez.

    Les habitants de Montargis vont découvrir au cinéma, grâce à l’association d’art et d’essai Les Cramés de la Bobine, une autre version de cet acte de la Résistance tchèque avec un film plus ancien, Les Bourreaux meurent aussi, de Fritz Lang et datant de 1947. Cette fois, cette fiction s’intéresse à d’autres personnages, dans une version plus classique.

    En mai 1942, dans Prague occupée par les nazis. Heydrich, le bras droit de Himmler, est victirne d’un attentat qui lui coûte la vie. L’auteur du complot, le docteur Svoboda, se réfugie chez son ami, le professeur Novotny. Mais la Gestapo multiplie les rafles, menaçant de tuer des centaines de personnes si le coupable ne se dénonce pas. Le professeur Novotny tombe bientôt entre les mains de l’ennemi.
    Une curiosité, à ne pas manquer.

    Les Bourreaux meurent aussi , de Fritz Lang
    avec Brian Donlevy, Hans Heinrich von Twardowski et Walter Brennan,
    USA, 1947, 2h15

    Au cinéma l’Alticiné, proposé par Les Cramés de la Bobine,
    du 15 au 20 mars 2018 (débat le 15 mars à 20H30)

    "La bête doit mourir"

  • Trips new-yorkais sur les traces de Robert de Niro, Superman, Harry et Sally

    Pin it!

    40 millions de touristes ont choisi leur destination en 2012 parce qu’un tournage s’y était déroulé. Les lieux de fiction sont devenus des centres d’intérêt pour les voyageurs d’après l’Étude TCI - 2012 (Tourism Competitive Intelligence). 90 % des touristes d’Albuquerque au Nouveau Mexique sont venus suite à la série Breaking Bad, la Nouvelle-Zélande accueille 900 000 visiteurs supplémentaires par an depuis la sortie du Seigneur des anneaux en 2001, 50 photos du café parisien des Deux Moulins sont prises depuis la sortie du Fabuleux destin d’Amélie Poulain en 2001 et Dubrovnik-Neretva a reçu plus de 42 % de hausse de fréquentation touristique grâce à Game of Thrones. C’est dire l’importance du cinéma et de la télévision dans l’afflux touristique.

    Lancé par une start-up poitevine, Le Guide New York Fantrippers propose une expérience de voyage insolite et inédite avec plus de 1 000 lieux cultes de films, séries TV, musiques, BD et romans.

    New York n’est pas que limité à la Statue de la Liberté, à Broadway ou au quartier de Wall Street. Pour les amoureux du cinéma, la Grosse Pomme c’est aussi la caserne de Ghostbusters, le pont de Brooklyn dans Il était une fois en Amérique, le Katz’s Delicatessen de Quand Harry rencontre Sally, l’immeuble de Friends ou celui du Daily Planet de Superman, l'appartement de Carrie Bradshaw dans Sex and the City, la station de métro du mythique clip Bad de Michaël Jackson, sans oublier les lieux évoqués dans les romans de Francis Scott Fitzgerald, Paul Auster... ou Guillaume Musso.

    Le concept de Fantrippers a germé à New-York au printemps 2015. Nicolas Albert, journaliste, et Anthony Thibault, web et motion designer, passionnés de pop culture et de voyages, constatent qu’il n’existe aucune source compilant l’ensemble des lieux mentionnés dans les films, les séries, la musique, la bande dessinée ou les romans. Quelques mois plus tard, ils poursuivent leur réflexion sur la mythique Route 66 et créent leur start-up Fantrippers. Elle obtient le soutien de Créavienne, qui lui remet le Prix projet d’entreprise (mention internationale) en 2017, de Start’innov, de La French Tech et d'ADI-Nouvelle Aquitaine.

    Sur les pas des super-héros de Marvel

    Après une application Internet et mobile, la plateforme web collaborative Fantrippers.com, une newsletter, Dailytrippers, envoyée à 10.000 membres et une page Facebook likée par 9.500 fans, cette fois c’est sur papier que se décline Fantrippers qui a déjà dans ses bases de données plus de 10.000 lieux référencés dans le monde et plus de de 3.000 films et séries référencés. Nicolas Albert et Anthony Thibault précisent que ce guide sur New-York a nécessité deux ans de travail, plus de 15.000 cliches et 315 km parcourus sur place. Un sacré challenge au service des fans.

