Il souffle un parfum de Méditerranée dans ce superbe album de l’Ensemble Myrtho. Avec Au Gré d’Eros nous voilà embarqué dans un périple à la fois géographique et temporel. Géographique parce que le groupe nous convie dans le bassin méditerranéen, que ce soit la Grèce, la Macédoine (Me Minise), la Corse et la France continentale ; temporel car les chants proposés ici sont issus de traditions multimillénaires.

L’ensemble est formé par Pierre Blanchut (au santour, un instrument d’origine iranienne appartenant à la famille des cithares sur table), Laetitia Marcangeli (au chant et à la vielle à roue), Raphaël Sibertin-Blanc (aux violon, alto et kemençe d’Istanbul, un instrument à cordes frottées utilisé dans la musique classique turque jusqu'à la fin du XVIIIe siècle) et Timothée Tchang Tien Ling (aux percussions méditerranéennes).

Laetitia Marcangeli ne chante pas Sapho, la poétesse du VIIe siècle avant notre ère ; elle est Sapho dans ce poétique, dépouillé et poignant Hymne à Aphrodite : "Viens à moi maintenant encore, et délivre-moi de ma douloureuse anxiété". Sapho revient plus loin dans l’album avec un fragment dans lequel la poétesse grecque se lamente sur un amour cruel : "L’amour a ébranlé mon cœur, comme le vent, dans les montagnes, s’abat sur les chênes" (Yo m'enamori d'un aire). Là encore, la chanteuse et musicienne Laetitia Marcangeli s’approprie l’âme de la femme de lettres antique. 

Puisqu’il s’agit d’un opus placé sous le signe d’Éros, l’amour est omniprésent

Puisqu’il s’agit d’un opus placé sous le signe d’Éros, l’amour est omniprésent. Il y a cette déclaration venue de Chypre, Paphitissa : "Ô ma douce colombe, quand ton vol s’incline sur le coteau, dis-moi où tu prends ton eau…" Pour cet autre chant amoureux qu’est Laledakia, L’Ensemble Myrtho emprunte le titre à un poème de Gérard de Nerval : "Je pense à toi, Myrtho, divine enchanteresse, / Au Pausilippe altier, de mille feux brillant, / A ton front inondé des clartés d’Orient, / Aux raisins noirs mêlés avec l’or de ta tresse / C’est dans ta coupe aussi que j’avais bu l’ivresse, / Et dans l’éclair furtif de ton œil souriant, / Quand aux pieds d’Iacchus on me voyait priant, / Car la Muse m’a fait l’un des fils de la Grèce".

L’opus, aussi singulier soit-il, séduit à, tout point de vue. Généreux, brillant et attachant, l’Ensemble Myrtho bâtit de passionnantes passerelles entre des cultures liées par la Mer Méditerranée. Avre tu purta, une délicieuse invite pour que la belle ouvre sa porte à l’amoureux, nous vient de la culture séfarade. Culture séfarade encore avec le traditionnel chant Yo m’enamori de un aire ou encore avec l’envoûtant, romantique et oriental Una matica de ruda, un air traditionnel venu de Rhodes dans lequel une jeune fille avoue à sa mère qu’un garçon lui a offert un bouquet de fleurs. Ces deux morceaux précèdent une chanson traditionnelle française écrit par Clément Marot (La belle endormie). On retrouve un autre air traditionnel français, du Quercy, avec la sérénade Rossignolet du bois, charmante adresse adressée à un oiseau afin qu'il enseigne la manière d’aimer.      

La Corse n’est pas oubliée avec deux airs traditionnels corses : Lisa Bedda, qui pleure le départ pour Bonifacio d’une femme encore aimée et U pinu tunisianu, une singulière chanson sur une lettre entre deux cousins dont l’un, exilé en Tunisie, regrette d’avoir été rejeté par une femme. Incroyable découverte que ce chant qui rend hommage à l’une des plus importantes cultures vivantes en Méditerranée et dont on peut goûter avec délice le rythme comme la densité.  

Une jolie découverte que cet album, idéal en ce début d'été.

