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  • Inappréciable nounou

    Ce serait une erreur de limiter Chanson douce, le roman de Leïla Slimani, à la simple chronique d’un fait divers sordide : le meurtre de deux enfants par une nounou au dessus de tout soupçon. L'ouvrage, légitimement plébiscité et encensé, s'avère bien plus complexe qu'il n'y paraît.

    Myriam et Paul sont les parents de Mila et Adam, deux enfants choyés. Pris dans ses obligations professionnelles et personnelles, ce couple de la classe moyenne fait appel à Louise, une nounou qui leur a été chaudement recommandée. En peu de temps, la jeune femme, investie, aimante, discrète, efficace et zélée, devient indispensable au couple de bobos – comme à leurs enfants. Louise finit par devenir un membre de la famille à part entière et à faire de la résidence de ses employeurs une seconde maison. Entre les cinq personnages – les trois adultes et les deux enfants – se noue une relation ambiguë dans lequel se mêlent les liens de subordination, la confiance mutuelle, le respect mais aussi la jalousie, la méfiance croissante et la frustration.

    Chanson douce commence par suivre le destin d’un homme et d’une femme étouffés par leur nouveau statut de parents. Il y a ces longues pages touchantes sur Myriam, littéralement aliénée par les journées consacrées à sa fille et à son bébé, et dont le salut viendra d’une inconnue aux qualités inappréciables. Paul lui-même ne peut que se réjouir d’avoir embauché une nounou qui a redonné vie à leur appartement et à leur famille. La gratitude ira jusqu’à les pousser à proposer à Louise de les accompagner en vacances en Grèce.

    Mais par un retournement subtil du roman, Leïla Slimani transforme le tableau idyllique en drame absolu. Elle instille par petites touches le poison qui va faire voler en éclat l’apparente harmonie que Myriam juge elle-même avec une lucidité certes tardive : "Leurs préoccupations leur apparaissent pour ce qu’elles sont : des petits soucis du quotidien, presque des caprices." De longs chapitres s’intéressent à Louise, à son lourd passé, à son quotidien sordide et à ses perspectives peu reluisantes.

    La rencontre entre Louise et ses employeurs est vouée à l’échec malgré les qualités irréprochables d’une jeune femme en grande souffrance – et dont les relations avec sa fille nous esquissées avec tact. Louise est autant coupable d’un crime épouvantable que victime de sa situation.

    Leïla Slimani complexifie à l’extrême son drame en mettant en scène une dialectique du maître et de l’esclave, transformant l’inappréciable et si indispensable nounou en véritable gouvernante régentant la maison jusqu'à en faire son domicile bis : "Plus les semaines passent et plus Louise excelle à devenir à la fois invisible et indispensable. Myriam ne l'appelle plus pour prévenir de ses retards et Mila ne demande plus quand rentrera maman. Louise est là, tenant à bout de bras l'édifice fragile. Myriam accepte de se faire materner. Chaque jour, elle abandonne plus de tâches à une Louise reconnaissante... Louise s'agite en coulisses, discrète et puissante. C'est elle qui tient les fils transparents sans lesquels la magie ne peut plus advenir. Elle est Vishnou, divinité nourricière, jalouse et protectrice. Elle est la louve à la mamelle de qui ils viennent boire, la source infaillible de leur bonheur familial." Un bonheur que l'auteure dépeint comme un vernis prêt à éclater car pollué par des rancœurs qui se font jour : "Une haine monte en elle. Une haine qui vient contrarier ses élans serviles et son optimisme enfantin. Une haine qui brouille tout. Elle est absorbée dans un rêve triste et confus. Hantée par l'impression d'avoir trop vu, trop entendu de l'intimité des autres, d'une intimité à laquelle elle n'a jamais eu droit."

    Avec un sens aigu de la psychologie, Leïla Slimani dépeint un drame intense traitant en filigrane une de lutte des classes qui n’en porte pas le nom. Ce brillant roman est en effet la peinture sociale terrible de ses plafonds de verre incassables et à ses fractures rendant irréconciliable des franges de la population qui se côtoient sans jamais se fondre, l'argent et la position sociale aliénant les individus jusqu'à l'irréparable. Le lecteur aura en tête cette scène de comédie humaine dans le jardin d’enfants où viennent se réunir les nourrices avec les enfants de leurs patrons : "Pendant que les enfants courent sur les graviers, qu’ils creusent dans le bac à sable que la mairie a récemment dératisé, les femmes font du square à la fois un bureau de recrutement et un syndicat, un centre de réclamations et de petites annonces."

