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Cinéma

  • La Lutte des Classes, le pitch

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    Le tournage de La Lutte des Classes, un projet que Bla Bla Blog continue de suivre, aura lieu les 1er, 2, 3 et 4 novembre à Ingré, près d'Orléans. La Lutte des Classes est un court-métrage produit par l’association Éclectique. Le film nous plonge dans le quotidien d’un établissement scolaire.

    Dans un lycée de la région d’Orléans, un conseil de discipline se réunit. Les adultes et les représentants d’élèves sont chargés de statuer sur le cas de Sixtine, accusée d’avoir frappé et conduit à l’hôpital Charlotte, une autre élève. Au cours de la réunion, l’altercation entre les lycéennes prend une autre dimension lorsque Diane, une professeure, prend la défense de la jeune accusée. Le débat s’enflamme au cours du conseil de discipline. Que va-t-on faire de Sixtine ?

    La Lutte des Classes, un film de Nora Méthivier, scénario de Bruno Chiron
    avec Jennifer Dìas, Alicia Gonzalez, Flavie Kazmierczak, Jonas Latour,
    Mikael Buxton, Aurélie Serrano, Mejgan Bayani,
    Sam Sam, Sylvie Mouillat et Nicolas Lefebvre

    https://eclectiquecontact.wixsite.com/eclectique

  • La Lutte des classes va bientôt commencer

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    Bla Bla Blog vous tient au courant du projet La Lutte des Classes, un court-métrage en préparation dont le bloggeur est pleinement participant.

    Sous le nom de code des "Yeux du Rêve," du nom du concours qui avait été organisé par l’association Éclectique, le tournage se prépare.

    Sa préparation est passée par deux étapes cruciales : trouver le lieu de tournage pour un film se passant essentiellement dans une école et mettre en place un casting, assez étoffé pour un court-métrage, puisque pas moins de onze comédiens interviendront, en plus des figurants.

    Je vous parlerai très bientôt un peu plus précisément de ces actrices et acteurs qui viendront donner vie à Sixtine, Diane ou Souleymane.

    https://eclectiquecontact.wixsite.com/eclectique/cinema

    Voir aussi : "La lutte continue"
    "Les yeux du rêve"
    "Les yeux du Rêve : à l'origine, un concours"

  • Rose McGowan, prix Nobel de la Paix

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    Non, cette chronique n’est pas une anticipation sur le futur Prix Nobel de la Paix ! Alors que quelques élus de la prestigieuse académie norvégiennes évoquent sans rire le nom de Donald Trump pour cette future récompense en raison de ses actions dans la péninsule coréenne, une autre personnalité mériterait sans aucun doute de figurer parmi les lauréats : Rose McGowan.

    L’actrice américaine (Scream, Le Dahlia noir ou la série Charmed), en dénonçant Harvey Weinstein pour agressions sexuelles, a provoqué cette révolution féministe qu’est #MeToo et #Balancetonporc.

    Depuis, celle qui dit avoir toujours su qu’elle aurait un destin exceptionnel, a abandonné Hollywood qu’elle considère comme une secte (et Rose McGowan s’y connaît, elle qui a grandi dans la secte des Enfants de Dieu avant de s’en sortir) et vit aujourd’hui à Londres. Ruinée, ayant abandonné toute idée de revenir au cinéma comme comédienne, elle continue son combat et a été élue "homme de l’année" par le magazine "masculin" GQ, tout en se préparant au procès du siècle contre Harvey Weinstein.

    Le magazine Society du mois de septembre propose une interview exceptionnelle de Rose McGowan (mais aussi, dans le même numéro, du procureur Cyrus Vance Jr. et de Benjamin Brafman, respectivement procureur et avocat dans ce procès).

    Rose McGowan, "homme de l’année" par le magazine "masculinGQ

    Il faut absolument lire cet entretien réalisé par Hélène Coutard et Lucas Minisini pour découvrir une femme à la combativité intacte, et soumise à des pressions considérables pour la faire taire : "Si je voulais, je pourrais faire cramer Hollywood," dit-elle, consciente aussi que son combat qu’elle mène maintenant en Europe ("Je [m’y] sens beaucoup mieux") est devenu un mouvement de fond planétaire en faveur de la cause des femmes. Celle qui s’est lancée dans la réalisation depuis quatre ans (plusieurs courts-métrages, dont Heresy, sorti en 2016) considère que l’élection de Donald Trump – qui a été aussi le triomphe de la misogynie – a rendu possible le déclenchement de #MeToo.

    La pugnacité de Rose McGowan dans cette affaire Weinstein et son combat dans un mouvement féministe révolutionnaire nous fait dire que l’Académie Nobel serait bien inspirée de lui décerner un Prix Nobel de la Paix. Ce serait aussi la plus belle des réponses de l’académie norvégienne après des accusations de scandales sexuelles au sein de la vénérable institution. Rose McGowan, Prix Nobel de la Paix 2019 : voilà une récompense qui ferait date. Ce serait aussi d'une très grande classe.

    "Si je voulais, je pourrais faire cramer Hollywood", in Society septembre 2018
    https://www.society-magazine.fr

    Voir aussi : "Modiano : l'anti-Le Clézio"

  • Le commerce des vivants

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    Grand roman sur la guerre, cinglante satire sociale et portraits croisés d’anti-héros flamboyants, Au revoir Là-haut a réussi le tour de force de réconcilier grand public, critiques et milieu littéraire, qui ne s’est pas trompé en lui décernant le Prix Goncourt.

