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Beaux-arts musées expositions

  • Girodet versus Géricault

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    Le moins que l’on puisse dire c’est que le Musée Girodet s’est fait désirer. Fermé en 2008 pour rénovations, qui étaient bienvenues, l’auguste établissement public de Montargis, consacré principalement au peintre néoclassique Anne-Louis Girodet-Trioson, a subi de plein fouet l’avanie de la crue historique de juin 2016, qui a contraint à la restauration de plusieurs milliers d’œuvres et, in fine, à retarder la réouverture du musée.

    Une réouverture qui a eu lieu il y a moins d’un an. Le Musée Girodet propose en ce moment sa deuxième exposition : "Girodet face à Géricault ou la bataille romantique du Salon de 1819" qui sera visible jusqu’au 12 janvier 2020.

    Qui dit Géricault dit Radeau de la Méduse, une œuvre que le musée ne pourra découvrir – hélas – qu’à travers une copie de d’Eugène Ronjat. Le tableau original, peint en 1819 par un Théodore Géricault âgé de seulement 20 ans, va marquer pour longtemps l’histoire de la peinture, à travers la représentation, avec un réalisme cru, d’un fait divers survenu en 1816 : le naufrage catastrophique et choquant de La Méduse, un navire royal que le capitaine et les officiels ont décidé d’abandonner laissant leurs 400 passagers à un sort tragique. Cette œuvre est présentée en 1819 lors du salon de peinture et de sculpture au cours de laquelle Girodet, que Géricault connaît et admire, présente Pygmalion et Galatée. Ce sont deux peintures bien différentes qui marquent également l’affrontement de deux courants : l’un néoclassique avec une scène mythologique, et l’autre romantique et historique, précurseur d’un mouvement qui fera date.

    Le Musée Girodet a choisi d’exposer 80 des peintures qui avaient été présentées il y a 200 ans, des peintures recouvrant bien des thèmes : histoire, portraits, paysages, scènes de guerre, allégories ou religion.

    200 ans plus tard c’est pourtant Le Radeau de la Méduse que l’Histoire a gardé en mémoire

    Le visiteur circule dans un musée restauré depuis peu, plus aéré, à la scénographie et à l’éclairage plus moderne. Le cœur de l’expo est la nef principale dans laquelle, face à la copie du Radeau de la Méduse, a été accrochée une scène représentant Pygmalion et Galatée. Girodet décrit ainsi son tableau d’une rare force allégorique : "Le lieu de la scène est dans l’endroit le plus retiré de la maison du sculpteur ; il y a fait transporter la statue dont il est épris, non loin de celle de Vénus. Au moment du prodige, une auréole brillante paraît sur la tête de la déesse, et une lumière surnaturelle se répand dans tout le sanctuaire et forme, avec la fumée des parfums, le fond du tableau, sur lequel se détache, avec une magie surprenante, la figure de Galatée."

    Conscient que ce chef d’œuvre sera son dernier (le peintre meurt cinq ans plus tard, la même année d'ailleurs que Géricault), Girodet est soulagé de voir sa toile remarquée. Un critique salue la maîtrise d’un artiste qui est déjà au crépuscule de sa vie : "Le tableau de Galatée, destiné, même avant qu’il fût commencé, pour le cabinet de M. le comte de Sommariva, tiendra, sans contredit, le premier rang parmi les productions modernes de nos meilleurs artistes" Le terme de "moderne" prend ici un relief particulier, car si le tableau de Girodet a été la grande peinture du salon de 1819 (avant d’être oubliée puis redécouverte en 1967), c’est pourtant Le Radeau de la Méduse que l’Histoire a gardé en mémoire.

    "Girodet face à Géricault ou la bataille romantique du Salon de 1819"
    Musée Girodet, Montargis
    Jusqu’au 12 janvier 2020
    http://www.musee-girodet.fr

    Voir aussi : "L’art d’enculer les mouches"

    Anne-Louis Girodet-Trioson, Pygmalion et Galatée (ou Pygmalion amoureux de sa statue), huile sur toile, 202 x 253 cm, Paris, musée du Louvre © Musée du Louvre, distr. RMN-Grand Palais/Angèle Dequier – prêt exceptionnel

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  • L’art d’enculer les mouches

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    Qu’est-ce qu’un musée ? Le Petit Larousse le définit ainsi : "Lieu, édifice où sont réunies, en vue de leur conservation et de leur présentation au public, des collections d’œuvres d’art, de biens culturels, scientifiques ou techniques." Le vénérable ICOM (Conseil International des Musées) a choisi en 2007 d’en faire une définition plus précise mais aussi plus complète : "Un musée est une institution permanente sans but lucratif au service de la société et de son développement, ouverte au public, qui acquiert, conserve, étudie, expose et transmet le patrimoine matériel et immatériel de l'humanité et de son environnement à des fins d’études, d’éducation et de délectation." L’affaire était entendue et ne méritait pas que l’on glose éternellement sur ce sujet, mais plutôt que l’on encourage le grand public à retrouver le chemin de ces établissements.

    Alors, quelle mouche a piqué l’ICOM de tout remettre en question et se lancer dans une querelle byzantine digne des disputes médiévales sur le sexe des anges ? L’objet de la bataille intellectuelle ? Ni plus ni moins qu’une nouvelle définition du musée.

    Fin juillet, lors de la 139e session de l’ICOM, nous apprend Le Quotidien de l’art (édition du 2 septembre 2019), l’institution a mouliné et accouché d’une proposition sensée moderniser le concept de musée. Au terme d’un travail de synthèse et de plusieurs mois de travaux et de réflexion, une définition du musée vient de voir le jour propre à décontenancer plus d’une personne.

    Accrochez-vous : "Les musées sont des lieux de démocratisation inclusifs et polyphoniques, dédiés au dialogue critique sur les passés et les futurs. Reconnaissant et abordant les conflits et les défis du présent, ils sont les dépositaires d’artefacts et de spécimens pour la société. Ils sauvegardent des mémoires diverses pour les générations futures et garantissent légalité des droits et l’égalité d’accès au patrimoine pour tous les peuples. Les musées n'ont pas de but lucratif. Ils sont participatifs et transparents, et travaillent en collaboration active avec et pour diverses communautés afin de collecter, préserver, étudier, interpréter, exposer, et améliorer les compréhensions du monde, dans le but de contribuer à la dignité humaine et à Injustice sociale, à légalité mondiale et au bien-être planétaire."

    Cette définition a été définitivement adoptée lors de l’assemblée extraordinaire à Kyoto du 7 septembre 2019. 

    Prendre la mouche

    Passés à la trappe les anciennes références aux concepts d'"institution", de "public" ou d'"éducation". Les pontes de l’ICOM parlent vaguement et pompeusement de "lieux de démocratisation", avec, certes, des objectifs ambitieux et louables : "contribuer à la dignité humaine et à Injustice sociale, à légalité mondiale et au bien-être planétaire." Mais il y a plus grave : il n’est plus fait référence aux œuvres d’art ou aux biens culturels et scientifiques mais "d’artefacts" et de "spécimens pour la société." Je vous voie déjà préparer votre prochaine sortie : "Chérie, si on sortait découvrir les derniers artefacts du Centre Pompidou ? – Bonne idée. C’est important que notre enfant puisse s’immerger dans le lieu de démocratisation afin de découvrir ces spécimens de la société !"

