"Qui n’est occupé à naître est occupé à mourir" : cette citation de Bob Dylan illustre à merveille le premier album de LeHache, Né ! Une vraie naissance musicale pour un auteur-compositeur qui s’est autant nourri de littérature et de poésie françaises (François Villon, Victor Hugo, Jack Kerouac ou Henry Miller) que de musiciens folks (Woody Guthrie, Yves Simon ou Bob Dylan, justement). D’autre noms peuvent être invoqués à l’écoute de l’opus de LeHache : Georges Brassens, Anne Sylvestre et même Bobby Lapointe.

Christian Le Hache, dans l’état-civil, a fait longuement infuser son art en se frottant à des projets tous azimuts, essentiellement dans la région Rhône-Alpes : Jazz avec Kayros (Jazz Clubs de Chalon sur Saône, Bourg En Bresse et Lyon), le collectif AFAG (Festival Un Doua De Jazz à Villeurbanne), l’électro-jazz avec le duo NH++ (Nuit de tous les jazz à Porte-Les-Valence), l’adaptation rock autour du répertoire de Bob Dylan avec Edith Grove (SMAC La Tannerie, Bourg En Bresse) ou encore la création du trio a cappella Cortex Sumus en 2011.

Né !, écrit avec son co-parolier Gérard Viry, sonne comme l’aboutissement d’un parcours artistique atypique que le musicien retrace à sa manière, faisant de son opus un autoportrait, riche de souvenirs (Jalousie, Honfleur), de confessions (Le jardin retrouvé) et de saynètes intimes, à l’instar de La revanche de L'Édredon ou de Mes Gauloises bleues.

Ces fameuses Gauloises bleues renvoient bien entendu aux cigarettes emblématiques de Serge Gainsbourg, à une époque où les préoccupations sanitaires n’étaient pas celles d’aujourd’hui, mais aussi à Yves Simon et à sa chanson Les Gauloises bleues. LeHache confie ceci : "Je pense à ces nuages de l'époque. Gainsbourg pour les nuages (mais il était plus Gitanes que Gauloises) et Yves Simon, bien sûr, référence majeure… Cependant Yves Simon évoque les Gauloises comme un jardin secret de jeunes gens. Dans Mes Gauloises Bleues nous [Gérard Viry et LeHache] évoquons plutôt un type devenu vieux, qui s'envole pour le dernier voyage."

Sincérité, simplicité et exigence

La mort n’est pas absente de cet album singulièrement nommé Né ! Cet premier opus frappe par sa sincérité, sa simplicité et son exigence. Guitare sèche et voix au grain âpre : nous ne sommes pas en terrain tout à fait inconnu avec ce chanteur qui a digéré de multiples influences tout au long de sa carrière, que ce soit Georges Brassens (Onde vagabonde), Hugues Aufray (Ce pays est à toi), Boris Vian ou Sanseverino (La jeune bouchère, Né !).

Le choix de l’acoustique permet à l’auteur-compositeur de laisser un boulevard à des mélodies parfois étonnantes de complexité, à l’instar de Jalousie, et surtout aux textes ("Mon petit doigt me dit qu’il n’est point spectaculaire / D’arpenter chaque jour les mêmes recoins de la terre / La vie fait des mystères mais d’une chose je suis sûr / J’aime le bout du nez au milieu de la figure", Né!).

Les chansons de LeHache sont teintées de couleurs pop-folk (Ce pays est à toi), manouches (La jeune bouchère) ou latinos (À force de lumières). Né ! Est un vrai album généreux et une invitation bienvenue à une France à la fois plurielle mais jamais amnésique de ses traditions musicales (le Gainsbourg, en filigrane de Mes Gauloises Bleues, nous l’avons dit) et même littéraires (Henry Miller).

Faux désinvolte et vrai troubadour contemporain à l’heure des Trente Piteuses, LeHache propose des déambulations et des voyages – intérieurs ou non – qui sont prétextes à des flux de souvenirs, quand ce ne sont pas des regrets (Honfleur). L’autodérision n’est jamais absente, lorsque par exemple le chanteur parle de lui-même ("Je sais rien faire de mes dix doigts / Quand je bricole je bousille / Si j’aide dans un chantier / Ça faire rire les filles / À mon âge avancé je suis célibataire / Car je cherche une femme qui aurait les goûts de ma mère", Le jardin retrouvé). Il sait aussi se faire touchant à l’évocation d’un premier amour, évanescent et éternel tout à la fois (Durance).

Dans cet opus à la folk aventureuse (Guapo), les introspections deviennent des cavalcades, avec la voix sans fard de LeHache, la guitare bien calée contre lui. Une naissance, certes sur le tard, d’un auteur-compositeur à suivre.

LeHache, avec Gérard Viry, Né !, autoproduit, 2019
www.lehache.fr
"De fièvre et de Sang"
http://www.sylviethouron.fr

Voir aussi : "Du plaisir à Eugene avec Loftän"

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C’est une reprise étonnante que nous propose Cœur de Pirate, avec Femme Like U. Ce tube des années 90 de K. Maro, qui a fait les beaux jours des boîtes de nuit avant de tomber dans l’oubli, reprend vie grâce à notre Québécoise préférée.

Femme Like You par Cœur de Pirate est le 3e titre de la compilation Back dans les bacs, après la sortie de Je Danse Le Mia repris par Corine et Angela des Saïan Supa Crew, révisité par Mathieu Boogaerts.

