Attention, les oreilles ! Avec Abacaxi, le projet audacieux et passionnant de Julien Desprez, la guitare est poussée dans ses derniers retranchements, au service d’une création contemporaine audacieuse, sinon inédite. L’album est tiré d’une captation publique au Périscope de Lyon le 24 janvier 2024.

"Abacaxi", qui signifie "ananas" en brésilien, n’a rien d’un voyage latino. Par contre, le dépaysement est là, dans cette manière de s’approprier guitares et batterie bousculées, triturées, perfusées de rythmes rock et funk et au service d’un nouveau langage musical (Licasso).

Impossible d’être indifférent aux sons incroyables de Julien Desprez, à la composition et à la guitare, et de ses deux acolytes que sont Francesco Pastacaldi (batterie) et Jean-François Riffaud (basse). Devant le public du Périscope, le programme Abacaxi semble se jouer des outrances des grands guitaristes des années 60 et 70 – Jimi Hendrix en tête – pour montrer justement que l’on pouvait aller beaucoup plus loin dans la virtuosité,  en mêlant rock, musique industrielle et contemporain (les trois parties de Quetzal). Cet art de faire tomber les barrières entre genre et gravement séduisant. Et déstabilisant.

Julien Desprez va jusqu’au bout de ses idées, étirant les six mouvements de l’album (Mainstream Desire dépasse les 13 minutes) pour en sortir tout le jus de son ensemble guitare-batterie-basse au service d’une composition incroyable d’imagination et même de mystère. 

"Musique cubiste"

Pour définir l’album, Julien Desprez parle de "musique cubiste", "une musique où les éléments sont balancés dans l’espace… aucun de nous ne joue en même temps. Les sons se répondent dans un autre espace" et se répondent, non sans improvisation. On pense à la partie III de Quetzal. "On joue avec l’écriture pour prendre des libertés", ajoute, non sans malice et enthousiasme, Julien Desprez.

"Abacaxi" fait référence, non sans humour, à une expression locale qui veut dire, en français, "Il y a un pépin" – d’ailleurs, si pépin il y a eu durant ce concert du 24 juillet 2024, il n’a été que technique et géré avec humour, chaleur humaine… et partages de bières. Le public du Périscope a-t-il être déstabilisée par ce projet musical audacieux, pour ne pas dire "savant" ? Et bien, non ! "Parfois, cela provoque des sortes de transes dans le public. Ça crie !", ajoute le musicien et compositeur, ravi que l’aspect festif et rythmé de son opus ait trouvé ses admirateurs et admiratrices (Churros).

La musique contemporaine est-elle forcément chiante ? La réponse est évidente avec cet album proposé par b.records. Julien Desprez et ses amis font de la guitare et de la basse des instruments ayant toute leur place dans la création actuelle, nous interrogeant même sur les dialogues sonores entre musique savante et mainstream (le somptueux, envoûtant et non moins inquiétant Mainstream Desire). Il s’agit sans nul doute d’un album qui mérite de faire date dans sa manière de bousculer les genres et de repenser les instruments pop-rock dans la composition actuelle. Et tout cela, en rythme et dans la bonne humeur. Yeah !  

Julien Desprez, Abacaxi, b•records, coll. Périscope, 2025 
https://www.b-records.fr/disques/abacaxi
https://www.juliendesprez.com

Voir aussi : "Pas si frivole que ça"

Tenez-vous informés de nos derniers blablas
en vous abonnant gratuitement à notre newsletter.

Likez, partagez et instagramez les blablas de Bla Bla Blog !

Roxane Elfasci, que nous avions chroniquée et même interviewée, revient avec un étonnant et passionnant album, Glass Gaze, qui donne à écouter et découvrir Philip Glass grâce à la guitare. Accompagnée de Baptiste Erard, à la guitare comme elle, et du batteur et percussionniste Théo Lampérier, Roxane Elfasci a choisi 12 Études du compositeur américain pour en faire de petits joyaux. Roxane Elfasci et ses acolytes ont choisi de les proposer dans le désordre.

Le compositeur américain n’a jamais refusé de voir son œuvre adaptée, à partir du moment où elle pouvait toucher un plus large public que celui du contemporain et du classique, voyant dans la pop un terrain de recherche musicale. Les premières notes de l’album, avec l’Étude n°1, commencent d’ailleurs de la plus pop-rock des manières.

La guitariste a donc arrangé 12 de ses 20 Études pour piano, encensées dès leur création au mi-temps des années 1990. Le minimalisme de Philip Glass – l’un des chef de file du courant répétitif américain – laisse place à un ensemble de pièces à la fois harmoniques, lumineuses et intimes (Étude n°18). Les guitares de Roxane Elfasci et de Baptiste Erard viennent donner une couleur méditerranéenne (Étude n°2 ou les rythmes de la n°17). Il n’empêche que l’écriture du compositeur minimaliste, ses boucles et ses variations hypnotiques, se reconnaît dans certaines pièces (la magnétique Étude n°6 ou la n°17).

Et si Glass était un néoromantique qui s’ignore ?

L’auditeur ou auditrice trouvera dans cet opus sensible et brillant de quoi se réconcilier – s’il y a besoin – avec un répertoire contemporain injustement boudé. Roxane Elfasci et ses amis donne à découvrir un génie qui ne saurait se limiter à ses structures répétitives, certes passionnantes (Étude n°7). Ainsi, l’Étude n°20 touche au cœur par sa délicatesse et son onirisme que l’on dirait debussyens. Et si Glass était un néoromantique qui s’ignore ? C’est ce que Roxane Elfasci donne à entendre et comprendre (Étude n°8). L’écriture précise du compositeur américain se déploie avec rigueur et richesse dans cette pièce qui prend son temps.

