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chanteuse

  • Sônge d’une nuit d’électro

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    Ça se passera à Penmarc’h dans le Finistère ce vendredi 20 octobre. Dans cette région du pays bigouden, plus habituée aux binious, bombardes et autres bagads, le Cap Caval accueillera la chanteuse d’électro Sônge.

    On avait découvert l’an dernier la jeune artiste aux Vieilles Charrues. La Quimperoise avait auparavant bourlingué plusieurs années en Europe du Nord – Belgique, Pays-Bas et Allemagne – avant de sortir son premier EP éponyme, fruit de rencontres et de découvertes musicales comme de son passage par le Conservatoire de Paris.

    Sônge c’est une électro mêlant pop, rap et Rn'B, à l’architecture impeccable et complexe (What Happened). La musicienne sait allier mélodies séduisantes et constructions rythmiques sophistiquées (Now). Sônge c’est aussi une voix venue d’ailleurs, dont les influences seraient à chercher du côté de Mia (Colorblind) ou de Björk (I Come From Pain).

    L’artiste devrait signer pour un futur album en 2018. Avant que Sônge ne crève définitivement l’écran, il ne reste plus aux chanceux traînant du côté de Penmarc’h cette semaine qu’à venir l’écouter en première partie du concert d’Isaac Delusion. Dans quelques années, vous pourrez dire : j’y étais.

    Sônge, en première partie du concert d’Isaac Delusion,
    salle Cap Caval, Penmarc'h, vendredi 20 octobre 2017 à 20h30

    Sônge, Sônge, EP, Parlophone, 2017
    http://www.songemusic.com

  • Le retour de la femme mimosa

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    2017 est décidément l’année "Barbara" : les 20 ans de sa mort, un concert et album hommage de Gérard Depardieu en début d’année, un biopic avec Jeanne Balibar et, ce mois-ci, la sortie d’un enregistrement inédit de la longue dame brune, Lily Passion.

    Inédit ? Lily Passion n’est pourtant pas inconnue. En 1986, Barbara jouait sur scène avec Gérard Depardieu un spectacle musical d’un autre genre que la chanteuse avait composé avec la collaboration de Luc Plamandon et de son fidèle accompagnateur Roland Romanelli. En 1985, elle avait enregistré une version studio qui disparut de la circulation et qu’elle rechercha jusqu’à sa mort, en vain. En 2013, soit cinq ans après son décès, dans le cadre d’un travail de remasterisation de ses archives, la firme Universal tomba sur de précieuses bandes mal étiquetées : le Lily Passion studio de 1985. Les pistes nécessitaient un important et minutieux travail de montage mais l’essentiel était là : la version studio du spectacle musical de Barbara, capital dans sa vie et dans sa carrière, pouvait voir le jour.

    Lily Passion conte l’histoire d’une musicienne poursuivie par un assassin blond, tuant à chacun de ses concerts, avant de laisser un brin de mimosa en guise de signature. Lily Passion c’est aussi l’aventure d’un couple maudit et ténébreux, dans lequel amour et mort se cofondent dans une série de danses infernales : "Pourtant cet assassin m’obsède / J’ai peur / Cet assassin me suit / Qu’il me suive ou qu’il me précède / Il tue / Je chante, je chante / Il tue" (Cet Assassin).

    Aux récitatifs et envolées lyriques de Gérard Depardieu dans le Lily Passion de 1986 vient répondre un album soigné qui n’a certes pas la fièvre de la captation publique de 1986, mais qui propose une série de chansons abouties. Exceptionnellement abouties.

    Les connaisseurs et fans de la longue dame brune remarqueront l’absence de plusieurs titres par rapport à la version de 1986 : Berlin, David Song, Campadile, Mémoire, mémoire et, symptomatiquement, Ma plus belle Histoire d’Amour. Par ailleurs, le récitatif autobiographique Ô mes Théâtres a droit à une une version resserrée et à l’état d’ébauche – 0,51 contre 5:50 pour la captation publique.

    On saluera la cohérence d’un album studio aux joyaux inoubliables et aux orchestrations soignées, avec Jannick Top à la basse, Richard Daguerre au piano mais aussi Richard Galliano à l’accordéon. La voix de Barbara est là, intacte et inspirée, pour "cette chanson plus longue que les autres."

    L’auditeur pourra trouver dans plusieurs morceaux de cette version studio (Lily Passion, Emmène-moi) la touche musicale des années 80, lorsque la vague des synthétiseurs balayait tout sur son passage. Pour être juste, il convient de préciser que l’écriture de Lily Passion au début de cette décennie correspond à un virage dans la carrière de Barbara. La chanteuse se fond dans son époque et dans la modernité, en même temps qu’elle se consacre corps et âmes à son public au cours de concerts devenus de véritables messes autour d’une artiste vénérée par ses fans. La double de la chanteuse le dit ainsi dans le titre Lily Passion : "J'entends la foule qui crie mon nom / Lily Passion, Lily Passion / Et j'entre dans la fosse aux lions / Pour m'offrir en immolation."

    Dans Lily Passion, d’autres titres ont une facture plus classique et plus acoustique : cordes, piano, ou bandonéon (Je viens, Bizarre, Tango indigo). Cet album studio, sorti vingt ans après sa mort, nous montre une Barbara fidèle à elle-même : sensible, mélodiste hors-pair, parolière inimitable et transportée par une histoire d’amour et de mort. Gérard Depardieu n’est pas de cet album studio, bien qu’il apparaisse en creux tout au long de Lily Passion : "P’tit voleur / Grand seigneur / Ils tireront / Ils t’auront / Ils diront qu’t’avait tort / C’est toi qu’a tiré d’abord" (Tire pas).

    Barbara étonne et séduit particulièrement dans Bizarre. La chanteuse se fait jazzwoman dans un titre cinématographique et mélancolique : "Il fait bizarre / Sur la ville / Trottoirs-miroirs / Sur la ville. / Des ombres lézards / Se faufilent / Et se glissent, agiles / Dans le brouillard / Indélébile."

    On sera moins étonné par le morceau le plus connu de Lily Passion, L’Île aux Mimosas, onirique, passionné et apaisé : "Et si tu m'avais cherchée, / De soir en soir, de bar en bar, / Imagine que tu m'aies trouvée, / Et qu'il ne soit pas trop tard, / Pour le temps qu'il me reste à vivre, / J'amarrerais mon piano ivre, / Pour pouvoir vivre avec toi, / Sur ton île aux mimosas."

