Voici la suite de l’Intégrale des symphonies de Beethoven par l’Orchestre Consuelo dirigé par Victor Julien-Laferrière. L’enregistrement proposé par le label B.records a été capté, comme pour le coffret, à l’Abbatiale Saint-Robert lors du Festival de la Chaise-Dieu, cette fois 27 août 2024. Le programme s’intéresse aux Symphonies n°5 (surnommée "Symphonie du Destin") et la Symphonie n°6 dite "Pastorale". La Symphonie n° 8 vient compléter l’enregistrement.

Dans la carrière de Beethoven, et dans celle de l’histoire de la musique en général, la date du 27 décembre 1808 est à marquer d’une pierre blanche. C’est en effet ce jour-là, au Theater an der Wien de Vienne, que le compositeur allemand propose un concert-fleuve composée de son Concerto pour piano et orchestre n°4, de sa Fantaisie pour piano, chœur et orchestre en ut mineur, d’une Fantaisie pour piano improvisée, d’un Air de concert pour soprano et orchestre, des extraits de sa Messe en ut majeur et, clou du spectacle, des Symphonies 5 et 6. On aurait aimé être à la place des spectateurs de l’époque. Pourtant, ce concert de près de quatre heures fut un semi-échec pour son interprétation (une seule répétition en guise de préparation) et son organisation (une salle glaciale). Mais les critiques furent magnanimes et l’accueil finalement très positif.  

De la Cinquième, même le moins connaisseur de classique connaît les quatre notes d’ouverture, les fameux "pom pom pom pom" qui ouvrent le rideau dans l’Allegro con brio, avec un mélange de majesté et de provocation. Quatre notes légendaires qui ont fait sursauter et crier littéralement le public du XIXe siècle lors des premières représentations. Aux questions sur cette entrée en matière tonitruante, Beethoven a expliqué, non sans agacement : "Ainsi le destin frappe à la porte…" Confère le sous-tire de cette Cinquième, "La Symphonie du Destin", donc.

L’Orchestre Consuelo fait preuve de fougue et de sérieux pour cette nouvelle interprétation. Saluons la prise de son d’Alice Ragon qui profite de l’acoustique exceptionnelle de l’Abbatiale Saint-Robert, donnant à cet enregistrement de la couleur et une belle densité. La Cinquième, véritable révolution romantique (on pense à l’Andante con moto), frappe par les transitions intelligentes entre les quatre mouvements, donnant à cette œuvre le caractère d’un être vivant, entier et au solide tempérament. Les cuivres étincelants de l’Allegro et les cordes enfiévrées  rappellent qu’à l’époque de l’écriture et de la création de cette symphonie, l’Europe est embourbée dans les effroyables guerres napoléoniennes (Scherzo : Allegro). Beethoven avait manifesté son enthousiasme pour Napoléon Bonaparte, avant que ce dernier ne se transforme en conquérant et en tyran. N’est-ce pas justement l’allant guerrier, l’espoir de paix et l’optimisme qui marquent le quatrième mouvement Allegro-Presto, jusqu’à une fin mémorable ?

Véritable révolution romantique

On dit des symphonies de Beethoven qu’une sorte de malédiction frappe celles numérotées d’un chiffre pair – les Deuxième, Troisième, Quatrième et Huitième (la Sixième a un statut à part). Mal connues, mal aimées, elles ont du mal à exister à côté des "impaires". Ce second coffret fait une place à la Huitième, à côté de la Cinquième et de la Sixième. Une manière de découvrir cette œuvre.

