Qui d’autre que Philippe Manœuvre pouvait nous offrir un tel livre ? Une compilation de 111 raretés du rock qui régalera même les non-spécialistes dévoreront. Le lecteur retrouvera la voix de l’ex rédacteur en chef de Rock & Folk. Pas de doute : c’est bien lui qui est aux... manœuvres.

Il nous offre une véritable mine d’informations sur tous musiciens, groupes ou albums tombés, parfois de manière incompréhensible, dans l’anonymat. Des années 60 aux premières années du XXI e siècle (avec une écrasante majorité d’albums datant des années 70), il nous parle d’une histoire alternative du rock, avec ses chefs-d’œuvres incompris (L.A. Getaway de Joel Scott Hill), ses artistes complètement barrés qui se sont brûlés les ailes avant d’atteindre le début de la notoriété (Lowell George et son groupe éphémère Little Feat), les victimes de maisons disques frileuses "sacrifiés sur l’autel de la gloriole corporate" (Dion et son Born To Be With You en 1975). Philippe Manœuvre n’oublie pas les les effets des modes pouvant condamner un descendant de Ziggy Stardust alors que David Bowie est déjà passé à autres choses (Mick Ronson et Play Don’t Worry en 1975), les vrais pastiches (Klaatu, 3:47 Est, sorti en 1976, est présenté comme le dernier album des Beatles) ou les authentiques curiosités venues du Japon, de Suède ou… de France comme les Go-Go Pigalles ou les Deadbeats dont le On Tar Beach (1985) est salué par l’auteur comme le meilleur disque chroniqué.

Sacrifiés sur l’autel de la gloriole corporate

Philippe Manœuvre consacre une double page par album (avec des reproductions de pochettes de disques souvent étonnantes) remonte le temps, de 1963 (avec un certain Jack Nitzsche) à 2015 (et le quadra Kelley Stoltz et son double album de 2015 In Triangle Time, "une réussite"). Fort opportunément, l’auteur passionné consacre une rubrique "Que sont-ils devenus ?", qui retrace la carrière de ces musiciens après la sortie de ce qui devait être souvent le couronnement d’une carrière.

Des figures marquantes ressortent de cet album : le "ténor galant" Dino Valenti, l’Anglais Terry Reid (à propos de qui Aretha Franklin disait en 1969 : "Ce qui se passe à Londres ? Trois choses : les Beatles, les Stones et Terry Reid !"), T2 et leur album Boomland, "l’un des albums les plus recherchés du marché" ou encore les Ruth Copeland, l’une des rares femmes de cette compilation.

Le lecteur retrouvera aussi quelques grands noms de la musique, comme égarés dans cette compilation d’albums zappés par l’histoire du rock : John Lee Hooker, qui s’est essayé au rock dans le précieux Endless Boogie, Dr John (The Sun, Moon & Herbs), Grateful Dead et son album public tombé dans l’anonymat en 1971, les Kinks (Muswell Hillbillies), les Beach Boys (Love You) ou le Squeeze des Velvet Underground.

Il est impossible de répertorier les surprises que nous offre cette discothèque étonnante. Tiens, une seule pour terminer cette chronique : saviez-vous que Michel Polnareff avait fait Ménage à Trois en 1980 , "un album sublime que je revendique" comme il le dira lui-même ?

Philippe Manœuvre, La Discothèque idéale de Philippe Manœuvre,
111 trésors cachés du rock, éd. Hugo Desinge, 2017, 231 p.

Laïn est un vrai appel d’air dans cette passionnante vague de chanteurs et chanteuses. Appel d’air comme son premier EP, dans les bacs à partir du 25 mai.

La Parisienne a dans ses bagages quelques belles références : Léo Ferré, Barbara, Claude Nougaro ou encore Philippe Léotard. Mais c’est surtout Alain Bashung que cite la jeune artiste, bouleversée comme tant d’autres par l’auteur de Fantaisie militaire. Cette référence n’est pas anecdotique. En 2015, lors de l’édition des Francofolies de la Rochelle, Laïn rencontre Jean Fauque, l’auteur de La nuit je mens. Il lui propose un texte qu’il avait écrit pour son ami Alain Bashung et que ce dernier adorait : On sera sur.

Dans son premier EP, la pop électro sèche et rythmée de Laïn ne transige pas avec des textes âpres et exigeants : "T’avais le coeur au bout des doigts / Un peu de safran dans ma voix / Dans notre deux pièces à Paris / On s’est aimés comme deux junkies inséparables / Maladifs prêts à se tuer à coup de canif / Sur notre perchoir parisien / On s’est aimés / Comme s’aiment les chiens" (Matelot).

