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folk

  • La grande famille de Kira Skov 

    C’est une merveille que je vous invite à découvrir : Spirit Tree de Kia Skov est un album brillant de mille feux. Chaque écoute fait surgir de nouveaux pans de cet opus à la sombre et sensuelle beauté. Et c’est là le propre des très grands albums que vous devez absolument avoir avec vous, et si possible au format CD ou vinyle. Je vous expliquerai en fin de chronique pourquoi.

    Pour l’extraordinaire album de Kira Skov, le moins que l’on puisse dire est que la musicienne danoise s’est offert de magnifiques featurings : Bonnie "Prince" Billy (Will Oldham), Bill Callahan, Mark Lanegan, Lenny Kaye, John Parish, Jenny Wilson ou encore Lionel Limiñana. Excusez du peu. 

    Une vraie famille comme le suggère Kira Skov lorsqu’elle présente ses collaborations dans un arbre "généalogique". Il est vrai que cet album de duos porte le titre de Spirit Tree, ce qui est logique et assumé. Elle dit ceci au sujet de cet opus conçu en pleine crise sanitaire : "Je suis tellement heureuse que tout le monde ait bien voulu participer au projet. L'album est né d'un véritable échange musical : Les bandes son ont toutes été enregistrées en direct à Copenhague, j'ai adressé les chansons aux uns et aux autres sous forme de fichiers audio et chacun y a ajouté sa voix au fur et à mesure."

    Spirit Tree est une œuvre incroyable aux sons folk et aérien, portés par une voix sensuelle, soyeuse et aérienne ("We Won’t Go Quietly", "Pick Me Up", "Tidal Heart"). Il se dégage de l’album une indéniable mélancolie. Lorsque, à l’instar du morceau "In The End" (en duo avec Bonnie "Prince" Billy, à la voix de crooner irrésistible), le désespoir affleure, la musique et les voix se révèlent aussi sensuelles et belles que le légendaire "Where The Wild Roses Grow" de Nick Cave et Kylie Minogue : "Lover anoint me / find me, destroy me / I am the daughter, sister, lover child / show me no mercy / spare me not the detail / I want to suffer for my sins."

    Une élégance désarçonnante dans cette pop-folk faussement désinvolte 

    C’est encore en duo avec Bonnie "Prince" Billy qu’elle se lance dans une magnifique déclaration d’amour, "Some Kinds Of Lovers" ("I wanna walk with you through the forests / Like some kind of lovers / Like many have before us / Hovering above us is a sky of distant stars and memories").

    Il y a une élégance désarçonnante dans cette pop-folk faussement désinvolte, à l’instar de "Horses", un morceau qui commence a capela avant de s’envoler dans une pop rutilante aux voix fragiles. Citons aussi "Burn Down The House" ou la formidable ode aux poètes, "Ode To The Poets", née d’un dialogue imaginaire entre Jack Kerouac et Dylan Thomas et qu’interprètent Kira Skov et Mette Lindberg.

    Il faut aussi parler du lent et lancinant "Love Is a Force", aussi menaçant qu’une plainte sourde, ou encore le sombre, mystérieux et onirique "Deep Poetry", soutenu par les mots en français de Lionel Limiñana : "Ma reine d’Ecosse / Féroce / Je t’ai tellement aimé / Je rêvais… / Anesthésié / De me faire la malle / Un de ces quatre / Avec mon couteau / À cran d’arrêt".

    On s’arrêtera tout autant sur "Dusty Kate" un titre pop qu’elle chante en duo avec Mette Lindberg et qui est un hommage à Kate Bush.  Quant à "Lenny’s Theme", Kira Skov propose un dialogue parlé-chanté avec Lenny Kays : "So, Lenny, tell me / What is it to duet ? / Tell me of the sacred dance / And the mystery of It" .

    Pour être complet sur Spirit Tree, il faut enfin absolument citer Mette Geisler, l’auteure des dessins réalisés pour un album qui est absolument à acquérir dans sa version physique. Une merveille musicale et vocale en même temps que graphique et éditoriale.  Un chef d’œuvre : j’ose dire le mot. 

    Kira Skov, Spirit Tree, Stunt Records / Unavolta Music, 2021
    https://www.facebook.com/kiraskovofficial
    https://www.instagram.com/kiraskov
    https://orcd.co/dustykate

    Voir aussi : "Transformations de Laughing Seabird"

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  • Transformations de Laughing Seabird

    Derrière le joli nom de Laughing Seabird se cache la Française Céline Mauge, à l’œuvre dans son très beau deuxième album, The Transformation Place,  avec ses 12 titres arrangés par Emmanuel Heyner.

