Philippe Guilhon Herbert sort cette année un album Ravel. La commémoration du compositeur français, dont nous fêtons les 150 ans, est l’occasion pour le pianiste de proposer un enregistrement des plus singuliers. Nous avons voulu en savoir plus. 

Bla Bla Blog – Bonjour, Philippe. Dans votre actualité musicale, il y a un album Ravel, un compositeur dont nous fêtons les 150 ans de la naissance. Que représente Maurice Ravel pour vous et, surtout, quelle place tient-il dans votre panthéon musical ?
Philippe Guilhon Herbert  –  Bonjour et merci de notre entretien. 
Durant ma prime jeunesse, Maurice Ravel m'a été moins familier que Claude Debussy, dont j'avais très tôt étudié de nombreuses pièces, comme ses Préludes et Images. A l'âge de 15 ans, j’ai travaillé Une barque sur l’océan, découvrant ainsi  l’extraordinaire raffinement et la fluide virtuosité de Ravel, dont les œuvres ne m’ont depuis plus quitté ; Gaspard de la Nuit, Valses nobles et sentimentales, mais aussi son sublime Trio, qui allient à son génie harmonique et mélodique un sens du rythme unique. Aux côtés de Beethoven, Schubert et Chopin, Ravel est au plus près de mon parcours de musicien.

BBB – Ravel a été et est toujours archi-joué. Dans votre dernier album (Piano Works, Indésens Calliope), vous avez fait un choix singulier : celui de proposer des pièces jouées non pas sur un mais sur trois pianos. Pouvez-vous nous expliquer ce choix ?
PGH –  L’enregistrement s'est déroulé en trois lieux distincts : le temple luthérien Saint Marcel à Paris (Sonatine)  le studio de Meudon (Ondine)  ainsi qu’une salle de concert à Bangkok (Valses nobles et sentimentales, Pavane…), avec trois dispositifs de micros, harmonisés grâce au mastering de S. Bouvet, ingénieur du son. Ce Steinway D et ces deux Fazioli proposent une large gamme de timbres et de résonnances, offrant une grande variété de nuances et un vaste éventail de sonorités.

Bla Bla Blog – Beaucoup d’auditeurs et d’auditrices ne connaissent pas ces Valses nobles et sentimentales de Ravel. Pourquoi avoir choisi de les proposer ? 
PGH – Il est vrai que La Valse est plus connue que ses Valses nobles et sentimentales ; toutefois  ce recueil est sublime de subtilité, de grâce, mais aussi d’énergie rythmique et de contrastes. Il offre une large variété de registres, de couleurs et climats, de dynamiques, jusqu’à sa dernière valse qui, extatique, voit le temps musical se gondoler, se suspendre puis s’assoupir.

Ravel. Stravinsky et Debussy sont des "phares"

Bla Bla Blog – Pourquoi n’avoir proposé que deux parties pour Ma mère L’Oye ?
PGH – Il s'agit de la version originale, pour piano à 4 mains, dont seules ces deux pièces peuvent être jouées par un seul interprète.

Bla Bla Blog – Vous vous intéressez aux créations contemporaines. Finalement, Maurice Ravel était-il plus moderne qu’on ne veut bien le dire ? 
PGH – Ravel. Stravinsky et Debussy sont des "phares" qui ont éclairé tout le 20ème siècle musical. Leur génie visionnaire inspire toujours la création contemporaine, sans aucun doute.

Bla Bla Blog – Pouvez-vous nous parler de vos projets pour la fin de cette année et pour 2026 ? De nouveaux enregistrements ? Des tournées ? 
PGH – J’ai enregistré début Juillet un double programme Beethoven & Schubert ; j’espère que le label Indésens Calliope, selon son calendrier, le publiera en 2026. Je souhaite enregistrer un second volume Beethoven prochaInement ; quant aux concerts, attendu que je réside en Asie depuis quelques années mais souhaiterais à présent revenir vivre à Paris une grande partie de l’année, il s’agit pour moi d’organiser ici un 3come back".  

