On croyait avoir fait le tour des Variations Goldberg, cet opus longtemps de Bach longtemps, jusqu’à ce qu’un jeune pianiste canadien, Glenn Gould, en fasse l’une des œuvres les plus pop de la musique classique. Plus de 70 ans plus tard, voilà que le Trio Alphea nous offre une version adaptant ses arias et ses 32 variations écrites au départ pour piano.

Thierry Juffard (violon), Blandine Leydier (alto), Pierre Nentwig (violoncelle) s’emparent des Variations Goldberg (chez Klarthe, en deux CD), sans peur et sans reproches. Là où l’instrument seul – le piano, le pianoforte pu le clavecin – peut présenter le risque d’être soit sec, soit redondant d’une version à une autre, cette version séduit par sa simplicité comme par ses couleurs.

Solution de facilité que de proposer ce qui est devenu une des œuvres les plus connues de Bach ? Non, car il faut avoir à la fois du cœur et de l’audace pour s’attaque à ce chef d'œuvre en l’adaptant pour trois instruments. Le violon, l’alto et le violoncelle nous font (presque) oublier l’instrument d’origine pour lequel Bach a composé son aria (joué deux fois, au début et à la fin) et ses trente-deux variations.

Aucun instrument ne vient prendre le lead sur les autres

Dans ce trio, aucun instrument ne vient prendre le lead sur les autres. L’osmose est parfaite chez Thierry Juffard, Blandine Leydier et Pierre Nentwig (par exemple la Variation 17). Le compositeur allemand prouve qu’il est un maître des lignes mélodiques (Variations 4, 6, 8, 11, 13, 15). La mélancolie perce par moment dans cette œuvre qui n’était que de commande au départ (Variation 9).

On a souvent dit que Jean-Sébastien Bach fait naturellement la jonction entre l’époque baroque qu’il a traversée avec grandeur et le classicisme qu’il a annoncé. Ici, le Trio Alphea fait résonner un compositeur nourri par les influences italiennes. Ces 32 variations invitent souvent à la danse (Variations 1, 5, 22). Il y a aussi un Bach que l’on pourrait dire archaïque, tant il semble être nourri des musiques de son pays (Variation 7, 10, 18 et l’irrésistible n° 24).

On était curieux de savoir comment le trio allait s’emparer de la longue et sévère Variation 21. L’écoute nous fait découvrir une variation poignante et hivernale, presque funèbre. Il y a presque du Vivaldi des Quatre Saisons dans cet album étonnant (Variations 23 et 26). Et si l’on se disait qu’un Bach se découvre, à savoir un Bach précurseur du romantisme (Variation 25) ? La 30e et dernière Variation marque l’apothéose de ces pièces étonnantes et qui étaient au départ destinées à son commanditaire, le comte Hermann von Keyserling – et au jeune apprenti claveciniste  Johann Gottlieb Goldberg – un aristocrate qui ne voulait surtout pas se prendre la tête avec une œuvre difficile ! Et voilà le résultat.

Bach, Variations Goldberg, Trio Alphea, Klarthe, 2026
https://www.klarthe.com/index.php/en/variations-goldberg-detail
https://www.facebook.com/TrioAlphea

Voir aussi : "Les Variations ”Gouldberg”

Oublions un instant Mahler pour mieux y revenir, grâce à ce singulier Chant de la terre pour Mahler, créée en résidence à la Fondation Royaumont et enregistré en live en novembre 2024.

Jocelyn Miennel et Olivier Cadiot sont aux commandes de cet hommage d’aujourd’hui à une des plus bouleversantes œuvres qui soient. Revenons pour commencer à la suite romantique de six lieder. Composées entre 1908 et 1909, Les Chants de la terre de Gustav Mahler adaptent en musique des poèmes chinois qui sont devenus célèbres par la grâce du compositeur allemand qui traversait une période difficile à l’époque (mort de sa fille Maria de quatre ans, graves problèmes de santé et démission forcée de son poste de directeur de l'Opéra de la Cour de Vienne).