    Nous étions en 2013 à la sortie du livre de Pierre Lemaitre et les commémorations du centenaire de la Grande Guerre n’avaient pas commencé. Quatre ans plus tard, à quelques mois de la célébration du centenaire de l’armistice du 11 novembre, il n’est pas trop tard pour lire ou relire Au revoir Là-haut, d’autant plus que l’adaptation de et avec Albert Dupontel nous rappelle la force d’une histoire aussi simple que géniale.

    Le 2 novembre 2018, à quelques jours de la fin des hostilités, le capitaine Henri d’Aulnay-Pradelle, un être "à la fois terriblement civilisé et foncièrement brutal," lance une charge aussi inutile que dangereuse contre les tranchées allemandes, moins pour son utilité tactique que pour sa gloriole personnelle. Parmi les victimes de l’attaque figurent Albert Maillard, un brave gars gentil, "de tempérament légèrement lymphatique," enterré vivant dans un trou d’obus avant d’en sortit miraculé, et surtout Édouard Péricourt qui deviendra une gueule cassée après avoir perdu la moitié de son visage. Une fois revenus parmi les vivants, le mutilé convainc Maillard de ne pas dévoiler son infirmité à sa sœur Madeleine et surtout à son père, l’homme d’affaire et millionnaire Marcel Péricourt. Aux yeux de tous, il doit figurer parmi les morts du conflit et tomber dans l’anonymat.

    La guerre terminée, plus rien n’est comme avant. Fort de sa carrière d’officier, Henri d’Aulnay-Pradelle s’est enrichi grâce à l’appel d’offres de l’État sur les inhumations des poilus et les immenses cimetières. Il s’est également marié avec Madeleine Péricourt, ce qui ne m’empêche pas de la tromper sans vergogne. Pour Albert et Édouard, l’avenir est plus sombre : ils vivent dans une modeste pension, sans croire au lendemain. Alors qu’Albert traficote pour récupérer des fioles de morphine destinées à son ami, celui-ci s’évertue à cacher son visage défiguré à l’aide de masques aussi fantasmagoriques les uns que les autres. Un jour, Édouard dévoile à son ami un projet d’escroquerie qui doit les tirer d’affaire. Il met à profit ses talents de dessinateur pour mettre au point une supercherie sur le dos des morts de la Grande Guerre. Et contre toute attente, ce projet, aussi amoral et improbable soit-il, fonctionne au-delà de toutes les espérances.

    Ces fameux masques, dadaïstes et surréalistes...

    Pierre Lemaitre a écrit un roman brillant, facétieux et tragique. C’est en transportant le lecteur au tout début des années folles qu’il se fait le pourfendeur de toutes les guerres et tous les nationalismes. À y regarder de près, il n’y avait qu’Albert Dupontel pour rendre sur écran toute la verve de l’auteur et en faire une fresque grinçante et sombre. L’auteur de 9 Mois ferme a pris à bras le corps le pavé de 620 pages de Pierre Lemaitre, a resserré l’intrigue avec justesse sans trahir l’auteur – qui a d’ailleurs participé au scénario – et a enrichi l’histoire de cette escroquerie et de ces anciens soldats perdus de la Grande Guerre.

    Qui d’autres que Dupontel pouvait interpréter le soldat Maillard, cet homme frustre, naïf mais courageux ? Laurent Lafitte, lui, excelle dans le rôle de cette fripouille qu’est Henri d’Aulnay-Pradelle. Quant à Nahuel Pérez-Biscayart, il campe un Édouard Péricourt brisé, muet mais capable de comportements audacieux. Gueule cassée condamnée à vivre en marge de son époque, et désireux de se couper de son père (Niels Arestrup), il devient paradoxalement la représentation vivante des années folles, cachant son visage cabossé et ses illusions tout autant détruites derrière des masques.

    Parlons justement de ces fameux masques, dadaïstes et surréalistes... Cécile Kretschmar est la créatrice de ces accessoires à l’importance considérable. "Édouard ne les portait jamais deux fois, le nouveau chassait l’ancien qui était alors accroché avec ses congénères, sur les murs de l’appartement, comme des trophées de chasse ou la présentation de déguisements dans un magasin de travestis."

    Citons enfin le personnage de Louise (la magnétique et toute jeune actrice Heloïse Balster) : celle qui devient la voix, les oreilles et l’assistante aux masques du fils Péricourt est intelligemment utilisée dans le film, jusqu’à devenir une protagoniste pleinement utilisée dans cette histoire de commerce des vivants sur les morts.

    Roman proche de la perfection, Au revoir Là-haut – dont le titre est un hommage à la dernière phrase de Jean Blanchard, fusillé le 4 décembre 1914 – est aussi l’exemple d’une adaptation réussie à montrer dans toutes les écoles de cinéma. Un grand livre et un grand film. À voir et à lire, ou inversement.

    Pierre Lemaitre, Au Revoir Là-haut, éd. Albin Michel, 2013, 620 p.
    Au Revoir Là-haut, d’Albert Dupontel, avec Albert Dupontel, Laurent Lafitte, Nahuel Pérez Biscayart, Niels Arestrup, Émilie Dequenne, Mélanie Thierry et Heloïse Balster,
    2017, 115 mn

    Voir aussi : "Aussies au front"

  • Sortie en 4K Ultra HD de Voyage au Bout de l’Enfer

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    L’illustration en couverture de cette chronique parlera à beaucoup de personnes d’entre vous. Elle reprend en dessin une scène culte du film non moins légendaire de Michael Cimino, Voyage au Bout de l’Enfer, datant de 1979. Après une ressorti en salle cette semaine, il sera disponible le 21 août 2018 dans une version restaurée en 4K Ultra HD.

