Bla Bla Blog avait choisir de suivre la tournée du groupe québécois Rosier en France. Cela se passait en octobre. Une excellente occasion de découvrir ce groupe bilingue et à majorité féminine. 

Bla Bla Blog – Bonjour. Pouvez-vous présenter votre groupe au public français ? D’abord, comment est-il né ? Et qui êtes-vous ?
Rosier – On est tous des amis d’enfance qui ont grandi entouré de musique folk, nos parents avaient des bands ensemble alors on s’est tous côtoyés très jeunes dans un environnement familial et super musical. On a décidé d’essayer de se partir notre propre band en 2008 et on s’est jamais lâché! 

BBB – Vous étiez en tournée en France ce mois d’octobre pour plusieurs dates. Que représente cette tournée pour vous et qu’attendiez-vous d’elle ?
Rosier – Ça fait toujours plaisir de créer des ponts avec un autre public francophone, surtout que pour nous, en étant grandement inspiré par les anciennes chansons folk-traditionnelles françaises, ça fait spéciale de s’y retrouver! Et pis en plus, on ne s’attendait pas à se lier d’amitié comme ça avec le band de Marco Ema avec qui on partage la tournée, c’est vraiment une belle surprise. 

BBB – Bla Bla Blog a présenté Rosier comme un groupe alliant chanson française, pop indie, folk québécois et électro. Mais vous, comment définiriez-vous votre musique ?
Rosier – Notre musique a beaucoup évolué au fil des ans, mais j’ai l’impression qu’on se rapproche de plus en plus de l’essence même de notre son, qui tire vers la dream-pop, mais toujours avec ce clin d'œil au folklore.

BBB – Nous parlions de folk québécoise. Comment la définiriez-vous, alors que le Québec protège farouchement sa culture et ses spécificités ?
Rosier – Le mot folk est utilisé un peu à toutes les sauces dans le monde, surtout en Amérique du Nord, alors c’est dur de parler du genre de manière précise. Pour moi, le folk prend vraiment ses racines dans le folklore, la musique trad, les chansons et les airs sans auteurs connus. On a grandi dans cette scène-là ici au Québec, donc ça fait profondément partie de notre identité et c'est ce qui représente le plus ma culture québécoise.

"Ça va être un beau petit packet"

BBB – Votre  nouvel album, Elle veille encore, sort cette année. Comment pourriez-vous le définir ?
ROSIER – Notre album EVE est une espèce d’ode à l’esprit maternel qui gravite autour de nous. Il y a des histoires lumineuses, mais aussi des portraits plus complexes et troublants de la figure maternelle. On y déconstruit l’emblème de la mère, et ce lien sacré qu’on y associe souvent. C’est un album de remise en question, de mélancolie, et de moments doux-amers. 

BBB – Quels sont vos projets à venir pour cette fin d’année et pour 2027 ?
ROSIER – On a une super belle collaboration avec une artiste québécoise qu’on adore qui sortira en 2027, qui va faire partie d’un deluxe de Elle veille encore, avec des versions alternatives des chansons, et une reprise de Kate Bush ! Ça va être un beau petit packet. 

BBB – Une dernière question habituelle chez Bla Bla Blog : quels sont vos derniers coups de cœur en matière de musique, bien sûr, mais aussi de livres, de séries, de cinéma ou d’expositions ?
ROSIER – Shout out à l’album Afterparty de Andy Shauf qui vient de sortir qui célèbre les 10 ans de son masterpiece The Party, c’est un album qui nous habite beaucoup en tant que band et ça fait trop plaisir d’entendre les maquettes et les b-sides, c’est super inspirant comme projet! Sinon on a trèèèèès hâte de voir You Can See Everything qui n’était pas disponible en France pendant la tournée. 

BBB – Merci les Rosier !

Rosier, Elle veille encore, 2026
https://rosierband.com
https://www.facebook.com/rosierband
https://www.instagram.com/rosier

Voir aussi : "Avez-vous vu les Rosier ?"