Laïn ce sont ces chants d’amour suffocants interprétés par une noctambule : "La nuit, Paris rassemble ceux qui perdent la tête et le sommeil, comme moi," avoue-t-elle à ce sujet la musicienne qui consacre quelques textes à cette nuit qu’elle aime tant.

Son "gri-gri"

Le titre phare du EP, L’appel d’air, est un voyage à la Robert Conrad dans la jungle d’amours qui nous font divaguer. Sauvages, bruts et fascinants sont les mots que nous offre Laïn : "L’appel d’air sublime l’au-delà / Sous le jardin toussent les camélias / Qui retournent ma terre / Retournent à la terre comme des mégots." Le titre se termine par une envolée électro hypnotisante. Hypnotisant comme La Fin de L’Hiver, le récit d’un un séjour à Southport que l’on devine autobiographique et où il est question une nouvelle fois de jungle (urbaine et sentimentale), du froid de l’hiver, d’une séparation et de cette nuit qui va si bien à Laïn.

Ce premier EP se termine par par une jolie balade au piano, rehaussée par de délicates nuances d'électro. Le reflet des drapeaux, sa première chanson et aussi, comme elle le dit elle-même, son "gri-gri", nous caresse et nous entraîne dans un voyage intime et mélancolique.

On peut saluer les arrangements musicaux soignés. Les synthétiseurs servent des titres à la poésie savamment scandée et au souffle lyrique moderne et houellebecquien. Mine de rien, Laïn a une puissance vocable comme mise sous le boisseau, mais pouvant se faire explosive : voilà une belle découverte musicale et une pure personnalité de la chanson, déjà attachante. Laïn est à suivre à coup sûr. Elle sera en concert en mai à Paris, au Réservoir le 23 et aux Trois Baudets le 29.

Laïn, L’appel d’air, sortie le 25 mai 2018
Laïn en concert à Paris, au Réservoir le 23 mai 2018
et aux Trois Baudets le 29 mai 2018
http://lainofficiel.com

Soondy est le site qui pourrait bien révolutionner le milieu de la fête. Le principe ? Mettre à la disposition des particuliers, du grand public et des entreprises de nouveaux talents et des artistes de renom comme DJ Black, DJ Ekill, Antoinette ou encore Bagô. De la deep-house aux musiques généralistes en passant par le rap ou encore le bollywood, les créateurs de cette plateforme spécialisée promettent un vaste choix d’artistes et de styles pour une fête privée, un mariage, une soirée entre amoureux ou un anniversaire.

Après avoir créé un compte gratuitement sur Soondy, l’organisateur de sa soirée sélectionne l’artiste de son choix. Une fois que le DJ valide sa prestation, la commande peut être finalisée. Le jour J, que le DJ soit à distance via une webcam ou sur place, il peut adapter ses choix musicaux à l’ambiance mais aussi aux demandes en direct des participants.

Avec Soundy, finies les playlists interminables à créer avant la fête anniversaire de son meilleur ami. Soondy propose clé en main le DJ de vos rêves.

www.soondy.com

Ce mois d’avril, s’ouvre à Villers-Bretonneux le Centre Sir John Monash, un nouveau historique consacré à la première guerre mondiale. Celui-ci lève le voile sur une contribution peu connue dans l’histoire de la Grande Guerre : celle des soldats australiens engagés sur le front occidental

L’Australie a été un allié fondamental durant la Première Guerre mondiale, jouant un rôle clé dans les batailles européennes. Son histoire est peu connue en France, contrairement à celle des autres forces alliées. Or, pas moins de 295 000 Australiens ont servi au sein de l’Australian Imperial Force (AIF) en France et en Belgique, entre mars 1916 et novembre 1918. C’est dire l’apport de ces soldats dans l’histoire de la première guerre mondiale, un apport rappelé par le Centre Sir John Monash, financé pour 60 millions d’euros par le gouvernement australien, et situé à proximité de Villers-Bretonneux.

110 000 attendus visiteurs chaque année

Le Général John Monash était le chef des forces australiennes sur le front occidental en 1918. Le centre, conçu par l’agence COX Architects (Sydney), qui porte son nom est un rappel de cette période sanglante, un hommage aux Aussies engagées en France et en Belgique, mais aussi un moyen de rappeler au visiteur du XXIe siècle la réalité du conflit dont nous fêterons cette année les cent ans de l’Armistice.