    Lauréat de cinq Oscars® en 1979, dont celui de Meilleur film, Meilleur réalisateur et Meilleur acteur dans un second rôle pour Christopher Walken, Voyage au Bout de l’enfer est largement reconnu comme l’un des grands chefs-d’œuvre du cinéma et renferme quelques-unes des scènes les plus mémorables de l’histoire du 7e art.

    Lorsque Michael (Robert De Niro), Steven (John Savage) et Nick (Christopher Walken) sont capturés par les Viêt-Congs, ils sont forcés de jouer à la roulette russe par leurs cruels geôliers, qui parient sur leur survie.

    L’expérience de la captivité les marque physiquement et mentalement, et lorsque Michael retourne à Saïgon pour honorer la vieille promesse faite à un de ses amis, il fait une découverte aussi terrible qu’inattendue.

    À noter également les extraordinaires performances de Meryl Streep dans le rôle de la femme dont Michael et Nick tombent amoureux, et de John Cazale (Le Parrain, Un après-midi de chien) dans celui de Stan, leur ami fragile et instable.

    Les amoureux du cinéma se précipiteront sur le coffret édité par StudioCanal et Carlotta Films comprenant le film en 4K Ultra UD, le film en Blu-Ray, des suppléments en Blu-Ray avec des interviews du critique David Thomson, de Michael Cimino, de Mickey Rourke, du directeur de la photographie Vilmos Zsigmond et de John Savage, sans oublier un choix de scènes coupées. Le coffret sera complété de la bande originale du film en CD, d’un livret de 64 pages sur la genèse d’un des plus grands films de l’histoire du cinéma et du script original du film, The Man who came to play.

    Un vrai événement pour cinéphile sur un brillant plaidoyer contre les guerres.

    Michael Cimino, Voyage au Bout de l’Enfer, avec Robert De Niro,
    Christopher Walken, Meryl Streep et John Cazale
    En salle depuis le 25 juillet
    StudioCanal / Carlotta Films, en 4K Ultra HD, Blu-Ray, avec la BO en CD,
    3H04, 1979, réédition le 21 août 2018
    http://www.studiocanal.com

  • Marseille a fait son cinéma pour la 29ème fois

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    La vingt-neuvième édition du Festival International de Cinéma de Marseille (FID) s’est clôturée le 16 juillet dernier. C’est l’occasion de faire le point sur ce rendez-vous devenu incontournable – et pas seulement pour la seule cité phocéenne – et qui avait pour invitée d’honneur Isabelle Huppert. Cette année, 150 films, représentant pas moins de 37 pays sur 5 continents, étaient présentés.

    Le FID, est un festival aux prix nombreux (Grand Prix de la Compétition Internationale, Grand Prix de la Compétition Française, Prix Georges de Beauregard International, Prix Georges de Beauregard National, Prix Premier, Prix du Centre national des arts plastiques, Prix de la Fondation Culturelle Meta, Prix Institut Français de la Critique Internationale en ligne, Prix du Groupement National des Cinémas de Recherche, Prix Renaud Victor, Prix Marseille Espérance, Prix des Lycéens et Prix Air France du public) et s’essaimant aux quatre coins de la ville (le Mucem, la Villa Méditerranée, plusieurs cinémas de la ville, le Théâtre Silvain, la Frac Provence-Alpes-Côte d’Azur, les mairies des 1er et 7e arrondissements, la Chambre de Commerce et d’Industrie Marseille Provence et plusieurs des salles d’exposition). Un festival exigeant, ouvert et qui n’oublie pas sa vocation à être un moment de rencontres, d’échanges et de formations, via par exemple le programme FIDCampus, les masterclasses (Isabelle Huppert, bien sûr, mais aussi le cinéaste Wang Bing) ou le FID : Art.

    Arrêtons-nous sur deux récompenses de ce FID.

    Deux films récompensés par le Prix Institut français de la critique en ligne

    Le Prix Institut français de la critique en ligne a récompensé le film Porte sans Clef de Pascale Bodet. Une mention spéciale a été attribuée à Derrière nos Yeux de Anton Bialas. Pour la cinquième année consécutive, le Prix Institut français de la critique en ligne dote un film français de la Sélection Officielle des 3 compétitions du FID. Il a été décerné cette année, par un jury international de trois critiques de cinéma en ligne, Nanako Tsukidate, journaliste pour la revue japonaise Nobody Magazine, Frédéric Jaeger, critique et fondateur de la Woche der Kritik à Berlin et Giovanni Marchini Camia, critique et rédacteur fondateur de Fireflies.

    Les deux films primés ont été projetés en avant-première mondiale. 

    Porte sans Clef de Pascale Bodet (réalisatrice, actrice et critique de cinéma) pose le décor d’un appartement parisien, décor de notre temps et de fragments de vies, lieu de circulation de la parole : Une femme héberge quelques amis, mais ne leur confie pas les clefs de son appartement. Sa fenêtre donne sur un camp de migrants. Ses amis vont, viennent.
    Derrière nos yeux d’Anton Bialas, un premier film, fait se succéder les portraits de trois solitaires vivant à la marge, de l’âge adulte en passant par l’adolescence jusqu’à un état semi-enfantin ; un sans-abri performeur, un peintre rêveur et un jeune aveugle vivant dans la forêt.

