Comment ne pas aimer Ravel ? Popularisé grâce au célébrissime Boléro, aimé des amateurs classiques et respecté pour sa grande modernité, Maurice Ravel avance toujours avec délicatesse et sans esbroufe.

Le Quintette Moraguès, avec Claire Désert au piano, propose chez Indésens un enregistrement de quelques-uns des chefs d’œuvre de Ravel (1875-1937) : Le Tombeau de Couperin, Pavane pour une infante défunte et Ma Mère L’Oye. Le Quintette pour piano et vents d’André Clapet (1878-1925), un de ses contemporains français, vient compléter l’album.

C’est Le tombeau de Couperin qui ouvre le bal. Un tombeau des plus somptueux et apaisant, contrairement à ce que ne le laisserait penser le titre. Il y a de la virtuosité dans ces arabesques musicales (Prélude) mais aussi de la couleur, ponctuées par le piano tout en finesse et en discrétion de Claire Désert. Ravel a mis trois ans, de 1914 à 1917, pour accoucher du Tombeau de Couperin. À l’époque, la première guerre mondiale éclate et Ravel s’engage en dépit de sa santé fragile. Il connaît Verdun, a de graves soucis de santé et est finalement démobilisé en 1917, année où il termine cette pièce d’une grâce et d’une insouciance singulières étant données les circonstances tragiques. Ravel choisit de l’ancrer dans le classicisme, avec cet hommage à François Couperin (1668-1733) – on pense au Menuet et au Rigoton – sans pour autant tourner le dos au modernisme.

Dans les premières années du XXe siècle, Stravinsky a secoué le milieu de la musique avec L'Oiseau de feu, Petrouchka et Le Sacre du printemps. Pas de provocation chez Ravel, dont on a pu railler parfois – et à tort ! – la modération, sinon la tiédeur. Or, c’est bien encore de modernisme dont il s’agit mais de modernisme assagi ! Que l’on s’en rende compte avec le Forlane, un rythme de tango pour cette danse italienne à deux temps, vive et animée, et que l’on a pu juger licencieuse au XVIIe siècle.     

C’est bien de modernisme dont il s’agit mais de modernisme assagi !

L’auditeur retrouvera avec plaisir l’autre joyau qu’est La Pavane pour une infante défunte. Ravel revient là aussi vers une danse ancienne, faussement simple et à la ligne mélodique incroyable qui a fait son succès. Cette pavane est restituée avec le Quintette Moraguès et Claire Désert dans toute sa mélancolie. Imparable.

Troisième œuvre majeure de Ravel, Ma Mère L’Oye met en musique quelques-uns des contes de Charles Perrault (La Belle au bois dormant, Le Petit Poucet), de Madame Leprince de Beaumont (La Belle et la Bête) et de Marie-Catherine d'Aulnoy (le personnage de Laideronnette dans Le Serpentin Vert). On est ici dans un univers onirique. Aussi envoûtante que les contes écrits, la suite de Ravel insuffle de la modernité tout en restant d’un beau classicisme, porté par un Quintette Moragès inspiré et une Claire Désert impeccable et semblant avoir toujours travaillé avec le prestigieux ensemble porté par Pascal Moraguès. On goûtera avec délice, toujours dans ces "contes musicaux", le mouvement du Jardin féerique, à la grande lenteur mélancolique, comme un dernier adieu.

Cet album Ravel se termine avec un compositeur et une pièce méconnus. André Caplet et Maurice Ravel se connaissaient d’autant plus que le premier gagna devant le second un prestigieux Prix de Rome, en 1901. La proximité artistique des deux artistes est évidente à l’écoute du Quintette pour piano et vent de Caplet. Nous sommes au cœur de cette musique française harmonique (Allegro con brio) et néoromantique (le bouleversant Adagio), lorgnant par ailleurs vers des rythmes et influences anciennes (Scherzo – Très vif), André Caplet reste pourtant dans son époque (le Final, allegro con fuoco), à l’instar de son homologue Maurice Ravel. Plus modernes qu’il n’y paraît.