Bla Bla Blog – Nous aimons bien interroger nos invités sur leurs coups de cœur ? Quels sont les vôtres en matière de musique, au sens large, comme en matière de cinéma, de télévision, d’expositions ou de lectures ? 
PGH – Je suis passionné par le talent et la beauté artistique sous de nombreuses formes (les grands acteurs-trices, réalisateurs-trices, différents genres musicaux, les arts plasiques…) mais si je dois retenir une figure majeure de mon intérêt et de mon étude constante, il s’agit de l’œuvre de Schopenhauer. 

Bla Bla Blog – Merci, Philippe.
PGH – merci à vous.

Maurice Ravel, Piano Works, Philippe Guilhon Herbert, Indésens Calliope Records, 2025
https://indesenscalliope.co
https://www.facebook.com/pghpianist

Voir aussi : "Ravel nu"

Photo : Avec l'aimable autorisation de l'artiste

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Le moins que l’on puisse dire est que Frederika Abbate, que l’on a pu croiser sur ce blog, n’entend pas être catégorisée. Tour à tour biographe de Letizia Battaglia, légendaire photographe italienne anti-mafia (Letizia Battaglia, Une Femme contre la Mafia, éd. de la Reine Rouge), intellectuelle et philosophe pensant le féminisme contemporain (La Femme est une île, éd. de la Reine Rouge) et ardeuse défenseuse des artistes underground (Anne van der Linden, Cavalière de la tempête aux éditions White Rabbit Prod), la voici elle-même en autrice justement underground.

Son dernier roman, L’Absolue rencontre, paru aux éditions Douro, entend mettre les pieds dans le plat en modernisant un texte ancien, sans peur de choquer. Sous sa plume, les Évangiles deviennent un sulfureux roman mêlant thriller policier, récit d’initiation et portraits de personnages torturés, paumés ou au contraire habités. Tout commence avec le meurtre d’une jeune femme, un assassinat mis en scène de manière morbide, renvoyant à une symbolique mythologique et sacrée. Bientôt, un personnage apparaît dans l’histoire : un homme à la fois inspiré et séduisant, dans tous les sens du terme. Il se nomme Jesùs (sic), tient des propos qui attirent et surtout est capable de faire des miracles. 

Des personnages se sentant mal dans leur monde

Que Jésus inspire des romanciers et romancières, voilà qui n’est pas nouveau. Frederika Abbate s’inspire des Évangiles et de l’histoire de Jésus (le vrai) pour trousser un récit très actuel. Les crimes en série sont certes mis au premier plan mais ils deviennent finalement ni plus ni moins que le décor d’un monde bringuebalant : une Magdeleine en Marie-Madeleine paumée, une religieuse aux multiples facettes (pieuse et écrivaine profane – très profane), sans compter un étrange messie.

Le terme d’underground est ce qui caractérise le mieux L’Absolue rencontre. "Absolues rencontres au pluriel", aurions-nous envie d’ajouter, tant ce roman suit les pérégrinations de personnages se sentant mal dans leur monde, recherchant le sacré et se perdant trop souvent dans la violence et la folie.

Le dernier livre de Frederika Abbate est tout sauf tiède. Il recycle des mythes anciens et un texte sacré sans avoir peu de choquer. On appréciera ou on détestera. C’est aussi ça, la littérature.    

Frederika Abbate, L’Absolue rencontre, éd. Douro, 2025, 116 p.
https://frederika-abbate.com/labsolue-rencontre
https://www.editionsdouro.fr

Voir aussi : "Cherchez la femme"

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C’est une belle et bonne chanson française que nous propose Magali Michaut, avec son EP, La bulle, de retour après son premier album Impressionniste. Une bulle, certes, mais une bulle qui n’empêche pas l'autrice-compositrice-interprète à la tête bien faite et bien pleine (violoniste classique, thésarde en bio-informatique) d’en sortir pour aller vers le monde – qu’elle a par ailleurs parcouru dans les grandes largeurs.