La Symphonie n° 8, op. 93, en fa majeur, a été composée en 1812 et créée à Vienne deux ans plus tard. Elle est composée de quatre mouvements qui ont la particularité de ne pas comporter de mouvement lent. Celle que Beethoven nommait "Petite symphonie" est en effet relativement courte – le plus long des mouvements dépasse à peine sept minutes (Allegro vivace e con brio) et le plus court, l'Allegretto scherzando, fait un peu plus de trois minutes et demi. Plus classique que réellement romantique, la Huitième lorgne du côté de Mozart et de Haydn. Le compositeur allemand a même ajouté un mouvement de menuet (Tempo di menuetto). Finalement, le XVIIIe siècle n’est pas loin. L’auditeur gouttera le travail mélodique comme les ruptures de rythmes, en particulier dans le premier mouvement. Voilà qui prouve qu’on ne doit pas prendre à la légère cette Huitième, coincée entre l’exceptionnelle et poignante Septième et la monumentale Neuvième. En vérité, cette Huitième séduit pour sa concision et son aspect de belle mécanique, intelligente et lumineuse. Peut-être aussi nostalgique (Tempo di menuetto), avant un finale puissant, certes moins mémorable que le finale de la Cinquième.

La Symphonie n°6 fait l’objet d’un disque à part dans le coffret de b.records. Archi jouée, archi enregistrée et archi utilisée (films, séries, documentaires), elle allie classicisme, romantisme et naturalisme. Impossible, à ce sujet, de ne pas frémir à l’écoute de l’Allegro ma non troppo, véritable tube beethovénien. Il faut ajouter – mais on ne s’en étonnera pas – que le compositeur allemand était un amoureux de la nature et que la campagne verdoyante autour de Vienne l’inspira. L’Orchestre Consuelo l’interprète sans chercher à le détourner de sa "pastoralité". Le naturalisme (les chants d’oiseaux, l’orage de l’Allegro ou le vent) se pare ici de romantisme, particulièrement éloquent dans le deuxième mouvement Andante molto moto. Moins connu que le premier, il mérite pourtant de figurer sur les meilleures playlists. Victor Julien-Laferrière le dirige avec subtilité et délicatesse, laissant aux cordes le soin de dominer la partie.

Comme pour la Cinquième, un soin particulier est donnée aux transitions, en particulier entre l’Allegro du troisième mouvement et l’Allegro-Allegretto du Finale. Un Finale incroyable, puissant et inquiétant dans lequel la nature se met en branle. L’orage éclate. Le vent fouette la campagne. La pluie s’abat. La menace est partout, avant que le calme ne revienne. L’Orchestre Consuelo prend un soin particulier à donner de la densité, du relief, du son et du rythme à la dernière partie, avant un retour vers la paix, appuyée par les thèmes et mélodies du premier mouvement. On est de retour dans le caractère pastorale de cette œuvre majestueuse – la première, sans doute, à écouter si l’on veut entrer dans le répertoire de Beethoven.              

Ludwig van Beethoven, Intégrale des Symphonies de Beethoven vol.2 : Symphonies n°5, 6 & 8,
Orchestre Consuelo, dirigé par Victor Julien-Laferrière, b•records, 2025
https://www.b-records.fr
https://www.orchestreconsuelo.com
https://www.victorjulien-laferriere.com
https://www.chaise-dieu.com

Voir aussi : "Beethoven, Intégrale, Première"
"À Beethoven, l’humanité reconnaissante"

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On le sait : rien n’est plus compliqué que la simplicité. La preuve avec Les Minutes du Soir (chez Indésens) avec le court (moins de vingt-quatre minutes) et lumineux album de Stéphane Michot. Décidément, la création contemporaine sait aujourd’hui toucher aux âmes, après des décennies de recherches et de concepts qui ont pu laisser pas mal d’auditeurs et d’auditrices à la porte.

Les Minutes du Soir, ce sont quatorze pièces néo-classiques – on a même envie de dire post-romantiques – jouées au piano par le compositeur lui-même. Minute papillon, La Minute Blonde, La Minute Inutile ou Les Minutes de Raphaël : Stéphane Michot décline en musique ces courts moments, dans des pièces – des "miniatures", précise-t-il – ne dépassant jamais les deux minutes, à l’exception notable des Minutes se dessinent, des Minutes de l’Empereur, des Minutes Bleues, des Minutes de James… et des Secondes de Camille (sic).