    L’auditeur est happé par un des trésors de cet album : Tango Indigo. Barbara prend à bras le corps un titre virevoltant où se mêlent la passion, le jeu, la danse, la mort et la fin du monde : "On est comme deux évadés / Qui ne croient pas ce qui est arrivé / Après, je ne sais plus les paroles / Mais je vais t'en dire de plus folles / C'est l'histoire d'un assassin blond / Qui rencontre Lily-Passion." Tango Indigo se révlèle comme le titre le plus envoûtant et irrésistible de la femme mimosa, se livrant à corps perdu dans un album déjà légendaire et sorti de l’oubli par miracle.

    Barbara, Lily Passion, Mercury, Universal, 2017
    "Barbara et Depardieu par Depardieu"
    "Barbara et lettres et dessins inédits", Télérama, 7-13 octobre 2017
    Hors-série Barbara, Marianne, octobre 2017
    http://www.barbara-lesite.com

  • À la merci de Fishbach

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    Après un ou premier EP réussi, l’étape vers un premier album peut s’avérer un piège... mortel. Fishbach, qui avait été chroniquée sur Bla Bla Blog, a brillamment passé l’épreuve avec À Ta Merci. Il est vrai que la native de Charleville-Mézières avait frappé fort avec ses premiers titres, dont le plus connu, Mortel, qui nous revient dans une version légèrement liftée.

    Avec À Ta Merci, on est pris au piège d’un album qui assoit un peu plus l’électro-rock tendu et hyper sensible de Fishbach.

    Les comparatifs au sujet de cette révélation musicale 2016 sont plutôt flatteuses : Catherine Ringer et Christine And The Queens sont régulièrement cités, à tort ou à raison. Fishbach puise sans complexe dans les années 80 (Le Château) pour offrir des titres rugueux et à vifs. La musicienne propose dans Éternité des rythmiques et un son rarement entendus depuis 30 ans, revivifiant par là-même le pop-rock français. Dans Le Meilleur De La fête, Fishbach nous entraîne dans un titre très new wave, qui nous parle de liberté et de fuite : "J’ai vu le meilleur de la fête / Vous qui dansez en stéréo / N’êtes que de vagues silhouettes / Tout est foutu dans mon cerveau."

    La chanteuse sait se faire mélancolique, à l’exemple d’Un Beau Langage, jolie balade à l’heure du 3.0 et des rencontres sur Internet : "Votre doux visage / Apparaît sur mon écran / Qui êtes-vous ? / C’est une belle image / Voyez-vous ? / J’ai lu tous vos messages / Mais vos paroles et vos mots doux / Je m’en fous."

    Y Crois-Tu peut s’écouter comme le titre phare de l’album. Il est aussi, sans doute, avec Mortel, l’un des tout meilleurs de l’artiste : "J’attendrai mille ans mon garçon / Je fais la guerre, j’ai mes raisons / Comme le vent sculpte un caractère / Je suis la vague mais pas la mère." Fishbach propose des textes finement travaillés, à l’exemple de Ma Voie Lactée : "Tu ne fais que lire / Dans la dentelle / Un avenir / Si loin de l'éternel / Je sais bien qu'un jour / Tu reverras la mer / Encore et toujours / Les hommes à la tempête."

    Un Autre Que Moi s’impose comme un vrai titre électro et le chant de combat d’une fille "élancée comme une panthère dans la fumée" : "Qu'ils nous retrouvent / On ne se rendra pas / Et qu'ils approuvent / J'ai jamais dit ça / Je découvre une autre que moi / On se retrouve dans un attentat."

    À Ta Merci a l’audace des albums à la noirceur somptueuse. Dans Feu, la chanteuse nous entraîne dans une crypte musicale pour un chant funèbre et amoureux, auquel vient répondre On Me Dis Tu, un titre enlevé sur la mort, écrit à la première personne, et non sans humour noir, par la grande faucheuse. Tout aussi gothique, il y a Invisible désintégration de l’univers, une audacieuse composition soutenue par un chœur venu d’outre-tombe.

    L’album se termine sur le titre qui lui donne son nom, À Ta Merci. Fishbach propose un morceau lumineux, fruit d’une artiste au romantisme sombre et sans concession : "Si je demeure à ta merci / Il n’y a pas l’ombre d’un souci / Je tombe… / Tu joues à la marelle / Mais n’atteins pas le ciel / Moi je n’ai plus vingt ans." Les mots sont placés avec justesse sur une orchestration d’une sobriété bouleversante, hypnotique et envoûtante.

    Le samedi 2 septembre, Fishbach viendra clôturer en beauté la septième édition du festival À la folie... Pas du tout !, au Monastère Royal de Brou à Bourg-en-Bresse

    Fishbach, À Ta Merci, Entreprise, A+LSO, 2017
    Fishbach au festival À la folie... Pas du tout !, Monastère Royal de Brou à Bourg-en-Bresse, samedi 2 septembre 2017
    Concert tout public à 20h30, dans le 2e cloître
    "Fishbach, jamais rien vu d'aussi mortel"

    © Fishbach

  • Eva-Léa, la coureuse de rêves

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    Eva-Léa sort son premier EP en septembre prochain, avant une série de concerts à Paris. Qui est cette Eva-Léa ? Une fille d’ici et d’aujourd’hui qui, du haut de ses 27 ans, est bien décidée à faire une place au soleil sur la scène de la chanson française.

    Dans une pop acidulée aux délicates touches électroniques mais aussi 80’s, Eva-Léa propose six titres portés par une voix fraîche et posée avec une belle assurance.

    Dans Élégie, le premier titre que l’on pourrait qualifier d’"électro onirique", Eva-Léa ose, dans une veine gainsbourienne, une ode moderne et baudelairienne : “Le temps qui tonne et qui traîne me tue / Sous les nuages dans l’étang j’attends nue / Qu’un coup d’éclair me transforme en statue.

    Il est encore question d’influence de Serge Gainsbourg dans Baiser bleu. Portée par une instrumentation cristalline, la chanteuse emploie le parlé-chanté, cher à "l’homme à tête de chou", pour traiter de fantasmes et d’intoxication amoureuse, dans un texte précis comme un scalpel : "J’ai le compas dans l’œil je croque ta carrure / Avec toi je ne veux ni brouillons ni ratures / Ton regard de fusain nuit et jour à mes trousses / Là sur mes pages blanches je trace tes lignes en douce."