    Le Guide New York Fantrippers de Nicolas Albert et Régis Schneider propose de créer son propre circuit dans le New York afin de se déambuler dans quelques-uns des 1.000 lieux cultes du cinéma et de la télévision. Trois modes de consultation sont proposés par les lecteurs de Fantrippers : par quartier en visualisant immédiatement les bonnes adresses autour de soi, par thème (bars, restaurants, shopping, culture ou parcs) ou encore par œuvre (cinéma, séries TV, musiques, bandes, dessinées ou romans).

    Fantrippers proposera également des idées de visites guidées clés en main : une demi-journée exceptionnelle au cœur de grandes séries (Friends, Mad Men, Castle, Person of Interest ou Sex and The City), un trip 100% girly, avec trois heures d’immersion dans l’univers de Gossip Girls au cœur de l’Upper East Side et une visite à pied ou en ferry sur les pas des super-héros de Marvel.

    Qu’on se le dise : le guide le plus cool de New-York existe et il est français.

    Nicolas Albert et Régis Schneider, Le Guide New York Fantrippers,
    éd. Fantrippers, 384 p., 2018,

    édition anglophone disponible en juin 2018
    http://www.fantrippers.com
    Fantrippers sera au Salon du Tourisme du jeudi 15 au dimanche 18 mars 2018,
    Paris Expo Porte de Versailles, Pavillon 4, stand J-067)

  • Black Panther sort ses griffes

    Pin it!

    Unique : tel est le qualificatif que l’on peut singulièrement donner à Black Panther, blockbuster de Marvel dédié à un super-héros, pas forcément le plus connu en France.

    Encore un super-héros, me direz-vous ! Celui-ci fait pourtant date puisqu'il donne à un afro-américain le premier rôle et à la communauté noire un écho inédit jusque-là. Il est du reste peu probable que Marvel s’attendait à un tel raz-de-marée.

    La Panthère Noire était au départ un héros de comics créé aux Etats-Unis, en plein mouvement des droits civiques. Les lecteurs afro-américains trouvaient dans cet personnage – noir – un héros proche d’eux. Là sans doute est l’une des raisons du succès de cette adaptation cinéma.

    Chadwick Boseman endosse à merveille le costume de Black Panther, alias le prince T'Challa devenu, à la mort de son père assassiné, souverain du royaume imaginaire, secret et technologiquement hyper avancé du Wakanda.

    Droits civiques, féminisme et intrigue politique

    Aidé de sa fiancée Nakia (Lupita Nyong'o), de sa sœur Shuri (excellente Letitia Wright) et de l’officier Okoye (Danai Gurira), il se lance à la recherche d’un artefact volé à Londres en vibranium, une matière première à l’origine des avancées scientifiques du Wakanda. Les voleurs de cet objet précieux, qui risquent de dévoiler au reste du monde l’existence du mystérieux royaume africain, menacent dangereusement le pouvoir royal comme la vie de Black Panther. Les femmes de son entourage ne seront pas de trop pour l’aider à lutter.

    Intrigue maligne, costumes chatoyants, bande originale séduisante produite par Kendrick Lamar, design incroyable des architectures et des vaisseaux, effets visuels bluffants : mille et un détails font de ce blockbuster grand public une vraie réussite. Cet objet cinématographique ose s’aventurer sur des thèmes peu familiers dans ce genre de films de super-héros : droits civiques, féminisme et vraie intrigue politique – même si le manichéisme n’est pas absent. Black Panther pourrait être défini comme un objet cinématographique unique, entre SF, film d’action et d’espionnage à la James Bond (la séquence en Corée du Sud) et surtout plongée dans les rites tribaux ancestraux.

    Black Panther est un vrai enchantement visuel et musical , autant que la surprise ciné de ce début d’année, surprise qui a amené dans les salles des millions de spectateurs, pour la plupart stupéfaits par l’audace des studios Marvel.

