Ne vous arrêtez par à ce look de hipster. Lucien Chéenne cache derrière sa barbe grisonnante l’âme d’un poète écorché vif.

Hôtel, qui ouvre son nouvel album Larmes aux poings – un titre magnifique que plus d’un et plus d’une aurait pu trouver – un bel album de chansons pop. Dans ce morceau d’ouverture, il chante la désillusion de ces nouveaux voyageurs, de solitude des VRP  et de l’absurdité de ces "voyageurs du lointain", "des hôtesses sans prénom" et des "minibars dévastés".  

Lucien Chéenne a composé ce nouvel album en partie à Astaffort avec l’aide de l’équipe de Francis Cabrel (Jérôme Attal, Julien Lebart, Olivier Daguerre). Il est vrai que l’on reconnaît les sensibilités pop-folk de Cabrel, tout comme le travail sur le texte. Que l’on pense à Je suis une fille, le portrait d’une jeune femme mal dans son genre ("Je suis une fille qui ne s’aime pas / Mais il y a un homme qui dort en moi"). Lucien Chéenne y interroge sa part féminine. "Je suis une fille est une folk-song qui trace son chemin entre Radiohead époque Ok Computer et le folk-rock psyché de Nino Ferrer période South", confie-t-il.

Le folk se fait méditerranéen – on parlait, tout à l’air de la petite ville d’Astaffort – avec cet autre morceau Les écorchés. Lucien Chéenne y parle de l’exil, des voyages déracinants et de la dignité de ces écorchés cherchant à poser leur valise. "Dans leurs yeux brillent la lumière d’une allumette / Petite flamme qui danse encore malgré le vent".

Lucien Chéenne est un artiste attachant, solide bonhomme ayant bourlingué et qui rend dans cet album attachant ses souvenirs, ses "parcours", ses chagrins même aussi ses espoirs, malgré tout ("Tout au long de nos parcours / On a couru derrière l’amour", Derrière l’amour).

Lucien Chéenne est un artiste attachant, solide bonhomme ayant bourlingué

Larmes au poing s’impose comme un opus honnête, sincère et sans artifices. Le règlement de comptes raconte un souvenir d’adolescent, celui d’un garçon refusant "la violence encore". La liberté, dit-il, c’est ne pas suivre "bêtement" les autres et assumer son bon côté : "À quinze ans j’irai pas / Au règlement de comptes / J’y pense depuis hier / Ma douleur est béante / Peu importe le bord / Et qu’importe mon clan". Un message à la fois subtil et sincère par un homme qui en sait quelque chose – il a été éducateur spécialisé dans une autre vie.

Dans Crachés dessus, c’est le récit d’une séparation "sans issue" dont parle Lucien Chéenne. Le travail sur la mélodie est remarquable, tout comme la facture pop-rock et l’invitation au voyage pour tout lâcher, à l’instar de Jack Kerouac. S’il chante un "amour sacrificiel" avec le singulier Vautour de mes bras, c’est avec le morceau Moitié des vacances scolaires que Lucien Chéenne se livre le plus. Il raconte son rôle de père séparé, battant les kilomètres pour son père : "Moitié des vacances scolaires / À mille planètes de toi / Quinze jours les années impaires / Dis-moi quand tu reviendras". Sans doute l’un des meilleurs titres de l’album, pour l’originalité de son sujet, pour le travail sur le texte comme pour la composition et la production.

Barbara avait chanté Nantes. Lucien Chéenne en parle dans un titre commençant sous forme de piano-voix au charmant accent suranné. La ville de Loire-Atlantique n’a pas le plus beau rôle : démente, nerveuse, démoralisante, étouffante et violente ("Nantes ma peine"). Comment s’en sortir ? En la fuyant, bien sûr.

