Cet album propose une plongée dans un univers musical singulier ! Quand je dis "univers", je parle aussi de cosmos, en référence à Primordial Cosmos, la première œuvre qui ouvre l’album Saga Trilogy (b.records) consacré au compositeur contemporain américain Joseph Swensen. Il est en plus aux manettes de l’Orchestre National Bordeaux Aquitaine. 

L’ambition de Joseph Swensen sonne immédiatement aux oreilles dans Primordial Cosmos, en deux mouvements, Lento Mesto et Molto agitato. Le compositeur américain, à la baguette pour cet enregistrement, a écrit une musique d’un autre monde, partant d’un magma originel, chaotique, faisant grincer et pleurer les cordes. Joseph Swensen fait de Primordial Cosmos la première partie d’une saga qui le dépasse même, comme il l’avoue dans le livret de présentation.

Dans le mouvement Lento Mesto, l’auditeur ou l’auditrice aura l’impression de voir surgir des particulaires cosmiques primaires au cœur du néant, à la fois inquiétant et fondamental, jusqu’à la formation d’un début d’ordre. Les cordes se structurent peu à peu en nappes. Du chaos naît quelque chose, tout aussi primaire. C’est l’objet du second mouvement Molto Agitato et Andante Sostenuto, plus mystérieux, plus métaphysique aussi. À ce sujet, le compositeur américain avoue l’influence d’Olivier Messiaen, en particulier son Quatuor pour la fin du temps. La facture de Primordial Cosmos devient plus harmonique, pour ne pas dire néoromantique. On ferme les yeux et on se laisse porter par ce souffle délicat, porteur de vie. 

La nature a horreur du vide

L’enregistrement se poursuit avec le bien nommé Saga, une pièce pour violoncelle, orchestre et accordéon. Violoncelle avec Jonathan Swensen, fils du compositeur et chef d’orchestre dont la naissance a inspiré l’écriture de cette œuvre. Citons aussi la présence de Bruno Maurice à l’accordéon. Il est rare de voir cet instrument mis à l’honneur dans le répertoire classique et contemporain. Jonathan Swensen domine avec aplomb la partie Méditation, toute en intériorité et  en gravité. La musique des sphères devient un mouvement finalement très humain, dans ce bourdonnement cosmique dont les spécialistes de l’espace parlent, non sans émotion. Joseph Swensen nous apprend que ce son primaire, bien réel et dû aux interactions entre trous noirs, a une hauteur spécifique, un si bémol "très, très grave".

La nature a horreur du vide, dit-on. Or, cet espace, ici, est enrichi de constructions sonores tout à fait envoûtantes (Méditation) et passionnantes, à l’instar du Scherzo en forme de Passacaille. Il s’agit là du mouvement sans doute le plus audacieux de Saga, mêlant chaos, rythmiques primaires et percussions joueuses pour parler de la vie s’ébrouant maladroitement. Qui dit Passacaille dit Bach. Or, c’est Bach que l’on trouve derrière l’Aria "After Bach". Le compositeur propose un troisième mouvement réconciliant répertoire classique et création contemporaine. Cela donne une partie somptueuse de langueur, de mélancolie et de méditation, avec ces infimes variations, jusqu’à une dernière section dominée par l’accordéon singulier de Bruno Maurice, au service d’un bouillonnement vital.

La pièce Song Of Infinity, pour clarinette, chœur et orchestre, vient clore ce programme de l’Orchestre National Bordeaux Aquitaine. Joseph Swensen l’a sous-titré "My name is Infinity. As yours will one day be!", que l’on pourrait traduire par : "Mon nom est Infinité. Le vôtre le sera un jour". Le premier mouvement Andante est dominé par un solo de clarinette méditatif, bientôt rejoint par l’orchestre. L’auditeur ou l’auditrice se laissera prendre par la main dans une partie symphonique et même néoromantique, jusqu’à l’arrivée en fanfare de chœurs, dans un beau tohu-bohu. Une arrivée qui marque le début du dernier mouvement Choral, placé sous le signe et l’influence d’Olivier Messiaen. Songs Of Infinity est écrit et interprété comme une œuvre lumineuse et même métaphysique. La clarinette de Stéphane Batut dialogue avec l’orchestre et le chœur, dans un long chant méditatif, comme une prière vers l’au-delà. Et c’est lorsque les voix résonnent que la présence de Messiaen devient la plus évidente. Un vrai voyage cosmique... Pardon, une vraie saga cosmique !   