Ensemble Myrtho, Au Gré d'Eros, Concertons ! / L'Autre Distribution, 2025
https://www.facebook.com/profile.php?id=100070835440216
https://bfan.link/au-gre-d-eros

Voir aussi : "Voyage vers les Corées"

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On adore Loulia dont nous suivons la carrière depuis son titre Loin. À l’époque, la chanteuse se présentait comme une troubadour des temps modernes. Et pourquoi pas ?  

En réalité, la chanteuse française s’est surtout nourrie de pop internationale, de funk, de R&B et même de K pop.

Pour son dernier titre I Watch Myself, Loulia choisit une nouvelle fois l’anglais pour un single langoureux et sexy. Une vraie belle transformation par une artiste qui n’a pas froid aux yeux et qui entend bien s’imposer. 

Loulia, I Watch Myself, DNA, 2025
https://www.instagram.com/loulia_officiel
https://www.tiktok.com/@loulia_officiel
https://www.youtube.com/@loulia_officiel

Voir aussi : "Loulia : « Trouver du réconfort dans la musique que je fais »"
"Loulia dévoilée"

Crédit photo : @timschaefer.schaefertim

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Roxane Elfasci, que nous avions chroniquée et même interviewée, revient avec un étonnant et passionnant album, Glass Gaze, qui donne à écouter et découvrir Philip Glass grâce à la guitare. Accompagnée de Baptiste Erard, à la guitare comme elle, et du batteur et percussionniste Théo Lampérier, Roxane Elfasci a choisi 12 Études du compositeur américain pour en faire de petits joyaux. Roxane Elfasci et ses acolytes ont choisi de les proposer dans le désordre.

Le compositeur américain n’a jamais refusé de voir son œuvre adaptée, à partir du moment où elle pouvait toucher un plus large public que celui du contemporain et du classique, voyant dans la pop un terrain de recherche musicale. Les premières notes de l’album, avec l’Étude n°1, commencent d’ailleurs de la plus pop-rock des manières.

La guitariste a donc arrangé 12 de ses 20 Études pour piano, encensées dès leur création au mi-temps des années 1990. Le minimalisme de Philip Glass – l’un des chef de file du courant répétitif américain – laisse place à un ensemble de pièces à la fois harmoniques, lumineuses et intimes (Étude n°18). Les guitares de Roxane Elfasci et de Baptiste Erard viennent donner une couleur méditerranéenne (Étude n°2 ou les rythmes de la n°17). Il n’empêche que l’écriture du compositeur minimaliste, ses boucles et ses variations hypnotiques, se reconnaît dans certaines pièces (la magnétique Étude n°6 ou la n°17).

Et si Glass était un néoromantique qui s’ignore ?

L’auditeur ou auditrice trouvera dans cet opus sensible et brillant de quoi se réconcilier – s’il y a besoin – avec un répertoire contemporain injustement boudé. Roxane Elfasci et ses amis donne à découvrir un génie qui ne saurait se limiter à ses structures répétitives, certes passionnantes (Étude n°7). Ainsi, l’Étude n°20 touche au cœur par sa délicatesse et son onirisme que l’on dirait debussyens. Et si Glass était un néoromantique qui s’ignore ? C’est ce que Roxane Elfasci donne à entendre et comprendre (Étude n°8). L’écriture précise du compositeur américain se déploie avec rigueur et richesse dans cette pièce qui prend son temps.

L’Étude n°4, plus sombre, laisse place à une 3e rythmée, presque pop-rock, mais avec toujours cet esprit glassien. Roxane Elfasci se fond avec plaisir dans cette pièce dense, technique et piégeuse.  

Le travail sur les percussions de Théo Lampérier est d’autant plus intelligent qu’il ne vient pas alourdir la relecture à la guitare des Études de Glass mais au contraire les ponctuer avec discrétion pour ne pas dire parcimonie.

L’album se termine avec l’Étude n°16, dense et romanesque. Une magnifique fin pour ces Études qui semblent avoir toujours été écrites pour le piano. Un joli tour de force de la part de Roxane Elfasci et de ses amis.

Roxane Elfasci & Baptiste Evrard, Glass Gaze, Amigo, 2025
https://roxane-elfasci.com
https://www.instagram.com/roxanelfasci
http://amigo-musik.se

Voir aussi : "Guitare et classique by Roxane Elfasci"
"Roxane Elfasci : "La relation avec un instrument est assez conflictuelle..."