Ce Chant de la terre pour Mahler (b.records) est composé de six parties, comme les lieder d’origine. Comment rendre actuel une œuvre vieille de plus d’un siècle et d’une autre époque, néo-romantique ? Surtout ne pas trahir l’essence des Chants de la terre. La Chanson à boire de la douleur de la Terre, d’après le poème de Li Bai, devient Douleur ("La terre est morte et je suis encore vivant"). Un mouvement faisant se rencontrer tonalités classiques, chants d’enfants, jazz (Adieu), vagues électroniques, boucles répétitives à la Steve Reich mais aussi esprit pop. Sans oublier les mots qui sont ceux d’Olivier Cadiot, ceux précisément de son livre Pour Malher (éditions P.O.L.). Le deuil est au centre de ce nouveau Chants de la terre, les créateurs considérant avec justesse que l’œuvre de Mahler est l’une des plus humanistes et des plus poignantes ("Je prends congé intérieurement de cette enfant adorée").

Le deuxième lied du chant de la terre était inspiré du poème de Qian Qi, Le Solitaire en automne. La seconde partie de l’opus d'Olivier Cadiot et Jocelyn Mienniel  est sobrement intitulé Automne. Les mots d’Olivier Cadiot résonnent comme un chant chinois, bientôt rejoints par la voix de la mezzo-soprano Marielou Jacquard puis du récitant Jean-Christophe Quenon, sans doute plus néo-romantique que jamais.

Réécriture

On peut bien parler ici de "réécriture", comme le dit Fiona Monbet, ce qui ne veut pas dire que ces Chants de la terre tournent le dos au passé. Bien au contraire, grâce à cette composition faisant la part belle aux découpages et montages musicaux. La beauté surgit comme par magie, à l’instar de Jeunesse où la musique et le chant laissent largement leur place à la voix grave et habitée de Jean-Christophe Quenon. C’est là qu’il faut parler du texte d’Olivier Cadiot. L’écrivain s’est mis dans la tête de Gustav Mahler en jouant avec trois langues – allemand, anglais, français – et quelques échos d’idéogrammes. La musique est tout aussi complexe, alternant musique traditionnelle, orchestre classique, électronique, voix d’enfants et d’adultes. Cela donne paradoxalement une grande cohérence dans cette œuvre dirigée par Fiona Monbet. L’opus sombre par essence a des éclats lumineux que retranscrivent les créateurs (Beauté), ce qui n’enlève pas la douleur du récitant : "Moi, avec l’idéal, je prends des gants. Il me faut réapprendre à marcher et à me tenir debout".

La douleur est-elle effaçable ? "Le courant m’emporte. Y a-t-il une pensée possible ?"… C’est ça, vraiment, la mort ?" Dans la quatrième partie Printemps, le beau cache mal la douleur, l’inquiétude ni la confusion des sentiments. Étonnant mouvement où le jazz se mêle au classique et aux formes les plus audacieuses du contemporain. Ce chant semble funèbre, hanté par des voix tour à tour angéliques et ectoplasmiques.

C’est d’ailleurs le compositeur lui-même qui vient faire ses adieux à son "enfant adorée", dans une dernière partie (Adieu). Cet au revoir devient un long chant glacial rempli de mélancolie et de regret. L’innommable se fait musique mais derrière le départ définitif et injuste, il y a cette fragile lueur d’espoir : "Fais-moi un signe de bonheur. Que ma pensée lui fasse une vie plus belle". Gustav Mahler devient bien plus proche de nous, contemporains et contemporaines du XXIe siècle.

Paul Lannes a illustré ce très bel album proposé par le label b•records, devenu maître dans l’enregistrement live. Une œuvre essentielle de notre époque. 

Olivier Cadiot, Jocelyn Mienniel et Gustav Mahler, Le Chant de la terre – Pour Mahler, b•records, 2026
https://www.b-records.fr/disques/lechantdelaterre-pourmahler
https://www.facebook.com/jocemiennielmusic/?locale=fr_FR
https://www.instagram.com/jocelyn_mienniel
https://www.marieloujacquard.com
https://www.facebook.com/fiona.monbet

Voir aussi : "Fiona Monbet a plus d’une corde à son archet"
"Chants d’amour, chants mystiques"

Cela fait un bout de temps que Bla Bla Blog suit Vanessa Philippe.

On aime sa pop électro-bricolo-rigolo, sa poésie se cachant derrière des titres faussement légers, en un mot sa personnalité qui fait d’elle une figure attachante de la scène française.

La voilà de retour avec Bizarre, un titre électro-pop dans lequel l’artiste n’a qu’un seul leitmotiv qui nous concerne, je crois, tous et toutes : "Les gens sont bizarres".