Le Centre Sir John Monash prévoit d’accueillir près de 110 000 visiteurs chaque année. Une application SJMC, téléchargeable sur les téléphones et tablettes des visiteurs, servira de "guide touristique virtuel" dans le cimetière militaire de Villers-Bretonneux, le Mémorial National australien et le Centre Sir John Monash.

Le visiteur du centre sera plongé dans une expérience immersive à travers une technologie multimédia de pointe présentée comme inédite. Elle générera une expérience sensorielle et instructive en anglais, français et allemand.
Le parcours interactif sera complété par la présentation d’objets d’époque ayant une résonance particulière pour les australiens, ainsi que par certains objets trouvés sur le site avant la construction du Centre. Il permettra aux visiteurs de mieux comprendre le rôle joué par l’Australie sur le front occidental ainsi que l’impact de la guerre et les lourdes pertes subies par cette nation encore émergente.

Centre Sir John Monash, Australian National Memorial
Route de Villers-Bretonneux, Fouilloy (80)
Inauguration le 24 avril 2018
https://sjmc.gov.au

© Sir John Monash

La musique aussi peut se faire participative. C’est du moins le point de départ de Culture Box. Le 8 mars, le groupe Synapson avait 21 jours pour créer un titre inédit avec les contributions des internautes.

Durant cette période, Synapson présentait aux internautes les idées d’un titre qu’il souhaiterait créer avec eux (sons, textes ou voix). Les internautes souhaitant participer à cette œuvre collective pouvaient se rendre sur le site des Recréations sonores pour déposer leurs contributions.

Toutes les contributions sont écoutées ou lues par l’équipe des Récréations Sonores. Les meilleures contributions sont retenues par les artiste, ainsi leurs créateurs deviendront les co-auteurs-compositeurs de cette œuvre musicale et percevront un pourcentage sur les droits d’auteurs générés par ce titre inédit.

Les Récréations Sonores, c’est également une pépinière de talents. Les talents identifiés par l’équipe des Récréations Sonores seront accompagnés dans leur professionnalisation par la Sacem.

Le 29 mars, le titre finalisé par Synapso était diffusé en en direct sur Culturebox. Ce direct de 45 minutes, toujours visible sur le site de Culture Box, clôturait la Récréation Sonore de Synapson, avant d’être proposé sur Spotify.

Camp Claude, Oxmo Puccino et Feu ! Chatterton devraient être les prochains artistes à jouer le jeu, pour le grand plaisir des auditeurs et des internautes.

https://culturebox.francetvinfo.fr/recreations-sonores

Que les lecteurs de Bla Bla Blog m’excusent : l’écriture d’une chronique sur Ready Player One, le nouveau Speilberg, aurait nécessité un double, voire triple visionnage, démarche que le bloggeur avoue ne pas avoir faite. Il est vrai aussi que le dernier long-métrage de Spielberg, qui est aussi le premier film de SF qu’il a réalisé depuis La Guerre des Mondes (2005) vient de sortir dans les salles.

Bien entendu, ce n’est pas l’histoire en elle-même qui nécessite une relecture et une analyse pointue. Elle est même d’une simplicité évangélique : en 2045, dans un futur rongé par la pollution, les conflits et la misère sociale, les habitants, fatalistes, se réfugient dans le jeu, en l’occurrence un monde idéal et virtuel, l’OASIS. Wade Owen Watts fait partie de ces drogués à ce jeu en ligne. Son avatar Parzival, navigue tel un super héros, à la recherche d’un trésor, l’easter egg, caché par le créateur de l’OASIS, James Halliday. Mais d’autres joueurs sont à la recherche de cet objet virtuel et surtout de sa récompense de 500 milliards de dollars, bien réelle celle-ci.

Les amateurs de Spielberg boiront comme du petit lait ce pur divertissement, aux effets visuels bluffants. Mais ce sont les fans de pop culture qui se régaleront le plus devant un film aux références nombreuses : Akira, Le Géant de Fer ou Retour vers le Futur. Les nostalgiques auront également droit à un grand bain dans les années 80, avec une grande place accordée aux jeux vidéos de cette époque. Mais la séquence phare du film restera sans doute celle consacrée à Shining de Kubrick. Un Kubrick qui, au moment de son décès en 1999, travaillait sur le projet de film A.I. Intelligence artificielle, que réalisa finalement... Steven Spielberg.

Inspiré du roman Player One d'Ernest Cline, Ready Player One peut autant se voir comme un objet ludique que comme un hommage d’un réalisateur culte au cinéma qu’il aime.

