"Qui n’est occupé à naître est occupé à mourir" : cette citation de Bob Dylan illustre à merveille le premier album de LeHache, Né ! Une vraie naissance musicale pour un auteur-compositeur qui s’est autant nourri de littérature et de poésie françaises (François Villon, Victor Hugo, Jack Kerouac ou Henry Miller) que de musiciens folks (Woody Guthrie, Yves Simon ou Bob Dylan, justement). D’autre noms peuvent être invoqués à l’écoute de l’opus de LeHache : Georges Brassens, Anne Sylvestre et même Bobby Lapointe.

Christian Le Hache, dans l’état-civil, a fait longuement infuser son art en se frottant à des projets tous azimuts, essentiellement dans la région Rhône-Alpes : Jazz avec Kayros (Jazz Clubs de Chalon sur Saône, Bourg En Bresse et Lyon), le collectif AFAG (Festival Un Doua De Jazz à Villeurbanne), l’électro-jazz avec le duo NH++ (Nuit de tous les jazz à Porte-Les-Valence), l’adaptation rock autour du répertoire de Bob Dylan avec Edith Grove (SMAC La Tannerie, Bourg En Bresse) ou encore la création du trio a cappella Cortex Sumus en 2011.

Né !, écrit avec son co-parolier Gérard Viry, sonne comme l’aboutissement d’un parcours artistique atypique que le musicien retrace à sa manière, faisant de son opus un autoportrait, riche de souvenirs (Jalousie, Honfleur), de confessions (Le jardin retrouvé) et de saynètes intimes, à l’instar de La revanche de L'Édredon ou de Mes Gauloises bleues.

Ces fameuses Gauloises bleues renvoient bien entendu aux cigarettes emblématiques de Serge Gainsbourg, à une époque où les préoccupations sanitaires n’étaient pas celles d’aujourd’hui, mais aussi à Yves Simon et à sa chanson Les Gauloises bleues. LeHache confie ceci : "Je pense à ces nuages de l'époque. Gainsbourg pour les nuages (mais il était plus Gitanes que Gauloises) et Yves Simon, bien sûr, référence majeure… Cependant Yves Simon évoque les Gauloises comme un jardin secret de jeunes gens. Dans Mes Gauloises Bleues nous [Gérard Viry et LeHache] évoquons plutôt un type devenu vieux, qui s'envole pour le dernier voyage."

Sincérité, simplicité et exigence

La mort n’est pas absente de cet album singulièrement nommé Né ! Cet premier opus frappe par sa sincérité, sa simplicité et son exigence. Guitare sèche et voix au grain âpre : nous ne sommes pas en terrain tout à fait inconnu avec ce chanteur qui a digéré de multiples influences tout au long de sa carrière, que ce soit Georges Brassens (Onde vagabonde), Hugues Aufray (Ce pays est à toi), Boris Vian ou Sanseverino (La jeune bouchère, Né !).

Le choix de l’acoustique permet à l’auteur-compositeur de laisser un boulevard à des mélodies parfois étonnantes de complexité, à l’instar de Jalousie, et surtout aux textes ("Mon petit doigt me dit qu’il n’est point spectaculaire / D’arpenter chaque jour les mêmes recoins de la terre / La vie fait des mystères mais d’une chose je suis sûr / J’aime le bout du nez au milieu de la figure", Né!).

Les chansons de LeHache sont teintées de couleurs pop-folk (Ce pays est à toi), manouches (La jeune bouchère) ou latinos (À force de lumières). Né ! Est un vrai album généreux et une invitation bienvenue à une France à la fois plurielle mais jamais amnésique de ses traditions musicales (le Gainsbourg, en filigrane de Mes Gauloises Bleues, nous l’avons dit) et même littéraires (Henry Miller).

Faux désinvolte et vrai troubadour contemporain à l’heure des Trente Piteuses, LeHache propose des déambulations et des voyages – intérieurs ou non – qui sont prétextes à des flux de souvenirs, quand ce ne sont pas des regrets (Honfleur). L’autodérision n’est jamais absente, lorsque par exemple le chanteur parle de lui-même ("Je sais rien faire de mes dix doigts / Quand je bricole je bousille / Si j’aide dans un chantier / Ça faire rire les filles / À mon âge avancé je suis célibataire / Car je cherche une femme qui aurait les goûts de ma mère", Le jardin retrouvé). Il sait aussi se faire touchant à l’évocation d’un premier amour, évanescent et éternel tout à la fois (Durance).

Dans cet opus à la folk aventureuse (Guapo), les introspections deviennent des cavalcades, avec la voix sans fard de LeHache, la guitare bien calée contre lui. Une naissance, certes sur le tard, d’un auteur-compositeur à suivre.

LeHache, avec Gérard Viry, Né !, autoproduit, 2019
www.lehache.fr
"De fièvre et de Sang"
http://www.sylviethouron.fr

Voir aussi : "Du plaisir à Eugene avec Loftän"

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Depuis plusieurs moi, on l’attendait. – Quoi ?– Le retour de Twilight Zone. La Quatrième Dimension a fait les beau jours de la télévision depuis 1959 et a marqué des générations de spectateurs. Rod Steiger, créateur et narrateur concis et froid, présentait des épisodes tour à tour fantastiques, incroyables, facétieux et troublants, parvenant à chaque fois – ou presque – à dérouter des spectateurs scotchés devant ces petits bijoux, ne dépassant souvent pas les 25 minutes. La série américaine s’offrit même le luxe de s’offrir quelques stars : Buster Keaton, Lee Marvin, Mickey Rooney, Robert Redford, Dennis Hopper, Leonard Nimoy, Charles Bronson, Agnes Moorehead, Patrick Macnee, Martin Landau, Roddy McDowall ou Peter Falk.

Il y a eu dans les années 80 une nouvelle version, cette fois en couleur et avec une voix off venue d’outre-tombe. Avouons-le : la magie n’opérait plus. Une Treizième Dimension, diffusée au début des années 2000, plus discrète encore, ne marqua pas plus les esprits, malgré la présence de Forest Whitaker en narrateur. La version en noir et blanc de Rod Steiger continuait à être la référence considérée comme indépassable. Cette année, nous apprenions que Twilight Zone revenait, avec cette fois Jordan Peele (Get Out, Us, la série Fargo) dans le rôle du narrateur, apparaissant au début et à la fin de chaque épisode. Quelles surprises allaient nous proposer ce nouveau Twilight Zone ? 