Vanessa Philippe est aux manettes de ce single à découvrir. Non contente d’avoir réalisé le clip, elle s’est payé le luxe de gagner le prix du Meilleur Clip au Festival New-York Movie Awards.

Une autre raison de la découvrir.

Vanessa Philippe, Bizarre, 2026
https://www.vanessaphilippe.com
https://www.facebook.com/vanessaphilippemusic
https://www.instagram.com/vansphi

Voir aussi : "Vanessa Philippe : Vérité, poésie et autodérision"

Quatre pièces orchestrales forment l’armature du dernier album consacré à Philippe Chamouard. Si cohérence il y a, elle est dans les voyages, déjà au cœur du bien-nommé Escales que nous avions chroniqué.

L’Esprit de la nuit, nous explique le compositeur, a été inspiré par le philosophe confucéen Meng Tzu (372-289 av. JC). L’œuvre a été écrite en 1999 et révisée en 2024. Le premier mouvement est sombre et dominé par les percussions. Il y est question d’une nature soumise à rude épreuve. À cette partie chaotique, succède un mouvement tout aussi inquiétant. L’écriture personnelle de Philippe Chamouard prend ici tout son sens. Il fait se rencontrer des sonorités à la Stravinski et des influences orchestrales de John Adams et je ne sais quoi de naturalisme dans ces cordes inquiétantes et profondément humaines.

Le contemporain se pare de néoromantisme à l’ouverture du troisième mouvement, Philippe Chamouard s’étant toujours refusé d’être enfermé dans une école, qu’elle soit tonale ou non. L’auditeur ou l’auditrice trouve un certain apaisement dans cette partie qui mène, dit le livret, "vers le chemin de la droiture", après les erreurs humaines contre la nature et la forêt. Ici, c’est Gustav Mahler qui semble avoir guidé la main du compositeur.

"Vers le chemin de la droiture"

Après la Chine, c’est le Japon que nous guide le Nuremberg Philharmonic Orchestra dirigé par Léo Warynski. Le Pavillon d’Or , inspiré du roman de Mishima, a été créé en 2013. Il n’a pas pris une ride. La faute à une écriture délicate mixant classicisme et musique traditionnelle nipponne, avec Mieko Miyazaki au koto. Philipe Chamouard nous parle ici de la culture japonaise, mais aussi de la tragédie qui a conduit à l’incendie du monuments sacré en 1950… par un moine bonze. Mishima en a fait un roman culte, Le Pavillon d'Or. C’est un monument méditatif qui nous est proposé dans cette pièce pleine de gravité. Derrière le calme et la paix, la menace est là, guidée par le koto à la fois sobre et majestueux.

Mandala date de 2014 et nous propose, comme pour L’Esprit de la nuit, une méditation philosophique, cette fois d’inspiration bouddhiste. La facture est classique, solide, harmonique et tout aussi méditative que l’œuvre précédente.

Habanera, écrite en 2024, sonne comme un hommage à Carmen. Il s’agit pourtant d’une pièce orchestrale, écrite, dit le compositeur, à l’occasion d’un voyage en Argentine. Il y a bien une nostalgie dans cette œuvre dansante écrite, au départ, pour le piano. Philippe Chamouard. Cette dernière pièce orchestrale conclue un beau et varié voyage musical dans lequel l’écriture du compositeur français frappe par sa diversité et sa liberté. 

Philippe Chamouard, Quatre pièces pour orchestre,
Nuremberg Philharmonic Orchestra dirigé par Léo Warynski, Indésens Calliope Records, 2026
http://philippechamouard.fr
https://indesenscalliope.com

Voir aussi : "Escale contemporaine avec Philippe Chamouard"

Il y a du Al Jarreau dans ce swing et cette bonne humeur qui saute aux oreilles dès les premières notes de Listen Up!, le deuxième album de Kamil Rustam (le morceau I Wanna Dance). Il faut dire que le Guitariste, compositeur et arrangeur français sait de qui tenir, lui qui a tourné depuis des décennies aux quatre coins du monde, aux côtés de pontes comme Stevie Wonder, Yaël Naïm, Serge Gainsbourg, Angélique Kidjo, Manu Katché ou Michel Jonasz (son album Uni vers l’uni).

On n’est pas étonné que l’artiste ait été nommé élu "Meilleur musicien de studio" en 1986 et 1987. Son album est impeccablement conçu, faisant se rejoindre, funk, swing, jazz et soul, à l’image du formidable Summer Highways.