Femme like U se pare de couleurs pop acidulées et d’une rythmique lancinante. Le clip est à l’avenant : l’auteure de Comme des enfants fait une lecture moins dansante que langoureuse du titre de K. Maro, qui ne pouvait pas rêver plus belle adaptation.

Bla Bla Blog vous propose de découvrir de ce qui promet déjà d’être un incontournable tube pour cette fin d’année et un retour nostalgique vers les années 90.

Pour la compilation de Back dans les bacs, Cœur de Pirate côtoira Alex Beaupain, Matthieu Boogaerts, Corine, Arielle Dombasle, Doriand, Élodie Frégé, Mareva Galanter, Holybrune, Igit, Madame Monsieur, Inna Modja, Navii, Lili Poe, Rocky et Shy’m.

Cœur de Pirate, Femme like U, in Back Dans Les Bacs, E47 Records, 2019
https://backdanslesbacs.lnk.to/FemmeLikeU

Voir aussi : "Imagine all the people"

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Nous avions parlé il y a quelques semaines du précédent album de Samy Thiébault, Caribbean Stories et de son jazz se nourrissant de couleur créoles et caribéennes. Revoilà notre saxophoniste avec Symphonic Tales, un album tout autant syncrétique et bigarré, et cette fois avec grand orchestre, pour un alliage ambitieux entre jazz, classique mais aussi musiques du monde.

Ces contes symphoniques avec l’Orchestre Symphonique de Bretagne, sous la direction d'Aurélien Azan Zielinsky, sont autant de morceaux de bravoure, d’une ambition désarçonnante. Le premier titre, The Flame, cueille ainsi a froid l’auditeur grâce à son opulente richesse musicale aux parfums orientaux.

Pour cet opus, Samy Thiébault s’est entouré, en plus de l’ensemble symphonique breton, d’Adrien Chicot au piano, Sylvain Romano à la contrebasse, Philippe Soirat à la batterie et Mossin Kawa au tablas. "Après m'être réapproprié la lenteur, j'étais mûr pour l'orchestre" commente le saxophoniste de jazz, qui avoue aussi s’être essayé à la composition symphonique lors de ses études au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris. "Cela correspond à des choses que je voulais entendre chez moi depuis longtemps"ajoute-t-il, dans cet opus finalement plus personnel que ne laisse entendre la réalisation impressionnante de Sébastien Vidal et de Philippe Teissier Du Cros au son.

Facture classique et facile ? Non : mais romantisme et goût de l'épique, à l'instar d'Élévation dont la puissance lyrique est contrebalancée par un deuxième mouvement jazz que l'on croirait cinématographique.

Les deux premiers titres de ces Symphonic Tales constituent à eux seuls presque la moitié d’un album composé de huit morceaux. C’est dire la place de The Flame et Élévation, impressionnants dans leur architecture comme dans leur orchestration. Samy Thiébault ignore la frontière entre jazz et classique, entre John Coltrane et Claude Debussy ou entre Ravi Shankar et Maurice Ravel.

Diva and Shiva, romanesque et enlevé, donne au saxophone toute sa place comme si le jazzman proposait un concerto bigarré, coloré et aventureux. Pour Jahan Jog Joy, on sent tout le parfum orientalisant, laissant aussi toute sa place à l’ improvisation. À l’instar du titre Ajurna, aux percussions d’une belle variété, l’artiste mixe les influences avec une passion communicative.

L'album se termine sur un Diwali concis, mais non moins coloré en guise de clôture délicate et déroutante.

Samy Thiébault, Symphonic Tales
Avec l’Orchestre Symphonique de Bretagne, sous la direction d'Aurélien Azan Zielinsky
Gaya Music/l’Autre Distribution, 2019
http://www.samythiebault.com
https://www.facebook.com/samythiebault

Voir aussi : "Les histoires caribéennes de Samy Thiébault"

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Hexagone, le magazine de la chanson, propose ce trimestre un dossier spécial consacré à Allain Leprest. Alors que cette très belle revue de référence s’interroge sur sa propre pérennité ("Voilà que nous entamons – déjà – notre quatrième exercice. Sera-t-il le dernier ?" écrit avec beaucoup de gravité David Desreumaux, le rédacteur en chef), voilà qu’Hexagone s’offre le luxe de s'intéresser à un artiste majeur mais largement méconnu.

Qui connaît Leprest, ce chanteur immense, décédé tragiquement en 2011 ? Une réflexion frappante revient régulièrement tout au long de ces chroniques et interviews : comment un tel artiste, jugé à l’égal d’un Brel, d’un Ferré ou d’un Brassens, a-t-il pu passer sous les radars du grand public et des médias, alors que la réputation d’Allain Le Prest était bien ancrée dans le milieu musical tout au long de sa carrière ? Didier Pascalis, son dernier producteur (Tacet), le résume ainsi : "Nous sommes dans une sorte de paradoxe : tous les journalistes, tous les professionnels savent qu’Allain Leprest était un génie, mais ces chansons ne passent pas à la radio…" Son ami et représentant de droit moral avance une explication : "Les gens qui reconnaissent le génie d’Allain, ceux qui disent que ses disques sont formidables ne sont pas les faiseurs d’opinion."

Cela rend d’autant plus remarquables les tentatives de faire découvrir l’œuvre de Leprest, à l’instar de Gauvain Sers qui a fait sans doute plus pour sa reconnaissance grâce à quelques syllabes répétées dans son titre Pourvu que beaucoup de spécialistes ou passionnés.