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Pour des œuvres aussi enregistrées que les Concertos pour clavier de Bach – ici, pour piano – le spécialiste sera en droit de préférer telle ou telle version. Trop lent, trop nerveux, trop ceci, trop cela. Mais laissons ces querelles de chapelle aux gardiens du temple et intéressons-nous à l’une des plus brillantes pianistes actuelles.

Beatrice Rana s’est beaucoup aventurée sur des terres romantiques, que ce soit Chopin (un album sur ses Études et ses Scherzi que nous avions présenté sur ce site), Beethoven, Clara et Robert Schumann (avec Yannick Nézet-Séguin), sans oublier ce magnifique programme russe avec Prokofiev et Tchaïkovski que Bla Bla Blog avait également chroniqué (son premier opus qui a consacré son immense talent).

Et maintenant, Bach !

Naturellement, Bach. Beatrice Rana avait enregistré il y a quelques années les Variations Goldberg. La voilà de retour chez Bach avec sa vision des Concertos pour clavier n°1, 2, 3 et 5. Œuvres majeures du répertoire classique, ces concertos, que chaque interprétation semble ressortir de l’ombre, sont comme la potion d’Obélix : une fois tombés dedans, on n’a qu’une envie, y replonger.  

Beatrice Rana mérite au moins une médaille pour sa version, avec l’Amsterdam Sinfonietta et Candida Thompson comme premier violon. Elle propose ici les Concertos BWV 1052, BWV 1053, BWV 1054 et BWV 1056. Gageons que la suite de ces œuvres pour clavier devrait bientôt suivre. Bach avait en avait composé 12. Il ne nous reste finalement que 8, le dernier restant en plus inachevé. quant aux 4 derniers, ils ont hélas disparu. 

Archi-douée, techniquement irréprochable, intelligente et magnétique

Mais ne boudons pas notre plaisir avec ce Bach made in Rana. La pianiste italienne donne à voir le compositeur allemand sous un jour moderne, impétueux mais où l’urgence laisse place à ces moments de lumières bouleversants, à l’instar du dernier tiers du premier mouvement du premier mouvement du Concerto n°1. Bach est souvent considéré, à tort, comme un compositeur intello. Beatrice Rana prouve qu’il reste surtout un mélodiste sans doute inégalé (l’irrésistible 1er mouvement du 3e Concerto ou encore le 1er du Concerto n°5). Né dans une période baroque, qu’il assume (La première et la troisième partie du Concerto n°2), il semble annoncer le classicisme et même, avec cinquante ans d’avance, la période romantique (2e mouvement du Concerto n°2 et du n°5).

Les dons virtuoses de Beatrice Rana font merveille, que ce soit dans les Concertos n°1 ou n°3, grâce à l’orchestre de l’Amsterdam Sinfonietta dont la symbiose devient évidente si l’on regarde la vidéo Youtube proposée par Warner.

Les chafouins et chafouines regretteront peut-être le tempo rapide du dernier mouvement du Concerto n°5. Admettons. Mais ce choix artistique n’enlève absolument rien – loin de là ! – à l’importance musicale de ces premiers Concertos de Bach par Beatrice Rana. Archi-douée, techniquement irréprochable, intelligente et magnétique. Bref, une merveille à découvrir absolument !        

Jean-Sébastien Bach : Concertos pour piano, Beatrice Rana (piano), Amsterdam Sinfonietta, 2025
https://www.beatriceranapiano.com
https://www.facebook.com/BeatriceRanaPiano
https://www.warnerclassics.com/fr/release/bach-keyboard-concertos-1

Voir aussi : "Une Italienne parle aux Russes"
"Quel tempérament !"

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Comment ne pas aimer Ravel ? Popularisé grâce au célébrissime Boléro, aimé des amateurs classiques et respecté pour sa grande modernité, Maurice Ravel avance toujours avec délicatesse et sans esbroufe.

Le Quintette Moraguès, avec Claire Désert au piano, propose chez Indésens un enregistrement de quelques-uns des chefs d’œuvre de Ravel (1875-1937) : Le Tombeau de Couperin, Pavane pour une infante défunte et Ma Mère L’Oye. Le Quintette pour piano et vents d’André Clapet (1878-1925), un de ses contemporains français, vient compléter l’album.