Pour ce nouvel opus, Kamil Rustam est accompagné avec d'Eddie Brown, Billy Valentine, Amy Keys, Arnold McCuller, Patrice Rushen ou Pino Palladino. Des ami.e.s qui viennent parfaire le travail, telle une belle famille unie (We Were Family).

Smile

La guitare est l’autre grande reine de cet album. Normal si on pense au pedigree de l’auteur de Cosmopolitain, son premier opus instrumental. La guitare se fait pourtant subtil, à l’instar de Waroed Memories. Elle n’écrase rien, fait son bout de chemin et offre une formidable confession d’un artiste, les pieds sur deux continents. Le soul de Listen Up! est chanté dans le tendre Let’s Stay Together, avec Eddy Brown.

Custom Made ajoute de la pop dans un album déjà riche et donnant le smile. Cette fois, c’est Kudisan Kay qui donne de la voix dans une énergie électrisante, avec toujours la guitare de Kamil Rustam à l’avenant. Kudisan Kay revient dans Peacefull Place, un titre mêlant soul et gospel. Un genre musical pas si fréquent que cela et qui a le mérite d’être brillamment mis en valeur.

L’album se termine sur le mélancolique Relentless Passing Of Time, aux teintes pop-rock et jazz, et avec toujours cette guitare de Kamil Rustam qui n’a pas fini de faire les beaux jours de ce formidable instrument. Un album doux et cool à écouter.

Kamil Rustam, Listen Up!, Can U Feel It Records, 2026
https://kamilrustam.com
https://www.facebook.com/KamilRustamOfficial
https://www.instagram.com/kamil_rustam
https://linktr.ee/kamilrustam

Voir aussi : "Liat Lux"

Et si l’on faisait un aller-retour Québec-France ? Du moins, c’est ce que vont entamer les trois filles du groupe Rosier, en tournée de ce côté-ci de l’Atlantique, dans le cadre de la Tournée des Nuits Transatlantiques.

Bla Bla Blog adore les passerelles entre cultures, artistes et pays. Que nos ami·e·s québécois·e·s soient mis·e·s à l’honneur, voilà qui mérite bien un bon coup de projecteur.

Six concerts, à Reims, Troyes, Saint-Quentin, Vitry-le-François, Migennes et Oignies, permettront de découvrir ce groupe à majorité féminine qui mêle pop indie, folk québécois, chanson française et électro.

Dans leur single N'as tu jamais vu d'oiseaux ? Rosier y parle de cette soif de liberté, de l’innocence fragile, avec une économie de moyen et une poésie certaine : "Mère il y a un oiseau / Mais quand je veux le prendre / Il se sauve il se sauve". Derrière un clip à la facture gothique, les Rosier se révèlent une sacrée belle révélation de la scène francophone. À découvrir, grâce à six dates en France. Mais parions que ce trio venu de Montréal risque bien de refaire parler de lui.

À noter que le groupe sort cette année son nouvel album, Elle veille encore. Une jolie découverte. 

Rosier en concert, Tournée des Nuits Transatlantiques
20 octobre 2026 — La Cartonnerie, Reims
21 octobre 2026 — Le Troyes Fois Plus / Festival Off Off Off – Nuits de Champagne, Troyes
22 octobre 2026 — La Manufacture, Saint-Quentin
23 octobre 2026 — Bords 2 Scènes, Vitry-le-François
24 octobre 2026 — Cabaret l’Escale, Migennes
25 octobre 2026 — Le 9-9bis, Oignies
https://rosierband.com
https://www.facebook.com/rosierband
https://www.instagram.com/rosier
https://nuitsdechampagne.com/actualites/article/les-nuits-transatlantiques-2025

Voir aussi : "Les filles sages vont au paradis, les autres vont où elles veulent"
"La seule règle qui vaille est qu'il n'y a pas de règle"

De Bernard Herrmann, qui ouvre l’album Souvenirs de voyage (Indésens), on retient d’abord le compositeur des films d’Hitchcock (Les Oiseaux, Vertigo). Mais il est aussi l’auteur de l’œuvre éponyme qu’a choisi Philippe Berrod pour ce périple musical au XXe siècle. Il est accompagné d’Eric Aubier à la trompette, du pianiste Laurent Wagschal (que Bla Bla Blog connaît bien), de Nicolas Prost au saxophone et du Quatuor AtMusica (Eiichi Chijiwa, Damien Vergez, Nicolas Peyrat et Delphine Biron). Le clarinettiste – ici également à l’orchestration – nous fait découvrir un Bernard Herrmann (1911-1975) singulier, tendre, néoromantique, ravelien même. Le voyage en question choisit l’apaisement, la contemplation mais aussi la tendresse (mouvement Lento).