L’opus débute avec Minute Papillon faisant inévitablement penser à une variation des Variations Goldberg de Bach. Voilà qui lance un album séduisant de la plus belle des manières. Stéphane Michot poursuit avec une Minute Blonde, sur une veine plus romantique, comme dans une déclaration d’amour – à une jeune femme blonde ? On se laisse prendre par la main tout au long de cet enregistrement aux mélodies simples et envoûtantes (Les Minutes d’une Amandine, Les Minutes Bleues).

La preuve que tout n’est pas entièrement perdu en ce bas monde

Stéphane Michot sait tout autant être mélancolique (Les Minutes d’Ilan), rêveur (Les Minutes se dessinent), triste (La Dernière Minute) amoureux (La Minute Blonde, donc, mais aussi Les Secondes de Camille). Qu’un compositeur d’aujourd’hui se lance dans un projet tout autant sensible que conceptuel démontre que tout n’est pas entièrement perdu en ce bas monde. C’est d’ailleurs ce qu’il semble promettre dans la délicate Minute d’un Possible.

Stéphane Michot connaît ses classiques, lui qui propose une Minute de l’Empereur semblant nous catapulter en plein XIXe siècle, dans un de ces salons bourgeois européens. Avec la Minute Inutile, le musicien propose une pièce dense et savoureuse semblant lorgner du côté de Yann Tiersen, à l’instar également des Musiques de Raphaël. Plus longue encore (un peu plus de deux minutes quarante-cinq), Les Minutes de James se montrent plus sombres, plus "sérieuses" même comme l’aurait dit Satie, un compositeur que Stéphane Michot ne renierait certainement pas.

On parlait de simplicité, une obsession chez Debussy. Elle est déclinée sous forme de berceuse dans La Minute Sacrée. Élégance de la mélodie, toucher en finesse du pianiste. Oui, la simplicité est décidément un art et Stéphane Michot y excelle. 

Stéphane Michot, Les Minutes du Soir, Indésens Calliope, 2025
https://indesenscalliope.com/boutique/les-minutes-du-soir
https://www.facebook.com/StefaneMC
https://www.youtube.com/@psyshowman

Voir aussi : "Souvent musique varie"

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Nous avions parlé d’Altiera sur Bla Bla Blog il y a quelques mois pour son titre Tant pis. Nous l’avions même interviewée dans la foulée. Or, voilà que la chanteuse parisienne, aux origines polonaises et corses, nous revient avec un nouveau single, Amore Meu, un titre justement corse mais au texte français.

"On va se perdre dans le délire / Faut que t’arrive à me le dire / Je pourrai jamais dire non / Je vais me faire tatouer ton nom", confie-t-elle en musique, dans une déclaration enflammée mais qui sent aussi l’aliénation ("Putain tu me brises le cœur / Je sais pas comment revenir / Ni comment toute cette douleur / Va faire un jour pour partir / Laisse moi te retenir").

Musicalement, le single allie chanson française, pop et influences électro, avec ce je ne sais quoi d’influences méditerranéennes – corses, on s’en doute. Et avec ça une voix veloutée, aux accents graves.

Altiera confirme qu’elle est une sacrée personnalité de la scène française, construisant une carrière de chanteuse aux multiples influences. 

Altiera, Amore Meu, Miyajima Records, 2025
https://www.miyajimarecords.com
https://www.altieraofficiel.com
https://www.instagram.com/altiera_off

Voir aussi : "Altiera : ”L’amour existe peut-être ailleurs, dans un autre univers, une autre dimension”"
"Et l’amour, dans tout ça ?"

© Stefanu Ciabrini

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Disons-le : cet album, le premier de Shanker Krishnan, est à la fois incroyable, singulier et révolutionnaire. Oui, révolutionnaire ! Et on invitera les amoureux et amoureuses de la musique à venir y faire un tour, tant elle bouscule nos oreilles et vient les enrichir tout autant.

Raga and Counterpoints est le titre de cet album sorti cette année chez Indian raga. Raga et contrepoints, donc. Très rapidement, le contrepoint est cette technique musicale d’écriture occidentale consistant à faire se coïncider plusieurs lignes musicales et voix pour former un ensemble cohérent. Pour aller plus loin, je vous invite à aller sur ce site. Qui dit contrepoint, dit Jean-Sébastien Bach. S’il n’a pas été l’inventeur du contrepoint, il en a fait un art indépassable. Le raga, lui, vient d’Inde et de la tradition musicale carnatique. Le raga est défini par une gamme aux riches ornements mélodiques.