Et si l’on faisait un aller-retour Québec-France ? Du moins, c’est ce que vont entamer les trois filles du groupe Rosier, en tournée de ce côté-ci de l’Atlantique, dans le cadre de la Tournée des Nuits Transatlantiques.

Bla Bla Blog adore les passerelles entre cultures, artistes et pays. Que nos ami·e·s québécois·e·s soient mis·e·s à l’honneur, voilà qui mérite bien un bon coup de projecteur.

Six concerts, à Reims, Troyes, Saint-Quentin, Vitry-le-François, Migennes et Oignies, permettront de découvrir ce groupe à majorité féminine qui mêle pop indie, folk québécois, chanson française et électro.

Dans leur single N'as tu jamais vu d'oiseaux ? Rosier y parle de cette soif de liberté, de l’innocence fragile, avec une économie de moyen et une poésie certaine : "Mère il y a un oiseau / Mais quand je veux le prendre / Il se sauve il se sauve". Derrière un clip à la facture gothique, les Rosier se révèlent une sacrée belle révélation de la scène francophone. À découvrir, grâce à six dates en France. Mais parions que ce trio venu de Montréal risque bien de refaire parler de lui.

À noter que le groupe sort cette année son nouvel album, Elle veille encore. Une jolie découverte. 

Rosier en concert, Tournée des Nuits Transatlantiques
20 octobre 2026 — La Cartonnerie, Reims
21 octobre 2026 — Le Troyes Fois Plus / Festival Off Off Off – Nuits de Champagne, Troyes
22 octobre 2026 — La Manufacture, Saint-Quentin
23 octobre 2026 — Bords 2 Scènes, Vitry-le-François
24 octobre 2026 — Cabaret l’Escale, Migennes
25 octobre 2026 — Le 9-9bis, Oignies
https://rosierband.com
https://www.facebook.com/rosierband
https://www.instagram.com/rosier
https://nuitsdechampagne.com/actualites/article/les-nuits-transatlantiques-2025

Voir aussi : "Les filles sages vont au paradis, les autres vont où elles veulent"
"La seule règle qui vaille est qu'il n'y a pas de règle"

Il y a du Prokofiev chez ce gars là. Je parle de Nathan Henninger dont il avait déjà été question sur Bla Bla Blog. Le compositeur canadien propose, après le remarqué Five Scenes For Orchestra, son nouvel album Romanza qu’il orchestre lui-même avec le Budapest Scoring Orchestra.

La majeure partie de l’opus est consacrée au mouvement justement appelé Romanza. Ce poème symphonique pour cordes, percussion et piano déploie sur près de vingt minutes ses vagues mélodieuses, néoromantiques et romanesques, car il y a bien du romanesque dans cette ambitieuse pièce. Preuve que la musique d’aujourd’hui n’est plus fâché avec le néoclassicisme.

Le compositeur canadien propose un moment contemplatif qui n’est pas sans rappeler, disions-nous en préambule de cette chronique, la facture à la fois lyrique, moderne et intensément romantique. "Romanza est une méditation sur l’amour au sens le plus large – une force qui nous soutien, nous unit et perdure, même face à la perte", précise le compositeur canadien. 

Assurément, un cœur bat dans cet ensemble

Le Budapest Scoring Orchestra n’est pas en reste dans sa manière de jouer ce poème symphonique avec un mélange de précision, de concentration et de profond recueillement. Assurément, un cœur bat dans cet ensemble. Chaque instrument, chaque mesure, chaque note prennent vie dans le grand flot de cette romance. Une vraie et belle histoire d’amour.

Pour l’enregistrement, Nathan Henninger complète cet opus par des extraits de son opus Romanza. Après le thème du poème symphonique (Theme), l’auditeur ou l’auditrice trouvera des pièces relativement courtes, d’une minute trente à un peu moins de quatre minutes. Le compositeur et l’orchestre s’appuient sur les séquences de Romanza tour à tour denses (Playfully), intenses et passionnées (Warmly, with Energy), oniriques (le Misterioso rachmaninovien) ou plus calmes, à l’instar de la pièce plus longue, Gently, qui vient clôturer en douceur l’album.  