La revue propose de relire l’interview qu’Allain Leprest avait donné en juin 2002 au webzine L’art-scène, une entrevue dans laquelle le musicien se dévoilait sans artifice, revendiquant son indépendance, tout en parlant de ses relations avec les éditeurs, de ses ateliers d’écriture, de son engagement, de la peinture ou d’une reconnaissance artistique que lui-même confie avoir obtenu : "Ça doit faire vingt-cinq ans que je fais officiellement ce métier, et comme on parlait d’artisanat, j’ai eu l’impression de passer un CAP de chanteur, d’être reconnu par mes pairs et d’être reconnu par ce qui doit être dévolu à un chanteur, c’est-à-dire un public."

L’œuvre est tellement colossale, voire abyssale

Une preuve de l’immense respect que lui portaient ses pairs et ses amis artistes ? Deux albums de reprises de son vivant, en 2007 et 2009 (Chez Leprest, vol. I et II), avec notamment Olivia Ruiz, Sanseverino, Michel Fugain ou Agnès Bihl (Ah, l’inoubliable reprise du Copain de mon père!). Hexagone interroge pour les besoin de son dossier Loïc Antoine, intarissable sur son amitié avec Leprest et sur l’apport artistique de ce dernier. Les journalistes Patrice Demailly et Stéphane Hirschi s’expriment, eux, sur l’apport artistique et musical de Leprest, y compris parmi la jeune génération, dont Marion Cousineau, qui voit son œuvre comme un "phare" : "Il n’est plus là, mais il n’est jamais loin."

Allain Leprest ce génie discret et décédé depuis plus de huit ans,  allait-il être définitivement oublié ? Beaucoup – et la rédaction d'Hexagone en fait indubitablement partie – ont décidé que non. Son travail d’auteur-compositeur continue d’être redécouvert, et l’on se prend à envier l’auditeur qui viendrait à découvrir le chanteur pour la première fois…

En 2019, il y a bien une actualité Leprest : une version symphonique d’un choix de compositions vient de sortir en disque, en même temps qu’une tournée avec l’Orchestre National des Pays de la Loire (ONPL). Leprest en Symphonique, proposé par la société de production Tacet et Didier Pascalis. Leprest en Symphonique rassemble les chanteurs et chanteuses Romain Didier, Clarika, Sanseverino, Cyril Mokaiesh, Alexis HK et Enzo Enzo pour un spectacle de reprises qui est aussi une proposition de rencontres entre le public et l’œuvre d’Allain Leprest, puisqu’en plus de la tournée qui sevrait se poursuivre en novembre 2019, un album est proposé avec des versions d’un choix de titres (Francilie, Y’a rien qui se passe, Nu, Dans l’sac à main d’la putain ou Donne-moi de mes nouvelles). Romain Didier, Clarika, Sanseverino et Cyril Mokaiesh présentent ce projet artistique dans une interview croisée qui est aussi celle d’admirateurs. Sanseverino confie ceci : "Il n’est pas facile de parler de Leprest, parce que Leprest parle tout simplement ! L’œuvre est tellement colossale, voire abyssale."

Hexagone, "Après Leprest", automne 2019
Leprest en Symphonique, Tacet, 2019
Nicolas Brulebois, Gens que j’aime, éd. Jacques Flament, 2014, 329 p.

Voir aussi : "Gauvain Sers, l’autre chanteur énervé"
"Chants songs"

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Je vous avais parlé il y a quelques semaines de Maya Kamaty et de maloya, cette musique créole venue de La Réunion. Dans Tatoo Toota, Marjolaine Karlin vient puiser elle aussi dans cette culture, mais d’abord en français, pour un album coloré. Délicieux, délicat et sensuel cet opus l’est, mais aussi riche de folies poétiques mais aussi de noirceurs : "Tombe tombe la pluie / (Tu t’en vas) / Tombe tombe sur l’incendie / (Tu t’en vas) / Qui consume ma chair / Qui consume mes nerfs . Et je vois se polliniser / Les petits bouts carbonisés / De mon âme perdue devant sa dispersion / Aux quatre vents" (Tatoo).

Tatoo Toota se pare d’une facture légère, portée par une orchestration à la fois rythmée et colorée. Chez Marjolaine Karlin, la rupture est, par exemple, traitée avec un mélange de légèreté et de mélancolie : Comment rompre parle de séparation, des luttes conjugales, des silences cruels, des batailles autour des enfants, des incompréhensions et des propos inavouables sur un rythme lancinant : "Comment rompre un silence / Dur comme un lac gelé / Sans que cette ouverture / N’inonde le plancher."

Avec Madame la chanson, la musicienne aborde un sujet classique dans le répertoire français : la chanson, justement, dans une conversation avec cet art "mineur" adoré : "Ma mère / Ma sœur / Ma déraison / Mon cœur / Ou bien juste mademoiselle." Marjolaine Karlin revient donc à ses premiers amours, après une parenthèse assumée pour, sans doute, l’une des meilleures raisons qui soit : "Madame la chanson si je t’ai laissée infidèle / C’est la faute au petit garçon que m’a donné la vie réelle."

En duo avec Camélia Jordana

Avec Boat Train, Jaipour et Jewish Cemetery, la co-fondatrice du groupe Wati Watia Zorèy Band (sélection FIP en 2016, après une carrière au sein de Moriarty) propose des titres anglo-saxons sombres et lancinantes. Elle se fait naturaliste avec Boat Train, voyage dépaysant dans des contrées indiennes, voyage qui fait sens pour une artiste bourlingueuse qui a choisi d’inscrire son opus sous le signe du maloya réunionnais. Avec Jewish Cementery, la musicienne puise par contre dans le yiddish pour proposer un titre où se mêlent mélancolie, joie contenue, douceur sensuelle et tristesse que l’on tente de déguiser, un titre auquel vient faire écho In Geto, un a capella court et à la voix sensuelle.