Ready Player One, de Steven Spielberg, avec Tye Sheridan, Olivia Cooke, Ben Mendelsohn, T. J. Miller, Simon Pegg et Mark Rylance, USA, 2018, 140 mn

Kuy Delair performe ses textes à la Galerie La Poïèsis des Arts (Paris, 4e). Cet événement, commencé en mars, proposera deux dernières représentations les 20 et 27 avril à 20 heures.

Dieu est fou d’Éros est une lecture-performance, un genre hybride alliant la lecture de l’écrivain et la performance contemporaine. Certains éléments du théâtre sont également convoqués. La lecture-performance de l’artiste propose de s’interroger sur les tabous sociétaux, en alliant ces thèmes a priori antinomiques : l’auto-fiction, l’érotisme, le sacré et la folie.

Dans la verve de l’auto-fiction, Kuy Delair se met en scène dans ses poèmes. En voulant marier érotisme et religion, Kuy Delair entend s’inscrire dans la tradition ancestrale du paganisme, et à créer, comme le dit elle-même, "une esthétique de l’érotico-mystique."

Un féminisme dans tous ses états

Voilà ce qu’elle en dit : "L'esthétique érotico-mystique dynamise ma pratique transdisciplinaire de la poésie. Prenant ses racines dans l’Éros mythologique, je conçois cette esthétique comme le fondement de ma pratique artistique. Dans le paganisme hellénique, Éros est originellement appelé Dieu Amour. Il est l’alliance d’un désir spirituel (fusion) et organique (fertilité). Il assume la dualité unifiée de la matière (érotique) et du spirituel (mystique). Le mythe théogonique, visant à l’explication du monde, place Éros comme le moteur de l’Etre, de l’être en création." Mais ces traditions antiques, ne seraient-elles pas des pratiques mortes et enterrées en 2018 ? Pour Kuy Delair, elles sont au contraire plus modernes qu’on ne le croit : "Le mysticisme contemporain est la possibilité d’un au-delà laïc, il est également l’ascétisme de ma pratique artistique ; la discipline du corps dans la genèse de son expressivité."

La démarche artistique de Kuy Delair ne vient pas de nulle part. La performeuse, poétesse et intellectuelle navigue entre Montréal, New York et Paris et a pu se faire entendre sur les ondes de France Culture. Femme de lettres, pianiste, musicienne, performeuse mais aussi enseignante à la Sorbonne, son approche des traditions païennes est celle d’une femme d’aujourd’hui, engagée dans une forme de féminisme dans tous ses états, et qui plonge ses racines plusieurs milliers d’années plus tôt.

Un étonnant retour aux sources par une païenne qui ne laisse pas indifférent.

Kuy Delair, Dieu est fou, Galerie La Poïèsis des Arts,
12 rue de Jouy 75004 Paris
Les vendredi 20 et 27 avril à 20 heures
http://www.poiesisdesarts.com
www.kuydelair.com

Crédit photos© Jean-Pierre Chambard

Physiquement il y a du Keren Ann dans la posture de Liv Monaghan. Mais musicalement ?

Musicalement, c’est du côté du jazz alternatif – voire du world jazz – qu’il faut chercher l’influence de Liv Managhan qui, en décembre dernier, a sorti Beauty in the Park avec le groupe Bird & Bass, album qu’elle a d’ailleurs produit.

Dans cet opus, le jazz s’affranchit de ses origines et vient se nourrir de rock (Yellow Suit), de blues (Ocean blues), d’influences d’Europe orientale (Beauty in the parks) ou de musique de chambre (Horses).

Liv Monaghan ose toutes les audaces vocables et ne s’interdit aucune fantaisie (Yellow Suite), tout comme elle sait se faire bouleversante lorsqu’elle se met à nu, à l’exemple de Horses.

La chanteuse irlandaise, installée à Paris, vient de sortir son clip, Ocean Blues. Le clip est réalisé par l’Italienne Sara Grimaldi. C’est la deuxième collaboration entre les deux artistes, après Horses.

Audaces vocables et fantaisies

La chanson Ocean Blues est une exploration surréaliste, un voyage entre des paysages urbains et naturels, entre rêve et cauchemar aussi. Elle nous plonge, musicalement et visuellement, dans une ambiance rétro. Sara Grimaldi explore l’âme urbaine de Paris au XIXe siècle. Comme dans le clip Horses, les différents vêtements utilisés dans Ocean Blues deviennent une forme de recherche sur sa propre identité.