    Le Festival International de Cinéma de Marseille est un espace et un moment de cinéma hors du commun. Moins bling-bling que son aîné à Cannes mais tout aussi exigeant, le FID entend être une pépinière de nouveaux talents et un lieu d’échanges et de dialogue entre cultures. La 30e édition en 2019 promet déjà.

    Festival International de Cinéma de Marseille, du 10 au 16 juillet 2018
    https://fidmarseille.org

  • À pleines dents

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    Question : quel film de Steven Speilberg, classé comme l’un des 100 meilleurs films de l’histoire du cinéma par l’American Film Institute, le réalisateur américain tenta-t-il de faire retirer, au motif qu’il ne le sentait pas digne d’y figurer ? E.T. l'extra-terrestre ? La Couleur pourpre ? La Liste de Schindler ? Vous n’y êtes pas. Le long-métrage mythique et adulé que Spielberg considère comme une œuvre traumatisante est Jaws, sorti en France sous le titre des Dents de la Mer au cœur de l’été 1975.

    François Grelet signe dans le magazine Première Classics un article solide et bien documenté ("Le jeune homme et la mer") sur ce film qui marqué l’histoire du cinéma, en même temps qu’il a inventé le concept du blockbuster. C’est peu de dire que l’auteur de la saga Indiana Jones n’assume toujours pas un film qui a définitivement lancé le jeune réalisateur sur une voie royale, après Duel (1971) puis le flop de Sugarland Express (1974) : "L’ex wonder-boy a continué malgré tout d’entretenir un rapport quasi traumatique à son premier succès comme s’il avait voulu le rayer de sa mémoire."

    Il est vrai que le tournage des Dents de la Mer a été en soi une aventure infernale, commencée dans les couloirs d’une maison de production, la Zanuck/Brown Company, tout juste auréolée du succès de L’Arnaque (avec Robert Redford et Paul Newman) et qui mise en 1974 sur un certain Steven Spielberg, mais dont la sortie de Sugerland Express n’a pas eu le succès escompté, loin s'en faut. Or, voilà qu’un roman atterrit dans les bureaux des producteurs : Jaws (Mâchoires) de Peter Benchley. Les droits ont été achetés mais le film s’avère "infaisable" (nous sommes à des lieues des effets spéciaux d’aujourd’hui).

    Pour Speilberg, ce challenge est excitant et bientôt le roman donne naissance à un premier scénario. La réécriture sera intensive, nous apprend François Grelet, avec plusieurs plumes s’acharnant à donner vie au requin tueur, malgré un roman qualifié de "sombre merde mal écrite" d’après Robert Shaw en personne, celui-là même qui endossera finalement le rôle de Quint, le chasseur de requins. Quelques noms étaient pressentis pour tenir le rôle du shérif Brody – Charlton Heston et Robert Duvall – mais c’est finalement Roy Scheider qui sera choisi.

    "Sombre merde mal écrite"

    Impossible de parler du tournage de Jaws sans s’arrêter sur le requin, qui sera l’un des personnages principaux de l’histoire. Comment montrer de la manière la plus réaliste la bête, alors que les effets numériques n’existent pas à l’époque ? Ramener un authentique squale de sept mètres dans les eaux américaines ? Filmer un animal depuis une cage minuscule avec un cascadeur de moins d’un mètre cinquante ? (sic) Spielberg choisit finalement les effets spéciaux et la construction d’un requin mécanique construit Bob Mattey, le concepteur du Nautilus pour le 20 000 Lieues sous les Mers de Richard Fleischer (1954). Un engin qui coûtera 600 000 dollars et qui ne fonctionnera qu’épisodiquement.

    François Grelet décrit un tournage cauchemardesque sur l’île de Martha’s Vineyard, au sud de Boston : entre les régates estivales qui gênent les prises de vue, les critiques de Richard Dreyfuss pour un réalisateur encore novice de 25 ans, un budget qui a triplé, un tournage interminable et surtout les dysfonctionnements à répétition de "Bruce", le surnom du capricieux requin.

    Jaws ne sera un film catastrophe que s’il ne rapporte pas d’argent, se lamente Spielberg au moment de la sortie du film. Sauf que les idées géniales du réalisateur, les astuces scénaristiques du film mais aussi la musique du film, avec  les deux notes de musique les plus terrifiantes de l'histoire du cinéma, vont faire des Dents de la Mer un triomphe hors du commun : 250 millions de dollars aux Etats-Unis et 450 millions dans le monde. Du jamais vu. Ce pur film de divertissement parviendra jusqu’aux Oscars, mais sans décrocher toutefois la récompense du meilleur film (attribué cette année-là à 1976 : Vol au-dessus d'un nid de coucou de Miloš Forman). Spielberg concourt la même année que Stanley Kubrick et son Barry Lyndon.

    Après avoir lu ce focus sur Jaws, il ne reste plus qu’à voir et revoir l’histoire de l’animal le plus célèbre de l’histoire du cinéma, mis en image par Spielberg et en musique par John Williams. Ta ta… Ta ta... Ta ta ta ta ta ta ta...