    La chanteuse se fond à merveille dans un répertoire lorgnant tant du côté de l’Irlande ("My Shell"), de l’Angleterre ("Scarborough Fair"), des États-Unis ("In Spite Of") que de ce côté-ci de La Manche et de l’Atlantique ("Le somptueux règne des absents", "Karmen KéroZen", "Les filles sages et les autres").

    Avec une fausse légèreté,  Laughing Seabird aborde des sujets sérieux et parfois même rarement traités, comme la grossophobie dans le titre "I Feel Hat" qui ouvre l’opus : "I feet fat today / I ate too much yesterday evening". Pour le morceau "Vivre (No Way Back)", c’est la dépression qui est au cœur de cet appel à se ressaisir et avancer : "Chaque jour, travaille à te grandir / Réveille-toi, la terre est bien ronde / Chaque jour, œuvre à ton avenir / Et tu trouveras la voie".

    Balançant sans cesse entre folk, brit pop et chanson française, la musicienne d'origine bretonne revendique ses inspirations musicales anglo-saxonnes et irlandaises, à l’instar de la reprise du chant traditionnel "Scarborough Fair". On se ballade avec plaisir dans The Transformation Place, tant Laughing Seabird sait allier mélodies travaillées, rythmes entraînants et textes sensibles ("Direction oubliée (Let Go)").  

    "The Transformation Place", le titre éponyme de l’album, s’avère l’un des plus réussi : lancinant, coloré et gourmand, il frappe justement par ses transformations incessantes, ses ruptures et ses contrastes, tout comme par le travail sur la voix de Laughing Seabird, toujours sur le fil dans cet appel à ne jamais abandonner ses rêves d’enfant et à ne pas se fier aux premières impressions ("You have just opened the doors of your perception"). Tout cela est chanté, joué et interprété non sans clins d’œil assumé pour la musique psychédélique des années 70 (on pense par exemple au fameux "Bicycle Race" de Queen).

    Lancinant, coloré et gourmand

    L’étonnant et passionnant album de Laughing Seabird a beau être très cohérent, il n’hésite pas à prendre des chemins détournés, lorsqu’elle choisit de nous emmener du côté de l’Irlande, dans un voyage dépaysant et amoureux ("Just won’t fall in the trap / Take the road without a map / Sure to find not look for / Any key to a door… / I become the laughing seabird / And you’re my shell", "My Shell").

    Dans sa facture pop-rock assez classique, "Le somptueux règne des absents" dévoile un peu plus des failles de la douée et prolifique Laughing Seabird, comédienne, doubleuse et, ici, musicienne et chanteuse. Derrière ce titre énigmatique, se cache un morceau poignant sur une disparition qui ne passe pas : "J’ai beau me dire / Qu’il faut tenir / L’hiver s’installe et le froid empire… / J’ai beau vouloir et vaillamment croire / Mes combats sont vains quand vient le soir" ("Le somptueux règne des absents"). "L’appel du monde" semble répondre à ce cri de douleur : partir, découvrir le monde, chante-t-elle, comme en écho à ce qu’elle disait dans " The Transformation Place".

    La superbe reprise de Sailor Song" de Rickie Lee Jones ("I could fly away / But i take the sea / For stranger days than these") ainsi que le rock régressif "Karmen KéroZen" ont été inclus dans la bande original du film Ça tourne à Saint Pierre et Miquelon, réalisé par Christian Monnier et dans lequel joue, comme par hasard, Céline Mauge. La musicienne propose là aussi de nouvelles invitations au voyage, en pleine mer. Idéal pour laisser derrière soi ses tourments : "KarmenZéro, j’ai brisé mes chaînes / Rompu les barreaux de ma cage / Je suis pour toujours en voyage. "

    Laughing Seabird choisit le talk-over pour la dernière chanson faussement insouciante, "Les filles sages et les autres" : avec humour, effronterie et non sans un vibrant message féministe, Céline Mauge égratigne les contes pour enfants qui s'avèrent souvent être de vraies prisons mentales : "Les filles sages vont au paradis / Les autres, où elles veulent / Moi je poréfère suivre mon envie / Car la liberté n’a pas de prix." À bonne entendeuse… 

    Laughing Seabird, The Transformation Place, Ad Libertam / L'Autre Distribution, 2021
    https://laughingseabird.com
    https://www.facebook.com/laughingseabird
    https://www.instagram.com/laughingseabird

    Voir aussi : "Madeleine Cazenave derrière le piano"

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  • On the road again

    Avec Atlas, le premier EP du duo Morgane & Jeff, nous voilà dans les terres légendaires du sud étasunien.  "Dance In My Mirror" sent bon la country grass, les paysages du sud américain, les danses au soleil de Géorgie mais aussi l’amitié et l’amour.