Ses quatre titres, d’une belle facture combinant chanson française et folk, sont autant de confessions d’une femme qui chante et parle – et qui parle même très bien – de son besoin d’amour, de complicité et de partage d’une bulle de tendresse : "Viens dans mes bras / Y’a rien qui brûle / Viens tu verras / Prends mes lunettes / J’e fais d’la place / Dans mes mensonges / Et mes messes-basses / Je passe l’éponge / Sur mes sornettes." (La bulle)

Droit au cœur, mais toujours avec pudeur

Magali Michaut sait aller droit au cœur, mais toujours avec pudeur, lorsque, par exemple, elle parle de son père et de son absence : "On fait comme si / Comme ci, comme ça / Et je chéris / Ce moment là / Oh t’en vas pas, me laisse pas là" (Reste avec moi).

C’est l’artiste engagée autant que la scientifique qui parle dans son constat amer d’un monde qui ne tourne pas tout à fait rond : "Mais où va-t-on ? / S’interroge le neutron / Mais où va-t-on ? / S’interroge le bozon / Mais où va-t-on ? / S’interroge le photon / Mais où va-t-on ? / S’interroge le gluon" (Où va-t-on). On ne manquera pas le clip singulier pour un tel morceau.

L’auditeur ou l’auditrice entrera un peu dans la tête de l’artiste grâce à ces souvenirs partagés, ceux, par exemple, d’une native de Cergy ("Cergy, j’y suis / Cergy, j’y pense / Cergy, j’y vis / Cergy, j’y danse"). On ne quitte jamais vraiment son pays et ce n’est pas Malagi Michaut qui dira le contraire.

Magali Michaut, Ma Bulle, Inouïe Distribution, 2025
https://www.magalimichaut.com
https://www.facebook.com/MagaliMichautMusic
https://www.instagram.com/magalimichaut

Voir aussi :  "Reboot sur le dur"
"Esprit Krafterwerk"

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Les enregistrements de la musique de Ravel sont particulièrement importants en cette année qui marque les 150 ans de sa naissance. De tous les compositeurs français du XXe siècle, il est sans doute celui qui a marqué le plus profondément la mémoire collective et l’admiration des amoureux et amoureuses de la musique classique.

Voilà une preuve supplémentaire avec ce programme pour pianos – au pluriel car Philippe Guilhon Herbert a enregistré cet album sur pas moins de trois instruments distincts, aux sonorités et touchés sensiblement différents. Piano Works (Indésens Calliope) propose un choix d’œuvres, alternant des "tubes" (Pavane pour une infante défunte, Ma mère L’Oye) et des moins connues (ses Valses nobles et sentimentales et le court Prélude en la mineur, M.65).

Mais commençons par le commencement, avec la magnétique Pavane pour une infante défunte. Chant de deuil, ce morceau prend, sous les doigts de Philippe Guilhon Herbert l’aspect d’une consolation et d’un au revoir à peine triste. Au pire, mélancolique, dans toute sa nudité.

Gaspard de la nuit est d’abord une œuvre pour piano de 1908, avant d’avoir été transcrite pour orchestre plus de 80 ans plus tard. On est, avec Philippe Guilhon Herbert, dans l’essence de cette pièce à la fois rêveuse et fantasmagorique. On peut parler de néoromantisme mais aussi d’impressionnisme dans la partie Ondine, illustrant le conte d'Aloysius Bertrand mettant en scène une nymphe des eaux tentant de séduire un homme. Ravel en fait une pièce onirique. Le pianiste s’approprie l'œuvre avec la même délicatesse que la Sonatine, chaque note sonnant avec une grande précision. Le mouvement Modéré est joué avec lenteur, ce que la pianiste Marguerite Long préconisait d’ailleurs. Bien vu. Le Mouvement de Menuet entend moderniser une danse archaïque, non sans nostalgie, donnant à cette partie une atmosphère souriante et presque naïve. Le mouvement Animé qui vient clore la Sonatine a cet aspect pétillant et rythmé, sans esbroufe pourtant, ce qui rend cette œuvre composée entre 1903 et 1905 si attachante. 