Ravel et Clapet, Quintette Moraguès & Claire Désert, Indésens Calliope Records, 2025
https://indesenscalliope.com/boutique/ravel-et-caplet
https://www.quintettemoragues.com
https://www.clairedesert.com

Voir aussi : "Cécile Chaminade et ses amies"

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Dès les premières  notes d’Iris, la première piste de Mirages II, nous sommes bien au pays de l’électronique. JB Dunckel et Jonathan Fitoussi proposent avec leur nouvel opus Mirages II ce qui se fait de meilleur dans un style puisant loin ses sources, du côté de l’électro des années 70 et 80. Les lignes mélodiques et le rythme séduisent rapidement – le fameux Iris, donc. 

Les inventions sonores laissent deviner le travail qu’il leur a fallu pour concocter un opus imparable, à la fois mélodieux, intelligent et envoûtant (le mystérieux Ghost Town).

Dans Marimbalum, on devine que les deux compères ont lorgné du côté du courant répétitif contemporain (à commencer par Philip Glass et Steve Reich) pour bâtir un titre à la fois actuel, dépaysant et hyper-moderne. Et entêtant.

Cette étrange sensation de dépaysement à l’écoute de Mirages II, avec ces sons comme venus d’un autre lieu ou d’une autre époque, celle précisément des seventies, lorsqu’un petit monde musical découvrait les possibilités infinies des machines (Karakoum). 

Dépaysant et hyper-moderne

Au fur et à mesure que l’opus déploie ses vagues synthétiques, on reste en apesanteur, surpris et carrément séduits par JB Dunckel et Jonathan Fitoussi, se permettant autant des digressions vers le pop-rock – mais toujours en instrumental (Spark) ou vers une forme de minimalisme, ce qui n’est pas le plus aisé (Atlantica).

L’auditeur se laissera transporté par ces séquences ne s’étirant pourtant pas démesurément en longueur – un seul titre, Marimbalum, dépasse les 7 minutes. JB Dunckel et son acolyte Jonathan Fitoussi utilisent l’électronique à bon escient, sans jamais accumuler des couches de sons (Tanzanite). La rythmique est tout aussi bien pensée. L’album se termine sur le subjuguant Automnal Equinox, le point final d’un joli voyage. Sacrée découverte.

JB Dunckel & Jonathan Fitoussi, Mirages II, Prototyp Recording / Transversales Disques, 2025
https://www.facebook.com/JBDunckelMusic
https://www.instagram.com/jbdunckel
https://www.facebook.com/jonathan.fitoussi.composer
https://www.instagram.com/jonathanfitoussi

Voir aussi : "Sônge d’une nuit d’électro"
"On est sérieux quand on n’a pas 17 ans"

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Partons aux origines du rock avec le bien nommé Origins du bluesman lyonnais Léo Benmass. Direction donc les States. Mettons sous couvert les idées qui fâchent avec un pays décidément bien insaisissable – restons poli – en ce moment.

Voilà un premier album qui s’assume tel qu’il est, en déclinant le rock sur toutes ses coutures : rock indé, blues rock, pop et même rockabilly. Après un début prometteur – roulements de guitare, voix rocailleuse de Léo Benmas (Origins) – place au rockabilly, assumé et sans fausses notes (le séduisant Let Me Love You Baby).

Le rock sur toutes ses coutures

Impossible de parler de Léo Benmass sans citer les deux musiciens qui l’accompagnent, Arnaud Liatard à la batterie et Martin "Blues" Cortel à la basse, car c’est en trio que se produit le guitariste et chanteur. Les trois proposent ainsi une version décomplexée du Voodoo Child de Jimi Hendrix, avant une reprise, elle aussi séduisante, du désormais classique Riders on the Storm des Doors. Revisite oui mais dans la même facture que la bande à Jim Morrisson.

Pour See My Troubles, nous voilà dans le sud américain, chaud, poussiéreux et douloureux. Ambiance blues pour ce morceaux roulant comme une mécanique bien huilée. On se laissera encore plus séduire par la jolie ballade In The Deep Of My Soul au pop-rock très nineties. Un morceau capable de faire tomber n’importe qui. Après le séduisant et formidable Excuse Me, c’est du côté de Woodstock que se termine le voyage de Léo Benmass. Une fin de voyage psychédélique et rock. Cela va sans dire.