Pour cette saison proposée par CBS, 10 épisodes sont proposés, avec le même ADN : des scénarios alambiqués, une intrigue se terminant par une chute spectaculaire ou étonnante et des personnages perdus dans une réalité qui perd soudain pied, sans oublier la bande originale reprise pour les génériques de début et de fin et le célébrissime thème de Jerry Goldsmith.

Sans oublier le célébrissime thème de Jerry Goldsmith

La première saison de la série propose dix histoires mystérieuses et parfois terrifiantes de gens ordinaires perdus dans une autre dimension, faite tour à tour de rêves, de cauchemars ou de folies. Un humoriste sans talent se voit proposer un talent soudain et irrésistible mais à un prix très élevé. Un passager apprend en détail par un podcast que l’avion où il est embarqué va s’écraser. Une femme noire va essayer de déjouer un destin cruel grâce à un caméscope aux étranges pouvoirs. En Alaska, une policière se trouve nez à nez avec un voyageur pendant la nuit de Noël. Un conseiller un communication suit un jeune garçon, persuadé qu’il peut devenir le futur Président. Quatre astronautes sont en toute vers Mars sans doute au plus mauvais moment. Une jeune femme est témoin d’une pluie de météorites aux conséquences incroyables… Voilà quelques épisodes proposés, pouvant séduire ou non, avec des mention spéciales pour Cauchemar à 30 000 pieds pour son ton grinçant, au formidable Replay, interprété de main de maître par Sanaa Lathan et à Pas tous les hommes, efficace, engagé et lorgnant avantageusement du côté de Stephen King.

Le racisme, le populisme, le féminisme, les menaces qui pèsent sur la planète, la bioéthique ou la soif de célébrité : finalement c’est de notre monde et de nous que parlent ces épisodes fantastiques, tout comme la guerre froide, l’apocalypse nucléaire ou les OVNIS (qui ne sont cependant pas absents de la version de Jordan Pelle) étaient des thèmes abordés dans les épisodes des années 60.

Ces dix voyages entre rêves et cauchemars, malgré quelques ratés (Six degrés de liberté) sont à découvrir en ce moment. Bienvenue dans la quatrième dimension. Forcément mémorable.

The Twilight Zone, série de science-fiction et fantastique de Jordan Peele
saison 1, 2019, sur Canal+

Voir aussi : "Fallait-il une nouvelle adaptation du Nom de la Rose ?"

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C’est une reprise étonnante que nous propose Cœur de Pirate, avec Femme Like U. Ce tube des années 90 de K. Maro, qui a fait les beaux jours des boîtes de nuit avant de tomber dans l’oubli, reprend vie grâce à notre Québécoise préférée.

Femme Like You par Cœur de Pirate est le 3e titre de la compilation Back dans les bacs, après la sortie de Je Danse Le Mia repris par Corine et Angela des Saïan Supa Crew, révisité par Mathieu Boogaerts.

Femme like U se pare de couleurs pop acidulées et d’une rythmique lancinante. Le clip est à l’avenant : l’auteure de Comme des enfants fait une lecture moins dansante que langoureuse du titre de K. Maro, qui ne pouvait pas rêver plus belle adaptation.

Bla Bla Blog vous propose de découvrir de ce qui promet déjà d’être un incontournable tube pour cette fin d’année et un retour nostalgique vers les années 90.

Pour la compilation de Back dans les bacs, Cœur de Pirate côtoira Alex Beaupain, Matthieu Boogaerts, Corine, Arielle Dombasle, Doriand, Élodie Frégé, Mareva Galanter, Holybrune, Igit, Madame Monsieur, Inna Modja, Navii, Lili Poe, Rocky et Shy’m.

Cœur de Pirate, Femme like U, in Back Dans Les Bacs, E47 Records, 2019
https://backdanslesbacs.lnk.to/FemmeLikeU

Voir aussi : "Imagine all the people"

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Nous avions parlé il y a quelques semaines du précédent album de Samy Thiébault, Caribbean Stories et de son jazz se nourrissant de couleur créoles et caribéennes. Revoilà notre saxophoniste avec Symphonic Tales, un album tout autant syncrétique et bigarré, et cette fois avec grand orchestre, pour un alliage ambitieux entre jazz, classique mais aussi musiques du monde.

Ces contes symphoniques avec l’Orchestre Symphonique de Bretagne, sous la direction d'Aurélien Azan Zielinsky, sont autant de morceaux de bravoure, d’une ambition désarçonnante. Le premier titre, The Flame, cueille ainsi a froid l’auditeur grâce à son opulente richesse musicale aux parfums orientaux.

Pour cet opus, Samy Thiébault s’est entouré, en plus de l’ensemble symphonique breton, d’Adrien Chicot au piano, Sylvain Romano à la contrebasse, Philippe Soirat à la batterie et Mossin Kawa au tablas. "Après m'être réapproprié la lenteur, j'étais mûr pour l'orchestre" commente le saxophoniste de jazz, qui avoue aussi s’être essayé à la composition symphonique lors de ses études au Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris. "Cela correspond à des choses que je voulais entendre chez moi depuis longtemps"ajoute-t-il, dans cet opus finalement plus personnel que ne laisse entendre la réalisation impressionnante de Sébastien Vidal et de Philippe Teissier Du Cros au son.

Facture classique et facile ? Non : mais romantisme et goût de l'épique, à l'instar d'Élévation dont la puissance lyrique est contrebalancée par un deuxième mouvement jazz que l'on croirait cinématographique.

Les deux premiers titres de ces Symphonic Tales constituent à eux seuls presque la moitié d’un album composé de huit morceaux. C’est dire la place de The Flame et Élévation, impressionnants dans leur architecture comme dans leur orchestration. Samy Thiébault ignore la frontière entre jazz et classique, entre John Coltrane et Claude Debussy ou entre Ravi Shankar et Maurice Ravel.

Diva and Shiva, romanesque et enlevé, donne au saxophone toute sa place comme si le jazzman proposait un concerto bigarré, coloré et aventureux. Pour Jahan Jog Joy, on sent tout le parfum orientalisant, laissant aussi toute sa place à l’ improvisation. À l’instar du titre Ajurna, aux percussions d’une belle variété, l’artiste mixe les influences avec une passion communicative.

L'album se termine sur un Diwali concis, mais non moins coloré en guise de clôture délicate et déroutante.