Ce Tombereau de Couperin recycle la douleur en de somptueuses nappes harmoniques et mélancoliques

Le tombeau de Couperin est plus connu. Il a été composé en pleine première guerre mondiale, après la participation de Ravel à la terrible Bataille de Verdun qui le laissera blessé. Démobilisé en 1917, le compositeur écrit cette suite en six pièces (il y en a la moitié dans l’enregistrement de Philippe Guilhon Herbert) après l’avoir mûrie depuis 1914. La mort de sa mère en 1917, qui le laisse inconsolable, fait de ce Tombeau de Couperin, une œuvre très personnelle. Si Ravel s’inscrit dans la tradition française de François Couperin, le Tombeau a été écrit en hommage à des artistes et anciens camarades de tranchées de Ravel : le musicien Jacques Charlot pour le Prélude, le peintre Gabriel Deluc pour le Forlane et Jean Dreyfus pour le Menuet (ce dernier est de la famille du compositeur et musicologue Roland-Manuel). Faussement léger (Prélude), ce Tombereau de Couperin recycle la douleur en de somptueuses nappes harmoniques et mélancoliques. Le mouvement Forlane, une ancienne danse italienne, est ici singulièrement proposée dans un rythme plus que lent, funèbre. Cette partie s’étire avec douleur mais aussi pudeur. Philippe Guilhon Herbert n’en rajoute pas dans ce mouvement moderne, en dépit de son ancrage dans la tradition du XVIIe siècle. Tradition également avec le Menuet que Ravel épure et transforme en chant d’adieu.  

Dans l’opus, Philippe Guilhon Herbert a choisi de proposer les Valses nobles et sentimentales, écrites en 1911. le compositeur comme le pianiste proposent là une palette de ces huit valses si différentes. Il y a la brillance de la première ("Modéré – très franc"), la moderne et expressive deuxième ("Assez lent"), la coquette "Modéré", la fantasmagorique "Assez animé", l’intimiste "Presque lent", le très court mouvement "Vif" (pas tant que cela, cependant), le mélancolique "Moins vif" (un petit joyau) et l’Épilogue "Lent". Cette dernière partie est la plus longue de la suite de valses. Des Valses nobles et sentimentales qui ont été décriées à leur sortie en 1911, en raison de leur modernité.

Ma mère L’Oye ne pouvait pas ne pas apparaître dans ce programme. Philippe Guilhon Herbert a sélectionné seulement deux pièces, la Pavane de la Belle au bois dormant et Le jardin féérique. Le mystère et la grâce de Ravel sont là, dans leur beauté et leur finesse, avec en plus l’onirique et merveilleux Jardin féerique. Les doigts de Philippe Guilhon Herbert ne jouent pas. Ils effleurent les touches, comme pour ne cas casser l’harmonie de ce joyau, jusqu’au rideau final.

Bientôt, sur Bla Bla Blog, le musicien répondra en exclusivité aux questions de Bla Bla Blog.

Maurice Ravel, Piano Works, Philippe Guilhon Herbert, Indésens Calliope Records, 2025
https://indesenscalliope.com
https://www.facebook.com/pghpianist

Voir aussi : "Qui n’aime pas Ravel ?"
"Le retour de Claire Désert chez Maurice Ravel"

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On a trouvé la BO cool de cette fin d’été. Il s’agit du Nemsis qui, après leur premier album Second Step On The Moon, propose un opus sobrement et mystérieusement appelé Mensis_Vol II. Et pourquoi pas ? Mais ne nous arrêtons pas à cela, car ce projet se révèle comme une vraie belle découverte pop, commençons avec le sucré, estival et pop Arimna.

"Pop". Voilà le mot magique. Car derrière ce premier morceau en forme de carte postale venue tout droit de Rimini, se cache un album malin et captivant. Marta et Ange sont partis du côté des États-Unis, période seventies, pour chercher leur influence (Shooting Stass), mixant joliment anglais et français (les envoûtants et sensuels Toi & Moi et Elle & lui).