    Mais "l’intoxicated lady" sait aussi et surtout devenir une femme d’ici et d’aujourd’hui, comme elle le chante dans Je ne suis pas de celles : exigeante, sensible, libre (”Les qu'en-dira-t-on je les envoie valser”), une Carmen moderne qui serait éprise de séductions, de bonnes manières, de passions et de sensualités : “Je ne suis pas de celles / Qui se maquillent les yeux / Pour paraître plus belles / Mais pour pleurer un peu / Sans que ça ne se voie / Je tourne sur moi-même / Je m’arrêterai sur toi / Seulement si tu m’aimes.” Eva-Léa offre un magnifique titre sur la féminité, qui n’est pas sans faire écho à Je suis de celles de Bénabar, ce portrait d’une femme simple et paumée, caricaturant en creux son auteur. Aucune amertume ni trait grossier, par contre, chez Eva-Léa, femme jusqu’au bout des ongles : ”Je joue de mon talons / de mes talents cachés / À mes yeux du crayon / et les hommes à mes pieds.

    Mademoiselle Papillon, titre plus léger, s’adresse à une enfant par une sorte de grande sœur attentionnée et protectrice : "Ma jolie demoiselle / Mademoiselle Papillon / Moi je te ferai la courte échelle / Pour que tu captures un morceau de ciel.

    Dans Correspondance assurée, Eva-Léa s’engage dans une bossanova électro invitant l’auditeur au voyage et à la romance : Un jour sans crier gare / Tu seras là sur le quai / Évidence dans le regard / Correspondance assurée.

    Il est encore question de fuites dans le dernier titre Les Coureurs de rêves. Eva-Léa ne serait-elle justement pas une "coureuse de rêve” comme elle le chante elle-même ? Bien loin d’Élégie, la chanteuse parle de routines, de remords et des "manteaux ‘infortunes" : “Devant les journaux / Même refrain / Encore un café qui fume / Une journée de plomb de plus”. Il y a du Michel Berger dans cette réponse qu’offre Eva-Léa : "Si les coureurs de rêve / Ont une largueur d’avance / Au circuit du bonheur / C’est qu’au fond ils conservent / Le regard de l’enfance / Tout au fond de leur cœur.

    Eva-Léa est sans doute cela : coureuse de rêve, mais aussi fille d’ici et d’aujourd’hui, intoxicated lady, femme assumée, et bien entendu artiste à découvrir de toute urgence.

    Eva-Léa, premier EP, sortie prévue le 1er septembre 2017
    En concert le 16 septembre au SUNSET/SUNSIDE,
    le 17 octobre au Connétable (Paris)
    et le 25 novembre à La tête de chou (Paris),
    en compagnie de ses compères Florian Rousseau et Emmanuel Ducloux.

    https://www.difymusic.com/eva-lea

  • Pomme happy

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    Bla Bla Blog avait découvert Pomme à l’occasion de son EP prometteur En Cavale.

    La chanteuse séduit par sa voix fraîche et ses chansons pop d’une simplicité et d’une honnêteté qui en font toute la saveur.

    Pomme sortira son premier album À peu près le 6 octobre prochain. Pour patienter, la chanteuse est à découvrir dans une websérie promotionnelle, Pomme en chiffres. Les deux premiers épisodes sont en ligne.

    L'avenir s'annonce radieux pour Pomme qui sera également en première partie de l'unique concert de Camille, le 25 juillet à Nice, au Nice Music Live Festival.

    "Ma Pomme"
    Pomme en chiffres, websérie, 2017
    http://www.pommemusic.fr

  • Où es-tu, Berry ?

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    On avait quitté Berry en 2012, avec l’album Les Passagers. La chanteuse avait choisi le fil conducteur du voyage pour des chansons délicates et pudiques, portées par une voix caressante, l’une des plus belle sans doute de la scène française. Est-elle revenue de ses voyages ? Où est-elle aujourd’hui et quelle est son actualité ?

    Il convient au préalable de faire quelques rappels sur la carrière de Berry, commencée en 2008 avec un premier album, Mademoiselle, remarqué par la critique et le grand public. Disque d'or, il a été suivi de plusieurs centaines de concerts en France comme à l'étranger (Brésil, Corée du Sud ou Serbie). Mademoiselle ce sont 10 joyaux musicaux que la chanteuse a sculpté avec ses acolytes Manou et Lionel Dudognon.

    L’univers de celle qui a commencé sur les planches de théâtre est déjà là, dans des chansons intimistes, mélancoliques et non sans noirceur, portées par une orchestration soignée et une voix claire et chaleureuse.

    Le disque s’ouvre sur le morceau qui donne son titre à l’album : Mademoiselle c’est le portrait d’une jeune femme d’aujourd’hui, plus tout à fait adolescente, pas encore adulte ("Mademoiselle / J’ai des secrets / Des choses que je sais / Que je tais / Un vieux bubble gum / Qui colle à la peau / Comme un homme"). Ce premier album allie la grâce à une sombre mélancolie. La musicienne sait transformer une balade amoureuse en déchirant chant d’adieu (Plus Loin), nous faire voyager avec Las Vegas dans un road-movie dans l’Amérique fantasmée du cinéma de Martin Scorcese, Terry Gillian (Las Vegas Parano) ou des frères Cohen. Berry sait jouer avec l’impudeur et impudeur (Belle comme Tout), toiser et mépriser avec élégance (Enfant de Salaud) et parler du bonheur éphémère (Le Bonheur) comme des combats quotidiens (Demain ou Chéri).

    Qautre ans plus tard, le deuxième disque de Berry, Les Passagers, a pris contre-pied son public. Avec le même raffinement et la même fragilité, l’artiste a construit un album sur le thème du départ et du voyage. Cette cohérence, assure l’artiste, n’est qu’une succession d’heureux hasards et d’intuitions. Pour Les Passagers, Berry a embarqué ses deux musiciens complices de Mademoiselle jusqu'à New York puis Paris, après une série d'enregistrements dans le Centre de la France (le Berry ?).