    Black Panther de Ryan Coogler, avec Chadwick Boseman, Michael B. Jordan
    Forest Whitaker, Lupita Nyong'o, Letitia Wright et Danai Gurira,
    Marvel Studios, 134 mn, 2018

  • Télérama’enfants

    Pin it!

    Le Festival Cinéma Télérama revient du 21 février au 6 mars 2018 dans 185 cinémas art et essai sur tout le territoire. C’est l’occasion pour les enfants, mais aussi les plus grands, de voir, à un tarif accessible, une sélection de films, choisis de concert par Télérama et l’AFCAE (Association Française des Cinémas Art et d’Essai).

    Des films pour les tout-petits aux films les plus familiaux, cette sélection démontre toute la diversité et la richesse du cinéma Jeune Public. Long ou court, animé ou en prises de vue réelles, documentaire ou fiction, ces films entendent favoriser l’éducation au cinéma.

    Ce festival est aussi l’occasion de souligner le travail quotidien des salles Art et Essai, à travers des animations qui, au-delà de l’éveil aux pratiques artistiques, créent du lien social.

    Les 11 meilleurs films jeune public de 2017 sont à découvrir en avant-première : La Ronde des Couleurs, Des Trésors plein ma Poche, Cadet d’Eau douce, Agatha Ma Voisine Détective, Coco, La Vallée des Loups, Le Voyage de Lila, Willy et les Gardiens du Lac, Croc -Blanc, Le Grand Méchant Renard, Paddington 2, Un Conte peut en cacher un autre, Zombillénium et Lou et l’Île aux Sirènes.

    Festival cinéma Télérama enfants 2018, du 21 février au 6 mars 2018

     

  • An Obi-Wan Story

    Pin it!

    Han Solo va bientôt faire l’objet du troisième spin-off de Star Wars (sortie prévue le 25 mai 2018). Et déjà, une question se pose : quel sera l’objet du prochain spin-off de la célèbre saga après un épisode IX prévue pour fin novembre 2019.

    Vous allez me dire que c’est aller vite en besogne, puisque ce projet de film exploitant l’univers de George Lucas nous amène quand même après 2020. Les fans de Star Wars sont pourtant bel et bien au taquet. De nombreux commentaires de fans ont déjà parlé de possibilités de spin-offs de Boba Fett, de Maître Yoda ou d’Obi-Wan Kenobi.

    Aujourd’hui, c’est ce dernier qui est à la corde pour être le protagoniste principal d’un film qui lui serait consacré. Le hors-série de Tout Savoir Arts & Média consacré à Star Wars nous donne quelques informations, non-vérifiables et surtout très hypothétiques, sur ce projet intéressant mais aux multiples questions.

    Ewan McGregor prêt à rendosser le rôle d’Obi-Wan

    Qui d’abord pour incarner Obi-Wan ? Après Alec Guiness dans la deuxième trilogie (Un Nouvel Espoir, L’Empire contre-attaque et Le Retour du Jedi), puis Ewan McGregor dans le rôle d’Obi-Wan jeune, c’est ce dernier qui serait pressenti pour ré-endosser un rôle qui avait apporté un vrai plus à la première trilogie (La Menace Fantôme, L’Attaque des Clones et La revanche des Siths). Retrouver l’acteur anglais dans le casting serait d’autant plus séduisant que l’action pourrait se passer entre l’épisode III et l’épisode IV.

    Près de quinze ans après le tournage de La Revanche des Siths, Ewan McGreggor endosserait le rôle d’Obi-Wan, vieilli du même nombre d’années que son personnage. Dans Un Nouvel Espoir, le maître Jedi devenu légendaire est caché sur la planète Tatooine, à quelques lieues du jeune Luke Skywalker dont il assure la protection discrète.

    Reste à savoir si les scénaristes pourraient trouver les ressorts suffisants d’une intrigue, sur une planète où le fils de Dark Vador a été caché sans que le secret ait été éventé. La logique voudrait que pendant cette retraite, il ne se passe pas d’événements notables. D’ailleurs, pendant ce laps de temps, Obi-Wan a disparu des radars et sa réapparition tient du miracle.