Joseph Swensen, Saga Trilogy, Orchestre National Bordeaux Aquitaine dirigé par Joseph Swensen,  b•records, 2025
https://www.b-records.fr/disques/saga-trilogy
https://www.josephswensen.com
https://www.opera-bordeaux.com

Voir aussi : "Pom, pom, pom, pom"
"Parveen Savart : ‘Une modestie bouleversante’"
"Très grand Bacri"

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Même sans être familier de Brahms, l’écoute de son Thème et Vériations, op. 18b paraît immédiatement familier. Au piano, Sandra Chamoux va à l’essentiel : lignes mélodiques simples mais prenantes et surtout le romantisme chevillé au clavier. Oui, cette œuvre qui ouvre cet enregistrement Indésens résonnera fatalement chez l’auditeur et l’auditrice. Sandra Chamoux rappelle d’ailleurs dans le livret que "le mot Resonare veut dire Résonner, et le mot Sonarae : Jouer…"

Le fameux thème de Brahms est issu de son premier Sextuor à cordes que Clara Schumann, dont il était amoureux, aimait. À sa demande, Brahms écrivit pour son anniversaire une transcription pour piano solo du mouvement lent du sextuor. On est d’accord pour dire, avec Sandra Chamoux, que cet opus 18b est peu connu. C’est fâcheux et cela rend d’autant plus précieux sa présence dans l’album Résonare proposé par la pianiste française. Que l’on pense à la dernière variation, la septième, écrite comme une marche funèbre.  

Autres variations, celles de Félix Mendelssohn dont on ne dira jamais assez que la mort de ce génie à l’âge de 38 ans a laissé un vide immense, tant il a brillé par son influence sur le XIXe siècle. Voilà une autre preuve avec ses Variations sérieuses en ré mineur op. 54. Après un thème Andante, dix-sept variations , suivies par un Presto finale, viennent montrer toute la maîtrise de Mendelssohn. À l’instar de Bach – dont la Chaconne, présent d’ailleurs dans l’enregistrement de Sandra Chamoux, l’inspire – le compositeur allemand déploie sa virtuosité – canons, ballades, chorals, mouvements lents, vifs, très vifs, agités ou au contraire comme suspendus. On parle de virtuosité dans la composition. Il en faut aussi chez Sandra Chamoux pour proposer ces courtes variations (de moins de vingt secondes à un peu plus d’une minute) sans ciller, en variant les effets et en ne laissant pas la technique jouée sur l’émotion.         

"Variations corelliennes"

Serge Rachmaninov est présent dans ce programme grâce à ses Variations sur un thème de Corelli, op. 42. On reconnaîtra ce thème ancien, populaire en Italie depuis la fin du XVe siècle. Il s’agit au départ d’une danse appelée Folia qui va ensuite devenir un thème musical apprécié chez les compositeurs. En 1700, Corelli l’utilise pour sa Sonate pour violon et basse continue. En 1931, Serge Rachmaninov est exilé en France depuis la Révolution russe. Il compose 20 variations sur ce thème, une œuvre qui sera à la fois la seule écrite dans notre pays et la seule pièce pour piano seul. Ces "variations corelliennes" ont une place particulière dans son répertoire. Rachmaninov propose, comme il en a peu l’habitude, une œuvre dépouillée, sombre, pour ne pas dire aride. C’est l’âme d’un Russe banni de son pays, d’un exilé s’apprêtant à quitter le continent européen et qui ne reverra plus son pays. Voilà vingt variations poignantes que Sandra Chamoux dévoile avec dans toute sa nudité.  