    Plus sérieusement, voilà une bien curieuse initiative venant de grosses têtes plus décidées à servir un discours ampoulé – on pourrais même dire vulgairement "à enculer les mouches" – qu’à faire redescendre le musée au milieu de la cité.

    Le quotidien spécialisé souligne d’ailleurs que cette initiative de renverser la table ne suscite pas l’adhésion de la majorité des conservateurs de l’ICOM, loin s’en faut. La présidente du comité national français de l’ICOM, Juliette Raoult-Duval prend déjà ses distances en disant regretter cette nouvelle (et inutile ?) définition du musée : "Un glissement politique regrettable" trop idéologique, des "termes professionnels (…) évacués ou diminués, et [qui] ne s’adossent plus solidement à notre code de déontologie."

    Juliette Raoult-Duval n’est pas la seule à prendre la mouche : un front de résistance – certes minoritaire au sein de l’ICOM – s'est mobilisé pour que cette nouvelle définition ne soit pas entérinée, en vain.

    Cette bataille consternante sur une définition aussi inutile que pompeuse pourrait bien faire une victime : les musées eux-mêmes qui, mise à part les grandes expositions événements, peinent à intéresser le grand public. Pas sûr qu’en mettant tant d’énergie dans un mot les responsables muséographiques jouent pour leur camp dans ce qui ressemble à une vaste farce.

    Sarah Hugounenq, "Musée : tempête autour d’un mot"
    Quotidien de l’art, 2 septembre 2019

    https://icom.museum/fr

    Voir aussi : "Qu’est-ce qu’un chef d’oeuvre ?"

  • Femmes extraordinaires des Andelys

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    Il reste encore plus d’un mois pour découvrir l’exposition de Claudine Loquen au Musée Nicolas-Poussin des Andelys. Sous le titre "Les Dames des Andelys", l’artiste normande dévoile une soixantaine de peintures et de sculptures sur bois sur les grandes figures féminines de cette ville, ancienne place forte de l’Empire Plantagenêt comme le prouve l’imposant Château-Gaillard.

    Pour cette exposition, Claudine Loquen consacre une large place aux femmes du Moyen Âge : s. Clotilde, Aliénor d’Aquitaine et Marguerite de Bourgogne. D’autres figures apparaissent dans cette galerie touchante : Marie et Marguerite de Lampérière (les épouses des frères Corneille), l’aéronaute Sophie Blanchard (et aussi première femme à périr lors d’un accident aérien) et la peintre Marthe Lucas dans le portrait d’une artiste aux yeux rêveurs et aux charmantes joues rosées. Un hommage est également rendu à Madame Bovary, la personnage romanesque de Gustave Flaubert, ainsi qu’aux femmes de la communauté malienne des Andelys (La délicate et espiègle Princesse malienne).

    Marchant sur les pas de Marc Chagall (Oiseaux et reines), Claudine Loquen donne à ses personnages une facture étonnante, bien loin des représentations académiques et réalistes. Les visages ont cette naïveté d’autant plus touchante que l’artiste rehausse ses peintures de couleurs vives, dans des compositions poétiques et surréalistes.

    Sur les pas de Marc Chagall

    Aliénor et ses filles, dans la toile qui porte ce nom, tourbillonnent dans une danse féerique sur fond d’un décor fleuri et aux ors klimtiens. Aliénor en croisade n’est pas représentée à la manière d’une peinture historique mais comme une scène d’enluminure fantastique dans laquelle les chevaux apparaissent comme des créatures extraordinaires. La reine Clotilde prend vie dans un portrait qui nous la rend familière et contemporaine. La peintre normande choisit également, pour représenter la sulfureuse et bouleversante Emma Bovary, un sage et souriant portrait de famille, perturbé en arrière-plan par un tableau des amants scandaleux.

    Claudine Loquen s’approprie ces personnages, historiques ou fictifs, pour en faire des sujets de scènes oniriques où se mêlent saynètes de la vie quotidienne (Marthe Lucas en train de peindre), scènes historiques (Aliénor en croisade), rêves (Clotilde, reine des Francs) et cauchemars (Assassinat des parents de Clotilde, reine des Francs).

    Cette exposition lumineuse et singulière est à découvrir au Musée Nicolas-Poussin des Andelys jusqu’à la fin septembre.

    Les œuvres de Claudine Loquen sont également à voir au Musée d'art spontané de Bruxelles, au Musée international d'art naïf de Magog (Canada) ainsi qu'au Musée Daubigny à Auvers-sur-Oise.

    "Les Dames des Andelys", exposition de Claudine Loquen
    Musée Nicolas-Poussin des Andelys (27)
    Jusqu’au 29 septembre 2019
    http://www.claudine-loquen.com

    Voir aussi : "Hors-série Normandie impressionniste"

    © Claudine Loquen
    Aliénor d'Aquitaine et ses filles
    Technique mixte sur toile 100cmX80cm

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  • Toutânkhamon, de l’obscurité à la lumière

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    Il y a un peu moins de cent ans de cela, après plusieurs campagnes égyptiennes infructueuses à la recherche de la tombe du pharaon Toutânkhamon (v. 1340 av. JC - 1326 av. JC), l’archéologue Howard Carter convainc le richissime mécène Lord Carnarvon de financer une dernière prospection dans un périmètre qu’il estime n’avoir été jamais fouillé. Son intuition est la bonne puisque le 4 novembre 1922, une première marche est découverte puis dégagée. Elle donne accès à une tombe jamais visitée : celle de Toutânkhamon, fils d’Akhenaton, onzième pharaon de la XVIIIe dynastie. Son court règne est tombée dans l’oubli depuis que Toutânkhamon a été frappé d’une damnatio memoriae prononcée par ses successeurs. Son nom a disparu de la liste des pharaons, ce qui va paradoxalement assurer sa postérité. En tombant sur une sépulture quasi intacte car oubliée des pilleurs, Toutânkhamon passe des ténèbres à la lumière.

    Rarement le terme de "trésor" n’a paru aussi bien indiqué pour une telle découverte. Les organisateurs de l’exposition de La Villette ont véritablement travaillé la mise en scène pour proposer un ensemble d’espaces destinés à rendre toute la richesse, la splendeur et l’attrait historique de cette sépulture. Comme le dit Tarel El Awady, commissaire de l’exposition, "[En 1922], les scientifiques et les universitaires furent étonnés à la fois par l’importance du trésor de Toutânkhamon, mais également par la quantité d’information qu’il recelait, et qui permit une compréhension plus profonde de l’histoire de l’Égypte ancienne. Mais la découverte du tombeau de Toutânkhamon permit surtout de réfuter la croyance solidement installée chez les égyptologues de l’époque selon laquelle « tout avait déjà été découvert dans la Vallée des Rois. »"

    Une découverte presque miraculeuse et entrée dans la légende

    150 objets remarquables, tant pour leur valeur artistique que pour leur apports historiques et scientifiques, sont présentés : le cercueil miniature canope à l’effigie de Toutânkhamon en or, verre coloré et cornaline (mais sans la momie du prestigieux souverain !), la spectaculaire statue de Ka à taille réelle et à l’effigie du pharaon, le lit funéraire en bois doré, une magnifique statue en bois et feuille d’or représentant le roi coiffé de la couronne blanche, des mains incrustées d’or tenant la crosse et le fléau, un somptueux pectoral en or, argent, cornaline, turquoise et lapis-lazuli ou un étonnant modèle de barque solaire en bois. Une statue du dieu Amon protégeant Toutânkhamon, prêtée par Le Louvre, est également exposée. Coffres, bijoux, objets de la vie quotidienne, armes ou statues font pénétrer le visiteur dans une civilisation qui continue de fasciner et de surprendre.