Le compositeur américain d’origine indienne Shanker Krishnan a choisi de marier ces deux méthodes et traditions pour créer cet enregistrement singulier. Le but ? Ni plus ni moins que bâtir un pont entre le baroque occidental et musique carnatique venue du sud de l'Inde.

Raga and Counterpoint rassemble Fugue-Kriti et Fields od Dharma (Concerto-Kriti). Dès le premier mouvement de Fugue-Kriti, (Palavi), nous sommes en Inde, ce que les deux mouvements suivants (Anupallavi et Charanam) ne démentent pas. C’est dans le troisième mouvement, Charanam, que le mariage baroque-carnatique paraît le plus éloquent. Voyage musical et dépaysement garantis, non sans nostalgie, aidés en cela par l’instrumentation occidentalo-indienne, mêlant flûte, violon, Vînâ (un instrument de musique à cordes pincées) et mridang (un tambour en tonneau). Ajoutons également la trompette (formidable apport !), la harpe, le hautbois et le violoncelle. 

On ne peut qu’applaudir à cet enrichissement mutuel et à cette rencontre voulue par Shanker Krishnan !

Fields of Dharma se situe dans cette démarche d’ouverture. Ah, l’ouverture musicale ! On ne peut qu’applaudir à cet enrichissement mutuel et à cette rencontre voulue par Shanker Krishnan ! Le compositeur sait de quoi il parle, lui qui a passé son enfance à à Bombay et Madras, avant de s’expatrier, vivre et travailler entre Berkeley, New York, Washington D.C. et même Nashville, une ville riche d’un autre patrimoine musical.

Parlons de ces mélodies qui s'inscrivent dans l'élégance structurelle du contrepoint et qui sont issues des ragas. Les modes et gammes de la musique carnatique évoquent un éventail d'émotions mais aussi d’ornements caractéristiques : oscillations microtonales, glissandos ou notes d’ornements rapides.

Ornements avec le merveilleux premier mouvement de ces Fields of Dharma, Arjuna’s Lament. Cette pièce aux accents dramatiques s’inspire de la Bhagavad Gita, un texte sanskrit bien connu en Inde narrant une bataille vieille de 3 000 ans. À travers les yeux du héros Arjuna, le compositeur trace un portrait musical aux dilemmes universels : combattre les siens, vivre et assumer la victoire amère ou défendre la justice malgré les attachements personnels et matériels.  

Les traditions indiennes, toujours vivaces dans ce pays-continent, sont enrichies par une écriture et une orchestration occidentale (Field of Battle). Tout cela paraît à la fois si naturel et si évident !

L’éducation musicale occidentale de Shanker Krishnan semble prendre le dessus dans le troisième mouvement, Dilemma, comme si le compositeur exprimait un déchirement entre deux cultures qu’il aime tout autant et qu’il sait marier avec talent.

Un dernier mouvement, le plus long (plus de sept minutes), Realization, vient conclure un grand album de réconciliation entre deux patrimoines musicaux. Rythmiques, palettes d’accords, mélodiques carnatiques et instrumentations richissimes achèvent de faire de cet enregistrement une œuvre audacieuse, généreuse mais aussi épique et universelle.

Au fait, est-ce que je vous avais dit que cet album est unique en son genre ?