Nous parlions de la Chaconne de Bach. Elle est présente dans sa version de Busoni. Modernisée, dépouillée, bouleversante. Sandra Chamoux déploie les près de seize minutes de cette œuvre spectaculaire. La Chaconne a été écrite entre 1717 et 1720 par un Bach au sommet de son art. Elle entre dans la deuxième Partita pour violon. La Chaconne, qui termine la pièce, impressionne tant les compositeurs que des variations sont écrites. Brahms s’y attelle notamment. Pourtant, c’est la variation d’un musicien bien moins connu, Ferruccio Busoni (1866-1924) qui vient donner une ampleur inédite à la création originelle. Bach était déjà éternel. Busoni lui apporte en plus une modernité incontestable.  

Sandra Chamoux, Résonare, Indésens Calliope, 2025
https://www.sandrachamoux.com
https://www.instagram.com/sandrachamoux
https://www.facebook.com/profile.php?id=100042048775710
https://indesenscalliope.com

Voir aussi : "Un inconnu nommé Dupont"

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Le nom de Confluence illustre la rencontre entre deux instruments, au service des six sonates en trio de Bach, des œuvres pour orgue transcrites ici pour la flûte et le clavecin. Et là, vous me demanderez : Pourquoi le terme de "trio" pour des pièces pour orgue "seul" ? Tout simplement parce que les voix désignent le jeu de la main droite, le jeu de la main gauche et celui du pédalier. Bach avait fait de ces compositions des créations à vocation autant artistique que pédagogique – pour orgue, donc. On imagine le défi mais aussi l’intérêt de proposer une version pour deux instruments, en l’occurrence la flûte de l’exceptionnelle Sooyun Kim et le clavier du non moins formidable claveciniste Kenneth Weiss.

Dans la première Sonate BWV 525 en mi bémol majeur, l’Allegro vif, mené tambour battant et où la virtuosité ne prend jamais le pas sur une forme d’insouciance ni sur le clavecin plein d’allant de Kenneth Weiss. Voilà un beau duo que celui-là. Le lumineux, gracieux et long Adagio (plus de 7 minutes) fait figure de prière. Nous parlions de virtuosité. Il en est question dans le scintillant troisième et dernière mouvement Allegro de cette première sonate mené tambour battant, avec le lustre qui sied bien au Kantor de Leipzig.  

La flûtiste d’origine coréenne, internationalement reconnue, s’affirme plus que jamais dans un instrument moins souvent à l’honneur que le piano, le violon ou le violoncelle. Elle fait des étincelles dans des répertoires aussi exigeants que ceux de Bach – que l’on pense au Vivace de la 2e Sonate BWV 526 ou à l’Allegro, mené avec des nerfs d’acier. On aime cette force de tranquille de Sooyun Kim. 

La flûtiste d’origine coréenne s’affirme plus que jamais dans un instrument moins souvent à l’honneur que le piano, le violon ou le violoncelle

C’est par un Andante que commence la 3e Sonate en ré mineur BWV 527, mouvement d’ouverture lent, ce qui n'est pas si fréquent que cela. Sooyun Kim l'aborde avec concentration et mesure. Une 2e partie, lente elle aussi (Adagio e dolce), lui succède. Quel était l’esprit de Bach au moment de l’écriture de cet opus ? En tout cas, Sooyun Kim et Kenneth Weiss proposent une version comme en lévitation, avant un brillant Vivace, rond et chaleureux.

La patte du compositeur allemand est reconnaissable dès la première note : la virtuosité, les couleurs, les densités font merveille et brillent de mille feux, à l’instar de l’Adagio-vivace de la Sonate n°4 BWV 528 en mi mineur. Une sonate qui séduit tout autant par son Andante d’une profonde mélancolie. On est dans une facture classique, à laquelle vient répondre une courte danse Un poco allegro – quoique, pas si "poco" que cela…

Le feu d’artifice survient avec le majestueux Allegro de la Sonate n°5 en do majeur BWV 529. Bach propose un premier mouvement d’une haute technicité. Défi relevé bruyamment par la flûte de Sooyun Kim et le clavier de Kenneth Weiss. On est presque surpris par la nudité du Largo. Il y a du lyrisme dans cette partie, paradoxalement d’une profonde mélancolie. La flûtiste s’attaque à l’Allegro avec une belle hardiesse pour un mouvement technique, mélodique et très rythmé.