    François Grelet, "Le jeune homme et la mer", in Première Classics, juillet-septembre 2018
    Steven Spielbert, Les Dents de la Mer, avec Roy Scheider, Robert Shaw, Richard Dreyfuss, Lorraine Gary et Murray Hamilton, Universal Pictures France, 1975, 2004, DVD, 120 mn

    Voir aussi : "Les deux notes de musique les plus terrifiantes de l'histoire, au Grand Rex"

  • Beb des Soggy, le Sugar Man français

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    Soogy : ce groupe de rock né en 1978 et dissous en 1982 a miraculeusement refait surface grâce à un concours de circonstances exceptionnelles que nous raconte le documentaire Soggy, Un truc de dingue ! d’Olivier Hennegrave qui fut le batteur de cette formation musicale éphémère. Le film est diffusé en exclusivité sur Spicee le 13 juin 2018.

    Plus qu’un revival, c’est le destin exceptionnel de Beb, le chanteur des Soggy, qui intéresse le réalisateur, au point que l’expression de "Sugar Man" français n’est pas usurpé. Sugar Man fait référence au parcours de Sixto Díaz Rodríguez, musicien américain tombé dans l’oubli alors que son single Sugar Man devint culte en Afrique du Sud en plein Apartheid – et sans que lui-même le sache (une épopée racontée en 2012 dans Searching for Sugar Man de Malik Bendjelloul).

    Mais revenons à Beb, au centre du documentaire de son ami et ancien acolyte Olivier Hennegrave. À la fin des années 70, Soggy (en anglais, "atmosphère lourde avant l’orage") est un groupe de hard rock français parmi tant d’autres. Il se produit dans la région de Reims et est bien décidé à percer, grâce au charisme de son chanteur, une vraie personnalité ne se ménageant pas sur scène et qui a pris pour modèle Iggy Pop, avec cette devise éloquente : "On fout tout à fond et on se démerde."

    Les quatre membres du groupe (François Tailleurs à la basse, Eric Dars à la guitare, Olivier Hennegrave à la batterie et bien entendu Beb au chant) ont l’ambition de décrocher la timbale, et seront d’ailleurs à deux doigts de le faire puisque que, quelques semaines avant la dissolution en juillet 1982 de Soggy, ils devaient assurer la première partie de la tournée européenne de Judas Priest. Entre-temps, ils ont enregistré un 45 tours et deux titres, Waiting For The War et 47 Chromosomes, mais pas d’album. C’est la fin d’un groupe de la contre-culture rock qui aurait pu devenir le Stooges français.

    Jardinier aux espaces verts de la Ville de Reims

    Par la suite, toujours passionné de rock mais sans perspective musicale, Beb devient jardinier aux espaces verts de la Ville de Reims. Un homme normal dans un job alimentaire, à quelques semaines de la retraite, et surtout bien loin des frasques du milieu qu’il côtoyait. Nous apprenons qu’il a été marié, qu’il vit seul et qu’il s’astreint à une discipline de fer : abdominaux, lait de chèvre, pas d’alcool et pas de drogue pour conserver son corps "affûté et strié," lui donnant un physique à mi-chemin entre Iggy Pop et le professeur Emmett Brown de Retour vers le Futur.

    Une première résurrection a lieu en 2008 lorsque le label français Mémoire Neuve sort un vinyle avec les deux seuls titres enregistrés par les Soggy. Suit la publication sur YouTube du seul clip qu’ils ont enregistré en 1980 pour FR3 Champagne : Waiting For The War. En peu de temps, la vidéo devient virale. Un public de passionnés découvre un groupe français électrique et un chanteur survitaminé.

    Le groupe californien The Shrine part à la recherche de Beb et l’invite à un concert parisien. Il a lieu au Trabendo, le 15 novembre 2015, soit trois jours après les attentats du Bataclan. Voir l’ex-chanteur des Soggy, les cheveux blanchis mais l’énergie intacte, interpréter avec rage le titre devenu culte Waiting For The War prend évidemment tout son sens ("Depuis la guerre 14-18 mon père m’a toujours dit / Que chaque génération a sa guerre / A chaque seconde je tremble pour la mienne / En attendant la guerre").

    Sous la caméra d’Olivier Hennegrave, le rêve de jeunesse de Beb devient réalité trente-cinq ans plus tard. Les Shrine, dont les membres pourraient être ses fils voire ses petits-fils, invitent bientôt l’ex-Soggy a venir se produire en juin 2016 sur la scène du Hellfest de Clisson, avant une autre tournée à Las Vegas, cette fois, au festival Psycho, la plus grande manifestation pour les métalleux. Mais la barre n’est-elle pas trop haut pour un homme qui a raccroché le micro des décennies plus tôt ?

    Passionnant, drôle, émouvant : la caméra ne quitte pas cet homme simple, modeste et passionné, tout à coup transporté dans une autre dimension, ne croyant lui-même pas au destin que lui offrent ces Américains admiratifs et venus le chercher du côté de Reims. Beb s'illumine à caque seconde du documentaire, incrédule et heureux comme un enfant : "Je suis toujours en vie et je coupe des roses," comme le chantent les Shrine et Beb dans leur single Clipping The Roses.

    Preuve que l’aventure continue, Beb Soggy et The Shrine seront en concert le mercredi 13 juin 2018 au Badaboum.