Shanker Krishnan, Raga and Counterpoint, Indian Raga, 2025
https://www.shankerkrishnanmusic.com
https://www.indianraga.com
https://www.facebook.com/IndianRagaProject

Voir aussi : "Très grand Bacri"

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Même sans être familier de Brahms, l’écoute de son Thème et Vériations, op. 18b paraît immédiatement familier. Au piano, Sandra Chamoux va à l’essentiel : lignes mélodiques simples mais prenantes et surtout le romantisme chevillé au clavier. Oui, cette œuvre qui ouvre cet enregistrement Indésens résonnera fatalement chez l’auditeur et l’auditrice. Sandra Chamoux rappelle d’ailleurs dans le livret que "le mot Resonare veut dire Résonner, et le mot Sonarae : Jouer…"

Le fameux thème de Brahms est issu de son premier Sextuor à cordes que Clara Schumann, dont il était amoureux, aimait. À sa demande, Brahms écrivit pour son anniversaire une transcription pour piano solo du mouvement lent du sextuor. On est d’accord pour dire, avec Sandra Chamoux, que cet opus 18b est peu connu. C’est fâcheux et cela rend d’autant plus précieux sa présence dans l’album Résonare proposé par la pianiste française. Que l’on pense à la dernière variation, la septième, écrite comme une marche funèbre.  

Autres variations, celles de Félix Mendelssohn dont on ne dira jamais assez que la mort de ce génie à l’âge de 38 ans a laissé un vide immense, tant il a brillé par son influence sur le XIXe siècle. Voilà une autre preuve avec ses Variations sérieuses en ré mineur op. 54. Après un thème Andante, dix-sept variations , suivies par un Presto finale, viennent montrer toute la maîtrise de Mendelssohn. À l’instar de Bach – dont la Chaconne, présent d’ailleurs dans l’enregistrement de Sandra Chamoux, l’inspire – le compositeur allemand déploie sa virtuosité – canons, ballades, chorals, mouvements lents, vifs, très vifs, agités ou au contraire comme suspendus. On parle de virtuosité dans la composition. Il en faut aussi chez Sandra Chamoux pour proposer ces courtes variations (de moins de vingt secondes à un peu plus d’une minute) sans ciller, en variant les effets et en ne laissant pas la technique jouée sur l’émotion.         

"Variations corelliennes"

Serge Rachmaninov est présent dans ce programme grâce à ses Variations sur un thème de Corelli, op. 42. On reconnaîtra ce thème ancien, populaire en Italie depuis la fin du XVe siècle. Il s’agit au départ d’une danse appelée Folia qui va ensuite devenir un thème musical apprécié chez les compositeurs. En 1700, Corelli l’utilise pour sa Sonate pour violon et basse continue. En 1931, Serge Rachmaninov est exilé en France depuis la Révolution russe. Il compose 20 variations sur ce thème, une œuvre qui sera à la fois la seule écrite dans notre pays et la seule pièce pour piano seul. Ces "variations corelliennes" ont une place particulière dans son répertoire. Rachmaninov propose, comme il en a peu l’habitude, une œuvre dépouillée, sombre, pour ne pas dire aride. C’est l’âme d’un Russe banni de son pays, d’un exilé s’apprêtant à quitter le continent européen et qui ne reverra plus son pays. Voilà vingt variations poignantes que Sandra Chamoux dévoile avec dans toute sa nudité.  

Nous parlions de la Chaconne de Bach. Elle est présente dans sa version de Busoni. Modernisée, dépouillée, bouleversante. Sandra Chamoux déploie les près de seize minutes de cette œuvre spectaculaire. La Chaconne a été écrite entre 1717 et 1720 par un Bach au sommet de son art. Elle entre dans la deuxième Partita pour violon. La Chaconne, qui termine la pièce, impressionne tant les compositeurs que des variations sont écrites. Brahms s’y attelle notamment. Pourtant, c’est la variation d’un musicien bien moins connu, Ferruccio Busoni (1866-1924) qui vient donner une ampleur inédite à la création originelle. Bach était déjà éternel. Busoni lui apporte en plus une modernité incontestable.  