    International, ce deuxième disque l’est jusque dans les influences et les collaborations artistiques : l’arrangeur brésilien Eumir Deodato, Johan Dalgaard pour les claviers, l’ex Taxi Girl Daniel Darc ou l'auteur et compositeur hawaïen Troy Von Balthazar (Chokebore). Ces collaborations tous azimuts apportent des couleurs incomparables à un album qui n’a pourtant pas eu le même succès que Mademoiselle.

    Les Passagers mérite d’être redécouvert et réévalué pour sa richesse et son souffle : l’ouverture pop de Si Souvent, les guitares acoustiques des Mouchoirs blancs, le piano sobre de Ce Matin ou la touche country de Like A River, l’orchestration dense et bouleversante de Partir Léger ou la facture brésilienne de Voir du Pays. La chanteuse française assume tout autant l’influence de Serge Gainsbourg, notamment avec le parler-chanter du titre Brune, aux accents de You’re Under Arrest. Birkinienne, Berry l’est dans l’envoûtant For Ever, l’un des meilleurs tires de l’album, porté par une guitare easy-listening, des paroles mâtinées de franglais et toujours cette voix irrésistible.

    L'artiste a construit un deuxième album dépaysant, à la fois sombre et lumineux. La voix cristalline et délicate de Berry nous parle de départs, de voyages éphémères ou définitifs, de ruptures amoureuses (Les Mouchoirs blancs), de besoin de fuites (Non Ne Le Dis Plus) et de cette mort qui nous attend au tournant (Partir Léger). L’auditeur devient voyageur, sur les traces d’une Berry, plus américaine que jamais.

    Aujourd’hui, où est-elle, alors qu’aucun nouvel album ne se profile à l’horizon ? La réponse à cette question est dans le calendrier de ses tournées, en France comme à l’étranger. Berry se produira en effet les 12 et 13 juin 2017 à l'Européen, avant de s’envoler aux États-Unis au Nouveau Mexique (Taos) et à Chicago. Nous voilà rassurés.

    Berry, en concert à l'Européen, les 12 et 13 juin 2017
    Berry, Mademoiselle, Casablanca Records, 2008
    Berry, Les Passagers, Casablanca Records, 2012

    http://www.casadeberry.com

  • Foutu caractère indomptable

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    Sombre et attachant est l’univers de Camicela qui a fait du violoncelle, son instrument fétiche, le compagnon de chansons intimistes, dures et fragiles à la fois. Elle nous slame, dans le premier titre de son EP Parfois Si Sombre, être "en perte de repères / Pour ne pas perdre pied." Et d’ajouter : “J’ai mes sens qui partent en vrille / Mon corps qui me renie / La folie est l’essence même de mon être / Ma lâché elle aussi / Je sais plus qui je suis" (Parfois Si Sombre).

    "Foutu caractère indomptable" que cette musicienne qui sait utiliser le plus classique des instruments – le violoncelle – dans des chansons hyper actuelles, personnelles et gothiques.

    Une artiste d’aujourd’hui, Camicela l’est assurément. L’influence de Camille est présente dans le titre Tu sais. La voix juvénile accompagne le violoncelle, tel un fil conducteur faisant vibrer cette chanson faussement enlevée. La musicienne nous parle de rupture, de l’abandon et de la recherche de soi : "Depuis que la vie m’a fait faux-bond / J’ai perdu la raison / Après ces longues discussions / Avec mon esprit défiant / Mon cœur mon âme mes démons / C’est la vie qui m’a fait faux-bond."

    Dans Tempete, titre électro-pop, l’artiste laisse son instrument fétiche au second plan, au profit de claviers cristallins très 80’s, donnant à cette histoire d’amour déçue l’allure d’un chant funèbre. : "Je resterais figé / Chaque jour que la vie fait / Le long de ce rivage / Où tu es parti faire ce voyage / Je te suivrais à l’horizon / Je crierais ton nom."

    Les premières notes de Venins sonnent comme un slam interprété lors d’un concert de musique de chambre, avant que Camicela ne s’aventure sur un air de habanera : "Tu as soif de ce venin malsain / Tu en as besoin / Il te comble sans fin / Je te le dis / Et sans moindre dédain / Prends garde à toi." Camicela, nouvelle Carmen nourrie au classique comme à la musique urbaine, serait-elle cette femme fatale à l’instar de l’héroïne de Bizet ?

    Sans doute. L’artiste serait donc définitivement cette grande et sombre romantique. C’est du moins ce qu’elle montre dans le dernier titre de son EP, Poivre Et Sel, un morceau sombre et bouleversant à la mélodie entêtante : "Poivre et seul / Sans ami sans amant / Sans désir d’avenir / Pas sans toi / Poivre et sel / sans envie dans le temps / Avec seulement / L’espoir que tu reviennes vers moi." Impossible de ne pas flancher à l’écoute de cette "histoire sans lendemain" qui parle d’un idéal qui ne reviendra plus : "Des heures à voir ce reflet / Reflet de mon visage incertain / Des jours des mois des années / Reflet de notre histoire sans lendemain." Camicela chante ces chagrins éternels et nous parle du choix de "passer à côté d’histoires poivrées et d’histoires salées", "quitte à venir vieille et folle / Échevelée et sans dent."

    Rien que pour ce titre, le dernier EP mérite la découverte de cette foutue fille au violoncelle, indomptable et déchirante.

    Camicela, Parfois Si Sombre, Label #14 Records, 2017
    Page Facebook de Calmicela
    http://diese14.com

    © Camicela
    Photo © Marie Furlan 

  • Numéro un

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    D’abord il y a cette voix, immédiatement envoûtante : puissante, rocailleuse et sensuelle. Julie Crouzillac, la chanteuse du duo Carré-Court, appartient déjà à la sphère des interprètes dont il ne reste plus grand-chose pour accéder au cercle restreint des grandes interprètes, à l’instar des Adele ou des Amy Winehouse. Car c’est bien ces deux artistes qui viennent à l’esprit dès la première écoute du premier EP de Carré-Court, N°1.

    Mais n’allons pas vite en besogne et arrêtons-nous sur ce premier mini-album, réédité ces derniers jours et qui donne l’occasion de découvrir un duo archidoué, créé en 2014, et qui s’est produit l’année suivante au Printemps de Bourges avant d’être remarqué par Les Inrocks.