L’enregistrement se termine avec la sixième Sonate en trio en sol majeur, BWV 530. Le 6 est le chiffre fétiche de Bach, comme le rappelle le livret de l’album, si l’on pense à ses 6 Concertos brandebourgeois, ses 6 Partitas pour violon et ses 6 Suites françaises, anglaises et italiennes. Comme pour autres sonates, la virtuosité, la couleur et le rythme sont mis à l’honneur (Vivace). Ce qui n’empêche pas le Kantor baroque de Leipzig de s’affirmer comme le premier et sans doute le plus grand des classiques (Lento). Sooyun Kim domine son sujet avec élégance et une facilité déconcertante, prouvant qu’elle reste une déesse de la flûte. Le duo qu’elle forme avec Kenneth Weiss termine avec brillance sur un Allegro enjoué.

Saluons enfin la très belle prise de son, équilibrant parfaitement les sons de la flûte et celle du clavecin, dans un programme de transcriptions qui risque de faire date pour ces Sonates en trio, conçues au départ - rappelons-le - pour orgue seul.   

Jean-Sébastien Bach, Confuence, Six Trio Sonatas,
Sooyun Kim (flûte) et Kenneth Weiss (clavecin), Musica Solis, 2025
https://www.musicasolis.com/confluence
https://www.sooyunkim.com
https://www.instagram.com/sooyunkimflute
https://www.kennethweiss.info/fr

Voir aussi : "Une route de la soie"
"Bach total"
"Majeur !"

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Enregistré à Dijon, cette Passion selon s. Jean de Jean-Sébastien Bach, mis en scène par la chorégraphe Sasha Waltz, entrera sans aucun doute dans les annales. Arte propose en replay cette incroyable vision jusqu’en juin prochain. Choc visuel et sonore garanti, pour public averti cependant.

L’oratorio de Bach, conçu comme un ballet contemporain osé, intelligent et faisant la part belle au symbolisme, commence par cette incroyable scène de 11 danseurs et danseuses nues cousant leur propre vêtement – leur linceul, avons-nous envie de préciser – dans un silence monacal, si l’on excepte celui des machines à coudre.

Et ce n’est que le début d’un spectacle total où la danse, les jeux exigeants des artistes et la mise en scène inventive et audacieuse de Sasha Waltz ne font que servir une œuvre à la fois profane et sacrée – elle s’appuie sur les Évangiles mais n’était pas destinée au culte. À la direction musicale, Leonardo García Alarcón et son orchestre sont parties prenantes, dans tous les sens du terme, de cette version vitaminée de la Passion de Jean. Que l’on  pense au "Von den Stricken meiner Sünden", interprété par un formidable Benno Schachtner ou à la lumineuse interprétation du "Ich folge dir gleichfalls" par Sophie Junker. 

Des idées de mise en scène qui feront date

Œuvre baroque, il fallait bien un spectacle baroque pour donner à ce chef d’œuvre créé en 1724 une nouvelle lecture. Sasha Waltz avait déjà proposé sa mise en scène à Liepzig, à l’occasion des 300 ans de cet opus intemporel.

Il est évident que beaucoup hurleront au choix artistique d’un décor dénudé et d’acteurs et actrices qui ne le sont souvent pas moins. Que l’on adhère ou non, on ne pourra qu’applaudir aux idées de mise en scène qui feront date : la fameuse scène des machines à coudre (Ouverture), les bâtons symbolisant des instruments de supplice ("Christus, der uns selig macht"), les cadres figurant les croix ("Betrachte, meine Seel, mit ängstlichem Vergnügen")  et en général les performances des danseurs et danseuses lorsque les corps s’unissent, s’affrontent, se rejettent et emplissent l’espace. Le but de la chorégraphe ? Proposer une lecture moins sacrée qu’humaine. Le personnage de Jésus prend une figure symbolique et interchangeable, tantôt homme, tantôt femme – voire couple enlacé (le "Mein teurer Heiland, laß dich fragen" dans l’Acte IV). Sasha Waltz a volontairement choisi de faire de cette Passion une œuvre de notre époque, n’éludant pas un discours féministe, tout en parlant de souffrance, de sacrifice, de liberté et d’écrasement du faible par la force brutale – ici, politico-religieuse.