Léo Benmass, Origins, Rock'n'Hall / Dixiefrog, 2025
https://leobenmass-music.com
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Voir aussi : "Des amis, de la poussière, du diesel et du rock"

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On trouvera dans ce Chamber Music proposé par Indésens un aperçu passionnant de cette musique de chambre qui va si bien au style français des premières années du XXe siècle. Car s’il est bien un compositeur-phare de cette période, c’est bien Maurice Ravel (1875-1937) dont nous avions déjà parlé ici il y a quelques jours. Ajoutons d’ailleurs que la pianiste Claire Désert est de retour, après un enregistrement du Quintette Moraguès dans un programme Ravel et Clapet.

Mais n’allons pas si vite en besogne et intéressons-nous au Quatuor Jaochim qui nous fait découvrir les vagues néo-romantiques du Quatuor à cordes en fa majeur que Ravel a composé entre 1902 et 1903 et qui fit de lui, presque du jour au lendemain, "un des Maîtres de demain" . Il s’agit de la première œuvre de musique de chambre du compositeur français. Le Quatuor M.35 est dédié à Gabriel Fauré. On y devine d’ailleurs ce mélange de pudeur et de mélancolie (Assez vif). Pour autant, le jeune Maurice Ravel – il a 28  ans – marche sur les pas de l’impressionniste musical qu’est Debussy (le premier mouvement Allegro moderato). Dans le troisième mouvement en particulier (Très lent), le romantisme du XIXe siècle se retrouve revivifié grâce au modernisme de Maurice Ravel, particulièrement audacieux, à l’instar du final Vif et afité, mélange de classicisme et de fougue expressionniste. Une merveille en son temps comme un chef d’œuvre "souriant" et que le Quatuor Joachim restitue avec panache et allant.

Tatiana Samouil au violon et David Lively au piano s’attaquent à la Sonate pour piano et violon n°2 en sol majeur. On avait commencé avec la première pièce de musique de chambre ; voici la dernière. Nous sommes en 1927. Ravel est dans les dernières années de sa vie. Il a abandonné le romantisme pour une facture plus moderne, revivifiée par les recherches musicales du début du XXe siècle (Allegro) et d’autres génies tels que Béla Bartók. Il faut saluer la performance de Tatiana Samouil et David Lively dans l’interprétation de cette pièce exigeante et allant à l’essentiel. Ravel se fait audacieux et pleinement dans son époque dans le deuxième mouvement Blues Moderato. Il s’ouvre au jazz américain, prouvant qu’on peut être un compositeur classique, aristocratique dans sa prestance et ouvert au monde. La sonate se termine par le final Perpeteum mobile, diabolique mouvement dont s’empare avec virtuosité le violon de Tatiana Samouil.

C’est Claire Désert qui vient clore en beauté cet album Ravel

La pièce Tzigane de Ravel prouve à prouve à elle seule la palette de couleurs et de rythmes de Ravel. Cette danse a été dédiée en 1924 à la violoniste Jelly d’Aranyi. Une nouvelle fois, c’est Tatiana Samouil qui l’interprète. Il faut saluer son talent, tant la pièce virtuose regorge de difficultés techniques. Tzigane audacieux mais aussi envoûtant et plein de vie, comme une ode à la vie et à une culture forte et attrayante.  

Régis Pasquier au violon et Jean-Claude Pennetier au piano proposent le mouvement Allegro moderato de la Sonate posthume pour violon et piano M.12. Contrairement à ce que le titre ne le laisserait entendre, cette pièce a été écrite assez tôt dans la vie du compositeur, en 1897, jouée par Georges Enesco et accompagnée par le jeune Maurice Ravel lors de sa création. Elle n’a été découverte que très tardivement, en 1975, donc bien après la mort du compositeur. On peut être séduit par cet unique mouvement néo-romantique très influencé par Gabriel Fauré : fluidité, retenues et un certain lyrisme. Pas de modernisme ici ni de jeux de rythmes mais un certain respect… académique.

C’est Claire Désert qui vient clore en beauté cet album Ravel grâce au magnétique Adagio assai du Concerto en sol majeur pour piano. Écrit au crépuscule de la vie du compositeur, de 1929 à 1931, c’est l’avant-dernière œuvre de Maurice Ravel, qu’il a dédiée à la pianiste Marguerite Long. C’est aussi l’une des plus connues. On est là dans un style néo-classique. Claire Désert fait honneur à ce mouvement plein de lyrisme, de sobriété, de pudeur et d’élégance. Cette pièce majeure vaut à elle seule que l’on se précipité sur ce superbe enregistrement Ravel.