    Mais cette exposition nous fait aussi comprendre l’histoire de cette découverte presque miraculeuse et entrée dans la légende. 3200 ans après sa mort, et alors que ses successeurs ont cherché à effacer les traces de ce pharaon qu’ils estimaient trop lié au règne de son père, le révolutionnaire Akhenaton, Toutânkhamon devient singulièrement une véritable célébrité, pour ne pas dire une icône pop – ce que montre le dernier espace de l’exposition. Passé de l’ombre d’une sépulture à la lumière des médias, le jeune pharaon incarne sans doute plus que n’importe quel souverain la magnificence d’une civilisation que l’on ne finit pas de découvrir.

    Il ne reste plus que quelques semaines pour découvrir l’un des trésors archéologiques les plus spectaculaires qui soit, avant son retour définitif en Égypte.

    Toutânkhamon, Le Trésor du Pharaon
    Du 23 mars au 22 septembre 2019
    Grande Halle de la Villette
    https://expo-toutankhamon.fr

    Voir aussi : "Twilight Zone chez Castel"

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  • Twilight Zone chez Castel

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    La série culte The Twilight Zone est à l’honneur chez Castel le mercredi 24 Juillet, de 22 heures à 4 heures du matin avec un événement placé sous le signe de l’art contemporain, de la création et des sens et proposé par le directeur artistique Gwenaël Billaud.

    Cette galerie a su depuis imposer un nouveau concept de soirées investies par l'art moderne et contemporain, dans le cadre desquelles participent performeurs, artistes, DJs, et personnalités du monde de l'art. Le temps de la soirée, l'espace se transforme en galerie éphémère, un club artistique en somme où la nuit rend hommage à la création contemporaine – sous le regard de Rod Steiger donc.

    Outre la diffusion des épisodes de La Quatrième Dimension, la soirée verra l’intervention de plusieurs artistes et performeurs : Daniela Zuniga, alias Nina Zun (artiste vidéo), Valéry Grancher (webartiste), Neil Lang, Pierre Bénard "osmoart" (parfumeur), Jakob Liu Wächter (shooting art mode), avec également un live d’Alexandre Bruni-Sarkozy, un live painting de Corentin Bouchaert, une performance de Super-Lexie et une lecture publique de Nenad Milosavljevic.

    Les Dj set Eric Pajot et Gwenaël Billaud viendront compléter cette nuit placée d’une autre dimension sous le signe de Twilight Zone.

    The Twilight Zone, La Galerie
    Castel, 15, rue Princesse, Paris 6e arrondissement
    https://galeriebillaud.blogspot.com
    https://www.facebook.com/galeriegwenaelbillaud

    Voir aussi : "Grande exposition de poche"

  • Conte de la folie ordinaire

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    Quelques minutes suffisent pour lire cette Histoire du Rapt, bande dessinée que Nicolas Le Bault a conçu de A à Z. Nicolas Le Bault : cet artiste underground nous avait tapé dans l’œil avec son roman graphique inclassable La Fille-Miroir. Nous l’avions ensuite suivi dans le projet White Rabbit Dream, production collective mêlant dessins, photos et textes.

    Cette fois, c’est seul que Nicolas Le Bault a écrit et dessiné cette Histoire du Rapt, creusant un peu plus l’univers d’un artiste tourmentant ses personnages, avec une force cathartique qui n’appartient qu’à lui.

    Cette BD au format nouvelle s’apparente à un conte horrifique dans lequel l’enfance est la première victime. Il y a du David Lynch, du Sade, du Bukowski, du Tim Burton, mais aussi un peu de La Nuit du Chasseur dans cette histoire contant un secret d’adultes – bien qu’il ne soit que partiellement dévoilé – découvert par un garçon qui sera confronté à l’interdit mais aussi à la mort.

    Nicolas Le Bault a particulièrement soigné cette nouvelle dessinée, que ce soit dans le texte et dans le dessin. Sa patte est reconnaissable : personnages naïfs dessinés comme les poupées de notre enfance, visages expressionnistes bien trop joyeux pour être honnêtes, couleurs appuyées. L’univers enfantin n’est qu’un décor factice derrière lequel se cache l’odieux, la folie et l’inceste.

    Petit à petit, l’œuvre graphique de Nicolas Le Bault construit un univers terrible, poétique et passionnant à découvrir.

    Nicolas Le Bault, Histoire du Rapt, Pool of Years, White Rabbit Prod, 2019, 16 p.
    https://www.whiterabbitprod.com

    Voir aussi : "White Rabbit Dream, transgressif et sensible"

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  • Robert Couturier à la galerie Dina Vierny

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    Il est possible que le nom de Robert Couturier ne vous dise rien. Il s’agit pourtant d’une figure importante de l’art du XXe siècle, à la longévité exceptionnelle : plus de 60 ans de carrière de la part d’un artiste mort il y a un peu plus de 10 ans à l’âge vénérable de 103 ans.

    Robert Couturier (1905-2008) aura traversé les mouvements esthétiques du siècle passé avec la passion d’un homme représentant à lui seul les mues de l’art européen, entre cubisme, abstraction et nouvelle figuration.

    La galerie Dina Vierny propose jusqu’au 29 juin 2019 un aperçu de son œuvre. Il y a d’abord ces bronzes, aux silhouettes longilignes, rugueuses et proches de l’abstraction. L’ancien élève d’Aristide Maillol recherche, à l’instar de Giacometti, l’essentiel dans ses personnages à partir de presque rien : une forme, un mouvement ou des aspérités. "Robert Couturier envisagera la sculpture comme un art de l’ellipse, raison pour laquelle il accordera au vide une place centrale dans la construction de ses sculptures étirées" comme le dit l’historienne d’art Valérie Da Costa au sujet de cette exposition.

    Une figure importante de l’art du XXe siècle, à la longévité exceptionnelle

    Dans les salles exiguës de la Galerie Dina Vierny, les œuvres de Robert Couturier semblent trouver un écrin intime, qui donne tout loisir de voir vivre ce faune jouant du pipeau (1949), cette fillette au cerceau (1952) ou ce guerrier (1958).

    La galerie de l’ancienne muse de Maillol propose également un magnifique service à café en pièces émaillées incolores des années 1959-1961. Il a été édité en 12 exemplaires par la Manufacture nationale de Sèvres. Des œuvres plus conceptuelles sont également proposées : un Saint-Sébastien en bois et clous (1999), un évêque en tube métallique, papier et marbre (1987) et des créations à partir de matériaux de récupération imaginées par un artiste à la carrière phénoménale. Il écrivait ceci en 1979 : "Pour moi, je n’ai jamais d’idée que partant d’une forme déjà existante, une forme rencontrée souvent par hasard…un caillou, un morceau de bois échoué sur une plage, un cylindre en carton, un fer tordu par exemple. J’ai ramassé ce caillou ou cette ferraille sans bien discerner ce qui m’attirait en eux et je les regarde, je vis avec, puis peu à peu une image humaine se greffe sur ces objets."