    L’autre grand point d’interrogation tient à la fabrication du film. Plusieurs réalisateurs sont pressentis pour tourner ce spin-off : Steven Daldry (Billy Elliot, The Hours, The Crown), Sam Esmail (la série Mr Robot), voire Gareth Edwards qui avait été aux manettes de Rogue OneMais tout cela ne sont que conjectures, même si ce projet semble prendre forme.

    Tout Savoir Arts & Média, hors-série Star Wars, janvier 2018
    "Boba Fett, toute une saga"

  • Pour toi, mon amour, je décrocherai l’Everest

    Pin it!

    L’Ascension est la comédie de l’année 2017 et certainement le film qu’il faut voir cet hiver.

    Cette aventure humaine est inspirée d’une histoire vraie, celle de Nadir Dendoune, le premier franco-algérien arrivé au sommet du toit du monde (Un Tocard sur le Toit du Monde, éd. JC Lattès).

    L’Ascension, réalisé par Ludovic Bernard, avec Ahmed Sylla, Alice Belaïdi et Nicolas Wanczycki dans les rôles titres, raconte l’histoire de Samy Diakhaté. Ce néophyte d’origine sénégalaise part de la Cité des 4000 à La Courneuve pour rejoindre le Népal. Au terme d’un pari fou pour les beaux yeux de la belle Nadia, le jeune homme se lance dans l’ascension de l’Everest.

    Pour les beaux yeux de Nadia

    L’an dernier, L'Ascension n’est pas passée inaperçue. Cette comédie très bien menée a reçu le grand prix du Festival international du film de comédie de l'Alpe d'Huez en 2017. Ludovic Bernard suit habilement le défi de Samy dans un environnement hostile et inédit pour le banlieusard sans expérience. Le réalisateur alterne les scènes en montagne et les réactions des proches restés en région parisienne – les parents, de Samy, Nadia, les amis, les habitants de la Courneuve et les animateurs intarissables de Radio Nova.

    L’Ascension est plus que le récit de 8848 mètres harassants à travers une nature hostile : il s’agit aussi d’un bel hommage au 93, d’une histoire d’amour naissante et d’un défi humain et sportif mené par un jeune homme à la pugnacité exceptionnelle. Impossible de rester insensible. Vraiment impossible.

    L’Ascension, de Ludovic Bernard, avec Ahmed Sylla, Alice Belaïdi, Nicolas Wanczycki,
    Kevin Razy et Waly Dia, France, 2017, 1H45, en ce moment sur Canal+


  • Ma consœur à la Maison Blanche

    Pin it!

    Il ne reste plus que quelques jours pour découvrir sur Canal+ Menaces sur la Maison Blanche d’Erik Van Looy. Il ne faut pas s’arrêter sur le titre français qui pourrait faire penser à un de ces blockbusters américains des années 90, lorsque Harrisson Ford jouait le rôle des Présidents survitaminés et indestructibles.

    Sous ses airs yankees, le long-métrage que propose en ce moment la chaîne cryptée a cette première caractéristique originale d’être 100 % belge, tournée autour de Bruxelles et jouée en flamand.

    Menaces sur la Maison Blanche ose le thriller complotiste à partir d’une intrigue tenue et maligne. Lors d’une visite en Europe de la Présidente américaine (Saskia Reeves), un groupe terroriste infiltré au cœur de l’appareil d’État américain kidnappe la femme et l’une des filles du premier ministre belge (Koen De Bouw). On lui promet qu’elles seront rendues s’il assassine lui-même la Présidente américaine lors de sa visite officielle.

    Voilà le premier homme belge face à un dilemme insupportable, et avec pour toute aide celui de sa collaboratrice Eva (Charlotte Vandermeersch), enlevée elle aussi. Le premier ministre a quelques heures devant lui pour faire face à un groupe d’extrémistes bien décidés à semer le chaos en Europe, "pour réveiller le monde".