L’album se termine avec Sauvage ennui, mélancolique et touchant récit d’une rencontre : "Souvent je pense à cette nuit / À l’odeur de ta peau charbon / Qui me hante toujours / La vie est d’un sauvage ennui / Quand tu disparais de l’autre / Côté de l’île". Au sortir de cet opus, on a la sensation d’avoir rencontré un artiste au cœur grand comme ça.

Lucien Chéenne, Larmes au poing, Flower Coast, 2025
En concert le 16 août au Petit Poucet, Saint Léon (63)
https://www.facebook.com/luciencheenneofficiel/?locale=fr_FR
https://www.instagram.com/lucien.cheenne

Voir aussi : "Voyages en Électronique"

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Les Cramés de la Bobine présentent à l'Alticiné de Montargis les films A Normal Family. Il sera visible les jeudi 10 juillet, dimanche 13 juillet à 18 heures, lundi 14 juillet à 14 heures et mardi 15 à 20 heures 30. Soirée débat à l’Alticiné le lundi mardi 1er juillet à 20 heures 30.

Deux frères, un avocat matérialiste et un chirurgien idéaliste, se retrouvent régulièrement avec leurs épouses pour dîner dans un restaurant chic de Séoul. Lorsqu’une affaire criminelle qui les implique explose sur la scène médiatique, leur sens de la morale va être mis à l’épreuve.

A Normal Family, drame coréen de Jin-Ho Hur
avec Sul Kyung-gu, Jang Dong-gun, Hee-ae Kim, 2025, 99 mn
Titre original : Bo-tong-ui ga-jog
https://www.cramesdelabobine.org/spip.php?rubrique1590
https://diaphana.fr/film/a-normal-family

Voir aussi : "Dimanches"

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Irrésistible. Voilà le premier mot qui vient à l’écoute de l’album du groupe Womankind, Womanpower.

Derrière ce projet, se cache Sylvie Burger qui a choisi de fusionner chansons françaises et sons latino-américains au féminisme enthousiasmant. Car, oui, cet album engagé refuse d’être chiant. C’est aussi une main ouverte et un cri du cœur, à l’instar de Dis-moi des mots ou, mieux, du premier titre, Aime-moi mens-moi. Un amour vibrant et chaleureux qui est pourtant tout sauf aveugle. Et c’est ça qui est bon.

Womankind choisit des rythmes latinos pour rendre plus souriante des histoires de déception et de rupture (Rappelle-toi, You Don’t Desserve My Love). L’auditeur ne pourra pas être insensible au bouleversant Petit frère. Sylvie Burger raconte un traumatisant sourire d’enfance, à savoir la mort de son petit frère à l’âge de deux ans, lorsqu’elle n’en avait que cinq. Une déchirure d’autant plus tragique que l’enfant est enterré dans la brousse africaine. Vie en communauté, rupture à l’âge de 15 ans avec un petit copain… que lui a piqué son propre père, départ au Mexique (Apaga la luz), passage par la case prison après avoir été chanteuse officielle de la police nationale Mexicaine… Quelle vie ! 

Quelle vie !

Plus d’un et plus d’une ressortirait lessivé⸱e par ces aléas, voire jetterait l’éponge. Pas Sylvie Burger qui a au contraire trouvé dans ces aventures et mésaventures de l’énergie à revendre et de la matière à un album libre, ode à la féminité et à la vie. Ce n’est pas sans espièglerie que l’artiste confie qu’ado, elle a dû faire son "coming in" (sic), pour avoir le droit d’être une femme hétéro…  

Sur un rythme latino, la chanteuse parle, dans Mon ex en Provence, d’un ancien petit ami qu’elle a quitté, entre résignation, regret et tendresse : " Je dois dire qu’il était plutôt mignon / Mais voilà un jour on a vu rouge à Orange / Et le jour où j’aurais pu lui dire oui j’ai dit non… Le soir quand il fait beau, celui à qui je pense / C’est mon ex".

Pour Cosmic Cosma, Womankind propose un joli et jazzy hommage à Pierre Richard, "le plus grand de tous les maladroits que nous a donné le cinéma".