Samy Thiébault, Symphonic Tales
Avec l’Orchestre Symphonique de Bretagne, sous la direction d'Aurélien Azan Zielinsky
Gaya Music/l’Autre Distribution, 2019
http://www.samythiebault.com
https://www.facebook.com/samythiebault

Voir aussi : "Les histoires caribéennes de Samy Thiébault"

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Hexagone, le magazine de la chanson, propose ce trimestre un dossier spécial consacré à Allain Leprest. Alors que cette très belle revue de référence s’interroge sur sa propre pérennité ("Voilà que nous entamons – déjà – notre quatrième exercice. Sera-t-il le dernier ?" écrit avec beaucoup de gravité David Desreumaux, le rédacteur en chef), voilà qu’Hexagone s’offre le luxe de s'intéresser à un artiste majeur mais largement méconnu.

Qui connaît Leprest, ce chanteur immense, décédé tragiquement en 2011 ? Une réflexion frappante revient régulièrement tout au long de ces chroniques et interviews : comment un tel artiste, jugé à l’égal d’un Brel, d’un Ferré ou d’un Brassens, a-t-il pu passer sous les radars du grand public et des médias, alors que la réputation d’Allain Le Prest était bien ancrée dans le milieu musical tout au long de sa carrière ? Didier Pascalis, son dernier producteur (Tacet), le résume ainsi : "Nous sommes dans une sorte de paradoxe : tous les journalistes, tous les professionnels savent qu’Allain Leprest était un génie, mais ces chansons ne passent pas à la radio…" Son ami et représentant de droit moral avance une explication : "Les gens qui reconnaissent le génie d’Allain, ceux qui disent que ses disques sont formidables ne sont pas les faiseurs d’opinion."

Cela rend d’autant plus remarquables les tentatives de faire découvrir l’œuvre de Leprest, à l’instar de Gauvain Sers qui a fait sans doute plus pour sa reconnaissance grâce à quelques syllabes répétées dans son titre Pourvu que beaucoup de spécialistes ou passionnés.

La revue propose de relire l’interview qu’Allain Leprest avait donné en juin 2002 au webzine L’art-scène, une entrevue dans laquelle le musicien se dévoilait sans artifice, revendiquant son indépendance, tout en parlant de ses relations avec les éditeurs, de ses ateliers d’écriture, de son engagement, de la peinture ou d’une reconnaissance artistique que lui-même confie avoir obtenu : "Ça doit faire vingt-cinq ans que je fais officiellement ce métier, et comme on parlait d’artisanat, j’ai eu l’impression de passer un CAP de chanteur, d’être reconnu par mes pairs et d’être reconnu par ce qui doit être dévolu à un chanteur, c’est-à-dire un public."

L’œuvre est tellement colossale, voire abyssale

Une preuve de l’immense respect que lui portaient ses pairs et ses amis artistes ? Deux albums de reprises de son vivant, en 2007 et 2009 (Chez Leprest, vol. I et II), avec notamment Olivia Ruiz, Sanseverino, Michel Fugain ou Agnès Bihl (Ah, l’inoubliable reprise du Copain de mon père!). Hexagone interroge pour les besoin de son dossier Loïc Antoine, intarissable sur son amitié avec Leprest et sur l’apport artistique de ce dernier. Les journalistes Patrice Demailly et Stéphane Hirschi s’expriment, eux, sur l’apport artistique et musical de Leprest, y compris parmi la jeune génération, dont Marion Cousineau, qui voit son œuvre comme un "phare" : "Il n’est plus là, mais il n’est jamais loin."

Allain Leprest ce génie discret et décédé depuis plus de huit ans,  allait-il être définitivement oublié ? Beaucoup – et la rédaction d'Hexagone en fait indubitablement partie – ont décidé que non. Son travail d’auteur-compositeur continue d’être redécouvert, et l’on se prend à envier l’auditeur qui viendrait à découvrir le chanteur pour la première fois…

En 2019, il y a bien une actualité Leprest : une version symphonique d’un choix de compositions vient de sortir en disque, en même temps qu’une tournée avec l’Orchestre National des Pays de la Loire (ONPL). Leprest en Symphonique, proposé par la société de production Tacet et Didier Pascalis. Leprest en Symphonique rassemble les chanteurs et chanteuses Romain Didier, Clarika, Sanseverino, Cyril Mokaiesh, Alexis HK et Enzo Enzo pour un spectacle de reprises qui est aussi une proposition de rencontres entre le public et l’œuvre d’Allain Leprest, puisqu’en plus de la tournée qui sevrait se poursuivre en novembre 2019, un album est proposé avec des versions d’un choix de titres (Francilie, Y’a rien qui se passe, Nu, Dans l’sac à main d’la putain ou Donne-moi de mes nouvelles). Romain Didier, Clarika, Sanseverino et Cyril Mokaiesh présentent ce projet artistique dans une interview croisée qui est aussi celle d’admirateurs. Sanseverino confie ceci : "Il n’est pas facile de parler de Leprest, parce que Leprest parle tout simplement ! L’œuvre est tellement colossale, voire abyssale."

Hexagone, "Après Leprest", automne 2019
Leprest en Symphonique, Tacet, 2019
Nicolas Brulebois, Gens que j’aime, éd. Jacques Flament, 2014, 329 p.

Voir aussi : "Gauvain Sers, l’autre chanteur énervé"
"Chants songs"

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L’adaptation en série du Nom de la Rose, plus de trente ans après la version de Jean-Jacques Annaud, avait tout pour rester dubitatif. Il est vrai que le roman d’Umberto Eco a tout du roman inadaptable et le réalisateur français avait su relever le gant, offrant des moments de cinéma restés dans les mémoires : l’interprétation magistrale de Sean Connery dans le rôle du moine-enquêteur Guillaume de Baskerville, des rôles secondaires marquants (Adso de Melk, Bernardo Gui ou l’hérétique Salvatore) et des scènes marquantes (la découverte de la bibliothèque, la rencontre d’Adso et de la jeune fille, le procès ou les bûchers). Des médiévistes ont pu s’alarmer des entorses faites à l’histoire, notamment au sujet de Bernardo Gui, qui a réellement existé. Il n’en est pas moins vrai que le film d’Annaud reste immanquable. Alors, pourquoi retourner Le Nom de la Rose, cette fois en série ?

La première tient au roman d’Umberto Eco : un pavé dense et complexe qu’une version cinéma ne peut que rendre partiellement : que l’on pense à ces disputes théologiques, intelligemment mais clairement ramassées dans la version cinéma mais sur laquelle la série s’intéresse plus longuement.