Ce Quintette pour clarinette a été écrit en 1967 à une époque professionnelle et personnelle particulière. Le livre du CD nous parle de la période faste artistiquement grâce à son travail avec Hitchcock. Le compositeur a cependant besoin de renouveau, le compositeur et le cinéaste s'étant finalement brouillés. Herrmann venait d’enregistrer son opéra Wuthering Heighs. À cette grande fierté, s’ajoutait une relation heureuse avec Norma Shepherd. N’est-ce pas aussi pour elle qu’il compose ces Souvenirs de voyage ? On est en droit de le penser à l’écoute de l’Andante, une vraie déclaration amoureuse (le mouvement précise d’ailleurs : Canto Amoroso), comme une lune de miel que l’on voudrait ne jamais voir se terminer. Oublions le Herrmann sombre de Psychiose ou des Oiseaux, pour ne pas dire angoissant, qui devient ici un compositeur sensible et mélancolique (Andantino). Inutile d’ajouter qu’une telle œuvre mérite de figurer dans le répertoire de la musique du XXe siècle.

West Side Story et la bande portoricaine des Sharks n’est pas si loin que cela

Autre figure de la musique américaine comme du cinéma, Leonard Bernstein (1918-1990) est proposé dans une œuvre de musique de chambre, à savoir la Sonate pour clarinette et piano. L’auteur de la BO de West Side Story est une légende du XXe siècle, populaire, archi-récompensé, admiré mais aussi capable d’écrire des pièces exigeantes. Cette sonate date des années 1941-1942. Il s’agit d’une œuvre de jeunesse donc, la première a avoir été publiée. Elle vient faire le lien entre le classicisme et le contemporain, ce qui n’est pas la moindre de ses qualités. Le premier mouvement Graziozo peut déstabiliser par son expressionnisme mais aussi sa rutilance. On y devine un jeune compositeur joueur et passionné. Le livret y voit, non sans justesse, l’influence du formidable Paul Hindemith mais aussi d’Aaron Copland, qui apparaît d’ailleurs plus tard dans l’album. Quelque part, pour reprendre le titre de l’opus, nous sommes aussi dans un voyage, ce que confirme l’Andantino Vivace a leggerio, porté par la clarinette nostalgique de Philippe Berrod. Le dernier mouvement propose une partie dansante. Il faut dire que Bernstein, en vacances en Floride, était baigné par l’ambiance et les rythmes cubains. Finalement, West Side Story et la bande portoricaine des Sharks n’est pas si loin que cela !

Nous parlions d’Aaron Copland (1900-1990). Il vient clore cet album américain avec Quiet City, puissante et majestueuse œuvre écrite en 1919. elle était destinée à la pièce de théâtre du même nom. Néoclassique dans sa forme, Quiet City suit les pensées du personnage principal qui a choisi d’abandonner sa religion juive pour la réussite et pour un riche mariage. La pièce a été écrite pour trompette, cor anglais et cordes. Elle a été adaptée ici par Christopher Brellochs pour trompette, saxophone alto, piano et, bien sûr, clarinette. Ce qui dénature pas l’œuvre originale, loin s’en faut. Une vraie réussite pour ce grand et beau voyage musical américain.

Philippe Berrod, Souvenirs de voyage, Indésens Calioppe, 2026
https://indesenscalliope.com/boutique/souvenirs-de-voyage
https://www.facebook.com/p/Philippe-Berrod-100081193783241
https://atmusica.org

Voir aussi : "Sur de bons rails"
"Au cœur de l’Europe"

Lorsque l’on parle variations et piano, un compositeur et une œuvre vient immédiatement en tête : Bach et ses Variations Goldberg. Un thème et trente variations écrits en 1740, devenus célèbres lorsqu’un certain Glenn Gould choisit de les interpréter en 1955 puis en 1981, donnant à cette œuvre longtemps restée discrète un opus fondamental dans le répertoire de Bach.