La chanson adopte un son osé, et les paroles sont riches. Sava Medan à la contrebasse et Srdjan Ivanovic à la batterie font preuve d’une grande technicité et d’une belle inventivité musicale. Si bien que l'auditeur en vient facilement à écouter et réécouter ce titre - et les autres - pour en cerner toute la profondeur et les influences. 

Liv Monaghan a su s'entourer d'excellents artistes pour avancer ses pièces et offrir un jazz à la fois décomplexé, pointu et d'une audace diablement séduisante.   

Liv Monaghan et Bird & Bass, Beauty in the Park, décembre 2017
disponible sur les plateformes de téléchargement
(Spotify, Deezer, Amazon iTunes et Google Play)
www.livmonaghanmusic.com

Après Héléna, la blonde incendiaire de la bande dessinée éponyme de Jim et Cabane, voici Marie, la brune fatale d’Une Nuit à Rome (éd. Grand Angle), que Jim a scénarisé et dessiné de A à Z.

Comme pour Héléna, il est question dans cet ample et élégant album d’un amour contrarié, d’une femme insaisissable, de rendez-vous et du temps qui passe, inexorable et cruel.

Que Jim se soit cette fois attelé au scénario et au dessin n’est pas anodin : comme il le confie dans sa préface, ce personnage de Marie ne vient pas de nulle part, preuve à l’appui... Voilà qui fait d'Une Nuit à Rome - une variation contemporaine sur le thème du badinage, du romantisme et de l’infidélité - une œuvre personnelle.

Raphaël est le narrateur de cette histoire de retrouvaille à Rome. Quelques jours avant ses quarante ans, il reçoit par la Poste une K7 VHS vieille de vingt ans. Il y découvre – ou redécouvre – une petite amie de cette époque, Marie Galhanter, née le même jour que lui.

Une connerie de gamin

La vidéo lui rappelle une ancienne promesse qu’ils s’étaient faits : passer la nuit de leur quarantième anniversaire ensemble, à Rome. Un numéro de téléphone accompagne cet envoi. Or, Raphaël vit en couple avec Sophia, dont il est très amoureux. Il n’aurait donc aucune raison de respecter "une connerie de gamin, comme on en a tous fait…" Sauf que cette VHS balaie toutes les certitudes qu'il avait. En Italie, Marie ne pense elle aussi qu’à ce futur rendez-vous, à Rome. Aura-t-il lieu, vingt-ans après leur promesse ?

Jim déplie sur 238 pages une histoire amoureuse élégante, poignante et sensuelle. Les années passent, les rêves sont mis sous le boisseau mais les amours ne disparaissent pas totalement. Ils peuvent se fossiliser ou au contraire s’affranchir et exploser des années plus tard… Mais à quel prix…

La nuit à Rome est celle de toutes les folies. Des folies que Raphaël et Marie peuvent ou pas s’offrir et qui permettront de remettre, quelque part, les pendules à l’heure. Fort intelligemment et avec une pertinence qui élève Une Nuit à Rome au rang des BD géniales.

Jim termine son album par deux épilogues qui font basculer les destins de Marie et de Raphaël vers un questionnement sur nos promesses à honorer. Jim nous interroge. Raphaël et Marie, c’est un peu lui. C’est un peu nous.

Jim, Une Nuit à Rome, Intégrale, éd. Grand Angle, 2016, 238 p.

"Rendez-vous jeudi prochain, même lieu, même heure"

"La débandade"

Artiste parisienne basée à Berlin, Cleo T., alias Clémence Léauté, a construit une œuvre mixant médias, alias et performances scéniques. Il faut dire que la jeune femme peu se targuer d’un pedigree déjà impressionnant : formation universitaire en lettres modernes et histoire de l’art, comédienne au Théâtre National de Chaillot, artiste européenne naviguant entre Paris, Berlin et Florence, Cleo T. fait se télescoper les références à Malévitch, Plotin, Frida Khalo ou Pasolini. Un drôle de zèbre qui voit "l'art comme un flux sans cesse en mouvement."

Après 120 concerts en Europe et au Canada, des festivals internationaux (SXSW, The Great escape, CMJ NewYork, Solidays) Cleo T. continue d’explorer un terrain musical singulier. Mais l’actualité immédiate de Cleo T. est la sortie de son nouveau clip, ce 11 avril.

Drôle de zèbre

Paru en 2013, Songs of Gold & Shadow, son premier album, déployait un univers glamour et décadent à la Lady Gaga : une pop de chambre sublimée par la production maîtrisée de John Parish/PJ Harvey. Le nouvel album And Then I Saw A Million Skies Ahead fait résonner une pop éclatante, qui dépasse le cadre de l’expérience musicale. Onze ballades postmodernes composent cette œuvre où se croisent gospel et songwriting, instruments du monde et électro.