L’autre qualité de la version télé du Nom de la Rose est de pouvoir suivre dans la longueur un cheminent narratif sur la longueur et creuser des personnages, simplement esquissés dans le roman de Jean-Jacques Annaud : Adso de Melk et ses choix, la jeune fille dont il tombe amoureux, Remigio et son passé obscur au sein de la secte de Dolcino.

Quelques mots sur l’intrigue, maintenant : en 1327, le moine franciscain Guillaume de Baskerville se rend avec son novice Adso de Melk dans une abbaye bénédictine au nord de l’Italie. C’est là que doit se dérouler un débat entre l’autorité papale et l’ordre franciscain, soutenu par l’empereur du Saint Empire Germanique, au sujet d’une querelle théologique portant sur la pauvreté du Christ. Évidemment, cette disputatio n’est qu’un prétexte pour des enjeux d’abord politiques. Lorsque Guillaume de Baskerville arrive dans l’enceinte du monastère, un meurtre vient d’avoir lieu. Le visiteur et son novice commencent une enquête qui semble tourner autour d’une mystérieuse bibliothèque. Lorsque l’inquisiteur Bernardo Gui rejoint à son tour les lieux, cet homme qui est chargé par le pape d’escorter les représentants pontificaux, décide de reprend l’enquête à sa manière et trouve très vite un coupable idéal. Mais le climat se tend et les morts continuent de tomber.

Une place singulière laissée aux femmes

La série de Giacomo Battiato respecte la trame policière d’Umberto Eco sans oublier les enjeux théologique et politiques (avec un mention spéciale pour Tchéky Karyo, dans le rôle d’un Jean XXII perfide en diable). Dans cette nouvelle adaptation du Nom de la Rose, une place singulière est laissée aux femmes, malgré le décor de l’histoire et l’importance des hommes qui s’y croisent : moines aussi mystérieux ou inquiétants les uns que les autres, soldats impériaux et représentants pontificaux. La jeune fille, maîtresse d’Adso (Nina Fotaras) et la pugnace Anna (Greta Scarano) insufflent à l’histoire écrite par Umberto Eco un nouveau souffle romanesque, sans pour autant que ces héroïnes ne fassent de l’ombre au personnage de Guillaume de Baskerville. Sean Connery avait incarné avec maestria cet enquêteur hors-norme. Il fallait un acteur de la carrure de John Turturro pour jouer ce rôle, avec une densité tout aussi forte.

Résultat : une série ample et passionnante qui n’a pas à rougir de la comparaison avec le chef-d’œuvre de Jean-Jacques Annaud. Grâce aux moyens donnés à cette fiction historico-théologico-policière, comme au choix du scénario de Giacomo Battiato, le Nom de la Rose parvient à sortir des murs de l’abbaye, lors par exemple d’âpres combats à l’arme blanche : Game of Thrones est passé par là.

Les nostalgiques de la version d’Annaud bouderont sans doute cette nouvelle adaptation du Nom de la Rose. Il n’en reste pas moins vrai que cette série est une excellente découverte.

Le Nom de la Rose, série historique de Giacomo Battiato, Andrea Porporati et Nigel Williams
Italie et Allemagne, avec John Turturro, Damian Hardung,
Rupert Everett et Michael Emerson,
Saison unique, 8 épisodes, 2019, en ce moment sur OCS et Canal+
https://www.ocs.fr/actualite/le-nom-de-la-rose-la-serie-lintegrale-sur-ocs

Voir aussi : "Umberto Eco, un mélange"

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Je vous avais parlé il y a quelques semaines de Maya Kamaty et de maloya, cette musique créole venue de La Réunion. Dans Tatoo Toota, Marjolaine Karlin vient puiser elle aussi dans cette culture, mais d’abord en français, pour un album coloré. Délicieux, délicat et sensuel cet opus l’est, mais aussi riche de folies poétiques mais aussi de noirceurs : "Tombe tombe la pluie / (Tu t’en vas) / Tombe tombe sur l’incendie / (Tu t’en vas) / Qui consume ma chair / Qui consume mes nerfs . Et je vois se polliniser / Les petits bouts carbonisés / De mon âme perdue devant sa dispersion / Aux quatre vents" (Tatoo).

Tatoo Toota se pare d’une facture légère, portée par une orchestration à la fois rythmée et colorée. Chez Marjolaine Karlin, la rupture est, par exemple, traitée avec un mélange de légèreté et de mélancolie : Comment rompre parle de séparation, des luttes conjugales, des silences cruels, des batailles autour des enfants, des incompréhensions et des propos inavouables sur un rythme lancinant : "Comment rompre un silence / Dur comme un lac gelé / Sans que cette ouverture / N’inonde le plancher."

Avec Madame la chanson, la musicienne aborde un sujet classique dans le répertoire français : la chanson, justement, dans une conversation avec cet art "mineur" adoré : "Ma mère / Ma sœur / Ma déraison / Mon cœur / Ou bien juste mademoiselle." Marjolaine Karlin revient donc à ses premiers amours, après une parenthèse assumée pour, sans doute, l’une des meilleures raisons qui soit : "Madame la chanson si je t’ai laissée infidèle / C’est la faute au petit garçon que m’a donné la vie réelle."

En duo avec Camélia Jordana

Avec Boat Train, Jaipour et Jewish Cemetery, la co-fondatrice du groupe Wati Watia Zorèy Band (sélection FIP en 2016, après une carrière au sein de Moriarty) propose des titres anglo-saxons sombres et lancinantes. Elle se fait naturaliste avec Boat Train, voyage dépaysant dans des contrées indiennes, voyage qui fait sens pour une artiste bourlingueuse qui a choisi d’inscrire son opus sous le signe du maloya réunionnais. Avec Jewish Cementery, la musicienne puise par contre dans le yiddish pour proposer un titre où se mêlent mélancolie, joie contenue, douceur sensuelle et tristesse que l’on tente de déguiser, un titre auquel vient faire écho In Geto, un a capella court et à la voix sensuelle.

Marjolaine Karlin se fait fiévreuse et terrorisée dans le récit d’un drame vécu par un enfant en proie à la violence, "au mauvais endroit, au mauvais moment" : "Au feu maman j’ai froid / Mon sang se glace et bouillonne à la fois/ Au fou maman je crois / Que tout s’écroule autour de moi." Ce récit de peur, de mort et de violence vient en contrepoint d’un album lumineux dans son ensemble.