C’est simple. On est sur une autre planète, avec un opus comme venu d’une "autre planète". Ces deux là sont heureux, c’est visible, et ils l’expriment en musique. Idéal pour cette fin d’été. Les rythmes dansent, la production propose 13 titres étincelants au service de messages inspirants sur l’amour, les rencontres et l’espoir (Une autre planète). En un mot, le bonheur (Tôt ou tard… tout va bien). 

La pop est solide et traduit la solide expérience du duo

Mensis va tout aussi bien chercher ses influences du côté des années 80, en reprenant le formidable Mobilis in mobile, chef d’œuvre d’Hubert Mounier et de ses amis de l’Affaire Louis Trio. La voix veloutée de Marta sert à merveille ce tube pour en faire une revisite solaire et rêveuse. Autre reprise, cette fois dans une facture folk et blues, le standard Mr Bojangles : "I knew a man Bojangles / And he danced for you / In worn out shoes / With silver hair, a ragged shirt / And baggy pants, the old soft shoe". Immanquable, évidemment.

Pour May 1997, c’est plus vers les nineties que l’on se tourne, avec ce titre rythmé mais aussi plus sombre. De même, Eternal Will Be séduit par sa la belle densité, sa belle facture pop et traduit la solide expérience du duo : sens de la mélodie, orchestration riche et production impeccable.  

Chanson française, pop, rock, psychédélisme. Chacun de ces termes convient à un album attachant et cohérent. Mensis nous embarque dans leur monde où, parfois, il n’est pas besoin de mots, à l’instar de l’instrumental The Dawn Of Soraya, délicat et mélancolique. Une Soraya de retour plus tard dans l’opus avec The Twilight Of Soraya, tout aussi contemplatif, pour ne pas dire triste.

Mensis termine sur un Premier Samedi Du Mois qui vient de nouveau éclairer un projet musical abouti et intelligent.

Mensis, Mensis_Vol II, Hoozlab, 2025
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Voir aussi : "Du passé, ne faisons pas table rase!"

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Le nom de Confluence illustre la rencontre entre deux instruments, au service des six sonates en trio de Bach, des œuvres pour orgue transcrites ici pour la flûte et le clavecin. Et là, vous me demanderez : Pourquoi le terme de "trio" pour des pièces pour orgue "seul" ? Tout simplement parce que les voix désignent le jeu de la main droite, le jeu de la main gauche et celui du pédalier. Bach avait fait de ces compositions des créations à vocation autant artistique que pédagogique – pour orgue, donc. On imagine le défi mais aussi l’intérêt de proposer une version pour deux instruments, en l’occurrence la flûte de l’exceptionnelle Sooyun Kim et le clavier du non moins formidable claveciniste Kenneth Weiss.

Dans la première Sonate BWV 525 en mi bémol majeur, l’Allegro vif, mené tambour battant et où la virtuosité ne prend jamais le pas sur une forme d’insouciance ni sur le clavecin plein d’allant de Kenneth Weiss. Voilà un beau duo que celui-là. Le lumineux, gracieux et long Adagio (plus de 7 minutes) fait figure de prière. Nous parlions de virtuosité. Il en est question dans le scintillant troisième et dernière mouvement Allegro de cette première sonate mené tambour battant, avec le lustre qui sied bien au Kantor de Leipzig.  

La flûtiste d’origine coréenne, internationalement reconnue, s’affirme plus que jamais dans un instrument moins souvent à l’honneur que le piano, le violon ou le violoncelle. Elle fait des étincelles dans des répertoires aussi exigeants que ceux de Bach – que l’on pense au Vivace de la 2e Sonate BWV 526 ou à l’Allegro, mené avec des nerfs d’acier. On aime cette force de tranquille de Sooyun Kim. 

La flûtiste d’origine coréenne s’affirme plus que jamais dans un instrument moins souvent à l’honneur que le piano, le violon ou le violoncelle

C’est par un Andante que commence la 3e Sonate en ré mineur BWV 527, mouvement d’ouverture lent, ce qui n'est pas si fréquent que cela. Sooyun Kim l'aborde avec concentration et mesure. Une 2e partie, lente elle aussi (Adagio e dolce), lui succède. Quel était l’esprit de Bach au moment de l’écriture de cet opus ? En tout cas, Sooyun Kim et Kenneth Weiss proposent une version comme en lévitation, avant un brillant Vivace, rond et chaleureux.