Sandra Chamoux, Résonare, Indésens Calliope, 2025
https://www.sandrachamoux.com
https://www.instagram.com/sandrachamoux
https://www.facebook.com/profile.php?id=100042048775710
https://indesenscalliope.com

Voir aussi : "Un inconnu nommé Dupont"

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Nicolas Bacri est l’un de nos meilleurs compositeurs contemporains, multiprimé et plusieurs fois nommé aux Victoires de la Musique classique. Très demandé, il est l’auteur de plus de 150 partitions, aussi bien dans la musique symphonique, l’opéra, la musique de chambre que l’oratorio. Il est de retour cette année avec un nouvel album, Da Camera (Passavant), interprété par Elizabeth Balmas, au violon et à l’alto et Orlando Bass au piano. L'enregistrement se compose de deux nocturnes et de trois sonates, toutes datant des années 2000 à 2019, si l’on met de côté la Sonata Da Camera aux dates de composition échelonnées sur plus de vingt ans.

Mais commençons par le Notturna ed allegro op. 151, commandée au départ par la pianiste luxembourgeoise Sabine Weyer, une œuvre au départ pour trio piano-violon-violoncelle. Le compositeur précise que cette pièce peut être et, d’ailleurs, a été joué sur d’autres instruments, que ce soit en solo – on pense à la flûtiste Jieun Han – ou à plusieurs. Ici, au violon, alto et piano avec Elizabeth Balmas et Orlando Bass.

Nicolas Bacri fait partie de ses compositeurs qui entendent réconcilier l’irréconciable : la musique contemporaine atonale et sérielle et le classicisme, sans a priori, en privilégiant le travail sur le langage (on pense au motif basé sur les lettres B.A.C.R.I., comme il le rappelle dans le livret du disque) mais aussi sur l’expressivité – on hésitera à employer le terme d’"expressionnisme". Le résultat de cette première nocturne c’est un dialogue, non sans tension – féminin et masculin, comme il le remarque lui-même – mais finalement tendre et qui va vers l’apaisement et un bel éclat de lumière.

Influencé par le modernisme atonal du début du XXe siècle (on pense à Berg et surtout à Webern, pour sa sensibilité et sa précision), Nicolas Bacri a écrit en 1977, alors qu’il n’a même pas 17 ans, la Sonata Da Camera, op. 67. Il a retravaillé cette œuvre tout au long de sa carrière, en 1997 puis en 2000. Pour autant, reste l’essence "juvénile" de son thème. La passion se devine dans l’Andante de la Sonatina dont s’emparent avec fougue Elizabeth Balmas et Orlando Bass. Il faut de la technique pour s’attaquer à cette pièce ambitieuse et qui donne son nom à l’opus. C’est dire son importance. On parle d’expressionnisme dans cette sonate qui suit la carrière de Nicolas Bacri et à laquelle il avoue être attaché. Que l’on écoute le nerveux Scherzo et le long et bouleversant Pezzo elegiaco (adagio molto). On peut d’autant plus parler de romantisme contemporain. Le compositeur français évoque d'ailleurs la figure de Schubert lorsqu’il parle de "la douceur et la quasi naïveté" du thème centrale de la Sonate op. 67 qui se termine par des variations à la fois déroutantes et virtuoses (Variazioni). Elizabeth Balmas et Orlando Bass démontrent que l’audace moderne de l’atonalité n'est pas morte.

Romantisme contemporain

Autre Nocturne, Tenebrae, datée de 2015 et 2016, voit Nicolas Bacri revenir vers l’harmonie, sans pour autant tourner le dos à une construction musicale ambitieuse. Cette Nocturne n°6 a été écrite pour le piano. La prise de son met à l’honneur le jeu tour à tour puissante, élégant, sombre (d’où le titre Tenebrae) et expressionniste d’Orlando Bass. Le compositeur confie qu’il s’agit d’une de ses pièces pour piano les plus représentatives.  

La Sonate n°2 op. 75 est proposée dans une version pour violon et piano. Elle date de 2002. Là aussi, elle peut s’écouter comme une réconciliation entre ses premières compositions sérielles et atonales et son retour vers la tonalité, avec toujours la recherche de l’expression et du sentiment. Il s’agit de l’une de ses pièces les plus significatives, comme il le confie lui-même et il est vrai qu’elle reste extrêmement jouée. Elizabeth Balmas et Orlando Bass s’affrontent plus qu’ils ne discutent, tout en tension (Introduction et Allegro), avant une Élégie à la fois sombre et mystérieuse. La violoniste semble voler au-dessus de ce mouvement qui voit dialoguer les deux instruments, tel un chant d’amour d’amour et de douleur, avant un long et éloquent silence. La Sonate n°2 se termine par un Rondo infernal, telle une danse des morts, tour à tour riante, menaçante mais finalement non sans rédemption.