Avec La vérité, sans doute le meilleur titre de l’album, Marjolaine Karlin, en duo avec Camélia Jordana, propose une chanson tout en finesse et en images sur cette vérité bien cachée, adorée mais souvent tenue précautionneusement à l’écart : "Comme un vieux collier / Comme un vieux parfum / Le nom de famille / D’un aïeul lointain / Je n’ai jamais porté / La vérité / Ce n’est qu’un drap sale / Un mouchoir qui a vécu / Une veste râpée / Un sac qui ne ferme Plus / Tous ces trucs insortables / Que j’aime et que j’adore / Que je garde au grenier / Qui sont mon réconfort / Mais qui devant les gens /Même cachée m’incommode / Comme s’ils étaient honteux / Ou juste passés de mode." Aurions-nous peur de cette vérité, se demandent les deux chanteuses ? "Et si j’ai l’air de la vêtir un matin d’abandon / Ne m’en faites surtout pas compliment / Peut-être qu’elle est belle et peut-être que je mens."

Tatoo Toota se termine par un voyage au cœur de l’océan indien, sur un rythme et des sonorités mêlant rockabilly, électro et maloya : un vrai voyage intérieur se terminant en musique, en danse, en couleurs et en flux marins.

Marjolaine Karlin, Tatoo Toota, Les Psychophones Réunis/Modulor, 2019
Page Facebook de Marjolaine Karlin

Voir aussi : "Maya Kamaty, la diva du maloya"

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Turfu : vous connaissez ? C’est le nom du festival qui aura lieu à Caen du 14 au 20 octobre prochain.

Engagé, fou, ouvert à tous et surtout gratuit, cet événement se veut un rendez-vous culturel inédit autour de l’innovation, de la créativité et du partage. À l’heure où la notion de progrès technique est mise à mal en raison des dangers liés au dérèglement climatiques, aux biotechnologies ou à l’intelligence artificielle, le Turfu festival invite tous les citoyens quel que soit leur âge à questionner les innovations autour de thématiques incontournables : culture, l’environnement, la ville de demain, la mobilité ou de l’éducation.

Parler de démarche utopique n’est pas un contresens pour ce rendez-vous normand. Les organisateurs donnent rendez-vous au Dôme à Caen durant 7 jours, du 14 au 20 octobre 2019 : chacun pourra donner, explorer, produire, apprendre et contribuer à réinventer la société de demain. Le futur est à portée de main, promettent les responsables du Turfu Festival.

A travers de nombreux ateliers participatifs et un grand week-end de découvertes, chacun sera invité à penser, créer et préparer le monde de demain.

Au programme : des drones pollinisateurs pour penser l’agriculture de demain, l’intelligence artificielle au service de la vie quotidienne, le recyclage des déchets plastiques à la maison, la mesure de la qualité de l’air, le consentement et le harcèlement, l’observatoire de la biodiversité, les données et les réseaux sociaux après la mort, l’hydrogène comme nouveau vecteur de mobilité, l’archéologie et le numérique en 2019. Dire que le festival est engagé est un euphémisme.

Cette année, le Turfu ouvre aussi ses portes aux plus petits aussi dès 3 ans. Au programme : tout connaître des météorites, obtenir son diplôme de peluchologue (sic), découvrir les métiers grâce à la réalité virtuelle, apprendre de la lecture avec des objets connectés ou booster sa créativité grâce aux écrans tactiles.

Turfu Festival
Dôme à Caen, du 14 au 20 octobre 2019
https://turfu-festival.fr

Voir aussi : "Du vin, des arts et de la fête"

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Bon, on ne va pas se le cacher : cette bande dessinée mythologique autour d’Achille et de la guerre de Troie n’est à mettre entre toutes les mains. La saga Achille de Cosimo Ferri (éd. Tabou) propose une lecture à la fois palpitante, chaude et anti-classique au possible, tout en respectant l’esprit et l’histoire de la guerre mythique provoquée par l'enlèvement de la belle Hélène. L'auteur italien ne passe pas sous silence les luttes entre eux des dieux du Panthéon, aussi obnubilés par les luttes de pouvoir que par des considérations plus sensuelles.

Pour ce cycle consacré à Achille, avec deux volumes parus et un troisième en préparation, Cosimo Ferri, au scénario et au dessin, s’est basé sur les sources de l’épopée troyenne, en premier lieu l’Iliade d’Homère.

Le premier volume de ces ébouriffants albums de BD débute dans l’Olympe, là où se déclenche la grande discorde, provoquée par Éris qui n’a pas été invitée aux noces de Pélée et de la belle Thétis. La dispute et la jalousie va provoquer insidieusement le conflit légendaire de Troyes, en mettant le prince Pâris sur le chemin d’Hélène, la plus belle femme du monde mais aussi la fille du roi de Sparte, Ménélas. C’est le casus belli qui déclenche un conflit de dix ans, avec ces héros légendaires que sont Ulysse, Hector, Ajax et bien entendu Achille, le fils de Thétis.

Le premier tome de la saga est consacré au déclenchement de la guerre de Troie, avec ces récits légendaires : l’enlèvement de la belle Hélène, l’éducation d’Achille avec le centaure Chiron, le départ vers Troie et les doutes d’Achille qui hésite à s’engager.

Un style maniériste

Avec le second volume, nous voilà de plain-pied dans l’Iliade et cette dernière année du conflit contée par Homère : les Grecs ont bafoué Apollon en enlevant – à leur tour – une jeune femme, Briséis. Cette Troyenne a été capturée par le roi Agamemnon et devient la captive d’Achille, non sans que la sculpturale otage n’y trouve quelque plaisir. Une peste (puisqu’il faut bien l’appeler par son nom) ravage les rangs des Achéens. Agamemnon contraint Achille de libérer Briséis, provoquant la colère du héros. Par vengeance, le plus célèbre des héros achéen se retire du conflit qui tourne en la faveur des Troyens. Il faudra la mort au combat de Patrocle pour que le fils de Thétis rejoigne le rang des Grecs.

Pour conter le récit légendaire, Cosimo Ferri a respecté la trame du cycle troyen comme de la mythologie, tout en adoptant un style maniériste. Son coup de crayon permet de dépoussiérer la légende troyenne, avec des personnages, hommes et femmes lorsque ce ne sont pas des dieux et des déesses, s’abandonnant dans des étreintes savamment orchestrées, dans toutes les positions possibles, et dans les plans les plus épicés possibles. Voilà qui rend L’Iliade d’un seul coup plus sexy. Les corps sculpturaux prennent vie dans des scènes d’une forte tension érotique, à l’instar de celle dans le domaine sous-marin des Néréides ou du plan à trois aux portes d’Ilion entre Achille, Patrocle et Briséis (tome 2).