Marjolaine Karlin se fait fiévreuse et terrorisée dans le récit d’un drame vécu par un enfant en proie à la violence, "au mauvais endroit, au mauvais moment" : "Au feu maman j’ai froid / Mon sang se glace et bouillonne à la fois/ Au fou maman je crois / Que tout s’écroule autour de moi." Ce récit de peur, de mort et de violence vient en contrepoint d’un album lumineux dans son ensemble.

Avec La vérité, sans doute le meilleur titre de l’album, Marjolaine Karlin, en duo avec Camélia Jordana, propose une chanson tout en finesse et en images sur cette vérité bien cachée, adorée mais souvent tenue précautionneusement à l’écart : "Comme un vieux collier / Comme un vieux parfum / Le nom de famille / D’un aïeul lointain / Je n’ai jamais porté / La vérité / Ce n’est qu’un drap sale / Un mouchoir qui a vécu / Une veste râpée / Un sac qui ne ferme Plus / Tous ces trucs insortables / Que j’aime et que j’adore / Que je garde au grenier / Qui sont mon réconfort / Mais qui devant les gens /Même cachée m’incommode / Comme s’ils étaient honteux / Ou juste passés de mode." Aurions-nous peur de cette vérité, se demandent les deux chanteuses ? "Et si j’ai l’air de la vêtir un matin d’abandon / Ne m’en faites surtout pas compliment / Peut-être qu’elle est belle et peut-être que je mens."

Tatoo Toota se termine par un voyage au cœur de l’océan indien, sur un rythme et des sonorités mêlant rockabilly, électro et maloya : un vrai voyage intérieur se terminant en musique, en danse, en couleurs et en flux marins.

Marjolaine Karlin, Tatoo Toota, Les Psychophones Réunis/Modulor, 2019
Page Facebook de Marjolaine Karlin

Voir aussi : "Maya Kamaty, la diva du maloya"

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L’écoute de Terra Incognita, le troisième album de Jordane Tumarinson frappe d’emblée : mais d’où vient cet opus et de quel univers ? Classique, jaz, pop ou contemporain ? Sans doute tout à la fois pour ce compositeur français aussi bien nourri par Chopin que par Pink Floyd. Que Jordane Tumarinson sorte des sentiers battus est un euphémisme, et c’est même ce qui fait son côté singulier. Pianiste de formation classique nourri au rock psychédélique, Jordane Tumarinson propose, avec son nouvel opus sorti sur toutes les plateformes il y a quelques jours, un voyage dépaysant à travers douze titres sonnant comme des invitations : Explore, Découvre, Savoure, Patiente, Songe, Traverse, Partage ou Aime.

Son premier album, Capricorne (2018), a remporté un concours de composition ce qui lui a permis d’être labellisé par Blue Spiral Records pour un deuxième album, L’Envol (janvier 2019).

Un artiste déjà très actif donc, proposant avec Terra incognita un album porté uniquement par un piano aux infinies variations, voyageant dans des contrées musicales classiques, pop et contemporaines.

Une véritable bande originale dont il ne manquerait plus que les images

Une grande cohésion unit les douze plages de ce qui pourrait s'apparenter à une véritable bande originale dont il ne manquerait plus que les images, à l’instar de Récolte ou d’Ose. Compositeur néoclassique et revendiquant son goût pour la musique de film, Jordane Tumarinson peut aussi se situer dans la continuité des répétitifs américains, marchant autant sur les pas de Steve Reich que d’Eric Satie. Les notes savent se détacher, tour à tour harassées, légères ou virevoltantes (Explore).

Le musicien célèbre à sa manière la lenteur et la grâce d’un bonheur et d’un plaisir que l’on sait évanescent à l’instar de Savour ou de Patiente. Ce morceau est bien entendu une invitation à la lenteur. Mais il n’est pas non plus absurde de lire derrière Patiente une réminiscence du passé de Jordane Tumarinson puisque l’homme exerce aussi dans le milieu médical, dans l’ostéopathie et l’acupuncture, entre cabinets médicaux et salles d’attentes.

Pour Songe, le musicien se fait lisztien, revendiquant par là-même ses influences classiques. Ce titre est contrebalancé par Traverse renvoyant aussi bien courant répétitif américain qu’au jazz.

Jordane Tumarinson, libre de toute ornière musicale, propose une œuvre déjà singulière que les amateurs et professionnels de musique, comme les réalisateurs en mal de BO, feraient bien de découvrir de toute urgence.

Jordane Tumarinson, Terra Incognita, 2019, sur toutes les plateformes
https://www.tumarinson-composer.com

Voir aussi : "Cinquante nuances de spleen"

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Eric Legnini a choisi le clin d’œil à la série Six Feet Under pour son nouvel album, Six Strings Under, un album qui n’a pour autant rien d’un calembour. Il prône même à sa manière le sérieux et le travail grâce à un projet artistique passionnant mettant en avant le piano mais aussi la guitare – ces fameux six cordes – dans tous ses états.

La dernière production du complice de Joe Lovano, des frères Belmondo (Wonderland), de Claude Nougaro (son dernier album, La note bleue) ou encore d’Ibrahim Maalouf propose un opus attachant a la production soignée, chaleureuse et bigarrée se nourrissant avec délectation de multiples influences : cool (Night Birds), pop (Space Oddity), rock (The Jive), latinos (La Mangueira), afrobeat (Boda Boda) ou manouches (la reprise du classique d’Edgar Sampson, Stompin' At The Savoy). Un vrai voyage aux quatre coins du monde.