Womanpower of Love c’est un réel chaudron de bonheur, de plaisir et de vie, sans oublier ces danses collées serrées (Sambasalsa) et ce superbe et attachant portrait de La Reine des Grambois, sans doute l’un des plus jolis titres de l’opus et vient conclure l'album.

Womankind, Womanpower of Love, Inouïe Distribution, 2025
https://www.facebook.com/womankind.fr
https://www.youtube.com/channel/UCsQNgIldSr11Y7ZEoo5JJ2w

Voir aussi : "Chaude et envoûtante Méditerranée"

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Ambre Chalumeau, beaucoup la connaissent. Journaliste et chroniqueuse télé pour Quotidien, elle s’est rapidement imposée par sa manière d’arpenter les champs culturels. Curieuse, douée, insatiable, elle sait aussi bien parler peinture que films, musiques ou littérature.

Et c’est justement de littérature qu’il s’agit, mais cette fois avec Ambre Chalumeau comme artiste et écrivaine et plus seulement en médiatrice.

Dans Les Vivants, paru chez Stock, on devine que c’est dans son (jeune) passé que l’écrivaine a puisé son inspiration. Aussi brillante que l’une de ses héroïnes, Diane, fraîchement bachelière et partie pour d’ambitieuses études littéraires. Inséparable de Cora et de Simon, elle voit sa vie bouleversée lorsqu’elle apprend que Simon vient d’être admis subitement à l’hôpital. Il va pourtant falloir avancer, attendre mais espérer, entre visites à l’hôpital, projets personnels et interrogations. Bientôt, les deux jeunes femmes se lient avec une troisième femme, Céline, la mère de Simon.

Un roman passionnant. Mais comment ? 

Sur une histoire tristement ordinaire – l’hospitalisation d’un jeune homme qui laisse peu d’espoir – Ambre Chalumeau a construit un roman passionnant. Mais comment ?

D’abord, grâce à ce trio de femmes – Diane-Nora-Céline. Que de différences entre la brillante littéraire, la lumineuse Cora aux écorchures secrètes et la mère de famille qui se penche au chevet de son fils ! L’autrice s’attarde paradoxalement peu sur le jeune alité, sinon pour s’intéresser à un secret que ses amies et sa mère apprennent par hasard. Par contre, ce sont ces vivantes qui intéressent Ambre Chalumeau. Diane doit se démener pour maintenir sa tête hors de l’eau. Nora a fort à faire avec un petit ami insupportable qui sera une des victimes collatérale du drame – victime que l’on ne regrettera pas. Et il y a cette mère, bouleversante, blessée, perdue, lâchée par un mari ayant décidé de voir ailleurs.

La maladie de Simon, dont on ne saura rien, est un catalyseur et un révélateur chez celles qui restent. "C’est injuste mais c’est vrai : aucun chagrin, même le plus déchirant, même le plus légitime, n’a suffi jusqu’ici à arrêter la marche du monde. Et souvent, par une force de résilience que je serais incapable de pratiquer ou même d’expliquer, ils ne suffisent pas à arrêter la marche d’une vie."

Pour parler de ce drame, la plume d’Ambre Chalumeau est incomparable : vivante, nerveuse, inventive et non dénuée d’humour. Une belle découverte.

Ambre Chalumeau, Les Vivants, éd. Stock, 2025, 304 p.
https://www.editions-stock.fr/livre/les-vivants-9782234097650
https://www.instagram.com/achalumax

Voir aussi : "La Micro-Folie arrive dans l'Agglomération Montargoise !"

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Reynaldo Hahn est partiellement tombé dans l’oubli. Voilà pourquoi l’enregistrement du Dieu bleu par Les Frivolités Parisiennes (b.records) prend tout son intérêt. Pour ce ballet en un acte crée en mars 1912, le compositeur français né au Venezuela en 1874 (et décédé à Paris en 1947) a composé une musique typique de sa réputation de mélodiste raffiné, attaché aux harmonies et à contre-courant du modernisme qui a vu naître la musique contemporaine au début du XXe siècle.