Véritable coup de maître, ce spectacle mérite d’être vu et revu pour saisir tous les détails de la mise en scène, comme pour apprécier la maîtrise des danseurs et danseuses. Rien n’est laissé au hasard dans ce chef d’œuvre de création contemporaine pour servir la musique indémodable de Jean-Sébastien Bach. Du grand art total, assurément.  

Jean-Sébastien Bach, La Passion selon saint Jean, par Sasha Waltz,
Arte, 132 mn, Arte, 2024, Arte, jusqu’en juin 2026
avec Sasha Waltz (Mise en scène et chorégraphie), Cappella Mediterranea dirigé par Leonardo García Alarcón, chœur de la Chambre de Namur, Opéra de Dijon
https://www.arte.tv/fr/videos/119415-000-A/la-passion-selon-saint-jean-de-bach-par-sasha-waltz
https://www.sashawaltz.de

Voir aussi : "Pierre Boulez, le maître au marteau et à la baguette"

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Ce qui frappe d’emblée dans l’envoûtant album Anthropology c'est la voix de Lucia Micarelli. Be My Husband, qui ouvre son nouvel opus, est une reprise d’un standard jazz de Nina Simone, adaptation lui-même d’un chant traditionnel afro-américain, Rosie. Pour cette fois, l’artiste étasunienne abandonne son instrument fétiche, le violon, pour préférer une interprétation dépouillée voix-percussions. Audacieux et bouleversant.

Elle se saisit plus loin de l’archer pour un air traditionnel roumain, Rustem, dans lequel la violoniste part dans une danse endiablée, offrant du même coup un aperçu de sa virtuosité. On sera captivé d’une autre manière par son interprétation incroyable d’une mélodie du compositeur élisabéthain Thomas Tallis (1505-1585). Sacrée découverte que ce Third Mode Melody ! On pourrait dire la même chose du traditionnel Very Day I’m Gone, chant de départ, chant de deuil et chant de l’exil bouleversant, interprété par une Lucia Micarelli, comme habitée : "Oh, the very day I′m gone / You will know what train I'm on / You will hear the whistle blow 100 miles / Hear the whistle blow 100 miles". Sans doute l’un de mes meilleurs titres de l’album.

Après un passage par le jazz, tout en rythme et en sonorités du sud américain (1B d’Edgar Meyer) puis par la folk avec une reprise pudique de Both Sides Now de Joni Mitchell, c’est du côté du classique que l’on retrouve la musicienne et chanteuse. Place, en l’occurrence, à un monument de Jean-Sébastien Bach, l’Adagio de sa première Sonate pour violon en sol mineur BWV 1001. Vous me direz qu’il s’agit là d’un morceau incontournable, certes difficile et demandant une grande dextérité. Voilà qui illustre en tout cas à la fois la virtuosité et l’ouverture d’une musicienne s’attaquant à tous les registres de ses cordes – vocales… et celles de son violon, bien entendu.

Un incroyable album pluriel qui rend Lucia Minarelli si attachante et si unique

Lucas Micarelli ne pouvait pas ne pas explorer le répertoire contemporain. C’est chose faite avec le Duo pour violon et violoncelle (partie III) de Zoltán Kodály (1882-1967). N’oublions pas non plus sa version des Red Violin Caprices de John Corigliano, thème et variations composés pour le film Le violon rouge, film oscarisé en 1999 et tombé hélas dans un relatif oubli – si l’on excepte toutefois justement sa BO, devenue un classique.