    Le duo français – dans le civil, Morgane Gaudin et Jeff Mailfert – sait brouiller les pistes avec "Feuille de route". Non, ce n’est pas une resucée de la country américaine que propose l’opus mais  bien une relecture européenne – et même française – dans lequel le voyage prend l’allure de quête philosophique et métaphysique : "Et le temps file, / Tout se dessine à l’encre de nuit / Sous cette lune, nos pensées errantes / Tout se fige…"

    Bien entendu, le retour vers le sud profond américain n’est jamais loin, à l’image d’"Aneth", le portrait lumineux d’une jeune femme bourlingueuse, rêveuse et heureuse.

    Ode à la liberté

    "Rêve de grand" est un titre folk et plus mélancolique. Morgane & Jeff y content les rêves de l’enfance. Le besoin de voyage affleure dans chaque titre de ce joli EP, à l’instar du morceau "On The Train", à la pop-folk sixties, sentant bon le feu de bois sur une plage californienne un soir d’été indien.

    Finalement, c’est une ode à la liberté que ce mini-album de 6 pistes, qui n’étonne pas au vu de la carrière de ce groupe né à Vannes, en Bretagne. Morgane & Jeff  jouent ensemble depuis maintenant quatre ans. Après la restauration d'un van Volkswagen de 1986, ils sont partis dans trois tournées françaises, une autre de 15 dates en Asie et des scènes prestigieuses comme le Bus Palladium, Réservoir, La Bellevilloise ou le New Morning. En raison de la disette de concerts, il reste cet EP pour les découvrir ou redécouvrir. 

    Duo attachant et attaché aux racines pop-folk américaines ("Keep Your Warm"), Morgane & Jeff séduisent par leur sens de l’harmonie et la qualité exemplaire d’un EP que vous prenez plaisir à écouter et réécouter.

    Morgane & Jeff, Atlas, EP, CSB Records, 2021
    https://www.facebook.com/MorganeetJeff

    Voir aussi : "Qui connaît Roxane Arnal ?"

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  • Fanelly dans le Metro

    C’est peut-être un détail pour vous, mais l’album de Fanelly, Metro Stories, ne commence pas par le bref "Prelude" éthéré aux voix presque religieuses, mais avec le "It’s Gonna Make A Little Difference", un titre dédié aux victimes des attentas de 2015. Nous avions parlé déjà de ce morceau, à la sensibilité indéniable et sans pour autant que la chanteuse italienne tombe dans la sensiblerie.

    Mais arrêtons-nous quelques instants sur la piste 2 et ce fameux "Prélude", à la langue mystérieuse : "Og ot tog ev’I / Ni erom yna eb ob tnaw t’nob I tub…" Voilà qui mérite une explication. Suite à une manipulation hasardeuse sur son téléphone (la fonction "reverse"), la musicienne a joué la piste suivante, "One Step Behind" – mais à l’envers ("But I don’t want to be any more in / I’ve got to go"). Fanelly commente ainsi sa découverte : "J'ai bien aimé l'esthétique et la langue un peu mystérieuse qui se dégageait...une fois en studio j'ai donc décidé de le reproduire et de garder cette petite trace  dans l'album en prélude du morceau suivant."

    Ce court "Prelude" illustre ce qu’est Metro Stories : un album hybride, avançant sur un fil entre pop, jazz et folk ("One Step Behind"), parlant aussi bien de l’insouciance de l’enfance ("Koria", "The Bubble Man") que de sujets plus sombres ("Burnout", "It’s Gonna Make A Little Difference").

    La chanteuse est servie par une orchestration réduite mais d’une belle homogénéité, avec les guitares d’Elio di Menza, Mathieu Barjolin et Andrea Cianca et la flûte traversière de Marjolaine Ott.

    La voix pleine d’assurance de Fanelly sait se faire grave et mélancolique dans "Over". Dans ce séduisant titre pop-jazz, la voix de la chanteuse et les guitares se mêlent avec grâce et parlent de désillusion, de la fuite du temps mais aussi d’espoirs : "Over / experctations getting lower / But still dreaming of a life that / … That will maybe come."