    Dans un univers musical dominé par l’électro et le rap, celui de Carré-Court penche du côté de la soul, du blues, du jazz et du rock à la Elvis Presley. Grâce à ces influences, le duo d’artistes nous prend par la main pour un voyage entre Londres et New-York, période sixties.

    De prime abord il pourrait être question de nostalgie dans ce premier disque: voix chaude et jazzy, instruments acoustiques, style vintage revendiqué. Mais aucune reprise n’est à relever chez ce duo originaire du Limousin, si on omet toutefois la récente et convaincante adaptation Ace of Spaces... de Motörhead – un morceau absent toutefois absent de ce premier disque.

    Dans N°1, Émilien Gremeaux signe les quatre morceaux de cet EP qu’interprète la "so british" Julie Crouzillac, au look à la Bardot et comme sortie des caveaux enfumés de Chelsea, sous le regard de Nico, Twiggy ou Cliff Richard. Le style est là, assumé, jusqu’au bout des bottes : easy listening mais jamais nostalgique. Ce disque nous amène dans un univers à la fois rare et familier. La voix à la Amy Winehouse accroche l’oreille dès les premières notes du premier titre When Somebody Says. Plus pop, I Don’t Care s’appuie sur la richesse de timbre de la Julie Crouzillac pour un titre âpre et déchirant. Baby You Don’t Mind nous prend par la main, dans un rythme rock savoureux, interprété par une chanteuse à la puissance vocale rare. Mais Julie Crouzillac excelle surtout dans I Said, qui clôt ce premier disque de Carré-Court. Peu d’interprètes seraient capables de maintenir à ce niveau de densité un titre relevé, riche et épicé. Les chœurs, les arabesques mélodiques et les instruments acoustiques servent à merveille une chanteuse engagée dans ce rock 'n' roll passionné, sombre et envoûtant.

    N°1 sonne comme la naissance d'un duo et en particulier d'une chanteuse dont la carrière risque d'éclairer quelques années le monde musical. Ce premier EP est à découvrir et à réécouter : fascinant, électrisant mais aussi trop court.

    Carré-Court, N°1, Hoozlab, 2016
    http://carrecourt.com
    http://hoozlab.com/fr


  • Bouquet de Fleur

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    Pour une fois, le bloggeur n'a pas eu à se creuser longtemps les méninges pour trouver le titre de cette chronique qui est consacrée au dernier album de Fleur Offwood, Bouquet. Bla Bla Blog avait déjà chroniqué cette artiste à l'occasion d'une pièce de musique contemporaine, L'Orage nu. Le parcours hétéroclite de la musicienne surdouée (musiques de films, bandes sons publicitaires, électronique, remixes ou spectacles avec le duo des Smartines) s'enrichit avec cette fois un album de chansons à la fois classiques et aux multiples influences.

    Le premier titre, Mon amour, très easy-listening, accroche immédiatement l'oreille grâce à la voix claire, juvénile et ingénue de Fleur Offwood, et qui n'est pas sans rappeler Anaïs et son tube Mon Coeur Mon amour. Là aussi, il est question d'amour à distance : "Mais quand je désire dire / des mots pour te séduire / C'est contre ton oreille / Et dans le plus simple appareil."

    Libre Laura propose un dépaysant et touchant road-movie en Amérique du Nord. L'artiste trace le portrait d'une femme en révolte contre sa condition et en lutte pour sa liberté : "Elle a les cheveux courts parce qu'on les lui a tirés / Et elle se tient bien droite parce qu'on l'a agenouillée /Elle ouvre sa gueule parce qu'on la lui a fermée." Ce voyage folk à la Nick Drake est un trip social et un chant pour l'émancipation féminine : "Elle dévore des livres / Parce qu'on l'a illettrée / Et elle s'est trouvée /Parce qu'on l'a abandonnée / Elle arbore un grand sourire /Parce qu'on l'a fait tant pleurer."

    La musique de films est l'un des dadas de Fleur Offwood. La musicienne adresse un clin à Ennio Morricone avec la ballade Elle et Lui. Dans cet hommage aux westerns, rien ne manque : le cow-boy bourru et solitaire, la jolie et jeune captive, le motel tragique des amoureux, la soif de l'or, la mort de la douce innocente et le départ du héros au crépuscule.

    Le coup de maître de Fleur est sans doute dans Ici et Maintenant, une chanson minimaliste irrésistible et au texte finement ciselé : "Tout délaisser / Se dé-saler / Cramer sous le lait et la crème / glacée / Ici et maintenant / L'océan bleu / Le sable blanc / Hypersensible et indolent." On entre dans la vie d'un couple : "Jouir et se jouer des jours d'orages / Changer le on en nous / Le nous en je." Fleur Offwood parle des petits "malheurs qui passent" et finalement ne passent pas. Chacun pourra trouver chez lui des échos à ces petits coups de canif dans le quotidien – "se faire la gueule" : "Pourquoi ?"

    Chez Roberto Barr est la chanson la plus légère de cet album. Sur un air de samba, la chanteuse nous fait entrer par procuration dans le Brésil d'un certain Roberto Barr. Les descriptions colorées sont à l'avenant : "Une mamma géante et des angelots", "des crapauds qui jouent les princes avec leurs banjos", "des rayures flashy d'associations incroyables", "des tableaux multicolores." Mieux qu'une chanson, cette jolie carte postale est la meilleure des pubs pour la boutique Roberto Barr, dit Beto : "Bruxelles, rue Blas, 41".

    Dans Dilemme, l'auditeur pourra trouver l'influence de brillants aînés : Léo Ferré, mais aussi Serge Gainsbourg. On croirait entendre la voix de Jane Birkin dans ce titre à fleur de peau : "Un jour le paradis / Le lendemain l'enfer / Au matin on oublie / Et le soir le contraire / On se fuit on se suit / On s'est crû presque cuit / Sage comme des images / revenant d'un naufrage."

    L'art gainsbourien – mais un Gainsbourg des années 50 – est également présent dans "Tu me mot dis." Fleur Offwood, musicienne-caméléon se transforme en chanteuse de cabaret – porte-cigarette, boa et talons aiguilles inclus ? – pour un titre chaloupé et vintage. Les amoureux du calembour seront servis : "Je te maudis / A demi-mot / Je psalmodie / Ton nom / Dans mes litanies."

    My best f... Friend. Folk et enlevé, vient terminer en beauté un album chaleureux qui devient familier dès la première écoute. Bla Bla Blog s'était promis de suivre Fleur Offwood. Cette promesse tient toujours, plus que jamais.