Véritable œuvre d'art contemporaine, l'expérience convoque la poésie et la danse, l'art vidéo et les arts numériques.

Shine ouvre cet opéra moderne, deuxième album hybride et singulier élaboré entre Paris et Berlin. Rêverie sonore et visuelle, Shine orchestre électro minimale et cordes classiques, révélant la tonalité onirique, glamour et engagée de l'album. Unique, Shine c'est la rencontre de la pop et la recherche artistique. Cleo T. a sans doute le chaînon manquant entre deux univers qui se tenaient jusque-là à bonne distance. 

https://www.cleotmusic.com

C’est une artiste que Bla Bla Blog a croisée à plusieurs reprises, via ses œuvres, et qui mérite que l’on s’y intéresse. Sophie Proença a grandi entre la France et le Portugal et vit et travaille à Bordeaux. Elle expose aussi bien à Paris (prochainement pour SALO VI à Paris) qu’à Dallas ou Lisbonne.

Le travail de Sophie Proença est à chercher dans son travail sur le noir et blanc, et dans sa manière de décortiquer et démantibuler avec précision les corps, pour en faire des matière organiques ou minérales. Lorsque des jambes, des pieds ou des sexes apparaissent, ce sont des organes noueux, désarticulés ou à la raideur cadavériques. Le corps peut aussi devenir végétal. "Les doigts deviennent filiformes, crochus, les pieds se tordent, mains et pieds tels que les trace Sophie Proença peuvent se superposer, évoluer parfois vers une forme prodigue, à la manière de troncs d'arbres d'où sortent de nouvelles pousses, de façon mal contrôlée, croirait-on", écrit Paul Ardenne au sujet de son travail.

Odilon Redon et Amadeo de Souza-Cardoso

Sophie Proença nous invite dans un voyage intérieur et organique, où pulsions de vie et de mort sont traitées avec précision dans des créations au noir et blanc que l’artiste ne cesse de décliner avec subtilité, à l’exemple d’Odilon Redon qu’elle affectionne. Amadeo de Souza-Cardoso, autre grand chercheur de l’art moderne, à la croisée de l’impressionnisme, du cubisme, du fauvisme et du futurisme, est aussi cité par Sophie Proença : rien d’étonnant pour cette artiste d’origine portugaise, installée en France comme son brillant compatriote.

Comme Amadeo de Souza-Cardoso, Sophie Proença s’impose comme une graphiste aux dessins puissants, parfois coups de poing (comme ces détails anatomiques pour l’exposition SALO V), mais toujours d’une grande finesse d’exécution.

Le noir et blanc est, pour le moment, l’univers de Sophie Proença. Passera-t-elle à la couleur, comme son aîné Odilon Redon ? La question mérite d’être posée et son parcours risque bien d’être scruté avec la plus grande attention.

https://proenca-sophia.tumblr.com
https://www.facebook.com/sophieeproenca
http://storyopolisart.com

C’est à la médiathèque de Montargis, le vendredi 13 avril à 18 heures, que se tiendra la prochaine séance du café philosophique de Montargis. Un cadre exceptionnel pour une séance exceptionnelle, dont le sujet a été choisi par les utilisateurs de l’établissement public. Au terme d’un vote étalé sur plusieurs jours au sein de la médiathèque, ses usagers ont choisi de débattre de ce sujet : "Faut-il vivre comme si nous ne devions jamais mourir ?"

Le thème de la mort est essentiel en philosophie, comme le soulignait Albert Camus. Essentiel et absurde. La conscience et même l’appréhension de la mort est d’abord ce qui caractérise l’homme. Les rites funérailles ou le deuil font l’objet du plus grand soin dans toutes les sociétés humaines. Et pourtant, cette mort nous effraie, et nous serions tentés de l’éloigner de nous pour privilégier nos instincts de vie. Face à cette mort absurde et inéluctable, faut-il vivre comme si nous ne devions jamais mourir ? Masquer la mort est-elle tenable dans notre existence ? Et de quelle mort parlons-nous puisqu’il semblerait que la mort soit toujours celle de l’autre ? Comment penser la mort ?

Ce sont autant de points qui pourront être débattues lors de la séance du vendredi 13 avril 2018, à partir de 18 heures à l’Atrium de la Médiathèque de Montargis.