    Robert Couturier sera à découvrir à la Galerie Dina Vierny jusqu’au 29 juin prochain.

    Robert Couturier à la Galerie Dina Vierny, jusqu’au 29 juin 2019
    36 rue Jacob, Paris 6e, Ligne 4, métro Saint-Germain-des-Prés
    Horaires d’ouverture : du mardi au samedi de 14h à 19h
    www.galeriedinavierny.fr

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  • Chères rouquines

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    Voilà un livre qui tombe à pic : alors qu’a lieu jusqu’au 13 mai prochain l’exposition "Roux" au Musée Jean-Jacques Henner (Paris 17e), Édith Pauly propose son essai Rousses ! Les flamboyantes à travers l’histoire Aux éditions Quai des Brunes (sic).

    C’est un euphémisme de dire que les femmes rousses ont inspiré esthétiquement les artistes autant qu’elles ont suscité toutes les passions mais aussi les idées reçues. L’auteure écrit ceci dans sa préface: "Le rouge, première couleur du prisme, est perçu de manière ambivalente selon les époques et les cultures. Il peut représenter le pouvoir, la vie, la chaleur, mais tout autant basculer de l’autre côté du miroir avec l’enfer, la traîtrise, la cruauté… Parfois même les deux représentations coexistent !"

    Les préjugés tout autant que les fantasmes alimentent l’iconographie pléthorique de ces femmes qui ont pu être reines, guerrières, modèles, artistes, actrices, mannequins ou simplement des figures anonymes. La relative rareté de leur caractéristique physique (1,5 % de la population mondiale), qui est le résultat de la mutation d’un gène il y a plusieurs milliers d’années seulement, expliquent en grande partie pourquoi les rousses ont pu susciter tour à tour fascination, méfiance, fascination, admiration ou adoration.

    Édith Pauly retrace, grâce à un ouvrage passionnant et richement documenté, l’histoire de ces chères rouquines, une histoire qui commence d’abord par ces figures légendaires, mythologiques ou sacrées qui ont fascinées les hommes en raison précisément de la couleur rouge de leur chevelure. La journaliste précise d’emblée que l’ambivalence est présente dès l’époque romaine avec le terme latin de rufus qui désigne aussi une injure courante qui signifie "grotesque", "risible" et difforme", au point que les roux ont pu être chassés de Rome pour expier les fautes de la Cité.

    Le roux et la rousse deviennent mal aimés, au point de servir de modèles pour des personnages abhorrés : Ève, Caïn, Lilith, Judith, Dalila et jusqu’aux sorcières à l’époque de l’Inquisition. Pour illustrer ces figures mythiques, Édith Pauly puise dans des sources de tous horizons, les rousses ayant inspiré de nombreux artistes, que ce soit Rubens (Samson et Dalila, 1610), Cranach L’Ancien (Salomé avec la tête de Jean-Baptiste, 1530), ou John Collier (Lilith, 1887).

    Fausses rousses

    En dehors de ces personnages légendaires, les femmes rousses ont marqué toutes les époques et frappé l’imagination de leur contemporain, nourrissant même malgré elles les préjugés sur cette fameuse couleur. Édith Paul s’intéresse à quelques figures historiques : Elizabeth Ier et Marie Stuart – la première ayant fait décapiter la seconde –, les guerrières berbères Kahena et Fatma Tazouguerth ou encore Roxelane, la concubine de Soliman le Magnifique. Ces rousses légendaires frappent par leur caractère de feu, à l’image de leur chevelure, mais aussi, pour certaines, par leur indépendance : "Souvent violentes, guerrières, sans scrupule, à tout le moins de fort tempérament, leur destin s’achève fréquemment en tragédie" : la reine bretonne Boadicée (ou Boudicca), la pirate Anne Bonny, Marion du Faouët ou, bien plus près de chez nous, l’espionne russe Anna Kushkenko.

    Édith Pauly consacre près de la moitié de son essai à l’influence de la rousseur sur l’esthétique. Et l’on découvre à quel point la caractéristique physique d’une chevelure a pu marquer l’histoire de l’art... La Vénus sortant des eaux de Botticelli était une rouquine. Au XIXe siècle, Manet demande à Victorine Meurent de poser pour elle pour Le déjeuner sur l’herbe puis pour Olympia. Autre maîtresse, autre rousse : Tulla Larsen pour qui Klimt aura une passion folle. L’inspiration pour ces femmes est telle que des mouvements picturaux entiers s’appuient sur et appuient sur cette couleur flamboyante : le préraphaélisme, le symbolisme ou l’art nouveau. Modigliani et sa compagne Jeanne Hébuterne, sa muse rouquine, vont révolutionner l’art pictural grâce à ces portraits reconnaissables entre tous et ces fameux cheveux.

    Le livre ne passe pas sous silence l’utilisation que la publicité, la bande dessine, le cinéma ou la télévision ont faites des rousses, avec là encore quelques figures devenues cultes : Maureen O’Hara, Maerlène Jobert, Isabelle Huppert, Agnès Moorehead, Fifi Brindacier, Barbarella ou Sophie Dahl, la mannequin ayant posé pour le parfum Opium®.

    Aujourd’hui, ces fascinantes et chères rouquines sont plus présentes que jamais. Autrefois méprisées ou moquées, elles seraient presque jalousées, voire enviées. Les fausses rousses ne manquent pas, écrit Édith Pauly, que ce soit Mylène Farmer, Kylie Minogue, Rachel McAdams ou… Axelle Red. La danseuse de stars Fauve Hautot, elle-même, s’est colorée les cheveux dès l’âge de 12 ans. La mode mais aussi les préjugés sont passés par là, est-il dit en conclusion : "Certaines ont envie de faire évoluer leurs rôles, comme peuvent l’être les blondes lassées des stéréotypes attachés à leur couleur. Pour d’autres, se teindre en rousse leur aurait donné un culot, une prestance qu’elles n’avaient pas auparavant. Du moins le pensaient-elles."

    Édith Pauly, Rousses ! Les flamboyantes à travers l’histoire,
    éd. Quai des Brunes, 2018, 128 p.

    Exposition "Roux ! De Jean-Jacques Henner à Sonia Rykiel"
    du 30 janvier au 13 mai 2019 au musée Jean-Jacques Henner, Paris 17e

    https://edithpauly.wixsite.com/edith-pauly
    https://www.editionsquaidesbrunes.fr/en/product/rousses

    Voir aussi : "Baigneuse sortant des eaux"

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  • Streeet art à Montargis en hommage à Girodet

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    L’art de la rue : telle est littéralement la traduction du street art. Il est à l’honneur à Montargis, à l’occasion de la réouverture du Musée Girodet.

    Après plusieurs années de fermeture, prolongées en raison des crues historiques de 2016, l’établissement public a accompagné sa réouverture par une série de créations contemporaines de Julien de Casabianca. Ce dernier a créé plusieurs collages géants de plus de huit mètres de haut, inspirés pour la plupart de l’œuvre d’Anne-Louis Girodet.