    Louise, au départ personnage de polar et nounou aux pulsions criminelles, s'avère être un personnage universel, un archétype des invisibles de la société perdus dans un no man's land sans issue et voués à l'aliénation, jusqu'à l'irréparable.

    Pour ce roman tendu, sans concession et à l'écriture sèche, Leïla Slimani a été récompensée par un mérité Prix Goncourt.

    Leïla Slimani, Chanson douce, éd. Gallimard, 2016, 227 p.

  • Livre d’art ou bande dessinée ?

    ... Un peu les deux. Alex Varenne, un auteur marquant de la BD érotique, qui a fait l’objet de plusieurs chroniques sur Bla Bla Blog en 2016, présentait en cette fin d’année un autre visage : celui de peintre. Dans la lignée de Roy Liechtenstein, l’auteur des cycles Ardeur et d'Erma Jaguar exposait à la galerie Art en Transe Gallery un choix de toiles, Strip Art.

    Les éditions Zanpano proposent le catalogue de cette exposition, des reproductions d’environ 120 peintures, élégantes, chatoyantes mais aussi osées.

    Chaque page s’apparente à une planche de bandes dessinées, avec titre calligraphié, toutes regroupées en chapitres (Territoire de la Femme, Reines de l’Amour, Pulsions et Compulsions, Charmes asiatiques, Requiem et Épilogue).

    Quelques commentaires éclairent ces parties, mais sans trahir ce livre d’art conçu comme une authentique BD, rendant l’ouvrage d’une grande accessibilité.

    Dans sa préface, Vincent Bernière rappelle que "dans les années 60, des peintres américains ont pillé la bande dessinée pour en faire de l’art." Et voilà que 50 ans plus tard, par un retournement de l’histoire, Alex Varenne, "l’ancien tachiste", mais aussi légende de la bande dessinée érotique, s’est retrouvé adoubé par le milieu des beaux-arts et par les grandes salles de vente – jusqu’à "se venger phonétiquement du pop part." Et devenir l’égal de ses pairs.

    Alex Varenne, Strip Art, préface de Vincent Bernière, éd. Zanpano, 2016, 128 p.
    Dossier "Alex Varenne"

    © Alex Varenne

    Bla Bla Blog était partenaire de l'exposition Strip Art

  • Mais que lit donc un geek ?

    Les geeks souriront au nom "404 Factory" : le célèbre code d'erreur informatique "404" a été choisi pour désigner la "plate-forme d'écriture et de lecture créée par des geeks pour des geeks."

    La publication en ligne, déjà bien installée depuis quelques années, est sans doute en passe de prendre un nouveau visage avec l’émergence d’éditeurs numériques et Internet spécialisés. Malin, 404 Factory a choisi de s’attaquer à une niche a priori réceptive : celui des férus et spécialistes en informatique, "no life", nomades numériques, nerds et autres geeks. Créé il y a tout juste un an, 404 Factory revendique d'emblée son positionnement dans la pop-culture, celle de Minecraft ou de la Youtubeuse Andy et son roman en ligne Princesse 2.0.

    Mais que lit au fait un geek ? Et que pourrait-il écrire ? Pour avoir une réponse, le bloggeur a entrepris un tour sur 404 Factory et vous invite à l’imiter pour découvrir d'étonnantes stories, en sachant que cette plate-forme est gratuite.

    Les textes mis à disposition – et dont beaucoup sont à l'état d'ébauche – sont classés en 10 rubriques (ou "univers") : "Fantasy", "Sci-fi", "Objet Littéraire Non Identifié", "Fan Fiction", "In Real Life", "Gaming", Apocalypse", "Super Héros", "Steampunk" et "LOL".

    C'est la fantasy qui constitue le vivier le plus important du catalogue littéraire. Les geeks – et les autres – pourront y trouver des personnages familiers de l'héroïc-fantasy (citons Blanche Diamand et le Secret des Gardiens de Laura Said ou L'Entre-Monde d'Eydal) comme des incursions dans des univers dans la dark fantasy (Bran : Les Gardiens de Londres de Bastien Puech-Cessens) ou des contes d'ailleurs (Six Histoires pas très sages de Nurming).