    Olivier Hennegrave, Soggy, Un truc de dingue ! Documentaire français, 2018, 56:47,
    en exclusivité sur Spicee le 13 juin 2018 

    Beb Soggy et The Shrine, en concert au Badaboum (Paris), mercredi 13 juin 2018
    http://soggy.over-blog.fr

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  • Sur les pas d’Harry Potter, de Game of Thrones ou d’Outlander

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    La Grande-Bretagne et l’Irlande ont su tirer leur épingle du jeu grâce à la télévision et le cinéma. Le tournage des sagas que sont Harry Potter, Outlander, Game of Thrones ou Star Wars ont eu un effet indéniable collatéral sur le tourisme d’outre-manche. Certains professionnels ont réussi à surfer sur l’engouement des séries et des sagas à grand spectacle en proposant des voyages clé en main pour un public de fans bien destinés à marcher sur les traces d’Harry Potter, de Jon Stark ou des derniers Jedis.

    Prenez Brittany Ferries. La compagnie de ferries propose plusieurs formules pour des vacances originales et hors des sentiers battus : la visite des studios de la Warner près de Londres, là où ont été tournés la majorité des épisodes du petit sorcier de Poudlard ; un circuit en Écosse pour suivre les pas de Claire et Jaimie, les héros d’Outlander ; une excursion plus vraie que nature pour visiter le domaine des Winterfell, les Îles de Fer ou la Forêt Hantée de Game of Thrones ; et enfin un pèlerinage en Irlande pour découvrir le Wild Atlantic Way, cette longue route côtière qui longe la façade Atlantique, le lieu de tournage du dernier Star Wars.

    Et voilà comment les professionnels du tourisme arrivent à tirer profit du petit et du grand écran. 

    http://www.brittany-ferries.fr

  • Joueur 1, prêt, partez

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    Que les lecteurs de Bla Bla Blog m’excusent : l’écriture d’une chronique sur Ready Player One, le nouveau Speilberg, aurait nécessité un double, voire triple visionnage, démarche que le bloggeur avoue ne pas avoir faite. Il est vrai aussi que le dernier long-métrage de Spielberg, qui est aussi le premier film de SF qu’il a réalisé depuis La Guerre des Mondes (2005) vient de sortir dans les salles.

    Bien entendu, ce n’est pas l’histoire en elle-même qui nécessite une relecture et une analyse pointue. Elle est même d’une simplicité évangélique : en 2045, dans un futur rongé par la pollution, les conflits et la misère sociale, les habitants, fatalistes, se réfugient dans le jeu, en l’occurrence un monde idéal et virtuel, l’OASIS. Wade Owen Watts fait partie de ces drogués à ce jeu en ligne. Son avatar Parzival, navigue tel un super héros, à la recherche d’un trésor, l’easter egg, caché par le créateur de l’OASIS, James Halliday. Mais d’autres joueurs sont à la recherche de cet objet virtuel et surtout de sa récompense de 500 milliards de dollars, bien réelle celle-ci.

    Les amateurs de Spielberg boiront comme du petit lait ce pur divertissement, aux effets visuels bluffants. Mais ce sont les fans de pop culture qui se régaleront le plus devant un film aux références nombreuses : Akira, Le Géant de Fer ou Retour vers le Futur. Les nostalgiques auront également droit à un grand bain dans les années 80, avec une grande place accordée aux jeux vidéos de cette époque. Mais la séquence phare du film restera sans doute celle consacrée à Shining de Kubrick. Un Kubrick qui, au moment de son décès en 1999, travaillait sur le projet de film A.I. Intelligence artificielle, que réalisa finalement... Steven Spielberg.

    Inspiré du roman Player One d'Ernest Cline, Ready Player One peut autant se voir comme un objet ludique que comme un hommage d’un réalisateur culte au cinéma qu’il aime.

    Ready Player One, de Steven Spielberg, avec Tye Sheridan, Olivia Cooke, Ben Mendelsohn, T. J. Miller, Simon Pegg et Mark Rylance, USA, 2018, 140 mn

  • 2001 a 50 ans

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    2018 marque les 50 ans de mai 68. Mais cette année, le cinéma fête le cinquantenaire d’une autre révolution, cinématographique celle-là. C’est en effet le 2 avril 1968 qu’est sorti aux États-Unis 2001 : L’Odyssée de l’Espace de Stanley Kubrick. Rappelons que Bla Bla Blog avait consacré par le passé un hors-série sur ce cinéaste exceptionnel. Cette fois, nous ferons un focus sur ce film de science-fiction majeur à travers le passionnant essai de Roberto Lasagna (2001 : L’Odyssée de l’Espace, éd. Gremese), complet et richement illustré.

    Il y a cinquante ans tout pile, donc, sortait ce fameux 2001, film de SF spectaculaire autant que fable métaphysique sur la destinée humaine. Réflexion géniale, travail cinématographique à la perfection rarement égalée, coup de poing visuel et véritable révolution artistique, c’est peu de dire que Stanley Kubrick a réussi là un coup de maître qui fait que 2001 n’a jamais vieilli. Le réalisateur disait de ce film qu’il le considérait comme son plus réussi : "J’ai essayé de créer une expérience visuelle, qui contourne l’entendement et ses constructions verbales, pour pénétrer directement l’inconscient avec son contenu émotionnel et philosophique. J’ai voulu que le film soit une expérience intensément subjective qui atteigne le spectateur à un niveau profond de conscience, comme la musique."