Nous avions déjà parlé de la conception de l’album physique des Five Scenes For Orchestra. Ici encore, l’illustrateur Torsten Wolber a été sollicité pour illustrer cet opus grâce à l’une de ses peintures, renvoyant à la mythologie et aux créatures fantastiques, fascinantes et envoûtantes que sont les sirènes. Une bonne raison de préférer la version physique aux versions dématérialisées.

Nathan Henninger, Romanza pour cordes, percussion et piano, *
Budapest Scoring Orchestra, dirigé par Nathan Henninger, NCH Records, 2026
https://nathanhenninger.com
https://www.facebook.com/nathanhenningercomposer
https://www.instagram.com/nathanhenningercomposer
https://www.instagram.com/torstenwolber
https://www.budapestscoring.com

Voir aussi : "Musique des sphères avec Nathan Henninger"

C’est avec le Scoring Berlin Orchestra que Nathan Henninger a enregistré en 2023 l’une de ses dernières créations, ses Cinq scènes pour orchestre. L’auditeur ou l’auditrice trouvera dans cette œuvre de beaux et romanesques moments – on n’emploiera pas le terme de "romantique", quoique…

Après un court et méditatif prélude (Horn), l’orchestre semble surgir du néant pour se déployer avec mystère (Scène 1, Misterioso). Le compositeur canadien prend son temps pour plonger dans un univers vaste et d’une belle ambition, en dépit d’une durée relativement courte de ses suites (cinq minutes tout au plus). La Scène 2, plus majestueuse (Maestoso) grâce à son apport des cordes, devient méditative, comme si nous étions, avec le compositeur et chef d’orchestre, dans l’observation des étoiles. 

Ses suites sont aussi bien sonores que visuelles

Car, oui, il s’agit bien ici d’une musique des sphères qui nous est proposée dans ce très bel album aux couleurs luxuriantes et à la belle densité (Scène 3, Brightly). L’atmosphère n’en reste pas moins inquiétante. Nathan Henninger a composé pour le cinéma et la télévision, ce qui n’étonne pas ici : ses suites sont aussi bien sonores que visuelles. C’est simple : on voyage dans un maelstrom de rythmes, de sonorités… et de couleurs (Scène 4, Misterioso). L’influence des grands compositeurs romantiques russes est tout autant manifeste dans ces fascinantes Suites.  

La Scène 5, Gently propose, avec son dialogue entre l’orchestre et les bois, une descente en douceur après un périple dans les confins de l’univers. Une musique des sphères, vous disais-je…

Saluons pour terminer la conception visuelle de ce très beau disque conçu par Martin Rowsell, avec en particulier une peinture de Torsten Wolber qui apporte un moment de grâce supplémentaire. Préférez donc la version physique aux versions dématérialisées. Les artistes vous en remercieront chaudement ! 

Nathan Henninger, Five Scenes For Orchestra, Natechet Music Llc, 2025
The Scoring Berlin Orchestra, dirigé par Nathan Henninger
https://nathanhenninger.com
https://www.facebook.com/nathanhenningercomposer
https://www.instagram.com/nathanhenningercomposer

Voir aussi : "Lucia Micarelli a plus d’une corde à son arc"

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Les Cramés de la Bobine présentent à l'Alticiné de Montargis le film Bergers. Il sera visible les jeudi 1er, dimanche 4 et lundi 5 mai. Soirée débat à l’Alticiné le mardi 6 mai à 20H30.

Sur un coup de tête, Mathyas troque sa vie de publicitaire à Montréal pour celle de berger en Provence. Il espérait trouver la quiétude, il découvre un métier éreintant et des éleveurs souvent à bout. Mais quand il rencontre Elise qui elle aussi vient de tout quitter, ils se voient confier un troupeau de 800 moutons et s’engagent dans une transhumance. Ensemble, ils vont traverser les épreuves de la montagne et se façonner une vie nouvelle.