Ravel, Chamber music, Indésens Calliope Records, 2025
https://indesenscalliope.com/boutique/ravel
https://www.clairedesert.com
https://quatuorjoachim.com

Voir aussi : "Qui n’aime pas Ravel ?"
"Bouquets de Fauré"

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L’orchestre Les Forces Majeures propose un drôle de projet mêlant musique et sport, et en particulier classique et cyclisme. "Accordez vos vélos !", en piste du 9 mai au 8 juin 2025, propose une tournée suivant les traces du mythique Paris-Roubaix, avec 30 villes étapes, 40 concerts et 450 km parcourus… à vélo. Robin Ducancel, une des Forces Majeures, a bien voulu répondre à nos questions pour parler de ce projet singulier 

Bla Bla Blog – Bonjour. Les Forces Majeures est un singulier projet mêlant musique et sport. Pouvez-vous nous en dire plus ? Et d’abord, qui en a eu l’idée ?
Robin Ducancel – L’Idée est née de ma rencontre avec Raphael Merlin, chef d’orchestre et fondateur de l’orchestre, cycliste au quotidien. Je suis producteur musical et passionné de vélo. En 2020 Raphaël me propose de reprendre en main l’orchestre. J’ai alors envie d’imaginer des tournées des territoires sur le temps long, qui relient les théâtres aux villages, en autonomie, à vélo ! L’idée est encore embryonnaire avant l’arrivée du Covid. Passée la sidération de ne plus pouvoir jouer de musique en salle, c’est étrange mais la pandémie nous libère; dans un contexte exceptionnel on sent que c’est le moment d’être audacieux, on crée donc ensemble "Accordez vos vélos !" Retrouver le chemin des concerts, du dehors, une manière simple d’aller vers les gens, les habitants, les rencontrer chez eux, à vélo, dans un cadre qu’ils connaissent et qui n’est pas forcément associé à la musique, jouer dans leur quotidien, dehors ou dedans, souvent gratuitement, plusieurs fois par jour, à l’école, à l’Ehpad, à l’école de musique, dans des gymnases, en bord de rivière, tout est possible dès lors que la rencontre a lieu, sans prérequis musicaux ! 
2025, année héroïque ! J’avais envie d’un projet qui traverse les Hauts de France, défis hors norme, la plus longue tournée qu’ils aient organisé, 1 mois, 450km, 40 concerts, un enfer du Nord ?

BBB – 30 villes étapes, 40 concerts et 450 km parcourus à vélo ! C’est un peu Jacques Anquetil dans la peau de Yehudi Menuhin. Ou plutôt de Pogacar dans celle de Anne-Sophie Mutter… pardon, de Pierre Fouchenneret. L’idée n’est-elle pas de prouver que le musicien classique n’est pas le meilleur ennemi du sportif ? 
RD – C’est ce qui est épatant avec les membres de cet orchestre. Ils sont à la fois d’excellents musiciens, des camarades qui s’épaulent pendant 4 semaines de tournée, des cyclistes capables de parcourir entre 20km et 70km par jour en plus des concerts et de grands curieux qui aiment aller vers les nombreuses personnes qu’ils rencontrent chaque jour. Il semblerait que pédaler avant de jouer leur fait le plus grand bien, leur permet de respirer, d’être inspirés, de créer des liens humains forts entre eux dont on perçoit les effet sur scène.

"Comblés et infiniment reconnaissants que tout ces moments aient pu exister"

BBB – Ce projet a débuté le 8 mai dernier. Quel bilan pouvez-vous en faire ?
RD – Je peux déjà dire que si la tournée s’arrêtait maintenant nous serions à la fois comblés et infiniment reconnaissants que tout ces moments aient pu exister… On travaille pendant pratiquement deux ans pour faire exister un tel projet, on en vient à oublier pourquoi on le fait, ça parait abstrait, et puis à la première note jouée, aux premiers enfants qui chantent pour vous accueillir dans leur école, on frissonne et on se souvient que c’est pour cela que l’on se donne tout ce mal, que c’est la vie, que c’est essentiel, existentiel, qu’il ne faut surtout pas arrêter de se réunir, de s’émouvoir ensemble, de se connecter à quelque chose qui nous dépasse, qui remet parfois tout en perspective, vous fait oublier vos soucis, attise votre curiosité et votre appétit pour la découverte. C’est un beau cadeau que l’on se fait ! J’aimerais partager tant d’anecdotes, de rencontres qui m’ont émues !