La participation sera libre et gratuite.

http://cafephilosophique-montargis.hautetfort.com

2018 marque les 50 ans de mai 68. Mais cette année, le cinéma fête le cinquantenaire d’une autre révolution, cinématographique celle-là. C’est en effet le 2 avril 1968 qu’est sorti aux États-Unis 2001 : L’Odyssée de l’Espace de Stanley Kubrick. Rappelons que Bla Bla Blog avait consacré par le passé un hors-série sur ce cinéaste exceptionnel. Cette fois, nous ferons un focus sur ce film de science-fiction majeur à travers le passionnant essai de Roberto Lasagna (2001 : L’Odyssée de l’Espace, éd. Gremese), complet et richement illustré.

Il y a cinquante ans tout pile, donc, sortait ce fameux 2001, film de SF spectaculaire autant que fable métaphysique sur la destinée humaine. Réflexion géniale, travail cinématographique à la perfection rarement égalée, coup de poing visuel et véritable révolution artistique, c’est peu de dire que Stanley Kubrick a réussi là un coup de maître qui fait que 2001 n’a jamais vieilli. Le réalisateur disait de ce film qu’il le considérait comme son plus réussi : "J’ai essayé de créer une expérience visuelle, qui contourne l’entendement et ses constructions verbales, pour pénétrer directement l’inconscient avec son contenu émotionnel et philosophique. J’ai voulu que le film soit une expérience intensément subjective qui atteigne le spectateur à un niveau profond de conscience, comme la musique."

Roberto Lasagna spécialiste et critique cinématographique italien consacre tout un essai à 2001 : L’Odyssée de l’Espace. Il en explique la genèse, la fabrication, l’histoire et en fait une exégèse qui ravira les cinéphiles et spécialement les amoureux de Kubrick. L’auteur rappelle à quel point le huitième film du réalisateur américain a marqué à plus d’un titre. Pour la première fois, en effet, Stanley Kubrick entend, après le succès de Docteur Folamour, ne plus être dépendant des studios hollywoodiens. Il vit désormais en Angleterre et choisit les studios londoniens de la Metro-Goldwyn-Mayer qu’il transforme en véritable laboratoire pour créer un film de science-fiction qu’il veut d’un réalisme absolu.

La plus ahurissante ellipse du cinéma

Mais à ce réalisme du décor et des vaisseaux spatiaux vient répondre un discours scientifique pointu et pensé avec Arthur C. Clark (sa nouvelle écrite pour l’occasion, La Sentinelle). 2001 est aussi un manifeste au langage cinématographique époustouflant de créativité, cette "sémantique des images" dont parle Roberto Lasagna : le fameux monolithe noir, l’os devenu arme préhistorique se transformant en navette spatiale dans la plus ahurissante ellipse du cinéma, le personnage et supercalculateur HAL ou la dernière séquence psychédélique jusqu’à l’apparition du fœtus astral.

Roberto Lasagna revient de manière très pertinente sur le contexte de la SF en 1968 : à ce titre, 2001 sera le premier véritable film de space-opera doté d’effets spéciaux réalistes : "Grâce à une rigueur scientifique nouvelle pour l’époque, Kubrick souhaitait prendre ses distances des space operas des années cinquante dont la crédibilité était proche de zéro. Afin d’éviter que les planètes et les vaisseaux spatiaux ne ressemblent à des maquettes à petite échelle, il fit fabriquer de grands modèles avec une précision méticuleuse, puis les filma avec une caméra Panavision 65mm qui permettait une très haute définition."

Délaissant le langage des dialogues au profit de l’écriture visuelle ("46 minutes de dialogues sur les 139 de la durée totale du film"), Kubrick ne fait cependant pas de son 8e film une simple œuvre spectaculaire. L’émotion et l’éblouissement sont bien au cœur de son film. Mais ce qui le caractérise 2001 est une ambition philosophique et métaphysique : "La machine narrative – en réalité presque une non narration – n’est pas seulement belle à contempler : c’est une machine significative, où l’observateur, comme l’astronaute Bowman, sont invités à se poser des questions. Après tout, le cadrage de l’os qui se transforme en vaisseau spatial – le raccord le plus célèbre du film et peut-être de toute l’histoire du cinéma – exige un effort d’interprétation spécifique."

Un trip sans LSD

Arthur C. Clark et Stanley Kubrick interrogent l’intelligence humaine et artificielle, la persistance des instincts, le culte de la technologie, le destin de l’espèce humaine ou le concept de vérité et de révélation, comme le conceptualise brillamment Roberto Lasagna.