La patte du compositeur allemand est reconnaissable dès la première note : la virtuosité, les couleurs, les densités font merveille et brillent de mille feux, à l’instar de l’Adagio-vivace de la Sonate n°4 BWV 528 en mi mineur. Une sonate qui séduit tout autant par son Andante d’une profonde mélancolie. On est dans une facture classique, à laquelle vient répondre une courte danse Un poco allegro – quoique, pas si "poco" que cela…

Le feu d’artifice survient avec le majestueux Allegro de la Sonate n°5 en do majeur BWV 529. Bach propose un premier mouvement d’une haute technicité. Défi relevé bruyamment par la flûte de Sooyun Kim et le clavier de Kenneth Weiss. On est presque surpris par la nudité du Largo. Il y a du lyrisme dans cette partie, paradoxalement d’une profonde mélancolie. La flûtiste s’attaque à l’Allegro avec une belle hardiesse pour un mouvement technique, mélodique et très rythmé.

L’enregistrement se termine avec la sixième Sonate en trio en sol majeur, BWV 530. Le 6 est le chiffre fétiche de Bach, comme le rappelle le livret de l’album, si l’on pense à ses 6 Concertos brandebourgeois, ses 6 Partitas pour violon et ses 6 Suites françaises, anglaises et italiennes. Comme pour autres sonates, la virtuosité, la couleur et le rythme sont mis à l’honneur (Vivace). Ce qui n’empêche pas le Kantor baroque de Leipzig de s’affirmer comme le premier et sans doute le plus grand des classiques (Lento). Sooyun Kim domine son sujet avec élégance et une facilité déconcertante, prouvant qu’elle reste une déesse de la flûte. Le duo qu’elle forme avec Kenneth Weiss termine avec brillance sur un Allegro enjoué.

Saluons enfin la très belle prise de son, équilibrant parfaitement les sons de la flûte et celle du clavecin, dans un programme de transcriptions qui risque de faire date pour ces Sonates en trio, conçues au départ - rappelons-le - pour orgue seul.   

Jean-Sébastien Bach, Confuence, Six Trio Sonatas,
Sooyun Kim (flûte) et Kenneth Weiss (clavecin), Musica Solis, 2025
https://www.musicasolis.com/confluence
https://www.sooyunkim.com
https://www.instagram.com/sooyunkimflute
https://www.kennethweiss.info/fr

Voir aussi : "Une route de la soie"
"Bach total"
"Majeur !"

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Intitulée The Silk Roads ("Les routes de la soie"), cette incroyable programmation, issue d’un enregistrement au centre de Création et de Formation "La Cure" à Lasselle-en-Cévennes entre 2023 et 2024, propose un voyage musical à travers les siècles, entre Chine, Moyen-Orient et Europe.

Figure, pour commencer, la pièce la plus ancienne, Yuqiao Wenda. Ce Dialogue entre le pêcheur et le bûcheron a été compilé en 1560 par Xiao Luan. Le morceau illustre la philosophie bouddhiste sur l’immanence du monde et l’appel à la sagesse de l’homme humble, bienveillant et droit. Cette version a été arrangée par Zao Songguang et Dai Xiaolian en 2006. Une lecture moderne donc d’un morceau traditionnel mais qui en garde toute sa simplicité méditative. Dépaysement assuré pour cette première étape des Routes de la soie proposées par Indésens.