La série mythologique de Cosimo Ferri assume son parti-pris érotique, un parti-pris qui a du sens si l’on songe aux intrigues amoureuses que l’on prêtait aux dieux de l’Olympe. L’artiste italien revient finalement aux fondamentaux : une Hélène à la beauté ravageuse, des amitiés viriles et passionnées, des démiurges à la libido hyper développée et des humains irrésistibles et beaux comme dieux.

Cosimo Ferri, Achille, tome 1, La Belle Hélène, éd. Tabou, 2018, 64 p.
Cosimo Ferri, Achille, tome 2, Pour l’Amour de Patrocle, éd. Tabou, 2019, 64 p.
https://www.cosimoferri.com
https://www.facebook.com/cosimoferriart

Voir aussi : "Du sex-appeal à réveiller les morts"

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Vers la Beauté de David Foenkinos débute par un enjeu étonnant : un prestigieux professeur aux beaux-arts de Lyon choisit de postuler pour devenir simple gardien de salles au Musée d’Orsay. Mathilde Mattel, DRH de l’auguste établissement parisien accueille ce nouveau venu avec une très grande perplexité. Qui est cet Antoine Duris ayant choisi un poste sous-qualifié ? Comment expliquer que ce spécialiste de Modigliani accepte cet endroit effacé, même si ses connaissances pointues sur le peintre de Montmartre ne vont pas sans provoquer des remous, par exemple lorsque ce gardien de salles en vient à contredire les propos d’un guide trop sûr de lui. Un bien étrange agent en réalité, seul, et que l’on sent terrassé par une douleur indicible que seule la proximité de tableaux, dont ceux de Modigliani, semble parvenir à apaiser : "Quand il se sentait mal, il allait se promener dans un musée. Le merveilleux demeurait la meilleure arme contre la fragilité." Alain Duris est bien un mystère à part entière, un mystère qui conduit Mathilde à s’y intéresser malgré elle, puis à se rapprocher de lui. Un rapprochement qui les conduit jusqu’à Lyon où s’écrit l’histoire de cet ancien professeur et surtout celle d’une jeune femme de dix-huit ans, véritable réincarnation de Jeanne Hébuterne, la femme et muse de Modigliani.

David Foenkinos clôt la première partie de Vers la Beauté aux portes de Lyon, avant d’en ouvrir une seconde, consacrée cette fois presque exclusivement à Camille, cette jeune étudiante des beaux-arts, brillante peintre que son travail sur la beauté va singulièrement conduire au drame. "Elle comprenait le puissance cicatrisante de la beauté. Face à un tableau, nous ne sommes pas jugés, l'échange est pur, l’œuvre semble comprendre notre douleur et nous console par le silence, elle demeure dans une éternité fixe et rassurante, son seul but est de vous combler par les ondes du beau."

Un rendez-vous manqué

C’est une bouleversante lutte pour la vie que nous conte David Foenkinos, scrutateur de cette beauté qui est celle des beaux-arts. David Foenkinos est un témoin, mais comme l’est également Antoine Duris, ce professeur brillant dont une rencontre impromptue et l’histoire d’un rendez-vous manqué scelle le destin.

L’écrivain suit avec compassion Camille, autre Jeanne Hébuterne, victime innocente et gâchis humain autant qu’artistique. La deuxième partie de Vers la Beauté sonne comme un chemin de croix douloureux et d’une cruauté indicible. Le lecteur attend le moment où l’auteur parviendra à ressouder les deux parties de son roman. Il le fait en tissant un mince écheveau, sans doute le moins spectaculaire qui soit, mais aussi de la manière la plus réaliste, ce qui accentue d’autant sa dimension pathétique. "Antoine rentra chez lui, et continua de penser à Camille. Quelle jeune femme incroyable. Pendant l'heure passée avec elle, il avait tout oublié. Certaines personnes ont le pouvoir de vous fixer entièrement, totalement, dans une dévotion du présent."

Le roman se termine par un retour vers cette beauté qui est au cœur du roman, dont le personnage principal est finalement moins cet homme terrassé par l’injustice que par une jeune femme qui a fait de la beauté son combat mais qui en sera également indirectement une victime. "Face à un tableau, nous ne sommes pas jugés, l'échange est pur, l’œuvre semble comprendre notre douleur et nous console par le silence, elle demeure dans une éternité fixe et rassurante, son seul but est de vous combler par les ondes du beau."

David Foenkinos, Vers la Beauté, éd. Gallimard, 2018, 224 p.
@DavidFoenkinos

Voir aussi : "Hors-série pour David Foenkinos"
"David Foenkinos, son œuvre"

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L’écoute de Terra Incognita, le troisième album de Jordane Tumarinson frappe d’emblée : mais d’où vient cet opus et de quel univers ? Classique, jaz, pop ou contemporain ? Sans doute tout à la fois pour ce compositeur français aussi bien nourri par Chopin que par Pink Floyd. Que Jordane Tumarinson sorte des sentiers battus est un euphémisme, et c’est même ce qui fait son côté singulier. Pianiste de formation classique nourri au rock psychédélique, Jordane Tumarinson propose, avec son nouvel opus sorti sur toutes les plateformes il y a quelques jours, un voyage dépaysant à travers douze titres sonnant comme des invitations : Explore, Découvre, Savoure, Patiente, Songe, Traverse, Partage ou Aime.

Son premier album, Capricorne (2018), a remporté un concours de composition ce qui lui a permis d’être labellisé par Blue Spiral Records pour un deuxième album, L’Envol (janvier 2019).

Un artiste déjà très actif donc, proposant avec Terra incognita un album porté uniquement par un piano aux infinies variations, voyageant dans des contrées musicales classiques, pop et contemporaines.

Une véritable bande originale dont il ne manquerait plus que les images

Une grande cohésion unit les douze plages de ce qui pourrait s'apparenter à une véritable bande originale dont il ne manquerait plus que les images, à l’instar de Récolte ou d’Ose. Compositeur néoclassique et revendiquant son goût pour la musique de film, Jordane Tumarinson peut aussi se situer dans la continuité des répétitifs américains, marchant autant sur les pas de Steve Reich que d’Eric Satie. Les notes savent se détacher, tour à tour harassées, légères ou virevoltantes (Explore).