Parlons aussi de ces deux autres airs traditionnels que sont Black is the Color of My True Love’s Hair, une ballade écossaise bien qu’elle ait été aussi utilisée de l’autre côté de l’Atlantique dans les Chansons folkloriques anglaises des Appalaches du Sud de Cecil Sharp. L’album se termine avec le délicat Careless Love qui avait été immortalisé le siècle dernier par Madeleine Peyroux. L’artiste américaine s’empare de cette "ballade du XIXe siècle et de standard du Dixieland". Voilà qui achève de faire d’Anthropology un incroyable album pluriel, fascinant et qui rend Lucia Minarelli si attachante et si unique. On adore !

Lucia Micarelli, Anthropology, Vital Records, 2025
https://www.luciamicarelli.com
https://www.facebook.com/luciamicarelli
https://www.instagram.com/theloosh
https://www.youtube.com/@LuciaMicarelliOfficial

Voir aussi : "Altiera : ‘L’amour existe peut-être ailleurs, dans un autre univers, une autre dimension’"
"Pas de pépin pour Julien Desprez"

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Pour des œuvres aussi enregistrées que les Concertos pour clavier de Bach – ici, pour piano – le spécialiste sera en droit de préférer telle ou telle version. Trop lent, trop nerveux, trop ceci, trop cela. Mais laissons ces querelles de chapelle aux gardiens du temple et intéressons-nous à l’une des plus brillantes pianistes actuelles.

Beatrice Rana s’est beaucoup aventurée sur des terres romantiques, que ce soit Chopin (un album sur ses Études et ses Scherzi que nous avions présenté sur ce site), Beethoven, Clara et Robert Schumann (avec Yannick Nézet-Séguin), sans oublier ce magnifique programme russe avec Prokofiev et Tchaïkovski que Bla Bla Blog avait également chroniqué (son premier opus qui a consacré son immense talent).

Et maintenant, Bach !

Naturellement, Bach. Beatrice Rana avait enregistré il y a quelques années les Variations Goldberg. La voilà de retour chez Bach avec sa vision des Concertos pour clavier n°1, 2, 3 et 5. Œuvres majeures du répertoire classique, ces concertos, que chaque interprétation semble ressortir de l’ombre, sont comme la potion d’Obélix : une fois tombés dedans, on n’a qu’une envie, y replonger.  

Beatrice Rana mérite au moins une médaille pour sa version, avec l’Amsterdam Sinfonietta et Candida Thompson comme premier violon. Elle propose ici les Concertos BWV 1052, BWV 1053, BWV 1054 et BWV 1056. Gageons que la suite de ces œuvres pour clavier devrait bientôt suivre. Bach avait en avait composé 12. Il ne nous reste finalement que 8, le dernier restant en plus inachevé. quant aux 4 derniers, ils ont hélas disparu. 

Archi-douée, techniquement irréprochable, intelligente et magnétique

Mais ne boudons pas notre plaisir avec ce Bach made in Rana. La pianiste italienne donne à voir le compositeur allemand sous un jour moderne, impétueux mais où l’urgence laisse place à ces moments de lumières bouleversants, à l’instar du dernier tiers du premier mouvement du premier mouvement du Concerto n°1. Bach est souvent considéré, à tort, comme un compositeur intello. Beatrice Rana prouve qu’il reste surtout un mélodiste sans doute inégalé (l’irrésistible 1er mouvement du 3e Concerto ou encore le 1er du Concerto n°5). Né dans une période baroque, qu’il assume (La première et la troisième partie du Concerto n°2), il semble annoncer le classicisme et même, avec cinquante ans d’avance, la période romantique (2e mouvement du Concerto n°2 et du n°5).

Les dons virtuoses de Beatrice Rana font merveille, que ce soit dans les Concertos n°1 ou n°3, grâce à l’orchestre de l’Amsterdam Sinfonietta dont la symbiose devient évidente si l’on regarde la vidéo Youtube proposée par Warner.

Les chafouins et chafouines regretteront peut-être le tempo rapide du dernier mouvement du Concerto n°5. Admettons. Mais ce choix artistique n’enlève absolument rien – loin de là ! – à l’importance musicale de ces premiers Concertos de Bach par Beatrice Rana. Archi-douée, techniquement irréprochable, intelligente et magnétique. Bref, une merveille à découvrir absolument !        