    La science-fiction est l'autre domaine richement fourni chez 404 Factory : anticipation, voyages spatiaux-temporels, mondes d'ailleurs et créatures extra-terrestres inspirent le monde des geeks, même si nombre de textes restent à l'état d'ébauches comme Aurores d'Antoine Tyson le Maistre. D'autres projets sont plus évolués comme L42 d'EternalBoredorm, voire terminées comme Planète Ourrah d'Eva Colombe.

    404 Factory est une auberge espagnole dont la diversité n'est pas la moindre de ses qualités : à côté des textes plus ou travaillés, plus ou moins maladroits ou de projets arrivés presque à maturité, surgissent de simples pitchs à la faisabilité douteuse, que ce soit un préquel de Star Wars ou un début de spin-off d'Harry Potter mettant en scène le couple Drago Malefoy et Hermione Granger (Un amour haineux d'Elisa Mamet Roussel). Les histoires inspirées d’œuvres existantes font d'ailleurs l'objet d'une rubrique à part entière (Fan Fiction) où se pressent tour à tour le petit sorcier de JK Rowlings, l'Alice de Lewis Carroll, Sherlock Holmes ou les Pokémons !

    Le Objets Littéraires Non Identifiés renferment de petits trésors d'imagination, dont les couvertures ou simples titres font saliver : Je me suis perdu sur Internet de Joseph Bonte, L'envol d'une Cui-Cuillère de Léonardi di Carpaccio (sic), Favolascuro – Vies indépendantes d'Amanda_as ou Comment j'ai épousé mon commandant d'Unité de Sébastien Carré.

    Real Life présente "des stories ancrées dans le réel" : new romance (Amoureuse d'un Bad Boy d'Anastasija), suicide, prostitution ou addiction sont proposés à la "mode geek", avec ce je ne sais quoi d'impertinence mais aussi d'humour, tel le Journal d'une Patate de TheCutestPotato.

    Les univers du gaming et des super-héros s'offrent des places de choix chez 404 Factory. Le geek adore jouer jusqu'à pas d'heures ; le geek adore les personnages de Marvell ou de DC Comics ; le geek dévore les mangas : il se trouvera en terrain familier sur cet espace s'inspirant des jeux de rôles, des livres-jeux, des jeux vidéos ou des figures classiques du super-héros : Les Cauchemars se Peignent haut en Couleurs de Mélodie Wolfheart ou A Marvelous Carnage de Benjamin Beziat pour les deux ouvrages.

    Les sections Apocalypse et Steampunk sont les plus sombres de 404 Factory, que ce soit Apocalypse Doll de June DPZ, Z – Premiers Morts de Sebastien Carré (avec, pour figure à la mode, le traditionnel zombie) ou Chaos³ de MiKL BD. À noter la présence parmi les textes publiées d'une pièce de théâtre, L'Ombrelle de Mme Arriem de Luma.

    La dernière section, symptomatiquement appelée "Lol", rassemble quelques stories – ou plutôt projets de stories – inclassables : textes poétiques, loufoques, absurdes, dialogues décousus et expérimentations pour geek littérateur. Mais il est vrai que 404 Factory dans son ensemble reste un vaste champ d'expérimentations et de works in progress.

    www.404-factory.fr

  • Le kitsch chez Rachel Maclean : pour qui ? Pour quoi ?

    C’est Noël, c’est Noël, c’est Noël ! Un peu de fantaisie, de féerie, y compris sur Bla Bla Blog... Enfin, finalement non, car, là, je vais vous parler de Rachel Maclean.

    Cette artiste multimédia écossaise propose un univers étonnant et détonnant dans lequel l'imagination à la Tim Burton, matinée de David LaChapelle, est utilisée à des fins d'engagement.

    Chez Rachel Mclean, le kitsch est élevé au rang d'art et d'arme : derrière des créations joyeuses et absurdes se cachent des discours sérieux, voire sombres sur notre époque. Cela explique pourquoi cette personnalité majeure de la création contemporaine se voit auréolée d'expositions prestigieuses à Londres, Édimbourg, Munich, Saint-Petersbourg ou Venise et de récompenses flatteuses, notamment le prix Margaret Tait Award au Festival du film de Glasgow en 2013.

    Ainsi, la créatrice écossaise épingle en 2014 le fantasme impérialiste du Royaume-Uni en grimant le premier ministre de l'époque, James Cameron, en sbire colonial, avec tenue de camouflage, casque idoine et atours ecclésiastiques. Le Nouveau Monde (A Whole New World), que Rachel McLean épingle dans son film aux images travaillées et saturées de couleur, est celui de la vaine nostalgie pour un ordre du monde d'une époque révolue.