Dès les premières notes du Prélude, nous sommes bien dans un esprit typique de la musique française de la Belle Époque : harmonique, onirique et fortement influencée par Debussy (que l’on pense au passage éloquemment intitulé Clair de lune). Reynaldo Hahn s’y meut avec grâce, pour ne pas dire magnificence.

Le Dieu bleu était au départ une commande de Serge Diaghilev pour les Ballets Russes sur un argument de Cocteau. L’histoire s’apparente à un conte oriental et pittoresque, que ne manque pas de refléter la musique de Hahn (Première danse, Danse des porteuses d’offrandes et des musiciennes). Sur un argument assez classique – une histoire d’amour impossible entre une jeune femme et un prêtre voué à la religion et que le Dieu bleu va autoriser et accepter de bénir – le compositeur imagine une musique à la facture classique et aux inspirations orientales, l’histoire étant sensée se passer dans une Inde fantasmée. 
Les spectateurs et spectatrices de 1912 ont été à l’époque convaincus par la qualité de la composition somme toute assez académique et n’étant pas sans rappeler le Shéhérazade de Nikolaï Rimski-Korsakov (Danse des Bayadères du Lotus). Reynaldo Hahn peut bien faire des concessions au modernisme dans un but expressionniste (Danse des Yoghis), il n’en reste pas moins vrai que son opus a bel et bien été éclipsé par ces autres ballets révolutionnaires que furent Petrouchka, L'Oiseau de feu ou le Sacre du Printemps dans les mêmes années.

Son œuvre a été éclipsée par ces autres ballets révolutionnaires que furent Petrouchka, L'Oiseau de feu ou le Sacre du Printemps

L’orchestre de 70 musiciens et musiciennes des Frivolités Parisiennes, que dirige Dylan Corlay, se pose en découvreur d’une œuvre qui n’en reste pas moins dense, intelligente et sensible. Romanesque et romantique aussi (Scène de la jeune fille), mais non sans moments tragiques, à l’instar de celui de La Colère des prêtres qui fait basculer l’histoire du couple. Pensons aussi aux apparitions fantasmagoriques de Monstres et démons.

On ne sera paradoxalement pas dépaysé par ce ballet à la facture classique – les mauvaises langues utiliseront le terme "académique" – dont l’enregistrement public (à la Cité de le Musique et de la Danse de Soissons, en septembre 2023) présente l’avantage de sortir le Maestro Reynaldo Hahn d’un injuste oubli. Le musicologue Christophe Mirambeau parle dans le livret d’accompagnement de l’album de "l’incroyable modernité" du compositeur. Soulignons aussi qu’il s’agit d’une œuvre attachante dans sa simplicité (Le miracle, La déesse paraît).

Le moment phare du ballet reste la danse éponyme du Dieu bleu. Le morceau séduit par sa richesse harmonique et par ses riches teintes orientales, poétiques à souhait. La musique de Reynaldo Hahn ne dépareillerait pas dans une bande originale de film actuel. Alors, parler d’auteur dépassé ? Oublions cela. L’ensemble des Frivolités parisiennes mettent à l’honneur une partition solide, raffinée et non sans originalité (L’enchantement divin), certes avec cet exotisme oriental typique de l’époque. Pour ne rien gâcher, ce conte dépaysant se termine avec un happy end, où l’amour des deux jeunes gens peut se vivre au grand jour (Les amants se réunissent) sous le regard des dieux (L’escalier d’or et la montée du Dieu). Une vraie belle curiosité. 