    Fleur Offwood, Bouquet, Warner Chappell Music, printemps 2017
    "Une Fleur pour l’Orage nu"

    © Fleur Offwood

  • Mon rendez-vous avec Marie Baraton

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    Marie Baraton fait partie des nouvelles venues dans le pays musical français. La chanteuse a sorti il y a quelques mois son deuxième album Ma Folie aime. La justesse de la musicienne, accompagnée de ses complices Pierre-André Athané et Michel Haumont, l'efficacité mélodique, les textes travaillés avec soin et le choix de l'acoustique conduisent l'auditeur vers un univers immédiatement attachant.

    Les influences de Marie Baraton sont à chercher du côté du jazz manouche (Mon rendez-vous), du tango (Tango gris), de la comptine (Les étoiles te disent bonne nuit) mais aussi du répertoire classique, avec Épilogue, une courte pièce de musique de chambre qui vient clore l'album. L'auditeur pourra aussi trouver l'influence d'une autre chanteuse, Enzo Enzo: la voix chaleureuse et sans fioritures, le timbre clair et un univers où la chanson française (celle de Barbara, de Jacques Brel, de Sanseverino ou de Jeanne Cherhal) se marie au poil avec le swing.

    Marie Baraton frappe fort dès l'ouverture de Ma Folie aime avec Dénoués, une déchirante complainte sur la séparation et sur la perte : "Qui fera danser ta guitare / Donnera sa vie à mon piano ? / Tout part à l'envers / Ma plume en hiver / Sable et désert." À ce chant du départ, "l'éphémère de nos vies", semble répondre l'invitation à demeurer Rien d'autre que nous mêmes. Avec un peu d'attention, certains pourront remarquer la patte du compositeur Pierre-André Athané : "Et comme de nos liens de nos haines / Nous voudrions nous arracher / De ces routines qui nous enchaînent / A nos cages les mains liées / Que sommes-nous devenus mon frère / Où est ce paradis perdu ?" Ces paradis perdus renvoient au titre d'une pièce contemporaine de ce musicien (Paradis perdu, 2011).

    Petit Matin parle lui aussi de ces paradis perdus, ceux de l'enfance. Sans esbroufe, avec nostalgie et une retenue bienvenue, Marie Baraton trace, dans la même veine que Barbara, l'hommage le plus beau qui soit à sa mère : "Vous êtes ma mère / Ma tendre lumière / Sans nous deux que serions-nous ? / Belle ombre sereine / Ma paisible mère." Une jolie déclaration sur l'enfance à laquelle pourrait répondre la délicate berceuse, Les étoiles te disent bonne nuit, qu'une maman chanterait à sa fille, le soir : "Doucement, doucement / Si tu ne fais pas de bruit / Tu entendrais les étoiles te dire bonne nuit."

    Marie Baraton sait aussi être cette fille un brin canaille, capable de nous entraîner dans des voyages swing. Dans Mon Rendez-vous, Marie Baraton nous prend par la main pour une balade dans Paris, aux accents manouches. Ma Folie Aime, qui donne le titre à l'album, séduira autant pour son texte finement ciselé que pour sa mélodie et sa facture jazz tzigane : "Ma folie aime l'air des comptoirs / La chaleur des sales petits bars / L'alcool qui vide les regards."

    Dans Ma Petite main, titre minimaliste et très personnel, Marie Baraton nous parle avec tendresse et philosophie de sa main gauche malformée : "Elle est comme moi dans sa lune / Ma petite main / Et quand un enfant la regarde / Les yeux ronds et le doigt pointé / Elle est toujours un peu surprise / Ma petite main / D'être un défaut où l'on s'attarde / d'être une histoire à inventer."

    L'auditeur sera sans doute frappé par le titre le plus sombre de ce deuxième album : Tu Silences. Sur un air manouche, Marie Baraton déroule en 2:37, avec concision et sur des paroles précises, la vie d'un couple, des premiers émois jusqu'aux violents déchirements : "Il gueule fort / Tu tremblotes / Il éructe / Tu pleurniches / Il accuse / Tu victimes / Il dénonce / Tu coupables / Puis il s'isole / Plus tu replies / Plus il bravache / Plus tu silences / Il joue à l'homme / Tu joues sa femme." La voix tendue comme un fil donne par moment à la chanteuse originaire de Parthenay des accents de Camille : ("Toute une vie d'amour / Toute une vie d'amour").

    Marie Baraton fait déjà parlé de ces futures grandes voix de la chanson française, comme le prouve sa place de demie-finaliste au concours Georges Moustaki en 2014 pour son premier album L'Un et l'Autre (2012). Avec Ma Folie aime, la chanteuse enfonce le clou et nous invite à la suivre pour cet attrayant rendez-vous musical.

    Marie Baraton, Ma Folie aime, Absilone/la Musique Agence, 2016
    http://www.marie-baraton.com

  • Fishbach, jamais rien vu d'aussi mortel

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    Je vous préviens, Fishbach ne va pas vous laisser indemne. Son premier EP éponyme, sorti il y a un peu plus d'un an, est un mélange de d’électro-rock nerveux et de pop survitaminée. Dans la grande veine de ses aîné(e)s des années 80, l'artiste originaire de Charleville-Mézières ne craint pas de saturer ses titres de guitares saturées et de laisser sa voix puissante se noyer dans des torrents de synthétiseurs, tel le chant amoureux, sombre et gothique Tu vas vibrer : "Tu vas vibrer / comme un chien dans une caisse".

    La jeune chanteuse, que certains comparent déjà, pour son énergie déployée, à Catherine Ringer - certains ont même cité Jeanne Mas - pioche dans la new wave, ce mouvement musical que l'on pensait à tort disparu corps et âme depuis la fin des années 80.

    La musicienne a un talent indicible pour construire des morceaux à la mélodie imparable, à l'image de Mortel : "Jamais rien vu d'aussi mortel que ces tirs au hasard / Je viendrai demain aux nouvelles à la lueur du phare."

    Béton mouillé a une complexité follement séduisante : une ligne mélodique joliment travaillée et une architecture musicale faisant se croiser des chœurs vaporeux, la voix androgyne de la chanteuse, des boîtes à rythme sèches et puissantes et des synthétiseurs aux sonorités 80's.