BBB – Après avoir suivi la trace du mythique Paris-Roubaix, n’avez-vous pas comme projet de suivre une autre classique, voire un Tour ? 
RD – Les idées de parcours ne manquent pas ! Si ça ne tenait qu’à moi j’aimerais à la fois que l’on sillonne de nouvelles régions, que l’on fasse un grand Tour de France mais aussi l’on réédite les tournées déjà accomplies, telles de vraies classiques cycliques ! Ce sont parfois des sollicitations que viennent les idées de parcours. Avis aux collectivités territoriales, festivals, associations et théâtres, contactez-nous, parlez-en à vos voisins, préparez un budget ou des pistes de financements et parlons-en ! 

BBB – Merci à vous et bon courage – sans produit interdit, s’il vous plaît !

"Accordez vos vélos !", Orchestre Les Forces Majeures 
Du 9 mai au 8 juin 2025
https://www.forcesmajeures.fr

Voir aussi : "Ophélie Gaillard : "« Un amour peut-être encore plus fort ! »"

Crédit photographique : © DR

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L’actualité musicale se passe aussi dans les fosses d’orchestre.

Les finales de la deuxième édition du Concours International de Direction d'orchestre de Rotterdam (ICCR) se dérouleront du 1er au 13 juin prochain.

La demi-finale a eu lieu l'année dernière, et au terme de celle-ci, six lauréats ont été sélectionnés parmi 24 candidats pour participer au programme de développement de carrière de l'ICCR : Luis Castillo-Briceño (Costa Rica), Yukuang Jin (Chine), Jakub Przybycień (Pologne), Rodrigo Sámano Albarrán (Mexique), Miguel Sepúlveda (Portugal) et Sam Weller (Australie). Pour ce concours observé de près par les amoureux et les spécialistes de la musique classique, 175 candidatures venues de plus de 50 pays.  

Pendant deux semaines, les finalistes participeront à cinq épreuves : "Classique", "Contemporain", "Proms", "Opéra" et "Symphonique".

175 candidatures venues de plus de 50 pays

Les six chefs d'orchestre présenteront un programme exigeant en juin 2025. Ils s’entraîneront lors de répétitions publiques et donneront au total cinq concerts différents avec des orchestres renommés. Parmi les orchestres, figurent l'Orchestre philharmonique de Rotterdam, l'Orchestra of 18th Century, le Klangforum Vienna, la Sinfonia Rotterdam et le Laurens Symphony Chorus, mais également le pianiste Ronald Brautigam et les chanteurs Madison Horman, Irene Hoogveld, Oleh Lebedyev et Michael Mensah. Seuls hics, l’absence remarquée d’ensembles et de représentants français et surtout aucune femme parmi les finalistes ! Doublement dommage... 

La cérémonie de remise des Prix aura lieu le 13 juin, à l'issue de la cinquième épreuve. En plus du Grand Prix, 5 prix spécialisés seront décernés pour chaque épreuve de la finale, ainsi qu'un prix du public. Les six finalistes se verront remettre un Prix de la Performance qui récompensera leurs prestations tout au long de la compétition. 

https://www.iccr.nl
https://www.facebook.com/InternationalConductingCompetitionRotterdam
https://www.instagram.com/conducting_rotterdam

Voir aussi : "Fortississimo"

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On avait découvert Julia Jean-Baptiste par la grâce des réseaux sociaux (son formidable clip et single Éternité). Coup de cœur immédiat ! La voir de retour ne pouvait que nous interpeller.

La revoilà donc avec un grand cri d’amour, désespéré, dans lequel elle chante la soif de profiter une dernière fois de ce qui fait le goût de la vie : "Viens / On s’aime encore plus fort / Parait qu’l’amour déjoue la mort / L’amour sera le dernier trophée  L’amour sera celui à convoquer".

Accompagné d’un clip puissant réalisé par Théo Sauvage, Le dernier Trophée est un premier extraut de son nouvel album, Toujours Plaire.  

Pas de doute, Julia Jean-Baptiste fait partie de ces nouvelles voix de la chanson française à suivre.