C’est Le tombeau de Couperin qui ouvre le bal. Un tombeau des plus somptueux et apaisant, contrairement à ce que ne le laisserait penser le titre. Il y a de la virtuosité dans ces arabesques musicales (Prélude) mais aussi de la couleur, ponctuées par le piano tout en finesse et en discrétion de Claire Désert. Ravel a mis trois ans, de 1914 à 1917, pour accoucher du Tombeau de Couperin. À l’époque, la première guerre mondiale éclate et Ravel s’engage en dépit de sa santé fragile. Il connaît Verdun, a de graves soucis de santé et est finalement démobilisé en 1917, année où il termine cette pièce d’une grâce et d’une insouciance singulières étant données les circonstances tragiques. Ravel choisit de l’ancrer dans le classicisme, avec cet hommage à François Couperin (1668-1733) – on pense au Menuet et au Rigoton – sans pour autant tourner le dos au modernisme.

Dans les premières années du XXe siècle, Stravinsky a secoué le milieu de la musique avec L'Oiseau de feu, Petrouchka et Le Sacre du printemps. Pas de provocation chez Ravel, dont on a pu railler parfois – et à tort ! – la modération, sinon la tiédeur. Or, c’est bien encore de modernisme dont il s’agit mais de modernisme assagi ! Que l’on s’en rende compte avec le Forlane, un rythme de tango pour cette danse italienne à deux temps, vive et animée, et que l’on a pu juger licencieuse au XVIIe siècle.     

C’est bien de modernisme dont il s’agit mais de modernisme assagi !

L’auditeur retrouvera avec plaisir l’autre joyau qu’est La Pavane pour une infante défunte. Ravel revient là aussi vers une danse ancienne, faussement simple et à la ligne mélodique incroyable qui a fait son succès. Cette pavane est restituée avec le Quintette Moraguès et Claire Désert dans toute sa mélancolie. Imparable.

Troisième œuvre majeure de Ravel, Ma Mère L’Oye met en musique quelques-uns des contes de Charles Perrault (La Belle au bois dormant, Le Petit Poucet), de Madame Leprince de Beaumont (La Belle et la Bête) et de Marie-Catherine d'Aulnoy (le personnage de Laideronnette dans Le Serpentin Vert). On est ici dans un univers onirique. Aussi envoûtante que les contes écrits, la suite de Ravel insuffle de la modernité tout en restant d’un beau classicisme, porté par un Quintette Moragès inspiré et une Claire Désert impeccable et semblant avoir toujours travaillé avec le prestigieux ensemble porté par Pascal Moraguès. On goûtera avec délice, toujours dans ces "contes musicaux", le mouvement du Jardin féerique, à la grande lenteur mélancolique, comme un dernier adieu.

Cet album Ravel se termine avec un compositeur et une pièce méconnus. André Caplet et Maurice Ravel se connaissaient d’autant plus que le premier gagna devant le second un prestigieux Prix de Rome, en 1901. La proximité artistique des deux artistes est évidente à l’écoute du Quintette pour piano et vent de Caplet. Nous sommes au cœur de cette musique française harmonique (Allegro con brio) et néoromantique (le bouleversant Adagio), lorgnant par ailleurs vers des rythmes et influences anciennes (Scherzo – Très vif), André Caplet reste pourtant dans son époque (le Final, allegro con fuoco), à l’instar de son homologue Maurice Ravel. Plus modernes qu’il n’y paraît.

Ravel et Clapet, Quintette Moraguès & Claire Désert, Indésens Calliope Records, 2025
https://indesenscalliope.com/boutique/ravel-et-caplet
https://www.quintettemoragues.com
https://www.clairedesert.com

Voir aussi : "Cécile Chaminade et ses amies"

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Dès les premières  notes d’Iris, la première piste de Mirages II, nous sommes bien au pays de l’électronique. JB Dunckel et Jonathan Fitoussi proposent avec leur nouvel opus Mirages II ce qui se fait de meilleur dans un style puisant loin ses sources, du côté de l’électro des années 70 et 80. Les lignes mélodiques et le rythme séduisent rapidement – le fameux Iris, donc. 

Les inventions sonores laissent deviner le travail qu’il leur a fallu pour concocter un opus imparable, à la fois mélodieux, intelligent et envoûtant (le mystérieux Ghost Town).