Jean-Sébastien Bach : Concertos pour piano, Beatrice Rana (piano), Amsterdam Sinfonietta, 2025
https://www.beatriceranapiano.com
https://www.facebook.com/BeatriceRanaPiano
https://www.warnerclassics.com/fr/release/bach-keyboard-concertos-1

Voir aussi : "Une Italienne parle aux Russes"
"Quel tempérament !"

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Véritable œuvre phare dans l’histoire de la musique occidentale, Le Clavier bien tempéré de Jean-Sébastien Bach est souvent joué au piano. Le premier interprète qui vient en tête est sans doute Glenn Gould. Or, c’est d’abord pour le clavecin que les deux livres du Clavier bien tempéré a été composé entre les années 1720 et 1740.

Écouter la version pour clavecin et clavicorde de Vincent Bernhardt est à la fois un retour aux sources et une matière à interrogation. Comment interpréter et écouter avec des oreilles neuves ces préludes et fugues ? Un troisième instrument, le pianoforte, complète la panoplie de l’interprète.

5 ans après la sortie du Livre I, voici la deuxième et dernière partie du Clavier bien tempéré par Vincent Bernhardt, musicien et musicologue reconnu. Autant dire que sa vision de l’œuvre de Bach a été longuement réfléchie. Ici, pas d’orgue, un de ses instruments fétiches, encore moins de piano, mais le choix porté sur trois instruments de l’époque de Bach : un clavecin à 2 jeux (contre 16 pour le premier livre), un clavicorde de 1787 et un pianoforte de 1726 sur lequel Bach lui-même aurait pu jouer à son époque.

Trois instruments donc. Voilà qui complique la tâche mais qui offre aussi une variété de sons pour ses 48 préludes et fugues dont certaines sont devenues de véritables tubes classiques (Prélude BWV 871, Fugue BWV 884). Vincent Bernhardt cherche à s’approcher au plus prêt de la vérité historique et musicologique d’une œuvre archi-jouée en dépit de ses nombreux pièges et difficultés.

Trois instruments donc. Voilà qui complique la tâche

Instrument rare, le clavicorde est d’autant plus intéressant dans ce répertoire exigeant. Vincent Bernhard montre ce qu’il a dans le ventre dans la Prélude BWV 871 ou dans celui nommé BWV 875.

Varier les instruments – clavecin, pianoforte et clavicorde – c’est expérimenter de manière nouvelle une écoute, ne serait-ce que parce que les sonorités de ces instruments diffèrent. Ainsi doit-on presque tendre l’oreille lorsque retentissement les premières notes au clavicorde du Prélude BWV 873. Le pianoforte succède à la fugue de cet opus.

Vincent Bernhardt, musicien et musicologue reconnu, redonne à ce Livre II du Clavier bien tempéré son statut d’œuvre à la fois technique et artistique. Cette fois, et Bach en aurait été lui même surpris, c’est l’instrument qui est interrogé. On connaissait la manière dont le piano a su transcender cet ensemble d’opus emblématiques. Voilà que Vincent Bernhardt se joue de l’auditeur avec une sorte de malice. Que l’on pense à la fugue bouleversante BWV 877 ou le délicat Prélude BWV 879 dans le premier CD. Il nous propose par là-même  un vrai et beau voyage dans le Siècle des Lumières. 

Jean-Sébastien Bach, Le clavier bien tempéré, Livre II, Vincent Bernhardt (clavecin),
Indésens Calliope Records, 2024
https://vincentbernhardt.org
https://indesenscalliope.com
https://www.bs-artist.com/pages/communication

Voir aussi : "Majeur !"
"Torelli sorti de l’oubli"
"Anaëlle Tourret : « Il me tient toujours à cœur de proposer des horizons nouveaux »"

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Les Suites anglaises de Bach font partie des chefs d’œuvre archi-enregistrés mais, comme on le dit, on revient toujours à Bach, tant chaque écoute apporte son lot de surprises supplémentaires. Pour cet album d'Accentus consacré aux Suites anglaises, c’est la discrète, anti-star et formidable pianiste chinoise Zhu Xiao-Mei qui se colle à l’exercice.