    Une langue mystérieuse

    Tout aussi mélancolique, "Superhero" frappe par sa singulière simplicité pour un tel thème : décidément ce n’est pas facile d’être un super-héros et de sauver l’humanité, de New-York à Katmandou.  

    Fanelly nous offre avec "Koria" un très joli morceau intimiste, mêlant l’italien et le français. La chanteuse explique qu’il s’agit de la première chanson qu’elle a écrite pour cet album. Elle explique ceci : "J'étais en train d’étudier « Blackbird » de Paul McCartney. Ma fille de trois ans était avec moi. On a commencé à faire un jeu : donner un nouveau sens aux paroles, ou inventer de nouveaux mots. C’est comme ça que le mot « Koria » est né, un mot qui, en soi – au moins en italien et en français –  ne veut rien dire. Mais on peut attribuer à ce mot la signification que l'on souhaite, de façon « opportuniste ». C'est pour cela que le morceau dit : « Koria vuol dire sogno...se ne ho bisogno », c’est-à-dire : « Koria veut dire rêve… si j'en ai besoin »".

    Nous parlions de pop et de jazz. Mais le rock-folk fait aussi son apparition dans le formidable "Into The Woods". La chanson revisite le conte du Petit Chaperon Rouge perdu dans les bois et à la merci du grand méchant loup :  "What big mouth you are / To better eat youn with / The morning, will fall and save us / A mother, father childen… Are we alive or dead ? Don’t go through the woods / Said the hunter".

    Plus folk, "The Bubble Man" parle d’un "homme à bulles" qui tente de lier la terre et le ciel grâce à ses seules bulles ("He links the earth with the sky / Trying to deliver high"). Fanelly fait ici référence à un de ces nombreux artistes de rue capable. "J'en ai croisé un dans le métro de Paris à la fin de sa journée. Il m'a rappelé tout de suite un « bubble man » que j'avais rencontré auparavant à Praça do Comércio à Lisbonne…  Il enchantait tous les enfants qui étaient autour de lui avec ses grandes bulles de savon, qui montaient jusqu'au ciel, puis s'éloignaient vers l'océan pour disparaître. C'était un moment suspendu. J'ai pensé  que cet homme avait trouvé le sens de sa vie en faisant ces bulles.  Il livrait des messages de beauté au monde."

    "Inner Magic" vient terminer l’album avec la légèreté de bulles de savons, et avec toujours ce timbre jazzy et la délicatesse de l’interprétation. Une touche à la fois romantique et impressionniste, comme si Fanelly s’installait face à un paysage des Pouilles, et se laissait aller à savourer des plaisirs simples, avec la personne que l’on aime – et sans masque ("No mask required") ! 

    Fanelly, Metro Stories, 2021
    http://www.fanellymusic.com

    Voir aussi : "Je ne suis pas un héros "

    Photo : Fanelly

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  • Irrésistible Beyries

    Dès l’ouverture de son dernier album, Encounter, Beyries accroche l’oreille avec le formidable "What We Have" : les échos de sa voix cristalline et les vagues mêlées de claviers électronique et de guitare emmènent l’auditeur dans un pays merveilleux où la parole est rare mais précieuse : "Meet me on the other side / My love, I'm holding on to what we have." Son premier album, Landing, a connu un vaste succès populaire au Québec, avec 11 500 copies et plus de 15 millions d’écoutes sur toutes les plateformes. La voilà qui revient avec ce nouvel opus irrésistible.

    La chanteuse canadienne revendique l’influence du folk-rock, à l’instar du délicat "Closely", porté par des paroles d’une superbe mélancolie : "I've been waiting / Closely / All night long / Time's up / Heavy breathing / Silent grieving / White hollow tree".
    L’artiste sait aussi parfaitement manier les sons rock et pop à la Bruce Springsteen, autant que nous cueillir à froid avec "Over Me", morceau racé et fuselé, démontrant toute l’étendue du talent autant que des influences de Beyries.

    "Keep It To Yourself", aux sons seventies et planants, est un chant d’amour par une femme blessée réclamant de revenir aux premiers émois et aux premiers serments : "Can we go back / To the very single minute /  I took your hand / Love was all we had." Chanson d’amour également avec "Into You" qui est le chant d’une femme qui s’est retrouvée ("Can you feel it / I'm lost in you").