Le pianiste belge, lauréat de la Victoire du Jazz 2011 du meilleur album de l’année, déroule en virtuose dans des titres où l'improvisation sait se faire sa place (Boda Boda), et avec à chaque fois une importance capitale laissée aux deux guitaristes qui l’accompagnent ici : Hugo Lippi et Rocky Gresset.

Éric Legnini a su s’accompagner de musiciens – dont le contrebassiste Thomas Bramerie – aussi investis que lui dans cette belle production. Le jazz respire la voie de vivre, même dans ses morceaux les plus mélancoliques (Breakfast At Dawn). La cool attitude est évidente, par exemple dans ces dialogues concertants pour piano et guitare (Doo We Do), telles des étreintes rieuses.

Une reprise lente et sombre de Space Oddity

Le jazz de Six Strings Under est une déambulation musicale, empruntant des sons et des mélodies cinématographiques, nostalgiques et pleines de relief (Eterna Gioventu, Daydreaming).

L'auditeur s'arrêtera sans doute avec intérêt et curiosité sur la reprise lente et sombre de Space Oddity. Le classique de David Bowie dévoile, plus encore que l'original sans doute, son architecture musicale. Le pianiste belge dit ceci : "C’était le challenge : je voulais une version lente et dépouillée. Mais je voulais aussi coller au plus près de la mélodie et de son interprétation originale."

Après cette incursion dans la pop, Éric Legnini nous fait redescendre sur terre dans le titre enlevé, rythmé et coloré qu'est La Mangueira, un morceau dédié à la musicienne Marcia Maria, disparue en 2018. Quant à Stompin' At The Savoy c'est un passage par le jazz parisien de Django Reinhardt dont le son a accompagné l’enfance liégeoise du pianiste belge.

The Drop nous entraîne vers un jazz moins rutilant, caressant nos oreilles et déroulant ses notes avec une belle élégance, tout comme du reste Night Birds, jolie promenade noctambule dans un New York rêvé. Éric Legnini et ses amis terminent cet album avec un Jive à la fraîcheur communicative.

Au final, Six Strings Under vient vient contredire l’adage comme quoi pianistes et guitaristes ne feraient pas bon ménage. CQFD.

Éric Legnini, Six Strings Under, Anteprima Productions, 2019
http://www.ericlegnini.com

Voir aussi : "Ibrahim Maalouf, déjà un classique"

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Cet été, c’est l’artiste que l’on a sans doute le plus vue sur les scènes de France. Suzane, 28 ans, à peine découverte grâce à son EP éponyme, ne s’est pas ménagée et remettra ses vacances à un peu plus tard.

Le quotidien La Provence (édition du 28 août 2019) a fait le compte : 32 festivals, soit 10 de plus que ses homologues Clara Luciani, Therapie Taxi ou Eddy de Pretto, 15 de plus qu’Orelsan et 9 de plus que Boulevard des Airs. On a ainsi vu la native d’Avignon aux Vieilles Charrues, au festival de Poupet en Vendée ou au festival de jazz de Montreux.

L’ascension de Suzane a été pour le moins spectaculaire. En quelques mois seulement, la jeune chanteuse est devenue une figure sur laquelle la scène française peut compter, et alors même qu’on ne lui doit pour l’instant qu’un EP – avant un album déjà attendu avec impatience.

Suzane c’est d’abord un look : combinaison bleue et noire et coupe au carré impeccable. Dans la lignée de Jain, la chanteuse est immanquable grâce à un uniforme sobre et néanmoins hyper moderne. Uniforme n’est du reste pas un terme galvaudé tant l’artiste se révèle comme une soldate engagée et féministe.

Soldate engagée et féministe

Dans SLT, l’un des quatre titres de son premier EP, Suzane parle de saynètes brutes dénoncées avec force depuis les raz-de-marée de #Metoo ou #Balancetonporc : la drague de rue, le harcèlement sexuel au travail ou les insultes sexistes sur les réseaux sociaux ("Souffle, sois prudente / Marche dans le couloir d'à-côté / « T'es une pouffe », c'est devenu courant / De l'entendre trois fois par journée / Un gentil peut devenir méchant / Faut pas croire aux Disney / Bats-toi fillette"). Disons-le tout de go : les hommes ne sont pas ménagées dans cet EP écrit avec les tripes (L’Insatisfait).

L’auditeur ne devra pas passer à côté d’Anouchka, un titre aussi fin et délicat que ne l’est cette "poupée russe." Délaissant l’électro-pop rythmée, Suzane choisit cette fois une orchestration sobre donnant tout son aspect romanesque à ce magnifique hommage à cette troublante jeune femme : "La plus belle fille du lycée / N'est jamais accompagnée / Et sa famille ce demande pourquoi / Pourquoi les garçons pleurent / Ils pleurent en secret / Leur ego se meure / Sur leurs joues trempées / Alors les garçons pleurent / Font des simagrées / Quand Anouchka passe / Sans les regarder."

Dans son premier mini-album, Suzane fait également son autoportrait sous la forme de dialogues au sujet de son rêve "irréaliste" d’être musicienne ("Qu'est-ce que tu veux faire plus tard / Ah, tu veux être chanteuse ? / Et pour vivre tu fais quoi ? / Ah, donc tu es serveuse / Derrière ton bar en bois / Sauf pendant les heures creuses / Tu rêves de l'Olympia /D'exister devant la foule curieuse"). Un projet mené de haute lutte, au prix de combats contre vents et marées. Pari réussi.