Reynaldo Hahn, Le Dieu bleu, Les Frivolités Parisiennes,
dirigé par Dylan Corlay, b•records, 2025
https://www.b-records.fr/le-dieu-bleu
https://reynaldo-hahn.net/Html/balletsDieuBleu.htm
https://lesfrivolitesparisiennes.com

Voir aussi : "4 voix désirables"
"Loïe Fuller sur les pas de Salomé"

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Les Cramés de la Bobine présentent à l'Alticiné de Montargis les films Dimanches. Il sera visible les jeudi 3 juillet, dimanche 6 juillet à 18 heures, lundi 7 juillet à 14 heures et mardi 8 juillet à 20 heures 30. Soirée débat à l’Alticiné le lundi mardi 1er juillet à 20 heures 30.

Un couple de paysans âgés vit paisiblement dans un petit village de la campagne ouzbek où il travaille la laine. Peu à peu, son existence se voit bouleversée par les sollicitations de ses deux fils, qui insistent pour faire pénétrer la technologie chez eux malgré leurs réticences – et avec une idée derrière la tête : démolir la vieille maison qu’ils habitent pour en construire une nouvelle, afin que le plus jeune fils, ayant réussi à l’étranger, puisse en faire sa résidence secondaire...

Dimanches, drame ouzbèque de Shokir Kholikov
avec Abdurakhmon Yusufaliyev, Roza Piyazova, 2025, 97 mn
Titre original : Yakshanba
https://www.cramesdelabobine.org/spip.php?rubrique1595
https://carlottafilms.com/films/dimanches

Voir aussi : "Ce n’est qu’un au revoir & Un pincement au cœur"

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La Micro-Folie de l’Agglomération Montargoise ouvre ses portes lors d’une journée festive le samedi 5 juillet 2025 de 10 heures à 12 heures et de 14 heures à 18 heures. Accès libre à l’arrière du musée Girodet, par le parc Durzy.

Au programme de cette journée : des ateliers pour toute la famille, de la musique, du théâtre d’improvisation et des visites libres du musée virtuel. Le tout, gratuitement ! La Micro-Folie restera dans le bâtiment du musée Girodet pendant plusieurs mois avant de se déplacer sur tout le territoire de l’Agglomération Montargoise Et rives du loing.

Le réseau Micro-Folie permet de rendre la culture accessible à tous en réunissant plusieurs milliers de chefs-d’œuvre de nombreuses institutions et musées régionaux, nationaux et internationaux.

Chaque Micro-Folie dispose d’une collection de plus de 5 000 œuvres, en constante évolution. Chefs d’œuvres artistiques, créations remarquables, archives sportives, spectacles vivants ou encore documentaires, dans une très haute qualité de définition, sont présentés au public sur grand écran et tablettes numériques, mais aussi grâce à des casques de réalité virtuelle. 
Découverte libre, visites virtuelles, ateliers, jeux, livres et mallettes pédagogiques complètent le dispositif pour accompagner au mieux les visiteurs dans leurs découvertes.

Le projet Micro-Folie est un dispositif culturel porté par le ministère de la Culture et coordonné par La Villette en lien avec 12 établissements nationaux fondateurs. L’Agglomération Montargoise Et rives du loing le propose aujourd’hui sur son territoire, avec le soutien de l’État, du Département du Loiret et de la DRAC.

S’il n’est pas toujours possible d’aller vers les musées, pourquoi les musées ne se déplaceraient-ils pas vers le public ?  

Dès cet été, la Micro-Folie de l’Agglomération Montargoise démarrera ses activités au musée Girodet avant de se déplacer sur tout le territoire de l’Agglomération Montargoise Et rives du loing, au plus près des habitants.

Micro-Folie de l'Agglomération Montargoise
Journée d'ouverture le samedi 5 juillet 2025 10H-12H et 14H-18H
Musée Girodet
https://www.musee-girodet.fr
https://www.lavillette.com/micro-folie

Voir aussi : "Prendre son temps, est-ce le perdre ?"