    Menaces sur la Maison Blanche est un petit bijou de série B, à la facture qui ne dépaysera pas les fans de film d’action, à ceci près que les lieux de ce thriller se situent au cœur de l’Europe, avec dans le rôle principal un fringant premier ministre, formant avec sa collaboratrice un duo attachant pris au piège dans un piège diabolique et palpitant. Comme le dit l’organisateur de ce complot : "Des avions qui s’écrasent dans des tours on a déjà vu. Mais un premier ministre obligé d’abattre la Présidente des USA, reconnaissez que c’est spécial."

    Menaces sur la Maison Blanche, d’Erik Van Looy, avec Koen De Bouw, Stijn Van Opstal, Charlotte Vandermeersch, Saskia Reeves, Adam Godley, Truus de Boer, Wim Willaert
    et Nathan Wiley, Belgique, 2016, 1h55

    Sur Canal+, jusqu'au 24 novembre

  • Des pass à gagner pour le Festival Ochapito

    Pin it!

    Bla Bla Blog vous fait gagner des pass pour le festival Ochapito qui aura lieu à Lisieux du 4 au 7 Octobre 2017. 20 pass sont à gagner pour le jeudi 5 octobre et 10 pour le vendredi 6 octobre.

    Pour les gagner, répondez à cette question :

    Quel metteur en scène primé à Cannes et musicien sera, cette année, au programme du festival Ochapito ?

    Réponse par mail sur ce site ou bien sur la page Facebook de Bla Bla Blog.

    Jouez bien.

    Programme Festival Ochapito 2017
    " Festival Ochapito, des spectacles plein Lisieux"

  • Valérian et Laureline, agents très spatiaux

    Pin it!

    Un peu plus d’un mois après sa sortie à grands frais, pourquoi ne pas revenir sur Valérian et la Cité des Mille Planètes ? Le dernier opus de Luc Besson, rêve d’enfant du réalisateur du Cinquième Élément autant que défi artistique et pari commercial, propose une adaptation du couple de SF le plus connu et le plus glamour de la bande dessinée.

    En collaboration avec ses deux créateurs, le dessinateur Jean-Claude Mézières et le scénariste Pierre Christin, Luc Besson propose de rendre justice à Valérian et à Laureline, dont les aventures ont été largement pompées par les créateurs de Star Wars. Le résultat : la plus grande superproduction française (197 millions d’euros), si grande que l’avenir de la société de production EuropaCorp dépend de la réussite ou de l’échec du film.

    Valérian et la Cité des Mille Planètes adapte l’histoire de L'Ambassadeur des Ombres (1975) et non pas la BD de 1971, L'Empire des Mille Planètes, dont le film de Luc Besson reprend une partie du titre.

    Nous sommes en 2740. Les agents gouvernementaux Valérian et Laureline sont chargés de récupérer un réplicateur – en réalité une charmante bestiole dotée d’un pouvoir de reproduction d’objets physiques, dont une étrange perle. Après le succès par nos agents de cette mission, le précieux réplicateur est amené sur Alpha, une base spatiale héritée de l’ISS et peuplée de 17 millions d’êtres vivants humains et surtout d'extra-terrestres. Mais des créatures jusque-là inconnues, venues de la mystérieuse planète Mül, viennent dérober le réplicateur et enlever, par la même occasion le Commandeur Filitt. Les agents Valérian et Laureline se lancent dans une course à la recherche de ces êtres fascinants et comme venus de nulle part.

    De mauvaises langues ont fait la fine bouche devant ce grand et beau divertissement populaire. Luc Besson sait faire ce qu’il sait le mieux faire : raconter une histoire, faire vivre ses personnages sans temps mort et aussi montrer que le cinéma français peut rivaliser avec les blockbusters américains. À n’en pas douter, voilà qui a fait grincer pas mal de dents outre-atlantique.

    Dane DeHaan et Cara Delevingne, dans les rôles respectifs de Valérian et Laureline, jouent le rôle d’agents spécieux et spatiaux en pleine forme. Ils cavalcadent, se battent, croisent des créatures extra-terrestres et extraordinaires et ne manquent pas de se chercher dans un jeu digne de "je t’aime moi non plus", avec une fin entendue dès le début. Une mention spéciale est décernée à Cara Delevingne – certes pas suffisamment rousse pour le rôle – pour son interprétation d’une Laureline courageuse, bravache et qui ne s’en laisse pas conter.