Julia Jean-Baptiste, Le dernier trophée, 2025 
https://www.facebook.com/JJuliaJJeanBaptiste
https://www.instagram.com/juliajeanbaptiste
https://www.youtube.com/channel/UC3Z2NG5O7WlqEZw3Xq9Dz0Q 

Voir aussi : "Julia Jean-Baptise pour l’éternité"

 © Lucas Donaud

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À l’occasion de la sortie son dernier album consacré au tango (Cello Tango, Aparté), la violoncelliste Ophélie Gaillard a bien voulu répondre en exclusivité aux questions de Bla Bla Blog. Portrait d’une artiste se fichant pas mal des barrières entre genres et en profitant pour sortir de l’ombre un compositeur argentin mal connu et pourtant passionnant. Et il sera bien entendu question de projets musicaux alléchants pour 2025 et de violoncelle.

Bla Bla Blog – Bonjour Ophélie. Vous revenez ce printemps avec Cello Tango, un album consacré, comme son nom l’indique, au tango et à la musique argentine. Voilà qui peut paraître surprenant pour une musicienne comme vous qui avez plutôt exploré les répertoire classique et contemporain. Pouvez-vous nous expliquer ce choix de répertoire ?
Ophélie Gaillard – Ce programme est né de mon coup de cœur pour l’Argentine et ses musiques, et j’ai souhaité rendre hommage à ses deux compositeurs les plus importants du siècle dernier à mon sens: Alberto Ginastera et Astor Piazzolla. Chacun à leur façon ils ont interrogé leur héritage musical et artistique et se sont nourris des musiques populaires si riches et diverses de cet immense territoire. Celui des campagnes et de la pampa, celui des hauts plateaux des Andes, sans oublier le genre totalement citadin du tango. De plus depuis ma première tournée en Argentine je suis tombée amoureuse du tango et le pratique, c’est donc une immersion en profondeur et un double album consacré à cette passion, qui fait suite à la parution de mon double album Alvorada en 2015.

BBB – Au centre de cet album est Alberto Ginastera. Pouvez-vous nous en dire plus sur ce compositeur, beaucoup moins connu du grand public que son compatriote Astor Piazzolla ?
OP – C’est une figure passionnante de l’avant-garde argentine, et qui a eu un dialogue très fécond avec les inspirations folkloriques qui l’ont nourri. De plus il était passionné par le violoncelle auquel il a consacré deux concertos  et de nombreuses œuvres dédiées à sa seconde épouse. J’aime à penser que sa pièce solo Puneña, véritable défi technique et artistique, est une sorte de réponse musicale au réalisme magique du colombien Gabriel Garcia Marquez, tant il excelle à transformer le violoncelle tantôt en charango, tantôt en flûte des Andes, tantôt en oiseau magique de Cuzco, tantôt en instrument à percussions.

BBB – Quelles sont les plus grandes difficultés et les plus grands pièges dans l’interprétation de la musique du tango ? 
OP – Cette musique exige à la fois une haute technicité, car la plupart des musiciens de tango ont toujours été d’excellents musiciens classiques aux "heures ouvrables", et en même temps une liberté extrême dans l’interprétation. Sensualité, cambrure rythmique, mais aussi le sens du rubato sont les principaux enjeux de cette musique fascinante. 
 
BBB – Le violoncelle n’est pas le premier instrument auquel on pense lorsque l’on parle de tango. Cela était-il au contraire une évidence pour vous que de vous attaquer au tango ?
OP – C’est vrai que dans la dernière version du quintette de Piazzolla comportait une contrebasse mais pas de violoncelle. Cependant, Bragato, qui a travaillé avec Piazzolla, a contribué à nous familiariser avec ce timbre en réalisant des transcriptions. Et personnellement je trouve que le violoncelle dans le tango peut a la fois incarner la puissance rythmique de la basse que le cantabile du chanteur.