Mais au fait, en quoi ces Suites sont-elles anglaises ? L’explication est floue et matière à interprétation. Elles ne sont certes pas plus anglaises que ces deux autres suites pour clavier sont françaises ou italiennes… Disons juste que, vraisemblablement, le compositeur allemand s’est inspiré de suites composées vers 1701 par le musicien français installé à Londres, Charles Dieupart (source : Wikipédia https://fr.wikipedia.org/wiki/Suites_anglaises). Zhu Xiao-Mei elle-même s’interroge sur la date de conception de ces suites, écrites sans doute assez tôt dans la carrière du Cantor de Leipzig.

La virtuosité et la technicité frappent dès les premières notes, celles précisément de la Suite n°3. Oui, la troisième Suite, car la pianiste n’a pas choisi l’ordre le numérotation pour son coffret. Le premier disque commence par la n°3, avant d’enchaîner sur la première puis la deuxième. Le deuxième CD opte, lui, pour les Suites n°5, 4 puis 6.

Au clavier, se trouve l’exceptionnelle pianiste Zhu Xiao-Mei qui, après des années de souffrance en Chine, s’est installée depuis les années 80 en France où sa notoriété d’est allée qu'en grandissant. Elle est familière de l’œuvre de Bach dont elle a jouée l’essentiel – même si le concept d’intégral lui est "étrangère", comme elle le dit dans le livret de ce coffret proposé par Acentus. Après plusieurs déconvenues, dont l’une due à la pandémie du Covid, l’enregistrement a été fait en juin 2022 à la Chapelle de Saint-Antoine de Névache dans les Hautes-Alpes.

Et si Jean-Sébastien Bach était plus mélodiste qu’on ne veuille bien le dire ?

Les Suites anglaises de Bach (BWV  806 à 811) suivent grosso modo la même disposition : Prélude, Allemande, Courante, Sarabande, Gigue, avec parfois d'autres mouvements de danses traditionnelles – Menuet, Passepied, Gavotte et Bourrée. De là vient sans doute l’irrésistible attraction de ces suites.

Et si Jean-Sébastien Bach était plus mélodiste qu’on ne veuille bien le dire, à l’image du Prélude de la Suite n°3 ? L’image d’un Bach "cérébral" – bien présent par exemple dans le long et passionnant Prélude de la Suite n°2 ou encore le Prélude de la Suite n°4 – est à relativiser à l’écoute de cet hypnotisant coffret, y compris lorsqu’il s’agit de mouvements aussi populaires pour l’époque que la gavotte (Gavotte I de la Suite n°3, Courante, Gigue de la Suite n°2 ou la Gigue de la n°4). L’auditeur sera frappé par la délicatesse que met Zhu Xiao-Mei dans l’interprétation de l’Allemande ou de l’envoûtante Sarabande dans la Suite n°1.

L’auditeur retrouvera avec plaisir ce "tube" qu’est la Sarabande de la deuxième Suite, à la construction harmonique incroyable et qui vient attester les propos de Zhu Xiao-Mei sur le génie mélodique qu’était Bach. On pense aussi au Prélude de la Suite n°5 dont Zhu Xiao-Mei s’empare avec autorité. La retenue de l’interprète dans la Sarabande de la même Suite est bouleversante. Les notes se détachent avec délicatesse et une pudeur infinie. Bach surprend, y compris là où on ne l’attend pas. Pour s’en convaincre, il faut écouter les Gavottes I et II de la sixième Suite. On devine le plaisir de la pianiste dans ces deux mouvements faussement légers et réellement piégeux. Terminons par cette dernière Suite et sa Gigue endiablée et incroyablement moderne.

Voilà qui finit de nous convaincre que, comme le dit Zhu Xiao-Mei, ces Suites anglaises ne sont pas des œuvres "comme les autres".

J.S. Bach, The English Suites, Zhu Xiao-Mei, piano, Accentus Music, 2024
https://accentus.com/discs/428
https://www.zhuxiaomei.com

Voir aussi : "La Bohême, la Bohême"

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