Dans Marimbalum, on devine que les deux compères ont lorgné du côté du courant répétitif contemporain (à commencer par Philip Glass et Steve Reich) pour bâtir un titre à la fois actuel, dépaysant et hyper-moderne. Et entêtant.

Cette étrange sensation de dépaysement à l’écoute de Mirages II, avec ces sons comme venus d’un autre lieu ou d’une autre époque, celle précisément des seventies, lorsqu’un petit monde musical découvrait les possibilités infinies des machines (Karakoum). 

Dépaysant et hyper-moderne

Au fur et à mesure que l’opus déploie ses vagues synthétiques, on reste en apesanteur, surpris et carrément séduits par JB Dunckel et Jonathan Fitoussi, se permettant autant des digressions vers le pop-rock – mais toujours en instrumental (Spark) ou vers une forme de minimalisme, ce qui n’est pas le plus aisé (Atlantica).

L’auditeur se laissera transporté par ces séquences ne s’étirant pourtant pas démesurément en longueur – un seul titre, Marimbalum, dépasse les 7 minutes. JB Dunckel et son acolyte Jonathan Fitoussi utilisent l’électronique à bon escient, sans jamais accumuler des couches de sons (Tanzanite). La rythmique est tout aussi bien pensée. L’album se termine sur le subjuguant Automnal Equinox, le point final d’un joli voyage. Sacrée découverte.

JB Dunckel & Jonathan Fitoussi, Mirages II, Prototyp Recording / Transversales Disques, 2025
https://www.facebook.com/JBDunckelMusic
https://www.instagram.com/jbdunckel
https://www.facebook.com/jonathan.fitoussi.composer
https://www.instagram.com/jonathanfitoussi

Voir aussi : "Sônge d’une nuit d’électro"
"On est sérieux quand on n’a pas 17 ans"

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Partons aux origines du rock avec le bien nommé Origins du bluesman lyonnais Léo Benmass. Direction donc les States. Mettons sous couvert les idées qui fâchent avec un pays décidément bien insaisissable – restons poli – en ce moment.

Voilà un premier album qui s’assume tel qu’il est, en déclinant le rock sur toutes ses coutures : rock indé, blues rock, pop et même rockabilly. Après un début prometteur – roulements de guitare, voix rocailleuse de Léo Benmas (Origins) – place au rockabilly, assumé et sans fausses notes (le séduisant Let Me Love You Baby).

Le rock sur toutes ses coutures

Impossible de parler de Léo Benmass sans citer les deux musiciens qui l’accompagnent, Arnaud Liatard à la batterie et Martin "Blues" Cortel à la basse, car c’est en trio que se produit le guitariste et chanteur. Les trois proposent ainsi une version décomplexée du Voodoo Child de Jimi Hendrix, avant une reprise, elle aussi séduisante, du désormais classique Riders on the Storm des Doors. Revisite oui mais dans la même facture que la bande à Jim Morrisson.

Pour See My Troubles, nous voilà dans le sud américain, chaud, poussiéreux et douloureux. Ambiance blues pour ce morceaux roulant comme une mécanique bien huilée. On se laissera encore plus séduire par la jolie ballade In The Deep Of My Soul au pop-rock très nineties. Un morceau capable de faire tomber n’importe qui. Après le séduisant et formidable Excuse Me, c’est du côté de Woodstock que se termine le voyage de Léo Benmass. Une fin de voyage psychédélique et rock. Cela va sans dire.

Léo Benmass, Origins, Rock'n'Hall / Dixiefrog, 2025
https://leobenmass-music.com
https://www.facebook.com/leobenmass.music
https://www.instagram.com/leobenmass.music

Voir aussi : "Des amis, de la poussière, du diesel et du rock"

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On trouvera dans ce Chamber Music proposé par Indésens un aperçu passionnant de cette musique de chambre qui va si bien au style français des premières années du XXe siècle. Car s’il est bien un compositeur-phare de cette période, c’est bien Maurice Ravel (1875-1937) dont nous avions déjà parlé ici il y a quelques jours. Ajoutons d’ailleurs que la pianiste Claire Désert est de retour, après un enregistrement du Quintette Moraguès dans un programme Ravel et Clapet.