    Une manière de faire découvrir à la population de la sous-préfecture du Loiret une figure importante de la peinture du XIXe siècle.

    http://www.musee-girodet.fr
    https://www.juliendecasabianca.com

    Voir aussi : "Hors-séries inondations à Montargis"

     

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  • Moi, Nadia, brodeuse et artiste

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    broderie,brodeuse,nadja berruyer,maison lesage,christian lacroix,éléonore faucher,documentaire,artisanatC’est une artiste hors du commun qui a les honneurs du documentaire d’Aurélie Martin, sobrement intitulé : Nadja Berruyer, Brodeuse.

    Ce film est le fruit de sept ans de travail autour d’un art méconnu, lorsqu’il n’est pas dénigré. Nadja Berruyer parle de la genèse de ses tableaux perlés, comme de la manière dont elle les réalise.

    Perles de métal et de verre, paillettes, fils d'or et de soie : c’est tout un univers qui peuple son atelier si caractéristique. L’artiste brode également avec des matériaux plus spéciaux comme des pièces de monnaie, des engrenages d'horlogerie, des mécanos, des pendentifs, des plumes, des cheveux et des bijoux. Nadia Berruyer dépasse les frontières de l'artisanat et se donne toute liberté pour organiser selon sa volonté toutes ces matières qui la fascinent. Dans ce documentaire, Nadja Berruyer explique aussi pourquoi et comment elle est devenue brodeuse.

    Très jeune, le talent de Nadja Berruyer est reconnu. Elle travaille pour le prêt-à-porter, la haute couture : Christian Lacroix, le théâtre, le cinéma – pour le film Brodeuse d’Éléonore Faucher, elle crée un tableau de perles de 3 mètres de haut.

    Se débarrasser des idées reçues

    Depuis 30 ans, broder tous les jours pendant de nombreuses heures sans s'arrêter à fini par imposer à son corps de la souffrance due à la position de la broderie. Elle doit donc maintenant se reposer un peu plus souvent.

    Peu de choses filmées existent sur la broderie. Dans le film d’Aurélie Martin, la parole de Nadja est l'occasion de se débarrasser des idées reçues : un métier identifié de manière simpliste à la vénérable Maison Lesage, une activité ringarde et vieillissante réservée aux grands-mères fripées.

    Nadja Berruyer, Brodeuse entend parler autrement de cet art, exigeant et passionnant. Le film d’Aurélie Martin, disponible en DVD et VOD, fera aussi l’objet d’une projection exceptionnelle le dimanche 17 mars 2019 à 11H45 au cinéma Saint-André des Arts (Paris 6e). 

    Aurélie Martin, Nadja Berruyer, Brodeuse, France, 62 mn, en DVD et VOD
    Projection spéciale le dimanche 17 mars 2019 à 11h45
    au cinéma Saint-André des Arts, Paris 6e

    http://www.lesmutins.org/nadja-berruyer-brodeuse

    Voir aussi: "Spartacus, mon frère"

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  • Rencontre avec Patricia LM

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    C’est en Bretagne sud que l’on a le plus de chance de croiser Patricia LM. La photographe y a des attaches fortes. Elle y expose régulièrement ses œuvres, bien éloignées des créations classiques qu’offrent les galeries nombreuses autour de Concarneau, Pont-Aven ou Douarnenez. Patricia LM fait des corps sa matière brute, qu’elle travaille en les rehaussant de couleurs pop-art. Questions-réponses avec une artiste passionnante et à l’univers attachant.

    Bla Bla Blog - Quels sont vos premiers souvenirs artistiques ? Et vos premiers souvenirs tout courts ?

    Patricia LM - C’est difficile à dire puisque nous, mes sœurs et moi, étions entourées, baignées de peintures (gouaches, peintures à huile) ou de fusains. Sans parler des images photographiques. Les œuvres naissaient pour ainsi dire sous nos yeux. L’été, il y avait une tente pour la famille et une tente pour les toiles de papa. C’est dire !

    BBB - Dans vos créations plus anciennes, il y a ces dessins de marines pour le festival des Vieilles Coques de Concarneau durant les années 90. Pour une Bretonne comme vous, j’imagine que c’est incontournable.

    PLM - J’avais dix-huit ans, c’était une façon de faire mes armes. Je dessinais au Rotring : un travail minutieux. C’était mon côté bonne élève. J’ai obtenu cette commande à la suite d’un simple stage de voile. La première date de juillet 1983. L’affiche a plu, vraiment. Le directeur de la société nautique, une figure locale, m’a demandée de récidiver. En tout, j’en ai réalisé huit.

    BBB - Justement, quel rapport avez-vous avec votre pays ?

    PLM - Un rapport puissant. Mais comme je peux l’avoir en découvrant un autre pays. Je voudrais partir que je ne pourrais pas.

    BBB - Vous êtes concarnoise, mais une Concarnoise voyageuse : Paris, le Portugal...

    PLM - Voyageuse ? Pas assez à mon goût ! J’aime être de retour.

    BBB - Dans vos œuvres, on est loin des thématiques classiques visibles dans les galeries d’art traditionnelles : scènes de baignades, bateaux, paysages marins. Chez vous, une place importante est donnée aux corps – souvent féminins –, à la sensualité et aux scènes intimistes. De quand date ce choix artistique ?

    PLM - Le sujet est venu à moi. Après, je suis loin d’avoir épuisé le thème ! Et puis, ce n’est pas parce ce que je vis dans un endroit touristique que je me dois de me plier aux usages… Bien sûr, ma vie serait plus facile si je répondais aux critères requis... Des scène de baignades : voilà un thème qui pourrait me plaire, et que j’ai d’ailleurs déjà traité. Il y a cette toute première série — « Armelle et Lydie » — en 1980. Lorsque je la regarde aujourd’hui, je constate que tout y est. Puis, la presse, le zinc et mes pinceaux m’ont occupée durant un bon moment. Je réalisais des monotypes sur du papier Japon. Je passais sous la pression du rouleau divers végétaux, dont les empreintes m’inspiraient des couleurs gouachées. C’est comme si j’avais attendu l’ère du numérique pour me réaliser pleinement en tant qu’artiste.

    C’est comme si j’avais attendu l’ère du numérique pour me réaliser pleinement

    BBB - Dans vos travaux, parfois on se demande si on est face à des photos ou à des peintures ? Comment travaillez-vous ?

    PLM - J’aime cette interrogation : images ou peintures ? Au final, ce ne sont que des points de couleurs juxtaposés. Lorsque l’image « brute » apparaît sur mon écran, j’éprouve le besoin immédiat d’en accentuer les couleurs. Je cherche. Je fais diverses tentatives. Je modifie. Je pose un bleu et je me questionne si ce n’est pas plutôt un vert qui devrait y être. Il m’arrive de faire marche arrière. Bref, je tâtonne.

    BBB - Plus ludique, il y a aussi ces petites pin-up. Je crois que vous y êtes très attachée. Et c’est vrai qu’elles sont amusantes, avec pas mal de sex-appeal.

    PLM - Elles viennent de loin, et par période. Je les laisse apparaître au bout de mon crayon. Je laisse courir le crayon sur la feuille et m’étonne des créatures qui apparaissent. Les regards doivent avoir une certaine vitalité : j’y tiens.