    À l’heure de l’écriture de cette chronique, après le flop de Valérian aux États-Unis et le succès au box-office français (4 millions d’entrées), les producteurs ont les yeux rivés sur la fréquentation en Chine, pour l’heure rassurante mais sans garantie d’une suite, pourtant déjà écrite par Luc Besson. Ce qui serait d'ailleurs fort dommage.

    Valérian et la Cité des Mille Planètes, de Luc Besson, avec Dane DeHaan, Cara Delevingne, Clive Owen, Rihanna et Ethan Hawke, EuropaCorp, France, 2017, 138 mn, toujours en salle
    "Star Wars pris la main dans le pot de confiture"
    "Laureline et Valérian, bons pour le service"

  • Branchée

    Pin it!

    La rentrée approche : rentrée scolaire, rentrée au boulot, rentrée littéraire… Cela pourrait tout aussi bien être la rentrée presse.

    À l’heure des bonnes résolutions, pourquoi ne prendrions-nous pas celle de nous abonner à un journal ou à une bonne une revue dès septembre ?

    Ça tombe bien, Bla Bla Blog vous a déniché cet été une pépite : Plugged, créé en 2011, un magazine rock et branché, "Music movies and fa-fa-fa-fa fashion", comme le proclament ses rédacteurs. Comme son aîné Les Inrockuptibles, Plugged passionnera les amateurs de pop-rock comme les lecteurs curieux de découvertes culturelles.

    La couverture du numéro de cet été est consacrée au duo australien Angus & Julia Stone. La sœur et le frère sortent le 29 septembre leur prochain album Snow.

    On retrouve dans l’édition de juillet-août une rencontre avec Liam Gallagher. L’ex d’Oasis devrait lui aussi faire l’actualité de la rentrée avec son premier album solo, As You Were.

    Toujours en musique, le magazine propose de découvrir le duo féminin de punk urbain Nova Twins, le groupe HMLTD engagé dans la cause LGBT, le retour de BB Brunes avec leur nouvel album Puzzle. Outre un bilan de la dernière édition de Solidays, le lecteur ne devra pas manquer la chronique consacrée aux Sparks, qui annoncent leur future collaboration avec le réalisateur Leos Carax.

    Le cinéma n’est d’ailleurs pas en reste dans Plugged, avec plusieurs focus passionnants. Outre Colossal, film fantastico-romantique seulement en e-cinéma (sic), les rédacteurs ont choisi de s’arrêter sur Terminator 2 – Le Jugement dernier, de retour dans les salles obscures en 3D et 4K. Les lecteurs découvriront également Chrysta Bell, la chanteuse, auteure-compositrice, mannequin mais aussi actrice et muse de David Lynch depuis son film Inland Empire (2006). Elle est au casting de la nouvelle saison de Twin Peaks.

    Plusieurs interview ont retenu notre attention : celle de Roschdy Zem, à l’affiche des Hommes du Feu, de Manuel Pérez Biscayart que l’on peut découvrir dans 120 Battements par Minute, de Michel Hazanavicius pour son biopic sur Jean-Luc Godard (Le Redoutable), et surtout de Noomi Rapace, auteure d’une performance qui risque de faire date dans le film de science-fiction Seven Sisters (sortie en salle le 30 août prochain).

    Les aficionados d’infos plus people s’arrêteront, selon les goûts, sur les pages mode avec Numa Acar, l’ex Prison Break, en mannequin de luxe, ou encore sur les pages glamours consacrées aux actrices françaises montantes, avec Eva Danino, Hania Amar, Gwendolyn Gourvenec et la chouchou de Bla Bla Blog, Alka Balbir.

    Pour compléter cette présentation non-exhaustive d’une revue captivante, citons les chroniques critiques cinéma, jeux-vidéos, séries télé, automobile, mode et applications – mais, curieusement, rien sur les livres. Le numéro estival du magazine rock se clôture par une page consacrée à Alice Cooper.