    Avec "One Of Touch", on retrouve la pop de Beyries, faite de réminiscences psychédéliques des années 70, avec ce sens du spleen autant que de la rêverie : "When the morning comes / I get out of luck / You're my dream, my everything / When I have to go."

    Le sens du spleen autant que de la rêverie

    "Graceless" est plus engagé. La chanteuse propose avec ce morceau un hymne à la paix : "How many more walls will we build / Are we that stupid God forbid / Blinded believers fighting guilt / In the name of Jesus and pretty things / Are you coming to get us."

    Pour "The Story Of Eva" la musicienne québécoise prend le parti d’une folk râpeuse et sombre sur un destin cruel. Un appel à l’aide que la chanteuse exprime ainsi : "Help me / I'm drowning / Help me / I'm dying." Diantre ! Précisons que le vidéoclip de "Graceless" à été conçu par la réalisatrice française Raphaëlle Chovin, à qui l’on doit aussi les précédentes vidéos de "Closely" et d'"Over Me".

    La seule chanson française, « Nous sommes" se révèle, avec la même mélancolie, comme un voyage amoureux, qui est aussi une revendication de liberté : "L'histoire est un voyage /  Entre les forêts /  Et les villages / Du sommet bleu des Alpes / Au creux du Grand Secret / Nous sommes / Des haltes / Des bêtes naïves au cœur du paysage /  Cherchant dans nos failles / Nos rêves et nos batailles / Chevaux sauvages."

    L’album se termine avec "Anymore", qui est le récit d’une descente dans l’enfer de la dépression : "I don't see daylight anymore / I need to rest ashore /  I have lowered my guard / And returned to bed." Beyries y fait le choix du piano-voix.

    Irrésistible, vous disais-je.

    Beyries, Encounter, Bonsound, 2020
    https://www.beyriesmusic.com
    https://www.facebook.com/beyriesmusic

    Voir aussi : "Où es-tu, Berry ?"

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  • Les signes de Vaiteani

    Je crois que l’on dit que derrière chaque grande artiste, se cache un homme. C’est bien l’expression exacte ?  Luc Totterwitz, l’autre moitié – alsacienne – de Vaiteani, ne s’offusquera sans doute pas si je dis que ce duo est essentiellement porté par sa chanteuse, Vaiteani Teaniniuraitemoana.

    Un peu plus de trois ans après leur premier opus et la remarquée et remarquable adaptation de "Belle-Île-en-Mer, Marie-Galante", le groupe propose un très bel album, Signs, mariant pop anglaise et musique polynésienne (mais aucun titre en français), avec neuf chansons aux titres sibyllins : "Embrace", "Signs", "Reason", "Angry" ou "Waters". Pour l’occasion, le groupe s’est allié le concours de la même équipe : le réalisateur artistique David Grumel (The Pirouettes, Neeskens) avec qui ils co-réalisent le disque, avec également le concours du producteur Manju pour leur reggae "Angry".

    Ce mélange des couleurs donne un opus lumineux qui nous titille agréablement les oreilles, tout en sachant apporter ce supplément d’âme fait d’humanisme, de générosité et d’amour, à l’exemple du titre "Embace" ("I embrace it all / The anger and the laughter / The pain that goes with the pleasure" / "J'embrasse tout / La colère et le rire / La douleur qui accompagne le plaisir."). Les musiciens ne disent pas autre chose : "Il y a toujours une façon d’entrevoir la beauté des êtres, même perdus".

    Folk polynésien

    On peut sans doute taxer ce nouvel album d’opus de world music, grâce à ses teintes océaniques et tahitiennes – Vaiteani Teaniniuraitemoana y est originaire. Que l'on pense aux morceau "Kiss Kiss" et surtout au formidable "Homai". "Écoutez le son de ma voix", commence en maori la chanteuse : "Te mau hoa ē / ’A fa’aro’o mai / I tō’u reo ē / ’A ti’a ’e ’a ’ori mai", avant d’enchaîner en anglais, avec la même générosité : "I don’t need no make up / I don’t need no dress / Tonight I wear the rhythm / My fabric be my dance" ("Pas besoin de maquillage / Pas besoin de robe / Ce soir je porte le rythme / Mon tissu est ma danse").

    Signs séduit par la pop mélodique et mélancolique ("My Life"). Le titre qui donne son nom à l’opus est une balade autant qu'une l’histoire d’amour riche de promesses : "You sending me signs / So that I lift my eyes to the skies / To read your love in the clouds" ("Signs").