    BBB - Pourquoi cet intérêt pour les pin-up ?

    PLM - C’est une féminité assumée et une simple histoire de fantasmes. Le plaisir des yeux. Ils me renvoient aussi au souvenir de ces calendriers de pin-up accessibles à ma vue sur le côté du comptoir dans un certain bistro dans lequel mes jeunes parents aimaient à se rendre. C’était avoir accès à des images autres, osées, issues du monde ludique, des grands… Cela me changeait tellement des images pieuses, d’anges, de saints ou madones, obtenues à l’école !

    BBB - Y a-t-il des projets qui vous tiennent à cœur aujourd’hui ? Des expositions, d’autres séries ?

    PLM - Oui, il y a d’autres séries à venir. J’attends le feu vert d’une certaine jeune femme.

    Page Facebook de Patricia LM

    Voir aussi : "Bouées, sardines et jolies poupées"

    © Patricia LM

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  • Le top 10 de Bla Bla Blog pour 2018

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    En ce début d’année, la période est parfaite pour faire un bilan de 2018. L’an dernier, 263 articles ont été publiés par Bla Bla Blog. Quels ont été les plus populaires ? Cette année encore, nous vous proposons un classement des articles les plus populaires en 2018. Plusieurs chroniques ont tiré leur épingle du jeu, mais aussi des artistes qui ont attiré l’attention de Bla Bla Blog. Pour ce top 10, attendez-vous à être étonnés. Cette chronique présente ce classement, accompagné d’une présentation, d’extraits et évidemment de liens pour lire ou relire les articles marquants de cette année.

     9  Mariscal sur les pas de son brillant Ané

    Découvert en mars dernier, le moins que l’on puisse dire est que Mariscal a fait un grand bond cette année, jusqu’à faire la première partie d’un concert de Dominique A à l’Équinoxe de Châteauroux. C'était en décembre dernier. Lorsque nous disions que ce musicien allait sur les pas de son "brillant Ané", nous n’étions pas loin de la vérité.

    Extrait
    "Je vais vous raconter, si vous le voulez bien, l’histoire de cette chronique.
    La semaine dernière, j’étais en train d’écrire au sujet de la passionnante exposition Rock ! Une histoire nantaise (Château des Ducs de Bretagne, à Nantes, du 24 février 2018 au 19 novembre 2019), dont une partie est consacrée à Dominique A, lorsque je suis tombé sur le premier album de Grégory Mariscal, Plus le Temps. Et là, le choc : les similitudes avec ce nouvel arrivant de la scène française et l’auteur de La Fossette (1992) ou de La Mémoire neuve (1995) me sont apparues évidentes.
    Le Coton a le grain du Vivement Dimanche de La Fossette. Quant à Je Marche Je Respire, ne renvoie-t-il pas au Je ne respire plus, Milos dans La Mémoire neuve ?"

    La suite ici…

     8  La Brodeuse Masquée a encore frappé

    C’est par hasard que Bla Bla Blog est tombé sur La Brodeuse Masquée et ses étonnantes créations. Chez elle, la broderie à l’ancienne subit un sérieux dépoussiérage grâce aux thèmes de cette artiste d’un nouveau genre. Ce qui intéresse La Brodeuse Masquée ? Des faits divers trash, des citations claquant comme des slogans et des références à actualité. Décalage et humour noire assurée par cette formidable créatrice.

    Extrait
    "La Brodeuse Masquée sévit sur Internet, via ses comptes Facebook et Instagram, et elle mérite que l’on s’y intéresse.

    Qui est cette mystérieuse femme, œuvrant dans l’ombre avec un sens de l’humour décalé dans un créneau jusque-là has-been, celui de la broderie ?
    Pour se présenter, notre Brodeuse Masquée use d’une phrase pompée avec malice dans le jargon complotiste : "Qui est-elle ? Quels sont ses réseaux ? Seuls ceux qui savent savent…" Quelques indices sur ses créations – un hommage au club de football de l’AS Nancy Lorraine et un autre au régional de l’étape, Michel Platini – laissent à penser que c’est en Meurthe-et-Moselle qu’il faut chercher la trace de cette artiste d’un autre genre."

    La suite ici...

     7  Vanished Souls, les enfants du rock

    Parmi les nombreux coups de projecteurs musicaux, celui sur Vanished Souls a permis aux quatre Parisiens d’entrer dans notre classement. Une occasion parfaite pour redécouvrir ce groupe de rock que nous avions aimé.

    Extrait
    "Les Vanished Souls, ont décidé de faire un sort au rock à papa. Pas de parti pris chez ces quatre petits Français découverts en 2013, qui sortent en mars leur nouvel album éponyme : le maître mot de cet opus est de s’aventurer sur la route longue, sinueuse et passionnante du rock et de ses nombreux dérivés. Et le moins que l’on puisse dire c’est que les surprises sont nombreuses.
    DriX, Svein, Fred et Yann Forléo ne cachent pas leurs références musicales – et pop-rock – tous azimuts , que ce soit Radiohead, My Bloody Valentine, Archive, Sigur ros ou Pink Floyd."

    La suite ici…

     6  Seul en scène, entre amis

    La pièce de théâtre Ça aurait pu commencer comme ça ! de Paul Morel et Julien Delpech a fait le buzz sur Bla Bla Blog : une belle réussite pour un spectacle créé et produit par deux amis que nous avons pris plaisir à faire découvrir.

    Extrait 
    "Ce seul en scène, une vraie performance en soi, promet une plongée séduisante dans le milieu du spectacle, comme dans la tête de ces artistes que Bla Bla Blog a plaisir à faire découvrir.
    Paul Morel raconte l’histoire de Paul, cet autre que lui-même pour reprendre une citation de Proust, un jeune homme certain de son talent de comédien, mais qui finit par se saborder lui-même par manque de travail, de compassion et d’humilité.
    "

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     5  Des dominos pour faire chuter la maladie de Charcot

    Voir à la cinquième place de notre classement un événement caritatif a une saveur particulière. Le 28 avril 2018, l’association verdunoise 2A2S proposait une exceptionnelle chute de 30 000 dominos pour sensibiliser le public à la maladie de Charcot. On doit à Sébastien Brunella, touché par cette affection, cette manifestation. Le public de Bla Bla Blog y a été sensible, comme le prouve cette belle cinquième place.

    Extrait 
    "Le bloggeur assistait à Verdun non pas à un record mais à un événement qui s’en approchait : une chute géante de 30 000 dominos pour une bonne cause.
    L’association verdunoise 2A2S (Association d’Aide et de Soutien à Sébastien) a été créée autour de Sébastien Brunella, atteint de la maladie de Charcot, ou SLA (Sclérose Latérale Amyotrophique). Cette affection terrible touche aujourd’hui environ 8 000 malades en France, un chiffre pas assez important pour mobiliser les laboratoires à la recherche de rentabilités, et trop élevé pour intéresser l’AFM, comme le rappelait Sébastien Brunella lors de la manifestation caritative organisée le samedi 28 avril autour de ces dominos."