C’est assez naturellement qu’on en vient à Oriental Puzzle, une création contemporaine du jeune compositeur chinois Sheng Song, largement mis à l’honneur du reste dans cet opus. À l’alto, Riuxin Niu s’empare avec une grande maîtrise d’une pièce puisant ses influences dans la musique traditionnelle et l’opéra chinois, comme dans l’écriture musicale occidentale. Cela donne un morceau à la fois hétéroclite – un puzzle, donc – et cohérent. Loin de tourner le dos à la musique traditionnelle, Sheng Song assume tout de ses influences, que ce soit avec Nay Improvisation, que Sheng Song propose dans deux versions ou dans les somptueuses variations sur Yangguan, un classique du répertoire chinois et adaptation du poème Adieu à Yuan Er en mission pour Anxi : "Je vous exhorte à vider une dernière coupe de vin / Au-delà de Yangguan, il n’y aura plus d’amis", dit la poétesse avec un mélange de résignation, de pudeur et de douleur cachée. L'un des plus beaux morceaux de l'album.

Plus étonnant encore, Esquisses et Cariccios, toujours de Sheng Song, propose de se diriger vers l’Orient, un Orient mêlant traditions dans ses thèmes (Le Nil, Palmier-dattier, Le Livre des Morts, La Plume de Maât) et le modernisme grâce à sa facture musicale.      

L’Orient est de nouveau présent, cette fois avec Shadi Hanna qui propose de faire un pont entre traditions méditerranéennes et innovation occidentale. On s’arrêtera avec plaisir sur l’envoûtant Sama’i Nahawand qui semble paradoxalement très familier à nos oreilles, avec son dialogue entre mandoline et instruments à cordes. Shadi hanna propose une autre pièce, Qanum Improvisation, dont les textures musicales font se rejoindre Orient et Asie.

Le compositeur phare de cette Route de la Soie artistique est Maurice Ravel himself

Ruixin Niu met à l’honneur un compositeur important du XXe siècle, Gamal Abdel-Rahim (1924-1988), un passeur de la musique égyptienne dans la modernité, avec sa Petite Suite, traditionnelle dans son essence et contemporaine dans sa manière de se jouer des sonorités et des rythmes. On pourrait dire autant de sa dépaysante Mandolin Improvisation.

Vincent Beer-Demander parle de sa courte pièce Le Poudin Mange des Bambous comme d’une "miniature musicale qui évoque l’empire du Soleil Levant". Il est vrai que cette fantaisie s’empare avec bonheur des rythmes et des sons de la musique chinoise.

Le compositeur phare de cette Route de la Soie artistique est Maurice Ravel himself, avec une orchestration extrême-orientalisante d’extraits des Contes de Ma Mère L’Oye (Pavane, Laideronnette). Ruixin Niu est à l’œuvre dans cette version plus envoûtante que jamais et qui donne au compositeur français un lustre des plus chinois. Une sacrée redécouverte ! 

Place de nouveau avec la jeune génération avec deux morceaux de la compositrice française Florentine Mulsant. L’altiste chinoise Ruixin Niu et Pierre-Henri Xuereb, à qui a été dédié ce morceau, jouent son Chant pour viole d’amour et alto, op. 117. Chant d’amour certes, mais aussi étrange voyage comme si la compositrice nous prenait par la main pour un voyage à deux dans un havre de paix. Elle propose elle aussi des improvisations (Percussions Improvisation), nous menant cette fois en Extrême Orient, dans un morceau appelant à la méditation.

Le traditionnel, le classique le contemporain ont largement leur place dans cet opus. Mais le baroque aussi, avec Ludovico Berreta, compositeur vénitien du XVIIe siècle dont on a découvert récemment un Canzon à quattro. Cette pièce est enregistrée ici pour la première fois. Il est singulier de voir Sheng Song reprendre à son compte cette merveille baroque pour en faire une chanson actuelle, s’inspirant et rendant hommage au XVIIe siècle italien, tout en y insufflant des éléments chinois.

Au final, pour ce dernier morceau, comme d’ailleurs pour l’album toute entier, rarement modernisme, classique et traditionnel n’ont fait aussi bon ménage. On le doit en premier lieu à la locomotive de ce projet, la formidable altiste Ruixin Niu. 