La tournée estivale de Suzane n’est pas tout à fait terminée car cette semaine, le 5 septembre, l’ancienne serveuse devenue en quelques mois artiste incontournable sera à Veyras, en Suisse, aux côtés de Maître Gims. L'ascension continue. Jusqu'où ?

Suzane, Suzane, Wagram Music / 3ème Bureau, 2019
https://www.facebook.com/suzanemusique

Voir aussi : "La Femme libérée"

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Ambitieux, dépaysant et délicat comme une brise un soir d’été, Pandiyé, le dernier album de Maya Kamaty fait partie de ces jolies découvertes musicales.

Quatre ans après son précédent opus, Santié Papang, coup de cœur de l’Académie Charles Cros en 2014, la chanteuse réunionnaise revisite le maloya qui est un des genres musicaux de son île natale : "Cela aurait été trop facile de refaire Santié Papang, j’ai besoin de me mettre en danger, de prendre des risques" commente l’ancienne choriste du collectif réunionnais Ziskakan dans ce projet musical audacieux et très réussi.

Le maloya, créé vraisemblablement par des esclaves venus d’Afrique de l’Est et de Madagascar, a été interdit un temps par l’administration française qui voyait mal cette expression d’une forme d’indépendantisme en pleine période de décolonisation. Une époque révolue, à telle enseigne que le maloya a est classé par l'UNESCO au patrimoine culturel immatériel de l'humanité depuis 2009.

C’est en créole réunionnais (kréol réyoné) que Maya Kamaty chante. Pandiyé est une véritable revisite d’un maloya ultra moderne mais respectueux de l’ADN de cet art, et dans la langue, et dans le rythme (Varkala), et dans les danses (Diampar) et dans les instruments traditionnels tels que le roulèr, la takamba ou le kayamb (Lam an Doz).

Une véritable revisite d’un maloya ultra moderne

Cela n’empêche pas l’artiste d’insuffler à cette musique de l’électro (Pandiyé), des sons travaillés sur machines (Lodèr Kabaré) et des rythmiques contemporaines (Kaniki) dans un album à la fois sensuel et planant, à l’instar de Dark River, un titre en anglais et rappelant singulièrement l’audacieuse et islandaise Björk.

Trakasé et Diya, en créole réunionnais, peuvent s’inscrire pleinement dans la tradition de la chanson : travail sur le texte, instrumentation plus occidentale (le piano de Diya), rythme pop et puissance de l’interprétation (Trakasé).

Sur la trace de ces prédécesseurs qui avaient enrichi le maloya d’instruments et de styles occidentaux (maloya funk-rock, maloggae, maloyaz ou le maloya "kabosé") Maya Kamaty propose un maloya électro-pop séduisant et offrant d’incroyables instants de grâce, à l’exemple du titre Akoz.

Pandiyé se révèle comme une vraie jolie découverte musicale par une artiste attachante. Une vraie diva du maloya réunionnais.

Maya Kamaty, Pandiyé, Vlad Productions / L'autre Distribution, 2019
En concert le 18 octobre 2019 au Makeda, Marseille (Maloya Banyan en première partie)
https://www.facebook.com/MayaKamaty

Voir aussi : "Odyssée musical pour Dowdelin"

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Je vous entends déjà soupirer : l’été qui va sur sa fin, les vacances qui se terminent, la mer qui n’est certainement qu’un lointain souvenir… Pourquoi ne pas prolonger ces plaisirs avec Holidays, l’EP lumineux, souriant et urbain de cette saison ?

Il nous vient de Fatbabs, musicien et producteur de rap et de reggae, en lice cette fois avec pas moins de quinze artistes et musiciens, parmi lesquels Johaz & Piff (Another Day), Miscellaneous, MC de Chill Bump (Good Lord), Jahneration, Volodia, Kenyon (Lalala), sans oublier Naâman et Demi Portion (Keep on Rollin).

Holidays c’est du rap à la sauce funk et reggae (Another day avec Johazz & Piff), une proposition électrique et nerveuse mêlée à un son estival concocté avec amour sous le soleil de Sète.

Il y a comme un air de fête dans ces titres urbains et volontairement festifs, à l’instar de l’enlevé et sautillant Lalala, comme concocté par une bande de potes.

Avec Good Lord, Fatbas se lance dans un flow plus acéré sentant bon les fins de fête et les sorties noctambules dans le sur de la France.

Dans la foulée de Holidays, un nouvel album de Fatbabs est attendu pour l’automne prochain.

Fatbabs, Holidays, Big Scoop Records, 2019
En tournée au Canada à partir du 10 septembre 2019
https://www.facebook.com/fatbabsbigscooprecord

Voir aussi : "Sônge d’une nuit d’électro"

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Part-Time Friends fait feu de tout bois avec son nouvel EP, le bien-nommé Fire, sorti en début d’été, un an après leur second album Born To Try.

C’est un vrai plaisir de revoir l’un des couples pop-rock le plus attachants de la scène française qui prouve qu'il n'est pas là par hasard. Un mélange de vagues synthétiques délicates et de guitares étincelantes planent sur ce mini-album d’une très grande efficacité.

L’osmose est parfaite chez ces deux là, aucune voix ne venant l’emporter sur l’autre, à l’instar de Better Days.  Fire dégage une douce chaleur d'été indien, parfaite sur votre platine les jours de vague à l’âme (Less Than Nothing Else).