    La suite ici…

     4  Double focus sur Patricia LM

    Quelle plaisir de trouver Patricia LM dans notre classement annuel ! Après l’exposition "Sensual self-portraits" en janvier à la Concorde Art Gallery de Paris, l'artiste faisait l'actualité à Concarneau cet automne. Deux chroniques ("À l’origine" et "Les filles du port") ont mis à l’honneur cette photographe exceptionnelle. Une photographe dont Bla Bla Blog va encore parler en 2019.

    Extrait
    "Cela se passe en ce moment et jusqu’au 15 novembre à Concarneau : une Escale 7 rue du Port. Bla Bla Blog ne pouvait pas passer à côté de cet événement. Pourquoi ? Parce que nous avions parlé il y a deux ans d’une des deux artistes venues exposées.
    Patricia LM fait se rencontrer la photographie et la peinture, le folklore breton et le pop-art, mais aussi l’intimité et la sensualité. Elle partage l’Escale avec Anh Gloux, graphiste à la ligne claire et résolument tournée vers la mer, qu’elle soit avec liée à la mythologie grecque ou au folklore breton."

    La suite ici…

     3  Deborah de Robertis l’ouvre de nouveau

    Pourquoi, cette année encore, Deborah de Robertis est-elle sur le podium de Bla Bla Blog ? En 2017, l’actualité de sa performance scandaleuse au Louvre avait fait parler d’elle. Cette année, c’est dans la ville de Lourdes que l’artiste franco-luxembourgeoise a choisi de faire parler d'elle - au grand dam de certains. Mais Deborah de Robertis a aussi connu un coup de projecteur mondial inattendu à l’occasion de l’acte V des Gilets Jaunes

    Extrait
    "Elle a un nom qui fleure bon le latin et les versets bibliques. Là s’arrête pourtant le point commun entre l’institution catholique et Deborah de Robertis, qui doit s’expliquer avec l’Église dans les prochains mois. La performeuse franco-luxembourgeoise a été en effet été arrêtée le 1er septembre dernier pour s’être dénudée devant le sanctuaire de Lourdes. Elle comparaîtra en correctionnelle le 19 mai 2019 pour exhibitions sexuelles.
    Deborah de Robertis avait déjà fait une performance publique remarquée devant La Joconde en 2017. La justice n’avait pas été dans le sens du musée du Louvre, considérant que la jeune femme agissait en tant qu’artiste et militante. Tel est aussi le discours que cette dernière tient au sujet de Lourdes et de sa prestation."

    La suite ici…

     2  Union TV : un nouveau média pour une nouvelle révolution sexuelle

    À la deuxième place de ce classement annuel de Bla Bla Blog, c’est à la fois un média et une personnalité attachante qui sont mis à l’honneur. Le média est Union TV, la déclinaison télé du célèbre magazine érotique et libertin. La personnalité est Flore Cherry, sa responsable transformation digitale. Il y a quelques mois, elle nous parlait d’Union TV, de sexualité mais aussi de féminisme.

    Extrait
    "Le vénérable Union entrerait-il dans une nouvelle ère ? Créé en 1972, le magazine érotique et libertin fait lentement mais sûrement sa mue. Après l'édition web, c'est une chaîne de télévision qui vient de naître fin janvier (disponible sur la box SFR). Nous avons rencontré Flore Cherry, responsable de la transformation digitale à Union, pour en savoir plus sur ce nouveau média."

    La suite ici…

     1   Berry, de retour

    La première place de ce top 10 est, cette année encore, une chanteuse - après Marie Cherrier, Alka puis  Fishbach, respectivement en 2015, 2016 et 2017... Depuis juin 2018, Berry a fait exploser les compteurs de Bla Bla Blog grâce à un article paru il y a près d'un an de cela... Nous nous demandions ce que devenait l’auteure de Mademoiselle et des Passagers. Cette année, quelques réponses ont été apportées grâce à plusieurs concerts, dont nous avons parlé il y a quelques mois, mais aussi à une audience exceptionnelle pour une artiste hors du commun. Berry a prouvé qu’elle était toujours attendue : cette première place le prouve, s’il en était encore besoin. Et d'ailleurs, elle était bien de retour cette année et elle sera d'ailleurs toujours là début 2019. Ouf...

    Berry.jpgExtrait
    "On avait quitté Berry en 2012, avec l’album Les Passagers. La chanteuse avait choisi le fil conducteur du voyage pour des chansons délicates et pudiques, portées par une voix caressante, l’une des plus belle sans doute de la scène française. Est-elle revenue de ses voyages ? Où est-elle aujourd’hui et quelle est son actualité ?
    Il convient au préalable de faire quelques rappels sur la carrière de Berry, commencée en 2008 avec un premier album, Mademoiselle, remarqué par la critique et le grand public. Disque d'or, il a été suivi de plusieurs centaines de concerts en France comme à l'étranger (Brésil, Corée du Sud ou Serbie). Mademoiselle ce sont 10 joyaux musicaux que la chanteuse a sculpté avec ses acolytes Manou et Lionel Dudognon." 

    La suite ici...

    Voir aussi : "Le top 10 de Bla Bla Blog en 2017"
    "Le top 10 de Bla Bla Blog pour 2016"
    "Le top 10 de Bla Bla Blog pour 2015"

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  • Grande exposition de poche

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    Le projet de la Petite Collection a été initié par l’artiste Florence Lucas qui a entamé une réflexion autour de la carte postale.

    En confiant à des artistes la réalisation de cartes postales originales, se pose d’abord le problème de l’échelle de l’œuvre d’art. Notre époque est férue de gigantisme. Contrairement à cette tendance au monumental, la carte postale réinvestit le domaine de l’intime. Inviter des artistes à travailler sur de petits formats devient un challenge et questionne sur les pratiques de l’art contemporain.

    De plus, le petit format facilite l’échange, le rend plus fluide. La carte postale se rit des transporteurs, des douanes et de toutes les formalités qui freinent la circulation des œuvres d’art et donc la constitution de collections. On peut alors imaginer des collections de poche. Marcel Duchamp avait bien réalisé son musée de poche dans une valise.

    À propos de la reproductibilité de l’œuvre d’art, la carte postale est tout particulièrement intéressante car elle a trouvé sa place avec la photographie. La Petite Collection fait appel à des pratiques traditionnelles comme le dessin ou la peinture, mais les œuvres sont destinées à être reproduites pour l’édition de cartes postales. Ce que l’œuvre va perdre en authenticité, elle le gagnera en visibilité.

    Par la diversité des genres et style dont témoigne "la petite collection", sont mises en évidence non seulement les procédures mais aussi les fonctions culturelles et politiques qui font de la carte postale un objet privilégié, à la croisée des inventions populaires et de la création contemporaine. Support discret de nouvelles "remises en jeu", la carte postale aux mains des artistes serait-elle un médium méconnu de la contemporanéité ? Autant de questions que posent la petite collection et qui nécessitent plusieurs éditions.

    Cette édition 2018, la quatrième de la Petite Collection, sera exposée à la galerie Bertrand Grimont qui a souhaité renouveler l’expérience de 2017.