    Reparlons années 80, justement, avec cette reprise hallucinée d'un titre de Bernard Lavilliers, Night Bird – intitulé, pour l'occasion, Night Bird (Petit Monstre). Le talk-over (parlé-chanté) dans le morceau original (voir le clip de Bernard Lavilliers sur ce lien) laisse place chez Fishbach à de l'électro-pop dans la droite lignée du poème mélodique et psychédélique de l'auteur d'Idées noires. Le Night Bird de Fishbach s'affranchit du texte d'origine aux multiples méandres ("Petit monstre pourquoi m'as-tu aimé / Je t'ai cherchée sans le savoir, / Je t'ai trouvée sans le vouloir, / Le sang est beau lorsque il est frais / Je connais la nuit de ta mort...") mais propose la même lecture musicale brute et sombre. Lavilliers peut se féliciter d'avoir été une telle source d'inspiration.

    Il semblerait que Fishbach prenne une autre dimension avec son prochain album, À ta Merci, qui sortira le 27 janvier prochain. En attendant, le premier titre, Y crois-tu ?, s'annonce déjà comme un tube en devenir, aux accents rimbaldiens : "Je t'ai vu t'avais l'air de plaire / Je t'ai bu la nuit dans la mer / Tu n'as vu en somme / Que de beaux ébats / Le reste tu t'en cognes." La native de Charleville-Mézières est plus que jamais à suivre. Dans la suite de ce nouveau disque, elle sera en concert à la Cigale le 14 mars prochain.

    Fishbach, Fishbach, EP, Entreprise, 2015
    Fishbach, À ta Merci, Entreprise/Sony Music, 2016
    http://ffishbach.tumblr.com

  • Alys, la chanteuse qui n’existait pas

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    Elle s’appelle Alys, a 21 ans, de longs cheveux bruns coiffés en tresse, a commencé sa carrière le 10 mars 2014, a déjà 14 000 fans sur les réseaux sociaux et fera son premier concert en salle, Rêve de Machine, au Trianon le 17 décembre prochain. La belle sera entourée de quatre musiciens pour un concert d’une heure trente très rock. Et pourtant, Alys n’existe pas.

    Cette chanteuse incapable de la moindre fausse note est en réalité une artiste virtuelle, créée par la start-up VoxWave qui entend bien présenter Alys au prochain concours Eurovision, pour représenter la France. Oui, le successeur de Marie Myriam pourrait bien être une machine !

    Alys est un personnage numérique. Elle est projetée en 3D sur scène grâce à un écran holographique conçu par la société Auvitek Event. Plus important sans doute, la voix a été conçue grâce à un travail mené par VoxWave et la société Plogue Art et Technologie. "Artiste" électro pop, Alys pourrait bien faire le buzz les prochains mois. Le bloggeur ne sait pas si cette création virtuelle est une bonne chose ou non pour l’humanité, mais nul doute qu’elle pourrait bien bousculer la vieille dame de l’Eurovision.

    Alys prépare son premier show live pour le 17 décembre 2016 au Trianon à Paris. 

    Rêves de Machine, au Trianon de Paris, 17 décembre 2016
    http://www.voxwave.fr

  • Sarah Mikovski, douce et acide comme une Tête Brûlée

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    Quelques chansons douces que nous chantent Sarah Mikovski dévoilent un univers aussi délicieux et acide qu’une Tête Brûlée, vous savez, ces friandises adorées par nos chères têtes blondes. La chanteuse sort en ce moment son troisième EP, Ma Vie en Rose. Sarah Mikovski, qui avait été remarqué en 2014 pour son premier EP et multi récompensée dans la foulée (Grand Prix VLR 2015 Centre de la Chanson, Prix de la Ville du Mans 2016 au Pop Festival du Mans, vainqueur de "Et En Plus Elles Chantent" 2014 et du Kiwi Festival 2014 de Lyon), s’affirme dans une veine faussement romantique mais vraiment pop, pour ne pas dire "poptimiste".

    Les sept titres de l’album narrent avec sensibilité, audace et humour des histoires d’amour contrariées, des considérations sur les hommes ou des rêves d’ailleurs (BoraBora et Là d’où je viens). Comment parler d’amour aujourd’hui ? se demande la musicienne dans Comment : "Comment te dire que je t’aime… Comment te dire que je te veux". Dès ce premier titre minimaliste, Sarah Mikovski lance un appel au bonheur et à la vie à deux. Est-ce possible ? Dans Les années folles, elle voit les années qui "s’envolent" : "Le temps qui passe... La faute à pas de bol.

    Les hommes tiennent une place privilégiée dans cet album, pour le meilleur et pour le le pire. Dans Les Hommes, la chanteuse se fait "femme à hommes" dans ce titre enlevé et mélodique : "Les hommes, ils me mangent tous à la main", constat-t-elle, d’où le dilemme  : "Comment faire en somme pour en choisir un" ? Ce n’est pas vraiment le problème dans François, où il est au contraire question d’obsession : "Je pense à François… Et toi, est-ce que tu penses à moi ?" Une jolie chanson bien troussée, et non sans humour noir, sur l’obsession amoureuse pour un homme... marié.

    Le romantisme aura-t-il le dernier mot en face de tels déboires ? Sarah Mikovski passe de l’aplomb à la désillusion dans Crois moi mon amour. L’amour éternel se prend un coup dans l’aile : "Tes mots sont des vautours qui ont mangé mes yeux et brûlé mon destin." L’apaisement pourrait bien venir de la fuite : porter sa croix, avancer et tracer sa route contre vents et marées, à la recherche du bonheur perdu ("Par où qu’c’est qu’on y revient ?" chante l’artiste "poptimiste dans Là d’où je viens).

    Ça c’est Sarah : des chansons qui balancent entre espoir et désabusement, mais avec cette fraîcheur et cette insouciance à revendre.

    Sarah Mikovski, Ma Vie en Rose, Neomme, 2016
    http://www.sarahmikovski.com

  • Mell, on "Danse" ou on déprime ?

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    Mell vient de sortir Déprime & Collation, son sixième album, un vrai concept album d’une belle audace musicale. Les influences de la chanteuse, née du côté de Nancy et vivant depuis deux ans à Montréal, sont à chercher tous azimuts : rock anglais des années 70/80, new wave, folk nord américaine ou électro. Les vingt titres de Déprime & Collation, d’une grande variété mais paradoxalement aussi d’une grande cohérence, dessinent le visage d’une artiste aux facettes multiples, bien décidée à s’affranchir des barrières et à faire entendre sa voix.