Part-Time Friends séduit par la justesse de leurs mélodie et le soin qu’ils mettent à créer un son immédiatement accessible : du pop-rock sexy et virevoltant, qui vient caresser les oreilles (For Your Eyes).

Part-Time Friends, Fire, Un Plan Simple / Sony Music, 2019
En concert, le 14 septembre à Saint-Herblain (44) au Festival Jours d’Été
Le 15 septembre à Troyes (10), au Troyes Fois Plus
Le 22 septembre à Hambourg (Allemagne) au ReeperBahn Festival
Le 29 septembre à Pau (64) à la base d’eau vive du Pont d’Espagne
http://www.parttimefriendsmusic.com
https://www.facebook.com/theparttimefriends

Voir aussi : "Deux amis"

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Pop, rock, folk et même hip hop (Chains, en featuring avec Charles X) : le duo parisien No Money Kids, que nous avions découvert il y a un an et demi sur Bla Bla Blog, n’a pour parti pris dans son dernier album Trouble que celle d’un son à la fois familier, efficace et immédiatement attachant. Le cinéma et la télé ne s’y sont pas trompés en choisissant plusieurs de leurs titres pour leurs BO : Banshee, Veep, Goliath (avec Billy Bob Thornton), Misconduct (avec Al Pacino et Anthony Hopkins) ou Baby, Baby, Baby (avec Bradley Cooper).

Écouter The Street c’est déambuler dans un New York noctambule, le cerveau embrumé, avec dans les oreilles ces guitares pleines de vagues à l’âme : "The street will sing / For the poor and the other men / All those workers death / Are in my brain / I will sing for the poor / And the dead men."

Tout aussi acoustique, Nowhere Land est un titre pop-folk ponctué de respirations étranges et fantastiques. Avec Hush Hush, No Money Kids assume ses influences folk-rock semblant sortir des légendaires barbes des ZZ Top. Comme pour leur deuxième album Hear The Silence, les guitares se déploient généreusement dans Trouble, avec des constructions harmoniques savamment étudiées (See Me Laughing). Ce qui n’empêche pas le groupe de partir sur des routes poussiéreuses invitant au voyage dans une Amérique mythique (Wake Me Up, Family Blood ou Blue Shadow).

Des ectoplasmes dansants

Pour Crazy, c’est l’électronique que choisissent Félix Matschulat et J.M. Pelatan pour cette reprise du tube de Gnarls Barkley (2006), une reprise au-dessus de laquelle semblent planer des ectoplasmes dansants : "I remember when I lost my mind / There was something so pleasant about that place / Even your emotions have an echo in so much space / And when you're out there, without care / Yeah I was out of touch / But it wasn't because I didn't know enough / I just knew too much / Does that make me crazy?"

Lost Generation (avec The Toxic Avenger) propose de son côté une fusion séduisante entre le rock et un électro eighties, lui donnant cette facture planante. Plus pop, My Loneliness laisse les guitares en arrière-plan au profit d’un titre rythmé, à l’instar de Radio Sound, plus british que yankee. Ici, ce sont les mânes des Clash qui semblent être invoquées dans un craquant morceau que les radios FM des eighties n’auraient pas renié.

Better, la dernière piste de l’album, retrouve l’ADN d’un rock américain musclé et régressif dans lequel les riffs des guitares enflent, jouent et soufflent avec un plaisir partagé.

No Money Kids, Trouble, Roy Music, 2018
https://www.nomoneykids.com

Voir aussi : "Écoute ce silence"

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L’an dernier, Bla Bla Blog avait craqué sur Sarah Lancman, à l’occasion de la sortie de son album À Contretemps, dans lequel la jazzwoman marchait sur les pas de Michel Legrand.

Elle est de retour cet été avec Intermezzo, un opus qu’elle signe avec Giovanni Mirabassi. On retrouve l’élégance de la chanteuse dans sept standards italiens que le public français pourra découvrir, si ce n’est redécouvrir.

Senza Fine, Sabato Italiano, Il Poeta, Estate, Vedrai Vedrai ou Ah, Che Sarà, Che Sarà sont interprétés de la manière la plus pure qui soit : le piano de Giovanni Mirabassi et la voix de Sarah Lancman dans ces reprises intemporelles. Le saxophoniste Olivier Bogé vient apporter son concours au duo dans La Canzone Di Marinella et dans le romantique Parlami d'amore Mariù : "Parlami d'amore, Mariù! / Tutta la mia vita sei tu! / Gli occhi tuoi belle brillano / Fiamme di sogno scintillano."

Nostalgie poignante (Il Poeta, Estate), regrets ou espoirs amoureux (Vedrai Vedrai), amants légendaires (La Canzone Di Marinella) et déclarations enflammées (Almeno tu nell'universo). Sarah Lancman fait de ces chansons du répertoire italien des morceaux de jazz frais et délicats comme un vent d’été sur l’Aventin.

Le 24 août, Sarah Lancman sera en concert au Frontenay Jazz Festival.

Sarah Lancman & Giovanni Mirabassi, Intermezzo, Jazz Eleven
En concert le 24 août 2019 au Frontenay Jazz Festival (Jura)
https://www.sarahlancman.com
https://www.giovannimirabassi.com

Voir aussi : "À contretemps avec Sarah Lancman"

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James Eleganz : voilà un nom fort à propos pour un artiste qui a choisi un pop-folk-rock racé pour son retour musical avec l’album The Only One.