    Les artistes de la quatrième édition de la Petite Collection sont : Laurent Ajina Pat Andrea Mateo Andrea Théophile Arcelin Sylvain Azam Azul Clément Bagot Caroline Ballet Pauline Bazignan Diane Benoit du Rey Joachim Biehler Bufalino Benedetto Mireille Blanc Ana Bloom Charlie Boisson Nathalie Borowski Léonard Bourgois Beaulieu Gwenael Billaud Rémi UcléBruno Bressolin Diana Burns Antoine Carbone de Chiara Grégory Derenne Luc Doerflinger Hélène Duplantier Cornelia Eichhorn Yoann Estevenin Jean Charles Federico Gabriel Folli Julia Gault Olivier Garand Daniele Gibrat Laurence Annie Gossart Paul Gounon Guacolda Michel Guéranger Cécile Hug CharlotteJankowski Christine Jean Chloe Julien Lucie Le Bouder Sophie Lecomte Nicolas Leto et Clara Thomas Levy Lasne Maud Louvrier Florence Lucas Ferdinand Makouvia Kokou Oscar Malessène Rachel Marks Anahita Masoudi Clément Morin Quentin Naudeau Daniel Otero Torres Aurore Baptiste Rabichon Sandrine Rondard Christina Ruiz Guinazu Alice Schneider Nathalie Sizaret Lise Stoufflet Florian Sumi Isabelle Taourel Victoire Thierrée Anne Touquet Maxime Touratier Clarisse Tranchard Rémi Uchéda Marine WallonLecomte Nicolas Leto et Clara Djian Thomas Levy Lasne Maud Louvrier Florence Lucas Ferdinand Makouvia Kokou Oscar Malessène Rachel Marque Marks Anahita Masoudi Alexane Morin Quentin Naudeau Daniel Otero Torres Palette Aurore Guillaume Pelloux Laurent Pernot Tancré Nelson Pernot Nathalie Sizaret Lise Stoufflet Florian Sumi Isabelle Taourel Victoire Thierrée Anne Touquet Maxime Touratier Clarisse Tranchard Rémi Uchéda Marine WallonLecomte Nicolas Leto et Clara Djian Thomas Levy Maud Louvrier Florence Lucas Ferdinand Makouvia Kokou Oscar Malessène Rachel Marque Marks Anahita Masoudi Alexane Morin Quentin Naudeau Poirier Aurore Guillaume Pelloux Laurent Pernot Nathalie Sizaret Lise Stoufflet Florian Sumi Isabelle Taourel Victoire Thierrée Anne Touquet Maxime Touratier Clarisse Tranchard Rémi Uchéda Marine WallonAnahita Masoudi Alexane Morin Quentin Naudeau Daniel Otero Torres Aurore Pallet Guillaume Pelloux Laurent Pernot Tanc Nelson Pernisco Clémentine Poquet Baptiste Rabichon Sandrine RondardAnahita Masoudi Alexane Morin Quentin Naudeau Daniel Otero Torres Aurore Pallet Guillaume Pelloux Laurent Pernot Tanc Nelson Pernisco Clémentine Poquet Baptiste Rabichon Sandrine RondardStoufflet Florian Sumi Isabelle Taourel Victoire Thierrée Anne Touquet Maxime Touratier Clarisse Tranchard Rémi Uchéda Marine WallonStoufflet Florian Sumi Isabelle Taourel Victoire Thierrée Anne Touquet Maxime Touratier Clarisse Tranchard Rémi Uchéda Marine Wallon.

    Cette exposition est soutenue par Bla Bla Blog.

    La Petite Collection, Galerie Bertrand Grimont
    Du jeudi 13 au samedi 15 décembre, de 14 heures à 19 heures
    https://www.espace-co2.com

    © Christina Ruiz Guinazu

    Voir aussi : "Anna Uchiyama, notre muse"

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  • Anna Uchiyama, notre muse

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    Muse, modèle, égérie, inspiratrice, confidente, Anna Uchiyama est une japonaise contemporaine qui propose un autre regard sur la féminité, loin des stéréotypes de la "femme objet."

    Anna Uchiyama offre à l'objectif une conversation au temps présent. Elle est une présence unique et intemporelle. Elle incarne la femme multiple et a inspiré l'ensemble des artistes nourrissant cette nouvelle exposition, visible jusqu’au 1er décembre à la Galerie Rachel Hardouin (Paris 10e).

    Femme enfant, femme nostalgique, femme fatale, femme introvertie, femme en pleine possession de son corps. Femme incarnée, dans tous les sens du terme, Anna stimule la vision créative. Une authentique muse.

    Cette exposition est une performance en soi : elle regroupe 25 artistes d'origine allemande, française, japonaise, norvégienne ou vietnamienne. Chacun y exprime son écriture, offrant à partager son univers.

    L'exposition Anna Uchiyama interroge sur notre héritage et nos liens à l'histoire de l'art érotique. Elle confronte la vision créative des artistes occidentaux et celle des artistes asiatiques.

    Le traitement noir et blanc entre en conversation avec l'art de l'estampe. Le désir explicite se mêle
    à la pudeur des sentiments.

    Cette exposition est soutenue par Bla Bla Blog.

    Anna Uchiyama
    Du 6 novembre au 1er décembre 2018
    Galerie Rachel Hardouin
    15, rue Martel, Bat.1 #4
    75010 Paris
    http://www.15martel.com

    Voir aussi : "Quand on arrive en ville"

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  • La naissance de la belle Rafaëla

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    Dans la postface de Tamara de Lempicka, la bande dessinée de Virginie Greinier et Daphné Collignon, Dimitri Joannidès rappelle qu’après une période flamboyante durant les années folles, Tamara de Lempicka a été oubliée du monde de l’art. Trop figurative ? Trop bourgeoise ? Pas suffisamment révolutionnaire ? Suspecte d’avoir été une vraie star dans le milieu parisien de l’entre-deux guerres ?

    C’est du reste cette période qui intéresse Virginie Greinier, au scénario, et Daphné Collignon, au dessin. Sans didactisme, avec une admiration certaine, et sans rien cacher des failles de la peintre, Virginie Greinier raconte l’année 1927 qui a vu la naissance de l’un des plus grands nus du XXe siècle, La Belle Rafaëla.

    La BD suit les pérégrinations de Tamara de Lempicka dans le Paris qui était la capitale mondiale des arts, celle d’André Gide, de Jean Cocteau ou de Picasso. Femme artiste dans une société toujours bridée, Tamara de Lempicka revendique farouchement sa liberté, y compris dans sa situation de femme mariée et mère d'une petite fille. Lorsqu’elle apprend à Gide qu’elle recherche un modèle pour son prochain tableau, ce dernier lui propose de lui présenter des femmes de ses connaissances. La peintre accepte de l’accompagner, mais aucune ne la convainc.

    Au dessin, Daphné Collignon nous propose des planches aux couleurs sépias qui sont chacune d’authentiques créations graphiques, renvoyant le lecteur dans les années folles. Voilà une entrée en matière passionnante et intelligente pour entre dans l’œuvre d’une artiste prodigieuse qui n’a été redécouverte qu’après sa mort, à partir des années 80.

    Il sera de nouveau question de Tamara de Lempicka dans quelques semaines, dans le cadre cette fois de notre hors-série sur Tatiana de Rosnay.

    Virginie Greinier et Daphné Collignon, Tamara de Lempicka
    postface de Dimitri Joannidès, éd. Glénat, 2018, 56 p.
    https://www.daphnecollignon.com