Mais n’allons pas si vite en besogne et intéressons-nous au Quatuor Jaochim qui nous fait découvrir les vagues néo-romantiques du Quatuor à cordes en fa majeur que Ravel a composé entre 1902 et 1903 et qui fit de lui, presque du jour au lendemain, "un des Maîtres de demain" . Il s’agit de la première œuvre de musique de chambre du compositeur français. Le Quatuor M.35 est dédié à Gabriel Fauré. On y devine d’ailleurs ce mélange de pudeur et de mélancolie (Assez vif). Pour autant, le jeune Maurice Ravel – il a 28  ans – marche sur les pas de l’impressionniste musical qu’est Debussy (le premier mouvement Allegro moderato). Dans le troisième mouvement en particulier (Très lent), le romantisme du XIXe siècle se retrouve revivifié grâce au modernisme de Maurice Ravel, particulièrement audacieux, à l’instar du final Vif et afité, mélange de classicisme et de fougue expressionniste. Une merveille en son temps comme un chef d’œuvre "souriant" et que le Quatuor Joachim restitue avec panache et allant.

Tatiana Samouil au violon et David Lively au piano s’attaquent à la Sonate pour piano et violon n°2 en sol majeur. On avait commencé avec la première pièce de musique de chambre ; voici la dernière. Nous sommes en 1927. Ravel est dans les dernières années de sa vie. Il a abandonné le romantisme pour une facture plus moderne, revivifiée par les recherches musicales du début du XXe siècle (Allegro) et d’autres génies tels que Béla Bartók. Il faut saluer la performance de Tatiana Samouil et David Lively dans l’interprétation de cette pièce exigeante et allant à l’essentiel. Ravel se fait audacieux et pleinement dans son époque dans le deuxième mouvement Blues Moderato. Il s’ouvre au jazz américain, prouvant qu’on peut être un compositeur classique, aristocratique dans sa prestance et ouvert au monde. La sonate se termine par le final Perpeteum mobile, diabolique mouvement dont s’empare avec virtuosité le violon de Tatiana Samouil.

C’est Claire Désert qui vient clore en beauté cet album Ravel

La pièce Tzigane de Ravel prouve à prouve à elle seule la palette de couleurs et de rythmes de Ravel. Cette danse a été dédiée en 1924 à la violoniste Jelly d’Aranyi. Une nouvelle fois, c’est Tatiana Samouil qui l’interprète. Il faut saluer son talent, tant la pièce virtuose regorge de difficultés techniques. Tzigane audacieux mais aussi envoûtant et plein de vie, comme une ode à la vie et à une culture forte et attrayante.  

Régis Pasquier au violon et Jean-Claude Pennetier au piano proposent le mouvement Allegro moderato de la Sonate posthume pour violon et piano M.12. Contrairement à ce que le titre ne le laisserait entendre, cette pièce a été écrite assez tôt dans la vie du compositeur, en 1897, jouée par Georges Enesco et accompagnée par le jeune Maurice Ravel lors de sa création. Elle n’a été découverte que très tardivement, en 1975, donc bien après la mort du compositeur. On peut être séduit par cet unique mouvement néo-romantique très influencé par Gabriel Fauré : fluidité, retenues et un certain lyrisme. Pas de modernisme ici ni de jeux de rythmes mais un certain respect… académique.

C’est Claire Désert qui vient clore en beauté cet album Ravel grâce au magnétique Adagio assai du Concerto en sol majeur pour piano. Écrit au crépuscule de la vie du compositeur, de 1929 à 1931, c’est l’avant-dernière œuvre de Maurice Ravel, qu’il a dédiée à la pianiste Marguerite Long. C’est aussi l’une des plus connues. On est là dans un style néo-classique. Claire Désert fait honneur à ce mouvement plein de lyrisme, de sobriété, de pudeur et d’élégance. Cette pièce majeure vaut à elle seule que l’on se précipité sur ce superbe enregistrement Ravel.

Ravel, Chamber music, Indésens Calliope Records, 2025
https://indesenscalliope.com/boutique/ravel
https://www.clairedesert.com
https://quatuorjoachim.com

Voir aussi : "Qui n’aime pas Ravel ?"
"Bouquets de Fauré"

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