Le musicien célèbre à sa manière la lenteur et la grâce d’un bonheur et d’un plaisir que l’on sait évanescent à l’instar de Savour ou de Patiente. Ce morceau est bien entendu une invitation à la lenteur. Mais il n’est pas non plus absurde de lire derrière Patiente une réminiscence du passé de Jordane Tumarinson puisque l’homme exerce aussi dans le milieu médical, dans l’ostéopathie et l’acupuncture, entre cabinets médicaux et salles d’attentes.

Pour Songe, le musicien se fait lisztien, revendiquant par là-même ses influences classiques. Ce titre est contrebalancé par Traverse renvoyant aussi bien courant répétitif américain qu’au jazz.

Jordane Tumarinson, libre de toute ornière musicale, propose une œuvre déjà singulière que les amateurs et professionnels de musique, comme les réalisateurs en mal de BO, feraient bien de découvrir de toute urgence.

Jordane Tumarinson, Terra Incognita, 2019, sur toutes les plateformes
https://www.tumarinson-composer.com

Voir aussi : "Cinquante nuances de spleen"

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Saviez-vous que Suresnes a été une terre de vignerons ? Ce patrimoine viticole est justement l’objet du Festival des vendanges et des arts de la rue. La 36 e édition aura lieu ce week-end, les 4, 5 et 6 octobre 2019.
Comment fêter le vin dans un territoire qui, historiquement, a été l’un des plus anciens et des plus importants du pays.

Créé en 1957, la toute première manifestation, à la fois kermesse populaire et salon de dégustation, devient dès 1983 un festival dédié aux arts de la rue. La vigne profite également d’une cure de jouvence avec la mise en place de nouveaux procédés de vinification et l’installation de cuves en inox. En 2018, Le millésime de 2016 de l’association du Clos du Pas Saint -Maurice remporte le premier prix du concours des vins blancs d’Île-de-France, organisé par Le Parisien et la Revue du Vin de France.

Cette année encore, Suresnes célèbre le vin à travers le théâtre de rue : "Un festival qui fait confiance aux artistes et qui revendique plus que jamais la liberté de création dans l’espace public" dit Peggy Desmeules, la directrice artistique de cet événement. Pour cette nouvelle édition, les productions proposent au public des créations gratuites invitant le public à s’émouvoir, s’interroger et vivre des expériences nouvelles.

Dès le vendredi 4 octobre à 20H30, le Collectif Plateforme présentera Trafic, spectacle grave et provocateur sur la prostitution : qui sont ces travailleuses du sexe ? La prostituée est-elle une marchandise comme une autre ? Ou bien symbolise-t-elle une nouvelle forme d’esclavage ?

Le samedi, c’est le collectif BallePerdue qui sera à l’honneur, avec GORA, un selfie au milieu des Sioux. Ce spectacle auto-fictionnel retrace la déambulation poétique d’un gamin en skateboard. Il croisera des bisons, des sioux, dans un monde peuplée de souvenirs, de rêves et de peuples réels ou imaginaires.

Le Festival des vendanges de Suresnes a su sortir du traditionnel salon de dégustation

Le dimanche sera une journée particulièrement riche en spectacles. La Compagnie Hydragon mettre en place son "Service Public Facteur" à travers sa Pétillante aventure épistolaire / Les facteurs d’amour. Les facteurs d’amour offriront au public un cadre convivial et chaleureux pour prendre le temps d’écrire "je t’aime" à un parent, un ami ou à un amoureux ou une amoureuse. L’amicale des Misanthropes proposera Le barbier, l’histoire d’un homme obnubilé par cette question : "Rendre l’âme d’accord, mais à qui ?" La Compagnie La Baleine-Cargo racontera, elle, le récit de la Poulette crevette, une histoire décalée, pleine d’humour et de suspense qui parlera de tolérance.

Acid Kostik jouera, durant l’après-midi, Sandy et le vilain Mc Coy. Les interprètes, Tony, Dylan et Jacky, bonimenteurs patentés, dévoileront leur nouvelle attraction, le BX4000, une projection cinématographique en 3D augmentée d’un chef d’œuvre incontournable, et surtout libre de droit, Sandy et le vilain Mc Coy : un western unique en son genre, avec des méchants, des Colt et des "chevals !" NonDeDieu, du duo Kumulus contera, de son côté, le pari d’un metteur en scène et "ses" comédiens de créer un spectacle.

Le festival de Suresnes laissera également une large place aux marionnettes (Compagnie Mungo), aux arts du cirque (Compagnie Presque Siamoises, Five Foot Fingers, Compagnie des Plumés) à la danse (Totaal Theater, la Compagnie des grandes personnes, la Compagnie des mangeurs de cercle) ou à la musique (Radix, Compagnie progéniture, Audrey et les faces B).

Le Festival des vendanges de Suresnes a su sortir du traditionnel salon de dégustation pour faire de ces trois journées un événement atypique au cœur de la cité. Trois jours de surprises et de découvertes pour rappeler l’histoire d’un patrimoine vinicole qui ne cherche qu’à revivre.

Festival Vendanges Arts de la Rue
Suresnes, les 4, 5 et 6 octobre 2019
https://www.suresnes-tourisme.com/festival-vendanges-suresnes.html

Voir aussi : "Paul Pariente au fourneau et au slam"

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C’est un livre rare et étonnant dont il sera question dans cette chronique. Paul Pariente, chef cuisinier cévenol habitué aux ouvrages gastronomiques, récidive avec ses Recettes écrites et chantées, une livre de douze recettes à la fois simples et traditionnelles mais qu’il entend aussi revisiter en musique.

Le petit sablé du Vigan, la tarte aux quatre saveurs du pays viganais, la gratin du bon docteur brochet, la pélardonade, créée par Paul Pariente lui-même, l’étonnante tarte à la brandade de morue et au foie gras, la truite en papillote imaginée par André Chamson, la pomme reinette en baluchon, le feuilleté cévenol, la canapé du maquisard, le délice de Fanny, la tare au pélardon et la traditionnelle blanquette de veau sont à l’honneur dans son tour dernier ouvrage.

L’auteur choisit d’emblée de dérouler le tapis rouge pour des recettes souvent ancestrales, avec un goût particulier pour des ingrédients simples : pommes, pommes de terre, oignons, farine ou pélardon – qui est, rappelons-le pour les non-connaisseurs, un fromage de chèvre au lait cru de la région du Languedoc. "Moi je suis très attaché aux bonnes vieilles recette, à une cuisine simple, mais faites avec des produits de terroir, des produits frais", écrit le cuisinier en préface de son ouvrage.