    On pourra trouver dans les morceaux de l'album autant l’influence de cette pop-folk internationale héritée de Tracy Chapman qu’un rappel des origines et de la culture de la chanteuse de Vaiteani. À cet égard, on peut même parler de "folk polynésien". Ainsi, "Reason" est teintée de sons tahitiens, sans oublier le ukulélé joué par Luc Totterwitz, alors que "Heitiare" une très jolie ballade en maori, avec voix et piano. N’oublions pas non plus le reggae du morceau "Angry", signe que le duo entend bien surfer sur des influences venues de tous horizons.

    "Waters", un titre à l’électro-pop très actuel et à la belle luminosité, vient clôturer cette parenthèse enchantée et séduisante.

    Vaiteani, Signs, Motu Hani / Believe, 2020
    https://www.vaiteani.com
    https://www.facebook.com/vaiteanimusic

    Voir aussi : "Laura Perrudin en perspective"

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  • Qui connaît Roxane Arnal ?

    Roxane Arnal a choisi pour son premier EP solo Doorways une pop aux influences américaines, blues, country et folk, à l’image de "Rushed To Fly". Le titre délicat aux éclats mystérieux se développe avec ampleur et sensualité grâce à une rythmique blues et des riffs de guitare, sans cesse rattrapés par la voix veloutée de la chanteuse. Précisons au passage que l’artiste est également comédienne (Le Bazar de la Charité, Un Adultère, prix du meilleur espoir féminin au Festival de Luchon en 2018).

    C’est un vrai hommage à l’Amérique que propose Roxane Arnal dans Doorways, à l’exemple de sa formidable reprise du standard de Gillian Welch "No One Knows My Name" : "Oh, my mother was just a girl, seventeen / And my dad was passing through / Doing things a man will do / And my mother was just a girl, seventeen."

    "Doorways", qui a donné son nom à l’EP, propose un vrai voyage en soi, grâce à un enregistrement et une production menés de main de maître par Baptiste Bailly. La chanteuse entraîne l’auditeur dans un périple qui pourrait aussi bien être en Louisiane ou encore du côté de l’Espagne où l’album a été enregistré.

    La formidable reprise du standard de Gillian Welch "No One Knows My Name"

    Pour "The Key", un morceau pop-folk onirique, la chanteuse se livre en amoureuse et rêveuse. La musicienne a fait le choix là encore d’instruments acoustiques – guitares et piano.

    L’album se clôt avec "Give It All", un admirable morceau à la mélodie et aux arrangements travaillés avec soin. Sans oublier la voix juste et limpide de la musicienne et compositrice.

    L’EP a été produit grâce à un financement participatif chez Kisskissbankbank.

    Accompagnée de Baptiste Bailly (piano et chant), Roxane Arnal s’est entourée de beau monde (David Gadea aux percussions, Ales Cesarini à la contrebasse et Mariano Steimberg à la batterie), comme le prouve la facture de ce mini-album à la fois délicat, rigoureux, aux solides références et intelligent dans sa démarche. C’est la vraie belle surprise musicale en ce début d’année.

    Roxane Arnal, Doorways, feat. Baptiste Bailly, Quart de Lune, 2020
    https://www.roxanearnal.com
    https://www.facebook.com/roxanearnalmusic

    Voir aussi : "Casser la voix"

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  • Lillie country

    Mieux vaut tard que jamais : Lilie Mae toque discrètement à nos oreilles grâce à son premier album sorti il y a un an pile (Other Girls for That).

    Mais qu’est-ce qui fait la singularité de cette artiste quasi inconnue en France ? Sans doute qu’elle s’approprie la country, un genre injustement boudé et moqué par le public français, à l’oreille musicale pourtant infaillible – non, je déconne…

    Bref, Lillie Mae, découverte par Jack White en personne, s’impose par son choix de trousser des titres mêlant country et pop folk avec une rare sensibilité (Wash Me Clean, You’ve Got Other Girls for That).

    À l’instar de Ben Harper, ses pairs ne s’y sont pas trompés qui ont fait de Lillie Mae une de ces nouvelles voix américaines à suivre.

    Au public français de se débarrasser de ses préjugés pour craquer sur cette chanteuse pop-rock country, à la voix et au physique fragile et irrésistible.

    Lillie Mae, Other Girls for That, Third Man records, 2019
    https://www.lilliemaemusic.com

    Voir aussi : "O'Brother"

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