La Sonata Variata op. 75 est proposée dans une version pour alto seule. Elle a été écrite entre 2000 et 2001. L’auditeur ou l’auditrice découvrira un Nicolas Bacri joueur et ne tournant pas le dos à la mélodie (Preludio), pas plus qu’à ses influences classiques, à l’instar de sa Toccata rustica. Lorgnant du côté de Bach, le compositeur français fait se rejoindre archaïsme et modernité. L’alto reste tendu de bout en bout, avalant tout l’espace sonore durant deux minutes 30. Cette dernière sonate se termine par un finale nommé Metamorfosi. Un mouvement mystérieux, comme son nom l’indique. On est loin des premières œuvres atonales de Nicolas Bacri.

L’artiste ne vend pourtant pas son âme à la modernité néoclassique. Toujours aussi exigeant, il reste un compositeur mû d’abord par l’émotion, l’expressivité et une écriture très fine, ce que le livret de l’album laisse à voir. Son homologue néerlandais John Borstlap a salué Nicolas Bacri comme "le compositeur français le plus important depuis Messiaen et Dutilleux…" C’est dire l’importance de son œuvre, à découvrir ou redécouvrir donc.

Nicolas Bacri, Da Camera,
Elizabeth Balmas (violon et alto) & Orlando Bass (piano), Passavant, 2025
https://www.facebook.com/nicolasbacriofficial
http://www.nicolasbacri.net/biographiefr.html
https://www.passavantmusic.com

Voir aussi : "Un inconnu nommé Dupont"
"Plus d’air, plus d’espaces"

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C’est sur un véritable tube que commence le dernier album de la pianiste Natacha Melkonian, à savoir le Prélude à l’après-midi d’un faune de Debussy. La pianiste française, se produisant désormais à l’international, s’en empare avec ce qu’il faut d’élégance et de tact pour une pièce archi-jouée, demandant tout sauf de l’esbroufe. Une entrée en matière séduisante mais finalement peu étonnante.

La surprise vient avec la suite de son programme, à la fois audacieux et passionnant. Natacha Melkonian choisit en avant de mettre à l’honneur Gabriel Dupont (1878-1914), contemporain de Debussy, avec qui il partage d’ailleurs le goût pour des pièces "impressionnistes", aux subtiles couleurs. La pianiste a fait le choix de consacrer l’essentiel de son opus à La maison dans les dunes. Ce cycle datant des années 1907-1910 est composé de dix pièces tout à tour contemplatives (Dans les dunes, par un matin clair), naturalistes (Voiles sur l’eau, Le soleil se joue dans les vagues, une pièce joueuse et expressive), fortement empreintes de nostalgie (le mélodieux morceau La maison du souvenir ou le plus sombre Le soir dans les pins), mélancoliques (la bien nommée Mélancolie du bonheur) mais aussi avec je ne sais quoi de fantaisiste (Mon frère le Vent et ma sœur la Pluie). Au sérieux impénétrable de Debussy, on peut préférer la proximité et le caractère attachant de Dupont que Natacha Melkonian a la bonne idée de mettre à l’honneur.

Lyrique ? Oui. Mais aussi naturaliste et descriptif

Pour ce cycle paisible et méditatif, l’esbroufe est interdite. La pianiste l’a bien compris, qui se ballade avec naturel dans ces paysages sans doute normands – le pays d’origine du compositeur.

Si les peintres impressionnistes pouvaient avoir une BO, ce serait sans doute vers Gabriel Dupont qu'ils se tourneraient, compositeur plus moderne qu’on ne le dirait de prime abord (Le soir dans les pins). Dupont est maître dans l’art de retranscrire des paysages battus par le vent et la mer (Le bruissement de la mer, la nuit). Lyrique ? Oui (que l’on pense à la pièce Clair d’étoiles). Mais aussi naturaliste et descriptif (Houles), ce qui rend sa musique si immédiatement attachante, grâce ici au talent remarquable de Natacha Melkonian.