Prix du Meilleur film Canadien au Festival International du Film de Toronto

Bergers, drame franco-québécois de Sophie Deraspe
avec Félix-Antoine Duval, Solène Rigot, Guilaine Londez, 2025, 103 mn
https://www.cramesdelabobine.org/spip.php?rubrique1543
https://bergers-lefilm.com

Voir aussi : "Riverboom"
"Au Pays de nos Frères"

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Figure capitale du XVIIIe siècle, Joseph Haydn (1732-1809) aurait pu être écrasé par ses géniaux contemporains que furent Mozart (qu’il rencontra et avec qui il se lia tant amicalement qu’artistiquement) que Beethoven qui fut son élève. Et ne parlons ni de Jean-Sébastien Bach ni de Haendel. Alors oui, Haydn n’est certes pas le premier compositeur que l’on cite lorsque l’on parle de classicisme musical mais il en fut certainement une figure essentielle. Ce qui explique pourquoi ses œuvres sont encore jouées et admirées.

Parmi ces œuvres, il faut absolument citer ses Symphonies (on le surnomme d’ailleurs "le père de la symphonie"). Haydn a tant labouré ce genre qu’il en a sorti pas moins de 106 symphonies. Dans le dernier album de la Tafelmusik, c’est la 43e Mercure et la 49e La Passione qui sont proposées, avec la violoniste Rachel Podger – "La gloire britannique inégalée du violon baroque" selon le prestigieux Times – au premier violon et à la direction de l’orchestre canadien Tafelmusik.  

L’ensemble ontorien joue sur des instruments anciens ces deux symphonies écrites entre 1768 et 1771. À l’époque, le prestigieux compositeur viennois suit la cour impérial en Hongrie au Palais d’Esterházy dans la ville de Fertöd. Le livret précise que cet éloignement de la luxuriante et exaltante capitale austro-hongroise pour un lieu plus calme permit à Haydn de se concentrer sur ses créations sans distraction excessive. Le livret de l’album nous apprend qu’entre 1770 et 1774, dans ce lieu de villégiature hongrois, le compositeur autrichien écrivit pas moins de 17 symphonies, 12 quatuors à cordes, une demi-douzaine de sonates pour piano, 2 messes, un Salve regina et 4 opéras… Un  vrai stakhanoviste !

Lignes mélodiques architectoniques

La Symphonie 43 Mercure frappe d’emblée par sa vivacité et son classicisme que Mozart a certainement dû apprécier. Il y a, pour commencer, un Allegro lumineux et dense que les riches instruments d’époque viennent d’autant plus embellir. Avec Rachel Podger au premier violon, inutile de dire que les cordes ont le beau rôle. L’incroyable Adagio, à la fois quiète et mélancolique, est vraiment caractéristique du XVIIIe siècle classique, tout en retenues et en lignes mélodiques élégantes. Haydn n’exprimait-il pas ici sa mélancolie de Vienne ?

Arrêtons-nous sur le court Menuetto & Trio, un troisième mouvement lui aussi représentatif du style et des rythmes de l’époque. L’orchestre s’en empare sans complexe, avec une solide assurance. Autrichien dans l’âme, il est possible, dit le livret, que ce mouvement ait pu plonger la reine Marie-Antoinette dans une profonde nostalgie de son pays. La dernière partie de la 43e, avec son Final enlevé et dynamique, a donné à l’œuvre le surnom de Mercure, le dieu messager et celui des voyages. L’Allegro termine ce périple dans un bel enthousiasme, avec un orchestre mené tambour battant par Rachel Podger.