    Roberto Lasagna spécialiste et critique cinématographique italien consacre tout un essai à 2001 : L’Odyssée de l’Espace. Il en explique la genèse, la fabrication, l’histoire et en fait une exégèse qui ravira les cinéphiles et spécialement les amoureux de Kubrick. L’auteur rappelle à quel point le huitième film du réalisateur américain a marqué à plus d’un titre. Pour la première fois, en effet, Stanley Kubrick entend, après le succès de Docteur Folamour, ne plus être dépendant des studios hollywoodiens. Il vit désormais en Angleterre et choisit les studios londoniens de la Metro-Goldwyn-Mayer qu’il transforme en véritable laboratoire pour créer un film de science-fiction qu’il veut d’un réalisme absolu.

    La plus ahurissante ellipse du cinéma

    Mais à ce réalisme du décor et des vaisseaux spatiaux vient répondre un discours scientifique pointu et pensé avec Arthur C. Clark (sa nouvelle écrite pour l’occasion, La Sentinelle). 2001 est aussi un manifeste au langage cinématographique époustouflant de créativité, cette "sémantique des images" dont parle Roberto Lasagna : le fameux monolithe noir, l’os devenu arme préhistorique se transformant en navette spatiale dans la plus ahurissante ellipse du cinéma, le personnage et supercalculateur HAL ou la dernière séquence psychédélique jusqu’à l’apparition du fœtus astral.

    Roberto Lasagna revient de manière très pertinente sur le contexte de la SF en 1968 : à ce titre, 2001 sera le premier véritable film de space-opera doté d’effets spéciaux réalistes : "Grâce à une rigueur scientifique nouvelle pour l’époque, Kubrick souhaitait prendre ses distances des space operas des années cinquante dont la crédibilité était proche de zéro. Afin d’éviter que les planètes et les vaisseaux spatiaux ne ressemblent à des maquettes à petite échelle, il fit fabriquer de grands modèles avec une précision méticuleuse, puis les filma avec une caméra Panavision 65mm qui permettait une très haute définition."

    Délaissant le langage des dialogues au profit de l’écriture visuelle ("46 minutes de dialogues sur les 139 de la durée totale du film"), Kubrick ne fait cependant pas de son 8e film une simple œuvre spectaculaire. L’émotion et l’éblouissement sont bien au cœur de son film. Mais ce qui le caractérise 2001 est une ambition philosophique et métaphysique : "La machine narrative – en réalité presque une non narration – n’est pas seulement belle à contempler : c’est une machine significative, où l’observateur, comme l’astronaute Bowman, sont invités à se poser des questions. Après tout, le cadrage de l’os qui se transforme en vaisseau spatial – le raccord le plus célèbre du film et peut-être de toute l’histoire du cinéma – exige un effort d’interprétation spécifique."

    Un trip sans LSD

    Arthur C. Clark et Stanley Kubrick interrogent l’intelligence humaine et artificielle, la persistance des instincts, le culte de la technologie, le destin de l’espèce humaine ou le concept de vérité et de révélation, comme le conceptualise brillamment Roberto Lasagna.

    Au-delà de la première séquence, "À l’aube de l’humanité," celle sur la lune ou celle de l’affrontement entre HAL et ses collègues astronautes humains, le spectateur qui découvre 2001 restera sans doute d’abord marqué par le dernier voyage de David Bowman vers Jupiter, "un trip sans LSD" comme le remarque malicieusement l’auteur et aussi, cinématographiquement parlant, "une union impensable entre cinéma expérimental et cinéma grand public…"

    C'est dans cette dernière partie du film, sans doute, que divergent le plus les interprétations : voyage dans le passé ou le futur ? Macrocosme ou microcosme ? Visions de Bowman ou de son double ? Réflexion phénoménologique sur la perception ? On peut saluer dans l’essai de Roberto Lasagna les références artistiques éclairant les intentions de Kubrick : Ivan le Terrible de Eisenstein, le Christ du Jugement dernier de Michel-Ange ou Ulysse de James Joyce : "Comme chaque chapitre du plus grand roman du XXe siècle est écrit dans un style particulier, le film de Kubrick semble être un voyage dans l’histoire du cinéma, qui commence par le muet (la partie préhistorique africaine), se poursuit par la comédie musicale (les vaisseaux dansant la valse de Strauss), et arrive au parlant (la partie faite de dialogues qui a pour protagoniste le scientifique Floyd), il revisite divers genres à la façon de la science fiction (le duel David/Hal n’est-il pas le passage biblique du défi David/Goliath ?) et se termine par un morceau lysergique de pur cinéma underground."

    Un argument supplémentaire pour voir et revoir 2001 : L’Odyssée de l’Espace, et le redécouvrir grâce au regard affûté et passionné de Roberto Lasagna.

    Roberto Lasagna, 2001 : L’Odyssée de l’Espace, éd. Gremese,
    coll. Les meilleurs films de notre vie, 96 p. avril 2018

    2001, L'Odyssée de l'Espace (2001 : A Space Odyssey) de Stanley Kubrick, avec Keir Dullea, Gary Lockwood et William Sylvester, Etats-Unis, 1968, 139 mn

    "Hors-série Kubrick"

  • Les bourreaux meurent aussi

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    Il était question il y a quelques semaines de l’assassinat d’Heydrich, un sujet traité avec maestria par Laurent Binet dans HHhH, avant deux films tournés et sortis à un an d’intervalle : Opération Anthropoid de Sean Ellis et HhhH de Cédric Jimenez.

    Les habitants de Montargis vont découvrir au cinéma, grâce à l’association d’art et d’essai Les Cramés de la Bobine, une autre version de cet acte de la Résistance tchèque avec un film plus ancien, Les Bourreaux meurent aussi, de Fritz Lang et datant de 1947. Cette fois, cette fiction s’intéresse à d’autres personnages, dans une version plus classique.