© Nicolas Krief

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Philipp Scharwenka (1847-1917)  n’est certes pas le plus connu des compositeurs allemands romantiques du XIXe siècle. Manque de bol pour Philipp Scharwenka à l’époque, sa notoriété avait déjà été quelque peu éclipsée par son frère Xaver, plus célèbre que lui – à l’exception toutefois des États-Unis où Philipp a remporté un certain succès. Oublié depuis, on doit son retour en grâce à un très joli album de la pianiste turque Cansu Sanlidag. Elle propose, sous le titre The Nocturnal Poet, des œuvres représentatives du compositeur, à savoir sa Ballade op. 94, la Rhapsodie op. 85 n° 1, le Scherzo op. 97 n°3 et les six premiers Abendstimmungen op. 107.

Cansu Sanlidag caresse les touches de son clavier pour la langoureuse et mélancolique Ballade composée en 1894, ponctuée de moments lumineux et presque joyeux. L’influence de Chopin est évidente dans cette pièce. Rien d’étonnant que le compositeur polonais soit cité ici. Philipp Scharwenka et son frère Xaver sont natifs de Samter, actuelle Szamotuly, en Pologne. Ils ont par la suite rejoint en famille Berlin où le musicien a passé la majeure partie de sa vie. Il faut préciser que faire sa place musicale dans la bouillonnante capitale allemande n’a pas été simple. Après les décès des postromantiques allemandes que furent Liszt et Wagner, les Scharwenka ont été éclipsés par ces autres "monstres" qu’ont été Mahler, Wolf ou Richard Strauss. Aussi on ne peut que saluer l’entreprise de Cansu Sanlidag de faire sortir de l’ombre ce "poète nocturne".

Faire sa place musicale dans la bouillonnante capitale allemande n’a pas été simple

Les six Abendstimmungen op. 107 (littéralement "ambiances du soir") ont été composées en 1915. Philipp Scharwenka suit ses propres inspirations, bien loin du tapage de ses contemporains. Le néoromantisme est à l’œuvre chez lui, alors que la musique prend à l’époque bruyamment la voie de la modernité (Schoenberg, Berg et Webern, pour ne citer qu’eux). Pédagogue réputé, Philipp Scharwenka fait le choix du classicisme, de la pudeur et de la retenue. Cansu Sanlidag, dont la virtuosité est reconnue dans le monde, rend hommage à un compositeur aussi discret en ville que classique dans ses pièces (n°1). Le deuxième Abendstimmung renvoie à Chopin, lorsque le n°3 se fait plus onirique, plus inquiétant aussi. La Rhapsodie op. 85 datant de 1891, robuste et sombre, prouve que le romantisme est loin d’être mort lorsque Philipp Scharwenka compose cette pièce tourmentée et ambitieuse.

Le quatrième Abendstimmung séduit par sa mélancolie au rythme entêtant, on pourrait même dire par sa dramaturgie exprimée par une Cansu Sanlidag décidément bien inspirée. Le n°5 laisse exploser les sentiments du compositeur allemand, avec toujours cette simplicité dans l’écriture et une interprétation hypersensible de la pianiste.

Le sixième Abendstimmung s’écoute comme une saynète intime, touchante et simple. Philipp Scharwenka s’y montre tel qu’en lui-même, posé et à l’abri des tourments du monde, un monde à l’époque plongé dans le fracas de la première guerre mondiale – le musicien décède en 1917 sans avoir revu la paix.

L’enregistrement se termine avec le Scherzo n°3, écrit en 1896. Le morceau a eu un joli succès à l’époque. Pétillant au départ, il monte peu à peu en gravité et en expressivité. Cansu Sanlidag s’y meut avec un naturel évident mais aussi un rare plaisir. Celui aussi d’avoir pu nous faire découvrir un compositeur injustement tombé dans l’oubli.     

Philipp Scharwenka, The Nocturnal Poet, Cansu Sanlidag (piano), Pavane, 2025
https://www.cansusanlidag.com
https://www.instagram.com/p/DJznLjOtmmF

Voir aussi : "Bach made in Rana"

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