    Les "produits" de l'imaginaire merveilleux – personnages de Disney, déguisements, références aux contes de fée – deviennent des moyens de lire et de décrypter la réalité contemporaine. Ainsi, l'artiste écossaise a traité la question de l'identité de son pays dans son film Le Lion et la Licorne (2012) en mettant en scène le partage symbolique d'un gâteau aux couleurs de l'Union Jack par une reine grimée de manière outrancière.

    En se mettant elle-même en scène dans ses performances, Rachel Maclean interroge notre société sur son fonctionnement et sur des aspects de notre culture : la télé-réalité, les réseaux sociaux, la publicité omniprésente, l'appauvrissement du langage, le culte de la beauté et de la jeunesse.

    Chez Rachel Maclean, contes de fée, figures de la télévision (comme Kim Kardashian) ou personnages de dessins animés sont utilisés avec un sens de la créativité ébouriffant pour interpeller le spectateur sur "le culte de la jeunesse et l'enthousiasme exagéré et le marketing du bonheur" (Home Art, "Rachel Maclean: Wot u :-) about?").

    La jeune femme s'exprime ainsi au sujet du message qu'elle véhicule dans ses œuvres faussement naïves : "Je me suis intéressé à l'idée que l'enfance soit un espace tout à fait distinct et spécial, et comme coupé du monde adulte... En même temps, il y a quelque chose d'horrible dans ce sentiment d'altérité que nous avons créé chez les enfants." Un sentiment d'altérité jamais aussi présent que ce jour de Noël.

    Rachel Maclean: Wot u :-) about?, Tate Britain, Londres,
    29 octobre 2016 – 8 janvier 2017
    http://www.rachelmaclean.com

    © Rachel Maclean

     

  • Le Bilboquet c’est sexy

    Le bilboquet est ce jeu d’enfant dont le principe pourrait rappeler des activités un peu plus adultes. Mais Bilboquet c’est aussi le magazine des étudiants de l’association C'BD du CESAN, la première école de bande dessinée et d’illustration parisienne dont le premier numéro est justement consacré au sexe. Leurs auteurs étaient venus présenter leur ouvrage dans le cadre du premier salon de la littérature érotique.

    Le premier intérêt d’une telle revue collective est la variété de styles, d’univers et de talents. De ce point de vue, Bilboquet rassemble un vivier de créateurs qui risquent bien de faire parler d’eux dans quelques années. Mais n’allons pas trop vite en besogne et arrêtons-nous sur cette revue auto-éditée qui sera notamment présentée au prochain festival d’Angoulême (26 au 29 janvier 2017) et au Pulp Festival (du 21 au 23 avril 2017). Les responsables du projet, Matthias Bourdelier et Arthur Doremus, par ailleurs auteurs de plusieurs œuvres dans ce collectif, présentent l’ouvrage comme "un paysage éclectique, une diversité de personnalités, qui feront les prochains talents de la bande dessinée et de l’illustration."

    Aux planches poétiques, oniriques et surréalistes de Margaux Sourriceau, Claire LafargueKelly Calvez ou Charlotte Valerio (illustration de cet article) répondent des saynètes passionnantes et touchantes comme Je suis de Celles de Sarah Ulrici, une adaptation BD d’un titre de Bénébar (au passage, les fans du musicien populaire découvriront une interprétation culottée d’une de ses chansons). Emma Geisert propose, elle, une chronique sur un amour de vacances contrarié.

    Dans cet album dédié au sexe, certains auteurs se démarquent en prenant des chemins détournés, qui ne sont pas les moins intéressants. Le bloggeur citera d’abord Maël Nahon et ses très frappantes planches pop-art consacrées au bondage. Dans un genre diamétralement opposé, Antonin Serrault choisit la veine minimaliste grâce à une conversation entre deux hommes sur le thème du coup de foudre et rêve romantique. Le lecteur saluera le soin apporté au texte comme la finesse du coup de crayon. Le style du prometteur Antonin Serrault n’est pas sans rappeler Bastien Vivès que nous aimons particulièrement sur Bla Bla Blog et qui augure une carrière prometteuse.