L’ancien leader de Success choisit de nous emmener sur des terres américaines familières et aventureuses pour dix titres à vous donner la chair de poule, portés par une voix tour à tour élégante (Lasso The Moon), posée (The Only One), à vif (The Horse Song), romantique (Better Man) ou sexy (Hide Away).

Pour la petite histoire, James Eleganz est le premier Français à enregistrer au légendaire studio Rancho de la Luna en Californie où quelques disques mythiques ont vu le jour (Queens of the Stone Age, Arctic Monkeys ou Marc Lanegan). The Only One a d’ailleurs été enregistré en compagnie de figures mythiques du rock : Toby Dammit, clavier des Bad Seeds, et longtemps batteur d’Iggy Pop, et Mike Watt, fondateur des Minutemen et bassiste des Stooges.

James Eleganz insuffle dans son album ce souffle épique, ambitieux et d’une noirceur poétique hallucinante de créativité, à l’instar du formidable Forgive Me, Forget Me et son piano comme sorti d’outre-tombe.

Il coule aussi dans les veines du Consolation un rock classique non-frelaté. Les guitares et la voix grave du Frenchy particulièrement inspirée nous transportent dans un road-movie poussiéreux et enivrant.

The Wedding Song clôture l’album de manière majestueuse et sombre, un titre diabolique que n’aurait pas renié Quentin Tarantino ou Nick Cave : "Murder / On a dirty Snow / There’s a Body : It’s cold / Blood / On my shaking Hands / I’ve killed my Love / And I’m punished / Today / Must be / Our Wedding Day."

Impossible enfin de ne pas parler de cet opus sans évoquer cette trilogie californienne que sont les trois clips réalisés pour l’occasion par le musicien rennais. Lasso The Moon, The Only One et The Wedding Song forment le triptyque de The Californian Trilogy, une ambitieuse production à la fois musicale et visuelle.

De la très grande classe, de la part de James Eleganz.

James Eleganz, The Only One, ZRP, 2019
http://www.facebook.com/jameseleganz

Voir aussi : "Charlotte for ever"

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Le dernier album de Guillo, Macadam animal, commence par un coup en plein cœur, avec Nous aimions la terre, une histoire d’exil à la portée si universelle que l’auditeur pourra y lire un message adressée à chacune et chacun d’entre nous, en cette période d’interrogation sur notre planète. Ne pourrions-nous pas être à notre tour des migrants ? "Un âge d’or prend fin sur ce continent / Jours évanescents / Que sera demain / Nous aimions la terre / Nous y étions nés / Mais n’avons pu rester."

Ce premier titre est à mettre en parallèle avec Sans fusils, sans or, sans trains, une autre chanson sur une terre adorée et volée ? Guillo parle cette fois du génocide et de l’ethnocide indien, un sujet abordé avec passion et lyrisme par Guillo, en cow-boy révolté.

Ces deux chansons donnent le ton d’un opus engagé, musicalement ambitieux, avec une large part faite à des textes imagés, à l’exemple de Tout baigne, un titre sombre et neurasthénique. Guillo y traite dans un pop-rock renvoyant à Bashung une vie par procuration  : "Ce soir tout baigne tout baigne dans le bonheur / La tête sous l'eau." Engagement à vif avec Un caillou, l’histoire d’un "caillou ordinaire [qui] pleure la mort d’un enfant" en pleine Intifada.

Une vie par procuration

Mais Guillo sait aussi surfer sur les récits plus intimistes à l’exemple de Ton cœur ou du titre folk Vendu. Ce dernier récit est celui d’une maison familiale que l’on est obligé d’abandonner est aussi celui de la fin d’une époque : des souvenirs remontant douloureusement en mémoire et la disparition d’un "paradis perdu."

Pour Une autre fille, le musicien envoie une chanson d’amour fraîche, enlevée et espiègle… pour sa fille : "Elle est un peu comme toi en plus jeune / Un nouvel horizon / Au Train Bleu, elle et moi on déjeune / Je sens les papillons."

Le chanteur, Guillaume Galiana dans le civil, coup de cœur de l'Académie Charles Cros en 2017, habille d’électro un texte visiblement hérité d'un grand-père paternel, écrit en Algérie en 1956 : "Manteau blanc de mousseline / La neige est tombée / Dans mon cœur elle illumine / Le rêve de mes jeunes années" (La neige). Avec Algania, nous sommes de nouveau dans cette terre de Sahel, cette fois encore dans une chanson engagée sur les peuples tentant de vivre, en vain, sur leur propre terre : "Paysages au péril nostalgique / Colonie vertébrale ancestrale historique / Tatouée au verso de ma peau." Pour Pont d’Arc, Guillo nous emmène via cette évocation d’un pont vers l’aube de l’humanité et l’évocation de ces tout premiers artistes : "Le présent dans l’argile / Chasseurs-cueilleurs agiles / Par-dessus nos pigments / À à la lueur des flammes / Sur les parois de l’âme / Et pour 36000 ans."

Guillo a le regard aiguisé et particulièrement fin sur notre présent (que l’on pense au lyrique et symphonique titre Le bruit des balles), offrant le passé en guise de repère à la fois rassurant et vivifiant, capable, comme il le dit dans Laissez-moi entrer, de "nous guider sur ces chemins de pierre."

Guillo, Macadam Animal, Cinq Secondes / Absilone-Believe, 2019
En concert le 31 août à Graveson (concert chez l’habitant)
http://www.guillolesite.fr

Voir aussi : "Boule à facettes"

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