    En conclusion, Plugged a brillamment réussi le crash-test de Bla Bla Blog pour faire partie de la rentrée presse de septembre.

    Plugged, bimestriel
    https://twitter.com/plugged_mag
    https://www.facebook.com/MagazinePlugged

  • 400 000 hommes à la mer

    Pin it!

    L’un des épisodes les plus fous de la seconde guerre mondiale est également celui est le plus mal connu en France, alors même qu’il s’est déroulé sur nos terres, autour du périmètre de Dunkerque. Christopher Nolan a choisi, dans Dunkerque, de raconter l’après-débâcle de la Bataille de France en mai 1940.

    Le 25 mai 1940, Winston Churchill et la vice-amirauté britannique décident dans le plus grand secret l’évacuation des 400 000 soldats anglais pris en tenaille par l’armée allemande. L’Opération Dynamo a lieu pendant neuf jours, du 26 mai au 4 juin 1940. 700 navires anglais et 300 français sont réquisitionnés pour participer au sauvetage d’une armée en déroute, sous les bombardements de la Luttwaffe. De cet événement, Christopher Nolan en a fait un film de guerre impressionnant et d’une folle inventivité. Sa narration cinématographique suit le destin de plusieurs personnages dans le chaos de la Bataille de France. Sur terre, dans les airs et bien sûr sur mer, les destins de soldats britanniques, cherchant à fuir Dunkerque, d’un vieux marin civil britannique accompagné de son fils et d’un jeune homme et de deux pilotes de la RAF chargés de protéger l’évacuation infernale.

    Le spectateur pourra être autant décontenancé par le découpage narratif que par l’absence de perspective historique. Il reste que Dunkerque est un grand film de guerre, sans doute au niveau de ces pierres angulaires que sont Full Metal Jacket de Stanley Kubrick et Il faut sauver le Soldat Ryan de Steven Spielberg.

    Si votre bouquiniste favori n’est pas trop manche, il devrait vous trouver Dunkerque, Opération Dynamo, la bande dessinée que Pierre Dupuis a réalisé pour une collection de BD consacrées à la seconde guerre mondiale. Une manière sans doute plus pertinente de découvrir la portée de cette opération Dynamo : "Avec le recul du temps, on se rend compte que Dunkerque fut l’un des "suspenses" militaires les plus riches d’enseignements. Cette opération improvisée par les uns fut une surprise totale pour les autres et permit malgré tout aux adversaire de prendre conscience de leurs propres limites…" (Pierre Dupuis, Dunkerque, Opération Dynamo). 

    Le sauvetage gigantesque des plages de Dunkerque a été l’épilogue d’une défaite cuisante mais elle permit surtout au Royaume-Uni de ne pas perdre la guerre. Rétrospectivement, cela a été capital pour la suite des événements.

    Dunkerque, de Christopher Nolan, avec Fionn Whitehead, Tom Hardy, Mark Rylance, Cillian Murphy, Kenneth Branagh et Harry Styles, USA, GB, France, Pays-Bas, 106 mn, 2017
    Pierre Dupuis, Dunkerque, Opération Dynamo, éd. Dupuis, coll. Histoire/BD, 1974, 46 p.

  • Si la musique est bonne

    Pin it!

    C’est bien connu : en France, la musique de films est un genre injustement considéré. Pour beaucoup, la bande originale de films se limiterait à de jolis habillages sonores plus ou moins troussés, des illustrations musicales vite oubliées ou de simples rythmiques ad hoc accompagnant telle ou telle scène.

    Le public et les professionnels américains sont moins ânes que nous, qui ont fait des ponts d’or à des compositeurs français comme Michel Legrand, Alexandre Desplat ou encore Maurice Jarre. En vérité, des médailles devraient être spécialement décernées à ces artistes d’exception. Et, à coup sûr, Philippe Sarde aurait certainement la sienne.