The Silk Roads, Ravel, Sheng Song, Abdel-Rahim, Mulsant, Ruixin Niu (alto), Indesens Records
https://indesenscalliope.com/boutique/the-silk-roads

Voir aussi : "Si la musique m’était contée"

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Impossible ne rester insensible à Artdéco qui nous revient cette année avec un nouvel album, sobrement intitulé À Présent. Ce disque a été réalisé par Antoine Essertier (Vianney, Keziah Jones, Daran…). Cet opus est paradoxalement placé sous le signe du passé. Passé tout d’abord avec la facture pop-rock eighties et nineties, le musicien ne cachant pas son appétence pour U2 ou Serge Gainsbourg. On saurait difficilement le blâmer. Passé également avec les thèmes de ces 14 titres, dans lequel le souvenir, la nostalgie et la difficulté de tourner la page semblent être les dénominateurs communs.

Il y a, pour commencer, le morceau qui donne son nom à l’opus. Dans À nouveau, ArtDéco fait le constat d’un couple en déshérence, tout en invitant à ne pas tourner la page : "Reprenons notre amour à zéro / Il serait temps qu’on se parle à nouveau". Et même lorsque départ il y a, pas question de couper totalement les fils "Voyage avec moi", chante-t-il dans le morceau éponyme. Cette invite au souvenir est reprise dans Ne m’oubliez pas : "Écrivez mon nom quelque part / Ne m’oubliez pas".

On saluera la belle création qu’est Amour Winchester, jolie déclaration amoureuse en forme de jeu en plein Far West. Dans Astroman, cette fois c’est dans un espace imaginaire que nous transporte le chanteur, mais cette fois plus de gravité : "Foutu pour foutu / C’est trop tard / Tout est fini". En cette période d’été, on écoutera Palava non sans nostalgie : ce sont des souvenirs de plages qui intéressent ArtDéco, que ce soit à Juan-les-Pins, à Nice, à Monaco ou à Palavas, justement.

On saluera la belle création qu’est Amour Winchester

Un enfant sommeille derrière celle de l’artiste à l’œuvre dans une production musicale soignée. Il revient à ses promesses et ses secrets de gamins dans le morceau sensible Notre secret, redonnant vie à un amour d’enfance, comme pour le rendre immortel ("Dans mille ans j’te jure / Que je t’aimerai").    

Cependant, parfois, c’est la mémoire qui fait défaut, à l’instar de Je ne m’en souviens plus. Tel n’est pas le cas de Louve, déclaration pour une mère capable d’effacer les "peurs" et "les ombres à chaque pensée de toi".

Plus sombre et plus atypique dans cet album, dans le morceau 340 visages, c’est le chiffre 340 qui est répété en forme de mantra. Le titre rappelle ces visages de migrants noyés dans la mer, comme par les flux d’informations et souvent de préoccupations futiles (McDo, réseau, bécanes…).

C’est un ArtDéco rock qui se déchaîne, moins sage, dans le singulier Schrödinger. Tout aussi engagé que la chanson précédente, l’artiste fait un triste constat : "Qu’est-ce qu’elle me manque ma vie d’avant", plus "insouciante". "Sans cesse on pratique la superposition quantique", constat-t-il encore, fataliste, philosophe et… un peu physicien.

Après le plus léger Panama et le psychédélique et poético-humoristique Astroman, ArtDéco termine - presque - son album avec Loin des autres. Le musicien revient une nouvelle fois vers le passé, avec cette chanson en forme d’autobiographie et de confession, celle d’un garçon seul et "déraciné", issu d’un pays méconnaissable où "la forêt a brûlé". Voilà qui est, hélas, très d’actualité.

L’album propose, en guise d’au revoir, une reprise pop des Moulins de mon cœur de Michel Legrand. Sans doute, le compositeur préféré de Jacques Demy aurait apprécié cette modernisation d’un grand classique de la chanson française. Le titre a en tout cas généré près de 4 millions de vues en quelques mois sur Internet.

ArtDéco, À Présent, Active One / Remark Music / SMK Music, 2025
https://www.artdecomusique.com
https://www.facebook.com/artdecomusique
https://www.instagram.com/artdecomusique
https://ditto.fm/artdeco-a-present

Voir aussi : "Altiera : ‘L’amour existe peut-être ailleurs, dans un autre univers, une autre dimension’"

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