Parlons enfin des trois dernières pistes présentes dans l’album. Il s’agit de Correspondances. La première datée de 1906-1907, la deuxième de 1909-1913 et la troisième non-datée. Natacha Melkonian a fait le choix de lire des extraits de ces correspondances écrites par Dupont. Voilà qui nous fait connaître l’artiste de la manière la plus directe possible. Gabriel Dupont apparaît comme un compositeur plus vivant que jamais. Voilà une manière inédite de découvrir un artiste resté dans l’ombre de Debussy. Il était temps de s’y réintéresser. Merci à Natacha Melkonian et à Indésens.

Natacha Melkonian, La maison dans les dunes, Indésens Calioppe, 2025
https://indesenscalliope.com/boutique/la-maison-dans-les-dunes/
https://www.instagram.com/natachamelkonian
https://linktr.ee

Voir aussi : "Marie Jaëll et ses amies"
"Sacrés romantiques !"

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Il y a de la soul chez Dahlia Dumont, mais de la pop-soul dopée à l’électronique, avec une énergie sans artifices (Betty II). C’est ce que l’on aime chez notre Frenchie, de retour avec son nouvel album de 12 titres, bien nommé Fantasia.

Oui, Dahlia Dumont sait être fantaisiste, se jouant des rythmiques et des voix. La ballade Stalker, aussi classique soit-elle dans sa facture, réserve de jolies surprises, sous forme d’emprunts aux sons urbains, latinos, world et électros.

Fantasia ne se prend jamais au sérieux. Qu’on se le dise. Le morceau Semi-Automatic Trinket (Take It!) est un vrai tour de force, et dans sa composition et dans son instrumentation, mixant flow américain et intrusion de l’accordéon. On n’oubliera pas non plus le rieur et fantasque Oblivion II, faussement je-m’en-foutisme mais réellement bien... foutu.

L’auditeur ou l’auditrice tomberont sans doute sous le charme du sensible Sickmess qui nous envoie assurément du côté des influences afro-américaines, tout comme d’ailleurs le voyageur Crossing To Brookling.

Le sacrément culotté Fantasia, qui donne son nom à l’opus, fait le choix du français et d’un texte sans fard ("Des fantasmes, je m’en méfie ! Des fantasmes, tellement envie !"). Freud aurait adoré ! Philippe Katerine aussi… A découvrir absolument !

Freud aurait adoré ! Philippe Katerine aussi…

On retombe en terrain plus familier, et néanmoins tout aussi passionnant avec le plus pop, Wishing Well. Dahlia Dumont nous prouve qu’elle est une nouvelle voix de la scène française à suivre, délimitant son univers, à mi-chemin entre le rock psychédélique des années 70 et les années 2020 riches des influences soul, jazz, urbaines et électros, mais aussi marquées par des préoccupations actuelles, dont féministes. On pensera, à ce sujet, à l’éloquent et poignant Consent.

Le talent de Dahlia Dumont ne cesse d’étonner tout au long de la découverte de l’album. Que l’on pense au morceau Sentimental Reasons, reggae amoureux dopé aux vagues synthétiques. Enivrant et franchement bluffant, autant pour son orchestration que pour son travail mélodique.

Ce qui n’empêche pas la chanteuse de savoir rester sur des chemins plus balisés – nous ne dirons pas plus sage – à l’exemple de sa ballade sous forme de confidence, The Walls, pour nous le meilleur titre de l’opus.

On n’oubliera pas un passage par le jazz, période Juliette Gréco de Saint-Germain-des-Prés, avec le poétique et surréaliste L’Oppossum (Drops). Un joli bouquet de Dahlia, donc !

Dahlia Dumont, Fantasia, Single Bel, 2025
https://thebluedahliamusic.com
https://www.facebook.com/dahliadumontmusic
https://www.instagram.com/dahliadumontmusic

Voir aussi : "Soleils"

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