    Ce grand nom de la musique, passionné de cinéma dès son plus jeune âge, est entré dans la bande original de film à la faveur d’une rencontre avec Claude Sautet. Le réalisateur français lui demande de signer sa première BO. Ce sera pour Les Choses de la Vie, avec Michel Piccoli et Romy Schneider. Suivront plus de 250 autres compositions, avec des cinéastes aussi différents que Roman Polanski, Jacques Doillon, Alain Corneau, Bertrand Tavernier, Georges Lautner, Marco Ferreri ou Jean-Jacques Annaud pour La Guerre du Feu.

    Huit bandes originales remastérisées de Philippe Sarde pour des films noirs et d’aventures sortent en ce moment et permettent de découvrir ou redécouvrir un musicien d’exception, toujours actif puisqu’il vient de signer la BO du film Rodin de Jacques DoillonCette nouvelle livraison consacrée à la musique de Philippe Sarde rassemble ces huit BOF : Le Choix des Armes d’Alain Corneau (1981), L’Étoile du Nord de Pierre Granier-Deferre (1982), Fort Saganne d’Alain Corneau (1984), Ennemis intimes de Denis Amar (1987), La Maison assassinée de Georges Lautner (1988), Max et Jérémie de Claire Devers (1992), La Fille de d'Artagnan de Bertrand Tavernier (1994) et Les Voleurs d’André Téchiné (1996).

    La philosophie de Michel Sarde est de ne faire de ses créations musicales des œuvres capables d’enrichir le film lui même : "La musique de film n’a de valeur que lorsqu’elle est écrite comme un complément scénaristique, capable de raconter une histoire supplémentaire, d’ajouter ou de rendre compréhensibles des choses que le metteur en scène a sans doute cherché à dire mais qu’il n’a pas pu raconter en images", dit-il dans une interview pour Écran Total (24 mars 2017).

    Les bonnes musiques de films marchent seules. Celles de Philippe Sarde n’ont pas besoin de la l’image des films qu’elles ont illustrées pour fonctionner et transporter.

    En prenant à bras le corps des univers aussi différents que la grande saga d’aventure (Fort Saganne), le polar (Le Choix des Armes) ou le film de capes et d’épées (La Fille de D’Artagnan), Philippe Sarde utilise une palette impressionnante de talents pour se fondre dans des films de genre très variés.

    Ces huit BO proposent une gamme hétéroclite de styles et d’univers : la richesse instrumentale prokofievienne du titre phare de La Maison assassinée, le poème symphonique à la fois rythmé et d’une belle expressivité d’Ennemis intimes ou le le concerto pour violoncelle au lyrisme bouleversant de Fort Saganne. Philippe Sarde se transforme en musicien jazz pour Max et Jérémie (Jérémie chez Max), gershwinien pour Le Choix des Armes (Noir) ou créateur contemporain dans ce mouvement tourmenté des Voleurs.

    Mélodiste et arrangeur hors pair (La Maison abandonnée pour Le Choix des Armes), Philippe Sarde est aussi impeccable lorsqu’il choisit une musique imitative, par exemple dans la rythmique audacieuse pour le titre bien-nommé La Boxe (Max et Jérémie). Philippe Sarde se fait également pasticheur de talent lorsqu’il créé pour La Fille de d’Artagnan un "vrai-faux" rigaudon du XVIIe siècle (Rigaudon), une pièce de chambre concertante (Les Oubliettes) ou encore cette valse enlevée dans L’Étoile du Nord (Pour Philippe).

    Artiste autant qu’artisan, Philippe Sarde est un défenseur infatigable de sa profession. Le compositeur a un rôle capital dans la création d’un film, assène-t-il, "sinon il suffit d’acheter une banque de sons dans un magasin et l’on dispose alors d’une bande originale sur mesure." Pour autant, il ne se montre pas amer lorsqu’il parle de l’absence de prix musical au Festival de Cannes : "Si le film est bien, s’il plaît, alors la musique y est forcément pour quelque chose."

    Philippe Sarde, Original Soundtracks, “Fort Saganne”, “Le Choix des Armes”,
    La Fille de d'Artagnan”, “L'Étoile du Nord”, “La Maison assassinée”, BMG, 2017
    Max et Jérémie”, “Ennemis intimes”, “Les Voleurs
    "Philippe Sarde Original Soundtracks" (Page Facebook)