    Autre style, autre auteure, Camille Brunier propose plusieurs pages au graphisme très travaillé. C’est d’abord Désir, deux somptueuses pages dans lesquelles les textes, en forme de suppliques amoureuses, viennent épouser des corps contorsionnés et comme gravés. Camille Brunier confirme son talent d’illustratrice avec sa suite de peintures aux formes naïves parfois réduites à leur plus simple expression. Les influences seraient à chercher du côté de l’affichiste des années 30, Cassandre.

    Dans une veine plus comique (Pin up Dessinatrice), Lounis choisit de détourner les jeux de points à relier et les labyrinthes pour activités interdites aux mineurs. Nico et Chad Poroi montrent de leur côté d’un humour noir assumé : le sexe n’est plus ludique ou futile mais souffre de névroses, de pulsions, voire de folie. Le personnage autobiographique de Nico ou ce couple de petits vieux de Chad Poroi grimacent et copulent dans des scènes rythmées et très rock.

    Matthias Bourdelier propose deux histoires différentes mais aussi touchantes et bien vues l’une que l’autre. La première, muette, met en scène un couple s’étreignant dans une salle de bain aux couleurs chatoyantes ; l’autre narre en noir et blanc une rencontre entre Jérôme et Sophie. La sécheresse de leurs dialogues et leur distance deviennent le véritable enjeu de ce couple, jusqu’aux dernières cases cruelles et à la rare pertinence.

    Les lecteurs pourront également admirer comment Arthur Doremus traite avec talent, réalisme et causticité de la vie sexuelle des agents de la RATP. De son côté, Marina Savani illustre au crayon sur deux pages une danse acrobatique, sensuelle et insolente entre corps féminins et motos. Une lointaine influence de Brigitte Bardot ?

    Elric Dufau clôt Bilboquet avec une série de six planches drôles, impertinentes, et qui sont une relecture croustillante de comics américains des années 50.

    Comment ne pas terminer cette chronique avec Marine des Mazery qui ouvre ce collectif ? Ses trois historiettes savoureuses s’inspirent des contes pour enfant qui, grâce à un simple carré de plastique rouge, deviennent des histoires salées. Et voilà comment le lecteur tombe dans le piège espiègle de cette jeune auteure. Il est vrai aussi que là, comme ailleurs, le plastique peut avoir des vertus insoupçonnées.

    Bilboquet, Cesan, 2016
    Matthias Bourdelier
    Arthur Doremus
    Marine des Mazery
    Margaux Sourriceau
    Claire Lafargue
    Kelly Calvez
    Sarah Ulrici
    Maël Nahon
    Antonin Serrault
    Marina Savani
    Elric Dufau
    et avec aussi : Charlotte Valerio, Camille Brunier, 
    Nico
    Lounis, Chad Poroi et Emma Geisert

  • On ne joue plus

    "Le succès, c’est d’aller d’échec en échec sans perdre son enthousiasme" disait Winston Churchill.

    Surviving Indie aborde le thème des batailles (parfois vaines) menées pour monter un projet dans le jeu vidéo, une industrie qui beaucoup fantasmer mais qui est aussi très concurrentielle et aujourd’hui archi-bouchée. Gamestar Arts et Devolver Digital Films  traitent du processus de création, avec son corollaire : l’échec.

    Surviving Indie raconte l’histoire de ceux qui ont réussi dans le gaming, comme ceux qui ont échoué ou ceux qui continuent d’essayer, encore et encore.

    Souvent perçu comme romantique, le monde du développement de jeux vidéo indépendants est ici présenté sans faux-semblant, dans toute sa complexité et ses atermoiements. Il est vrai que pour arriver à un jeu que vous retrouverez dans la console de votre salon, sur votre ordinateur, votre tablette ou votre smartphone, l’énergie dépensée s’apparente à une bataille contre des moulins à vent.

    Plusieurs figures du gaming sont présentes dans ce film : Rami Ismail (Ridiculous Fishing, Nuclear Throne), Kellee Santiago (JourneyFlowerFlow), Becca Bair Spurgin (Arcadian Atlas), Ryan Zehm (Multi-award winning VR developer), Jay Tholen (Dropsy, Hypnospace Outlaw), Tyler Coleman (Merchant) et Richard James Cook (Pixel PoetryBattlesloths, Super Combat Fighter)

    Devolver Digital propose la sortie de ce documentaire en exclusivité sur Steam. D’autres plateformes de VOD seront annoncées pour début 2017.