La seconde œuvre présent dans l’album est la Symphonie 49, dite La Passione. Écrite en 1768, elle s’inspire de la Passion chrétienne, d’où son titre. Elle aurait d’ailleurs été composée à l’occasion d’un Vendredi Saint. Il est vrai que cette symphonie est beaucoup plus grave et solennelle que la 43e, avec son long Adagio qui n’est pas sans majesté. À la plainte de ce premier mouvement succède un Allegro di molto vigoureux, à la fois grave et étincelant. Haydn fait preuve d’une audace certaine. Tout le classicisme du XVIIIe siècle est dans cette densité, ces rythmes envolés et ces lignes mélodiques architectoniques.

Restons dans ce XVIIIe siècle prérévolutionnaire avec le 3e mouvement sous forme de menuet (Menuetto & Trio). Rachel Podger s’y meut avec une belle aisance. Les instruments anciens ne sont pas pour rien dans cette impression d’être face à un Haydn comme ressuscité, sachant se faire délicat dans les cuivres mais aussi plus nostalgique que pieux. Ne serait-ce pas un Haydn qui, depuis la Hongrie, se languit de son Autriche de cœur ? Le Finale Presto termine en beauté une symphonie passionnée – dans tous les sens du terme.

Violoniste renommée, Rachel Podger a très bien fait de se mettre en danger pour la direction de ces deux symphonies. Elle prouve que le le XVIIIe siècle ne se limite ni à Bach ni à Mozart. Haydnissimo !  

Joseph Haydn, Symphonies 43 & 49, Mercure & La Passione,
Tafelmusik, dirigé par Rachel Podger
https://tafelmusik.org
https://www.bs-artist.com/pages/communication
https://www.rachelpodger.com

Voir aussi : "Caroline Leisegang ressort de l’ombre"
"Compositrices entre classicisme et romantisme"

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Il y a du Louis Arlette derrière la facture pop-rock sombre de Jeanphilip qui nous offre son nouvel album, Vérandas. Sa discographie comprend quatre albums, plusieurs EP et singles. Il a également donné en France près de 250 concerts, dont neuf tournées. Autant dire qu’il n’est pas tout à fait un inconnu de ce côté-ci de l’Atlantique. Dans Vérandas, Le chanteur canadien fait se mélanger sons pop-rock, rythmique rock, influence urbaine et bien entendu chansons en français.

Jeanphilip ne serait-il pas un gars "raisonnable" ? C’est en tout cas l’objet de sa confession, Qu’on se passe de moi, qui ouvre l’opus. Pas de prise de tête chez un musicien qui entend faire du vivre-ensemble quelque chose de cool, avec la fête comme philosophie. "On se vargue dessus / Le monde est plus cruel / Que ta sensibilité / C’est bien normal / Que l’ivresse reprenne ses droits", chante-t-il dans Ivresse, un titre pop et franchement emballant. Pour les auditeurs français, précisons que le verbe "varguer" signifie chez nos ami⸱e⸱s québécois⸱e⸱s "Cogner" ou "frapper". Voilà pour l’explication de texte.

"Calmos !" C’est en substance le message fort du musicien québécois dans le morceau rock Bûcher dans le tas. La cible ? Ces "résistants tannés… des animaux humbles du cerveau mal à l’égo". Il ajoute : "Ils se sont trouvé une bonne raison de commencer à se gonfler le torse". Il est plus explicite dans le titre électro-rock Dans nos vérandas : "Lorsqu’on les entend parler / Dans le sens du vent / C’est à se demander / Qui est au volant". Jeanphilip prêche la liberté, l’action et pas de prise de tête : "Si on ne fait que chialer / Dans nos vérandas / Vaut mieux pas rêver / Qu’la bêtise s’en ira".

Non, le chanteur veut d’abord s’amuser, de la bonne musique pour s’éclater : J’veux juste que ça groove… De la brillance / Croire en ce qui se passe" (En stéréo).

Pas si festif que ça, Jeanphilip

Derrière la voix caverneuse de Jeanphilip et les sons rock de son album, il y a une chaleur et une humanité qui touchent. Que l’on pense aux Amants, dans lequel le chanteur porte un regard attachant à ces amoureux, comme si le Georges Brassens des Amoureux des bancs publics s’était penché au-dessus de son épaule.