Le compositeur et pianiste Håkon Skogstad nous vient de Norvège et lorgne largement du côté de ces Goldberg Variations. Il s’est fait remarqué et a été récompensé pour son travail sur la musique de tango. Le voici avec un opus plus intime et qu’il présente ainsi : "24 Variations for Piano est, dans une large mesure, le reflet de qui je suis en tant que pianiste et compositeur — façonné par les influences qui m’ont construit. Je pense que l’œuvre peut être appréciée par petites touches, mais je crois aussi qu’elle révèle quelque chose de particulièrement spécial à ceux qui prennent le temps de l’écouter du début à la fin."

On oublie bien vite les Variations Goldberg, tant cet opus a sa propre identité. La ligne mélodique du thème principal est d’une grande simplicité, toute en concentration, voire en hésitations. Le compositeur scandinave choisi non sans audace d’inclure la toute première variation en la mineur dans le premier morceau (Main Theme and Variation N°1 in A minor).

La grande difficulté du genre est de décliner un air en des variations aussi différentes que possibles, et aux durées souvent courtes (ainsi, la joueuse Variation N°17 en la bémol majeur dépasse à peine les 50 secondes). Håkon Skogstad se plie à l’exercice sans faillir et en variant les tonalités mineures et majeures. La maîtrise est là (Variation N°2 en do dièse mineur ou la néo-romantique Variation N°5 en ré bémol mineur). Mais sans poésie, quel serait l’intérêt ? Voilà le pianiste et compositeur debussyen dans sa Variation N°3 en si majeur, avant de revenir vers ses premières amours, le tango (Variation N°4 en mi mineur), un genre cher à son cœur et qui l’a fait connaître. 

Des variations aussi différentes que possibles

On parlait d’intimisme et de simplicité en parlant du thème. Håkon Skogstad aime la pureté comme le prouve la sixième Variation (en sol dièse), mélancolique et nostalgique.

Il y a du jazz dans la Variation en si bémol majeur, et même du Gershwin : du rythme, du swing, bref de la joie de vivre. C’est ce que l’on aime dans cet opus : une cohérence et en même temps une variété qui fait que l’auditeur ou l’auditrice pourra écouter ensemble ou séparément chaque morceau, selon son humeur. À la tristesse infinie de la huitième variation (sol mineur) viendra répondre l’étrange Variation N°9, entre onirisme et vitalité toute stravinskienne. Il y a parfois de la légèreté (la jazzy Variation N°15 en ré mineur), vite contrebalancée par la funèbre seizième Variation en fa dièse mineur).

Grâce à Håkon Skogstad le contemporain devient immédiatement proche, presque un ami (Variation N°10 en mi bémol majeur). Le compositeur norvégien revient vers le tango avec la Variation N°11, un nuevo tango sombre, bien différent du mouvement suivant, plus classique, aux couleurs qu’Erik Satie n’aurait pas renié (Variation N° 12 en mi majeur).

Saluons les palettes de couleurs, justement, que parvient à tisser Håkon Skogstad (Variation N°13 en fa mineur). L’auditeur ou l’auditrice se laissera séduire par la délicate quatorzième Variation (en mi bémol mineur), néoromantique dans l’âme et à l’esprit tango. Néoromantique comme l’est la Variation N°18 en do mineur, épurée et bouleversante.

Håkon Skogstad a grandement été nourri par le répertoire pour piano des XIXe et XXe siècle, que ce soit Debussy, nous le disions (Variation N°19 en sol bémol majeur), mais aussi le répertoire russe dans ses expressions exacerbées (Les N°22 et 23). Sans oublier un esprit pop (l’orientale Variation N°20 en fa majeur) ou la musique traditionnelle norvégienne. Le compositeur précise que pour la vingt-et-unième Variation, il s’est inspiré d’un air folklorique norvégien.

La vingt-quatrième et dernière Variation conclut en douceur un album néoclassique aux multiples couleurs musicales. Une jolie réussite.

Håkon Skogstad, 24 variations pour piano, Øra Fonogram, 2026
https://www.orafonogram.no/hkon-skogstad
https://www.hmskogstad.net
https://www.facebook.com/skogstadpianist
https://www.instagram.com/hakonskogstad

Voir aussi : "Au cœur de l’Europe"
"Éternelle et musicale Norvège"
"Les Variations ”Gouldberg”"