    En mai 1942, dans Prague occupée par les nazis. Heydrich, le bras droit de Himmler, est victirne d’un attentat qui lui coûte la vie. L’auteur du complot, le docteur Svoboda, se réfugie chez son ami, le professeur Novotny. Mais la Gestapo multiplie les rafles, menaçant de tuer des centaines de personnes si le coupable ne se dénonce pas. Le professeur Novotny tombe bientôt entre les mains de l’ennemi.
    Une curiosité, à ne pas manquer.

    Les Bourreaux meurent aussi , de Fritz Lang
    avec Brian Donlevy, Hans Heinrich von Twardowski et Walter Brennan,
    USA, 1947, 2h15

    Au cinéma l’Alticiné, proposé par Les Cramés de la Bobine,
    du 15 au 20 mars 2018 (débat le 15 mars à 20H30)

    "La bête doit mourir"

  • Trips new-yorkais sur les traces de Robert de Niro, Superman, Harry et Sally

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    40 millions de touristes ont choisi leur destination en 2012 parce qu’un tournage s’y était déroulé. Les lieux de fiction sont devenus des centres d’intérêt pour les voyageurs d’après l’Étude TCI - 2012 (Tourism Competitive Intelligence). 90 % des touristes d’Albuquerque au Nouveau Mexique sont venus suite à la série Breaking Bad, la Nouvelle-Zélande accueille 900 000 visiteurs supplémentaires par an depuis la sortie du Seigneur des anneaux en 2001, 50 photos du café parisien des Deux Moulins sont prises depuis la sortie du Fabuleux destin d’Amélie Poulain en 2001 et Dubrovnik-Neretva a reçu plus de 42 % de hausse de fréquentation touristique grâce à Game of Thrones. C’est dire l’importance du cinéma et de la télévision dans l’afflux touristique.

    Lancé par une start-up poitevine, Le Guide New York Fantrippers propose une expérience de voyage insolite et inédite avec plus de 1 000 lieux cultes de films, séries TV, musiques, BD et romans.

    New York n’est pas que limité à la Statue de la Liberté, à Broadway ou au quartier de Wall Street. Pour les amoureux du cinéma, la Grosse Pomme c’est aussi la caserne de Ghostbusters, le pont de Brooklyn dans Il était une fois en Amérique, le Katz’s Delicatessen de Quand Harry rencontre Sally, l’immeuble de Friends ou celui du Daily Planet de Superman, l'appartement de Carrie Bradshaw dans Sex and the City, la station de métro du mythique clip Bad de Michaël Jackson, sans oublier les lieux évoqués dans les romans de Francis Scott Fitzgerald, Paul Auster... ou Guillaume Musso.

    Le concept de Fantrippers a germé à New-York au printemps 2015. Nicolas Albert, journaliste, et Anthony Thibault, web et motion designer, passionnés de pop culture et de voyages, constatent qu’il n’existe aucune source compilant l’ensemble des lieux mentionnés dans les films, les séries, la musique, la bande dessinée ou les romans. Quelques mois plus tard, ils poursuivent leur réflexion sur la mythique Route 66 et créent leur start-up Fantrippers. Elle obtient le soutien de Créavienne, qui lui remet le Prix projet d’entreprise (mention internationale) en 2017, de Start’innov, de La French Tech et d'ADI-Nouvelle Aquitaine.

    Sur les pas des super-héros de Marvel

    Après une application Internet et mobile, la plateforme web collaborative Fantrippers.com, une newsletter, Dailytrippers, envoyée à 10.000 membres et une page Facebook likée par 9.500 fans, cette fois c’est sur papier que se décline Fantrippers qui a déjà dans ses bases de données plus de 10.000 lieux référencés dans le monde et plus de de 3.000 films et séries référencés. Nicolas Albert et Anthony Thibault précisent que ce guide sur New-York a nécessité deux ans de travail, plus de 15.000 cliches et 315 km parcourus sur place. Un sacré challenge au service des fans.

    Le Guide New York Fantrippers de Nicolas Albert et Régis Schneider propose de créer son propre circuit dans le New York afin de se déambuler dans quelques-uns des 1.000 lieux cultes du cinéma et de la télévision. Trois modes de consultation sont proposés par les lecteurs de Fantrippers : par quartier en visualisant immédiatement les bonnes adresses autour de soi, par thème (bars, restaurants, shopping, culture ou parcs) ou encore par œuvre (cinéma, séries TV, musiques, bandes, dessinées ou romans).

    Fantrippers proposera également des idées de visites guidées clés en main : une demi-journée exceptionnelle au cœur de grandes séries (Friends, Mad Men, Castle, Person of Interest ou Sex and The City), un trip 100% girly, avec trois heures d’immersion dans l’univers de Gossip Girls au cœur de l’Upper East Side et une visite à pied ou en ferry sur les pas des super-héros de Marvel.

    Qu’on se le dise : le guide le plus cool de New-York existe et il est français.

    Nicolas Albert et Régis Schneider, Le Guide New York Fantrippers,
    éd. Fantrippers, 384 p., 2018,

    édition anglophone disponible en juin 2018
    http://www.fantrippers.com
    Fantrippers sera au Salon du Tourisme du jeudi 15 au dimanche 18 mars 2018,
    Paris Expo Porte de Versailles, Pavillon 4, stand J-067)