De là à dire que Jeanphilip est coupé du monde et des autres ? Non. "Il faut que je me pince je dois, être en train de rêver / L’impression que le monde va peut-être changer", chante-t-il dans le morceau électro-pop Fanfare. Le chanteur québécois se fait observateur à la fois lucide et conscient qu’il est difficile de peser sur notre avenir, lorsqu’il est question notamment de l’environnement : "Qu’on le veuille ou non / On ne contrôle pas les saisons" (Saisons).

Tout aussi sombre, Jeanphilip clôt son album avec un court morceau électro, réellement engagé, sinon menaçant : "Regarder l’orage rugir à l’est" (Orage à l’est). Nous, Européens, le voyons et le sentons, réellement (nous parlions dans une chronique précédente de l'Ukraine). Pas si festif que ça, Jeanphilip. Quel caractère ! 

Jeanphilip, Vérandas, Bunker D'Auteuil, 2024
https://ffm.bio/jeanphilip
https://www.facebook.com/JeanphilipMusic
https://www.instagram.com/jeanphilipmusic

Voir aussi : "Louis Durdek sur la route"
"Louis Arlette, classique et moderne"

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Voilà une bande dessinée étonnante, et par son titre et par son début mystérieux, faussement léger. L’album nous vient du Québec. Publié aux éditions La Pastèque, Le petit Astronaute  de Jean-Paul Eid est le récit vrai – quoique romancé – d’une histoire familiale et personnelle douloureuse qu’a connu l’auteur.  

Après un prologue onirique, sous forme de voyage spatial, nous suivons les traces d’une adolescente, Juliette, de retour dans la rue de son enfance. La maison familiale est en vente. La jeune fille prend le culot d’y entrer, comme des dizaines de potentiels acheteurs, pour redécouvrir les lieux. Les souvenirs reviennent, plus tenaces que jamais. Elle revoie sa famille, revit des scènes de son passé et se remémore la naissance de son petit frère qu’elle va bientôt surnommer "le petit astronaute".

"Tour de contrôle à Major Tom / Tes circuits sont morts, quelque chose ne va pas"

Tom est le nom de cet enfant. Un bébé désiré, attendu et aimé par toute la famille, jusqu'à ce que ses parents découvrent que quelque chose cloche. Des détails, des retards de développement et des interrogations les conduisent vers les médecins puis les hôpitaux. La nouvelle est terrible : le petit Tom est victime d’une anomalie fonctionnelle, un DMC (Déficit Moteur Cérébral). Condamné à la paralysie cérébrale, sa vie ne sera jamais celle d’un garçon comme les autres.

Après cette annonce, il y a un avant et un après dans la vie de Tourniquette – c’est le surnom de Juliette – et celle de ses parents. Toute leur existence est désormais rythmée par ce petit Tom que tout le monde décide de surnommer "le petit astronaute", un être bien vivant mais voyageant dans un autre monde. Et puis, il y a le regarde des autres, des proches, des voisins et de ces inconnus croisant le pauvre petit bonhomme.  

On ne peut qu’être bouleversé par l’histoire du petit Tom et de la manière dont chacun va accompagner son existence pour la rendre la plus douce possible. En lisant cette BD bouleversante, parsemée ci et là  d’expressions québécoises délicieuses, ne peuvent que venir en tête les paroles de David Bowie, dans on chef d'œuvre Space Oddity : "Ground Control to Major Tom / Your circuit's dead, / There's something wrong / Can you hear me, Major Tom?" ("Tour de contrôle à Major Tom / Tes circuits sont morts, quelque chose ne va pas, / Peux-tu m'entendre, Major Tom ?"). 

Jean-Paul Eid, Le petit Astronaute, éd. La Pastèque, 2021, 156 p. 
https://www.lapasteque.com/le-petit-astronaute
https://bd-eid.com

Voir aussi : "Révoltées, exilées, elles ne plieront plus jamais"

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