Une préface dans laquelle qui donne aussi comme un cri d’amour pour la cuisine du terroir et une revendication pour un retour aux fourneaux dans une époque où tout va trop vite et trop loin.

Un cri d’amour pour la cuisine du terroir

Cet ouvrage apparaît à cet égard comme une œuvre très personnelle dans laquelle le chef et traiteur confie avoir connu un burn-out, une dépression qui l’a amené aux livres mais aussi à la musique, sans jamais l’éloigner de sa passion pour la cuisine.

Si l’on parle de musique c’est qu’elle en est précisément l’étonnant faire-valoir de ce traité culinaire. Les douze recettes de Paul Pariente ont en effet été mises en chanson et en rap par l’auteur lui-même. Le lecteur trouvera en complément du livre un CD dans lequel la pomme reinette en baluchon, le feuilleté cévenol ou la canapé du maquisard sont slamés et scandés avec générosité. On connaissait depuis Kamini et Marly Gomont le rap régional, local, voire campagnard : voilà maintenant que la culture urbaine vient se marier avec la cuisine traditionnelle. Voilà une idée astucieuse pour partager ces recettes du Vigan comme le dit l'auteur lui-même dans une interview pour France 3 : "Celui qui n’aime pas lire, il passe le CD et il voit la même chose, sauf que là il y a de la musique… Elle permet d’apprendre un peu mieux."

Paul Pariente n’a peur de rien et délivre dans son livre de recettes une leçon de liberté qui ne laissera personne indifférent. C'est un livre unique donc, et que l’on hésitera à classer dans le rayon musical ou bien sur les étagères de nos cuisines.

Paul Pariente, Recettes écrites et chantées
Illustrations Michel Roman, autoédité et CD, 2019, 68 p.
https://twitter.com/pariente

Voir aussi : "Bombardement de saveurs au B-29"

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Eric Legnini a choisi le clin d’œil à la série Six Feet Under pour son nouvel album, Six Strings Under, un album qui n’a pour autant rien d’un calembour. Il prône même à sa manière le sérieux et le travail grâce à un projet artistique passionnant mettant en avant le piano mais aussi la guitare – ces fameux six cordes – dans tous ses états.

La dernière production du complice de Joe Lovano, des frères Belmondo (Wonderland), de Claude Nougaro (son dernier album, La note bleue) ou encore d’Ibrahim Maalouf propose un opus attachant a la production soignée, chaleureuse et bigarrée se nourrissant avec délectation de multiples influences : cool (Night Birds), pop (Space Oddity), rock (The Jive), latinos (La Mangueira), afrobeat (Boda Boda) ou manouches (la reprise du classique d’Edgar Sampson, Stompin' At The Savoy). Un vrai voyage aux quatre coins du monde.

Le pianiste belge, lauréat de la Victoire du Jazz 2011 du meilleur album de l’année, déroule en virtuose dans des titres où l'improvisation sait se faire sa place (Boda Boda), et avec à chaque fois une importance capitale laissée aux deux guitaristes qui l’accompagnent ici : Hugo Lippi et Rocky Gresset.

Éric Legnini a su s’accompagner de musiciens – dont le contrebassiste Thomas Bramerie – aussi investis que lui dans cette belle production. Le jazz respire la voie de vivre, même dans ses morceaux les plus mélancoliques (Breakfast At Dawn). La cool attitude est évidente, par exemple dans ces dialogues concertants pour piano et guitare (Doo We Do), telles des étreintes rieuses.

Une reprise lente et sombre de Space Oddity

Le jazz de Six Strings Under est une déambulation musicale, empruntant des sons et des mélodies cinématographiques, nostalgiques et pleines de relief (Eterna Gioventu, Daydreaming).

L'auditeur s'arrêtera sans doute avec intérêt et curiosité sur la reprise lente et sombre de Space Oddity. Le classique de David Bowie dévoile, plus encore que l'original sans doute, son architecture musicale. Le pianiste belge dit ceci : "C’était le challenge : je voulais une version lente et dépouillée. Mais je voulais aussi coller au plus près de la mélodie et de son interprétation originale."

Après cette incursion dans la pop, Éric Legnini nous fait redescendre sur terre dans le titre enlevé, rythmé et coloré qu'est La Mangueira, un morceau dédié à la musicienne Marcia Maria, disparue en 2018. Quant à Stompin' At The Savoy c'est un passage par le jazz parisien de Django Reinhardt dont le son a accompagné l’enfance liégeoise du pianiste belge.

The Drop nous entraîne vers un jazz moins rutilant, caressant nos oreilles et déroulant ses notes avec une belle élégance, tout comme du reste Night Birds, jolie promenade noctambule dans un New York rêvé. Éric Legnini et ses amis terminent cet album avec un Jive à la fraîcheur communicative.

Au final, Six Strings Under vient vient contredire l’adage comme quoi pianistes et guitaristes ne feraient pas bon ménage. CQFD.

Éric Legnini, Six Strings Under, Anteprima Productions, 2019
http://www.ericlegnini.com

Voir aussi : "Ibrahim Maalouf, déjà un classique"

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C’est en octobre 2009 que le café philosophique de Montargis a été créé. À l’initiative de deux passionnés de philosophie, l’idée a été de créée à Montargis, au départ au coeur du quartier du centre commercial de la Chaussée, un café philosophique.

Drôle d’idée, qui pouvait laisser sceptique autant, d’une part, les réfractaires à cette discipline considérée – à tort – comme inaccessible, et d’autre part, celles et ceux qui pensent que la philosophie ne pouvait être réservée qu’à une élite.

Cette aventure, qui ne devait durer au départ que quelques mois et quatre ou cinq séances, s’est pourtant installée dans la durée : 10 ans, 11 saisons et près de 85 séances plus tard, le café philo continue sa route. Il est resté fidèle à ses idées du début – proposer des débats ouverts à tous et au monde, et sans jamais de parti-pris –, mais non sans avoir connu plusieurs changements : une équipe d’animateurs élargis, un nouveau lieu de rendez-vous (Le Belman), des cafés philos décentralisés (La médiathèque de Montargis, Les Tanneries, Le Vox), une série d’émission de radios et un site Internet riche et fourni.

Pour fêter ses 10 ans, le café philo proposera un rendez-vous exceptionnel le vendredi 4 octobre 2019, avec pas mal de surprises à la clé.

Le débat portera sur cette question : « Un bon philosophe a-t-il toujours raison ? »

La participation sera, comme d’habitude, libre et gratuite.

http://cafephilosophique-montargis.hautetfort.com