"Sensualité, cambrure rythmique"

BBB – Pouvez-vous nous dire quelques mots sur les artistes qui vous ont accompagné dans ce disque ? Comment avez-vous travaillé dans le choix des titres et dans leur interprétation ? 
OP – J’ai travaillé en étroite collaboration avec trois arrangeurs pour ce double album, essentiellement William Sabatier qui possède son Piazzolla sur le bout des doigts et a tout de suite eu l’intuition de mon jeu. Ensuite deux interprètes argentins qui ont aussi une démarche de compositeurs contemporains : Tomas Bordalejo à la guitare qui maîtrise la musique populaire et accompagne le chanteur Nahuel Di Pierro les yeux fermés avec un groove fantastique, et bien sûr Juanjo Mosalini, Bandoneoniste de génie qui est mon complice depuis l’album Alvorada.
 
BBB – Vous offrez quelques standards du tango : María de Buenos Aires, Oblivion, Volver. Comment avez-vous abordé ces classiques ? Étaient-ils "indispensables" pour cet enregistrement de tangos ? Vous paraissaient-ils une évidence ? 
OP – Oui il y a des découvertes mais aussi des "tubes" revisités dans des nouvelles compositions originales comme Volver ou La Cumparsita. Plus que des arrangements ou des relectures, ce sont de nouvelles compositions avec la "pâte" sonore du violoncelle en trame principale et c’est ce qui permet à cette tradition du tango d’être complètement renouvelée à chaque interprétation. Enfin Yo soy María ne pouvait être incarné selon moi que par la voix sensuelle et altière de Ines Cuello qui n’ai découverte lors de la production de María de Buenos Aires au Grand Théâtre de Genève. 

BBB – Au sujet de Volver, pourquoi ce titre est-il proposé sans ses paroles ? 
OP – Grâce à Gardel, Volver fait maintenant partie de l’imaginaire collectif, et justement parce que sa voix est irremplaçable, il fallait inventer une nouvelle composition inspirée et vibrante. Juanjo Mosalini a su trouver le ton juste pour notre duo. 

BBB – Impossible de ne pas parler de la participation d’Agnès Jaoui dans le titre Oblivion. La connaissiez-vous ? Qui a eu l’idée de cette collaboration ? Vous ?
OP – J’aimais beaucoup le premier album d’Agnès Jaoui produit par Vincent Segal et je voulais lui confier l’interprétation de Oblivion. C’est par Emilie Kociolek qui travaille souvent avec elle que la connection s’est faite, très naturellement ! Sa sincérité et sa diction me touchent particulièrement.

BBB – Lucienne Renaudin-Vary a sorti il y a quatre ans un album consacré à Piazzola. Pouvons-nous rêver d’un projet musical avec vous deux, avec le tango comme fil conducteur ?

OP – Ce projet existe! Et  Nous serons en concert pour une date exceptionnelle le 15 juin au festival de Saint-Denis !

BBB – 2025 marque les 20 ans de votre ensemble Pulcinella Orchestra. Quel bilan pouvez-vous d’ores et déjà faire de cette aventure musicale. Qu’avez-vous prévu pour fêter cet anniversaire ?
OP – Que d’aventures en 20 ans ! Et en même temps notre premier concert aux Flâneries Musicales de Reims puis dans  la petite église baroque de Cordon semblent avoir eu lieu hier ! Je suis très fière d’avoir pu mener à bien quelques uns de nos rêves, d’avoir travaillé avec passion sur le répertoire baroque et pré-classique avec violoncelle concertant et d'avoir partagé nos découvertes de répertoires avec un large public. La liberté que nous cultivons nous permet d’avoir le privilège de choisir nos sujets et de se choisir, ce qui est un grand luxe même si cette d’éducation exige un immense travail. Nos enregistrements sont les témoins et les pépites semées sur le chemin de nos recherches. 

BBB – Un dernier mot au sujet de votre violoncelle, volé en septembre dernier puis retrouvé quelques mois plus tard, à votre grand soulagement. Comment va-t-il ? Est-ce toujours le grand amour ?
OP – Oui, un amour peut-être encore plus fort car le cambriolage a été un traumatisme que je ne souhaite à personne de vivre.

BBB – Merci, Ophélie.
OP – Merci à vous.

Ophélie Gaillard, Cello Tango, Aparté, 2025
https://www.ophelie-gaillard.fr
https://www.facebook.com/opheliegaillard.cello
https://www.instagram.com/ophelie.gaillard
https://apartemusic.com/fr/album-details/cello-tango

Voir aussi : "Ophélie Gaillard sous les auspices de Ginastera et Piazzolla"
"Histoires de tangos par Lucienne Renaudin Vary"

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