    Surviving Indie, en exclusivité sur Steam
    http://wwww.SurvivingIndie.com

    http://www.twitter.com/SurvivingIndie

  • Rogue One : contrat rempli, mais sans la magie

    Pourquoi le bloggueur est-il sorti frustré par le dernier Star Wars, Rogue One ? Encore que parler d’opus "Star Wars" pour ce prequel se déroulant peu de temps avant l’épisode IV (Un Nouvel Espoir, de fait le premier tourné en 1977) s’avère un contresens. Certes, le cahier des charges est rempli par Walt Disney pour contenter les fans de la saga : créatures extraterrestres, robots en pagaille, batailles spatiales, lutte contre le bien et le mal et – the last but not the least – le retour de figures bien connues, Dark Vador en tête (voir aussi cet article sur l'acteur Peter Cushing). Pour autant, d’où vient ce sentiment d'inaccomplissement et de frustration ?

    Sans doute pas de l’histoire. Les scénaristes ont ingénieusement développé une intrigue autour du fameux plan volé par la princesse Leia Organa au début de l’épisode IV, ce qui permet de faire la soudure avec le reste du cycle. L’impétueuse héroïne Jyn Erso (Felicity Jones) part à la recherche de son père, Galen Erso (Mads Mikkelsen, toujours aussi bon), ingénieur en chef chargé de construire l’Étoile de la Mort, diabolique arme destructrice de planètes. La jeune femme se trouve enrôlée dans les rangs d’un groupe de rebelles, avec parmi eux Cassian Andor, Baze Malbus, Chirrut Imwe et K-2SO, un robot plus vrai que nature et sans doute l’une des plus belles inventions de ce Star Wars. Tout ce petit monde part à la quête du plan de l'arme monstrueuse.

    Moins manichéen que les autres épisodes (si l’on excepte La Revanche des Siths), Rogue One respecte l’esprit de George Lucas en ce qu’il fait la part belle aux luttes cornéliennes, aux tensions familiales et aux chemins escarpés que doit suivre la Force dans un monde soumis à l’Empire.

    Les spectateurs apprécieront sur grand écran ce qui a toujours fait la magie de cette saga légendaire : les effets spéciaux (et aujourd’hui numériques), les vaisseaux spatiaux tous plus impressionnants que les autres, les combats et, plus spécialement pour ce spin-off, des paysages à couper le souffle. Jyn et ses acolytes vont de planète en planète : des landes vertes et humides de Lah'mu aux paysages désertiques de Jedha, en passant par la la base scientifique sombre et humide d’Eadu et la tropicale et faussement paradisiaque planète Scarif. C’est dans ce dernier monde que se déroulera la grande bataille pour la recherche du fameux plan et dont la furie guerrière n’est pas sans rappeler Apocalypse Now ou Full Metal Jacket. La longue et passionnante séquence autour et dans la tour d’archivage impériale identifierait pour certains Rogue One à un film de guerre. Ce serait cependant aller bien vite en besogne pour un long-métrage Disney à prendre tel qu’il est : un divertissement familial, certes plus sombre que les autres opus.

    Factuellement, Rogue One reste réussi. Mais ce spin-off se démarque trop des autres épisodes : pas d’introduction classique au large bandeau jaune défilant, une musique originale décevante et singeant les majestueux accords de John Williams (les auteurs n’ont heureusement pas été jusqu’à supprimer le traditionnel générique de fin) ou l’absence de combats au sombre laser – les puristes n’apprécieront pas. Plus important sans doute, ce qui faisait le charme des deux premiers cycles - héros mythiques, scènes quasi mythologiques telle la transformation faustienne d'Anakin Skywalker en Dark Vador et références quasi mystiques à cette religion qu'est la Force - est absent de ce prequel malgré toute la bonne volonté des créateurs et des acteurs.

    Il reste que les scénaristes et le réalisateur ont mis en place une ingénieuse séquence finale s’accordant à la perfection avec l’épisode IV de Star Wars. Rien que pour ce dernier coup d’éclat, Rogue One est à voir. Mais ne vous leurrez pas : au contraire du Réveil de la Force, sorti l'an dernier, la magie risque cette fois de ne pas être au rendez-vous.

    Star Wars : Rogue One, film américain de Gareth Edwards,
    avec Felicity Jones, Diego Luna, Ben Mendelsohn,
    Forest Whitaker et Mads Mikkelsen, 2016, 133 mn
    "Le réveil d'une épopée"

  • Les plus beaux yeux du cinéma se sont fermés aujourd'hui

     

    Michèle Morgan (1920-2016)