    L’album commence par un titre rock rugueux mâtiné d’électro, Ton corps j’ai crié. La voix androgyne de Mell parle sans artifice d’amour et de séparation : "Où est passé ton corps / Où est passé la mort / Que je frôlais chaque soir" dit la chanteuse dans ce titre brut et sans artifice, rude comme l’amour.

    Son et guitare rock encore avec Snack & Blues. Non sans nostalgie et avec le parti pris du lofi neighties, Mell nous parle encore d’amour, une nuit de déprime et de gueule de bois : "Tour du monde / All night long / Serre-moi encore jusqu’à ma mort / Tout le monde rentre chez soi / Moi je m’écroule à chaque pas / De quoi j’ai l’air à cette heure là".

    Mell puise aussi avec énergie dans les années 80 pour des chansons punk-rock coup de poing et enlevées. Hey, Mort de rire et Danse c’est The Clash ressuscité et dopé à l’électro par une musicienne qui n’a pas froid aux yeux. Mell carbure à la new wave dans Au cinéma, transportant l’auditeur dans une salle obscure pour une idylle sucrée et éphémère : "Emmène-moi au cinéma / Que je puisse te toucher dans le noir / Comme si c’était la première fois / Je tremblerai / Tu souriras" : injection de nostalgie garantie.

    Le titre de l’album parle de déprime. Disons, pour être juste, que c’est vers la mélancolie et la nostalgie que penche la majorité des titres. C’est She said, ballade électro, Mon enterrement, une mélodie folk à l’ironie mordante, ou encore Tes yeux verts, titre folk lumineux et minimaliste : "Dans tes yeux clairs / J’ai vu la mer / Dans tes yeux verts / J’ai vu l’enfer… / Non je n’ai pas peur des tempêtes".

    Où te caches-tu ? penche du côté de Nick Drake : "Où te caches-tu mon amour / Dans quel pays / Dans quel faubourg". Cette ballade folk, sur le thème de l’amour et de l’identité, est savamment mise en relief par petites touches, sans dénaturer une mélodie simple, une voix délicatement posée et une guitare sèche lofi.

    Au Louvre c’est encore du côté de la pop-folk qu’il faut chercher l’influence de l’artiste pour une chanson qui parle d’une absence, de la recherche de sens et de l’évidence d’un manque au milieu des galeries immenses du célèbre musée parisien : "Des chats sauvages me tombent dessus / Et puis ton corps à moitié nu / Au-dessus du vide sous les étoiles".

    Déprime & Collation est particulièrement riche de titres instrumentaux faisant la part belle aux synthétiseurs et à l’électronique, qui ne sont pas sans rappeler la mythique Trilogie berlinoise de David Bowie et Brian Eno ( Low, "Heroes" et Lodger). Comme aux plus belles heures des concept-albums, deux courts interludes viennent ponctuer l'album concept de la native de Lorraine: c’est Marécages invisibles et surtout Dot-111, formidable titre psychédélique pouvant faire penser à V-2 Schneider dans "Heroes".

    Mell n'est pas non plus avare en titres instrumentaux longs mais aussi exigeants : Les crocodiles qui somnolent, Absurdistan, I love u at five o’clock ou Poisson chat qui conclut l'album. Astronaute de son corps est une belle page électro tout en voyage, mêlant guitare aérienne et synthétiseurs. No barricade se révèle être un instrumental harmonieux et séduisant où les guitares décrochent un rôle de premier choix. Rarement des accords de cordes n’ont parus aussi évidents. Canaille mayonnaise mêle quant à lui des guitares rock rugueuses et un son électronique comme venu d’outre-tombe.

    Album audacieux, déstabilisant, et pas si déprimant que cela, Mell offre un diamant musical, riche de surprises mais aussi de promesses.

    Mell, Déprime & Collation, Art Disto / L’Autre Distribution
    sortie nationale le 10 novembre 2016

    Page Facebook de Mell
    Mell en tournée & promo en France tout le mois de novembre
    dont le Divan du Monde à Paris  le mardi 29 novembre
    (avec Katel, Céline Ollivier, Adrienne Pauly et Nicolas Jules)

  • Marie, j’adore

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    Sur la pochette de son premier EP, L’été n’existe plus, le profil hiératique de Mârie Adôre donnerait à cette nouvelle figure de la chanson française une lointaine parenté entre Barbara et Marie Callas. Là s’arrête pourtant la ressemblance car, en réalité, c’est du côté de l’easy listening qu’il faut sans doute chercher les influences de Mârie Adôre.

    L’artiste puise dans la pop des années 50 et 60 l’inspiration pour un premier album élégant tout entier dédié à l’amour. Guitares langoureuses, cordes délicates, instruments acoustiques et voix assurée sont au service de chansons pop sucrées et acidulées.

    Mârie Adôre tourne autour de l’amour, qu’il soit passionné, grisant ou cruel : celui, éphémère, des amours d’été ("Coquillages et trucs cassés / Mon cœur s’est arrêté… / L’été a volé mon amour" dans L’été n’existe plus), l’amour aliénant qui peut être celui d’une femme fatale et inaccessible ("C'est comme un revolver capricieux, / elle te met en poussière quand elle veut", Et toi) ou de ces sirènes séductrices en diable ("Fiancé de passage / ma providence / ton naufrage / viens goûter le sel sur ma peau / viens voguer sur mes flots", Les Sirènes). La grande aventure de l’amour trouve son illustration la plus géniale dans le dernier titre, Un dernier baiser, composé à la manière d’une bande originale… de western. Et pourquoi pas ?

    Mârie Adôre offre à l’auditeur un premier EP travaillé avec soin. La pop sixties, mâtinée de blues et de jazz, est au service de chansons justes, cinématographiques et lyriques, interprétées par une artiste au tempérament bien trempé – et déjà attachante. Mârie Adôre : une "mauvaise fille", comme elle le chante ? Allons, allons…

    Mârie Adôre, L’été n’existe plus, 2016
    disponible sur Apple Music, Deezer et Spotify

    Mârie Adôre, Page Facebook officielle
    Mârie Adôre sur Kiss Kiss Bank Bank