Au-delà de la première séquence, "À l’aube de l’humanité," celle sur la lune ou celle de l’affrontement entre HAL et ses collègues astronautes humains, le spectateur qui découvre 2001 restera sans doute d’abord marqué par le dernier voyage de David Bowman vers Jupiter, "un trip sans LSD" comme le remarque malicieusement l’auteur et aussi, cinématographiquement parlant, "une union impensable entre cinéma expérimental et cinéma grand public…"

C'est dans cette dernière partie du film, sans doute, que divergent le plus les interprétations : voyage dans le passé ou le futur ? Macrocosme ou microcosme ? Visions de Bowman ou de son double ? Réflexion phénoménologique sur la perception ? On peut saluer dans l’essai de Roberto Lasagna les références artistiques éclairant les intentions de Kubrick : Ivan le Terrible de Eisenstein, le Christ du Jugement dernier de Michel-Ange ou Ulysse de James Joyce : "Comme chaque chapitre du plus grand roman du XXe siècle est écrit dans un style particulier, le film de Kubrick semble être un voyage dans l’histoire du cinéma, qui commence par le muet (la partie préhistorique africaine), se poursuit par la comédie musicale (les vaisseaux dansant la valse de Strauss), et arrive au parlant (la partie faite de dialogues qui a pour protagoniste le scientifique Floyd), il revisite divers genres à la façon de la science fiction (le duel David/Hal n’est-il pas le passage biblique du défi David/Goliath ?) et se termine par un morceau lysergique de pur cinéma underground."

Un argument supplémentaire pour voir et revoir 2001 : L’Odyssée de l’Espace, et le redécouvrir grâce au regard affûté et passionné de Roberto Lasagna.

Roberto Lasagna, 2001 : L’Odyssée de l’Espace, éd. Gremese,
coll. Les meilleurs films de notre vie, 96 p. avril 2018
2001, L'Odyssée de l'Espace (2001 : A Space Odyssey) de Stanley Kubrick, avec Keir Dullea, Gary Lockwood et William Sylvester, Etats-Unis, 1968, 139 mn

"Hors-série Kubrick"

Voilà une initiative originale du spécialiste des voyages en ligne, TravelBird : savoir quelle musique représenterait le mieux son pays. Cette question fait partie de celle qui a été posée aux représentants officielles de centaines de pays. Grâce aux réponses de 49 représentants d’ambassades, une bande originale a été dressée par le spécialiste des voyages en ligne. Il n’est bien sûr pas question de parler d’hymnes nationaux, mais de musiques emblématiques, connues ou non, collant au mieux à l’identité de tel ou tel pays.

C’est une BO hétéroclite et parfois surprenante que nous proposent ces officiels et promoteurs de la culture de leur pays. La musique classique est bien présente avec Le Beau Danube Bleu de Johann Strauss Fils ou le 21e concerto pour piano de Mozart pour l’Autriche, Finlandia de Sibelius pour la Finlande ou Morning Mood de Grieg pour la Norvège. Mais les ambassadeurs mettent surtout en avant des musiques de la tradition populaire : La Misa Criolla d’Ariel Ramírez ou Mi Buenos Aires Querido de Carlos Gardel pour l’Argentine, Der er et yndigt land de Hans Ernst Krøyer pour le Danemark, Cielito Lindo de Quirino Mendoza y Cortés pour le Mexique ou le mythique et incontournable Que viva España de Manolo Escobar pour l’Espagne.

Et la France dans tout cela ?

Mais les ambassadeurs n’oublient pas le répertoire plus actuel, avec des réponses qui ne manqueront sans doute pas d’étonner : Rock Me Amadeus de Falco (Autriche), Canadian Railroad Trilogy de ,(Canada), Ojalá que llueva café de Juan Luís Guerra (République dominicaine) ou… Vienna de Leonard Cohen (toujours pour l’Autriche).

Pour en savoir plus, TravelBird a mis en ligne les résultats de son enquête.

Et la France dans tout cela ? Les ambassades de notre pays méritent un carton jaune pour leur silence sur cette enquête. En clair, aucun représentant d’ambassade française dans le monde n’a daigné répondre. Une copie blanche que Bla Bla Blog ne souhaite pas laisser rester morte. Osons donc trois BO pour la France : L’air du Galop infernal d'Orphée aux Enfers de Jacques Offenbach, L’Hymne à l’Amour d’Édith Piaf ou La Javanaise de Serge Gainsbourg.

À moins bien sûr que la prochaine bande originale de notre pays ne soit celle qui sera composée demain. Allez savoir.

https://travelbird.nl/travel-like-a-local