L’Étude n°4, plus sombre, laisse place à une 3e rythmée, presque pop-rock, mais avec toujours cet esprit glassien. Roxane Elfasci se fond avec plaisir dans cette pièce dense, technique et piégeuse.  

Le travail sur les percussions de Théo Lampérier est d’autant plus intelligent qu’il ne vient pas alourdir la relecture à la guitare des Études de Glass mais au contraire les ponctuer avec discrétion pour ne pas dire parcimonie.

L’album se termine avec l’Étude n°16, dense et romanesque. Une magnifique fin pour ces Études qui semblent avoir toujours été écrites pour le piano. Un joli tour de force de la part de Roxane Elfasci et de ses amis.

Roxane Elfasci & Baptiste Evrard, Glass Gaze, Amigo, 2025
https://roxane-elfasci.com
https://www.instagram.com/roxanelfasci
http://amigo-musik.se

Voir aussi : "Guitare et classique by Roxane Elfasci"
"Roxane Elfasci : "La relation avec un instrument est assez conflictuelle..."

Tenez-vous informés de nos derniers blablas
en vous abonnant gratuitement à notre newsletter.

Likez, partagez et instagramez les blablas de Bla Bla Blog !

Bastien David (né en 1990) recevra ce17 mai à Munich un Prix de composition décerné par la prestigieuse Fondation Ernst von Siemens. Cette année, le Grand Prix sera remis au chef d’orchestre Simon Rattle. Bla Bla Blog avait parlé de ce compositeur il y a moins d'en an, à l'occasion de la sortie d'un album de la violoncelliste Marie Ythier.  

Le musicologue Ulrich Mosch, membre du jury de ce prestigieux prix de composition, commente ainsi la récompense du compositeur français : "Ce n'est pas seulement son imagination sonore qui est spéciale, mais aussi sa conception du temps, la façon dont il structure une œuvre, la dramaturgie qui le distingue de beaucoup d’autres".

Bastien David figure également cette année parmi les coups de cœur de l’Académie Charles Cros avec son disque monographique Nuées d’encre consacré à ses œuvres pour accordéon autour du musicien Vincent Gailly. Il est le directeur artistique de la Compagnie Les Insectes, dédiée à l’instrument de percussion, le Métallophone au 12ème de ton, dont il a finalisé la création lors de sa résidence à la Villa Médicis.

Il travaille actuellement à une nouvelle œuvre Nous sommes Orage, qui rassemblera l’Ensemble Intercontemporain et les Insectes. Imaginée comme une soirée de transe acoustique, cette nouvelle partition mettra en jeu de nouveaux instruments conçus spécialement pour l’évènement. A découvrir à l’automne 2026 à la Cité de la Musique – Philharmonie de Paris !

Le jeune compositeur Bastien David distingué
par la Fondation Ernst von Siemens et l’Académie Charles Cros
https://www.bastiendavid.com
https://evs-musikstiftung.ch/en/composer-prize/bastien-david
http://charlescros.org

Voir aussi : "Marie Ythier, sans l'ombre d'un doute"

Photo : Fondation Ernst von Siemens © Rui Camilo

Tenez-vous informés de nos derniers blablas
en vous abonnant gratuitement à notre newsletter.

Likez, partagez et instagramez les blablas de Bla Bla Blog !

Dès les premières notes de cet album de b•records, nous sommes indéniablement chez Philip Glass, compositeur américain du courant répétitif américain. Il s’agit d’un enregistrement public d’un concert à la Cité de la Voix de Vézelay, le 11 janvier 2024.

Another Look at Harmony date de 50 ans déjà mais l'œuvre reste d’une très grande modernité. L’ensemble  Les Métaboles en propose ici la quatrième partie, complétée par une œuvre du XVIIIe siècle, le Canone a 16 all’ unisona d’Andrea Basily. Il faut remercier Léo Warynski d’avoir su dénicher un opus méconnu et peu joué du compositeur américain. Il précède de quelques années son opéra Einstein on the Beach dont Another Look at Harmony serait une "sorte d’esquisse".  

Chez Glass, les boucles mélodiques, écrites pour chœur et orgue, s’étirent patiemment – pour ne pas dire religieusement. On croirait entendre une œuvre chamanique que l’orgue incroyable de Yoan Héreau vient éclairer de manière métaphysique (Section 2). Rien d’étonnant finalement pour une œuvre enregistrée à Vézelay, l’un des plus grands centres religieux d’Europe.

Il y a de l’épique et de l’aventure dans cette manière de travailler les sons, les voix, leurs textures. On aurait tort de s’arrêter sur le terme de "minimalisme" souvent utilisé lorsque l’on parle de Philip Glass. Au contraire, la richesse est là, dans ces intonations et ces variations parfois intimes de répétition d’un même motif (Section 3). 

Une œuvre méconnue d’un compositeur qui l’est tout autant

L’ensemble des Métaboles et l’orgue de Yoan Héreau se complètent harmonieusement (Section 5) dans cet opus du milieu des années 70 que Léo Warynski apparente moins à la culture new age de cette période qu’à l’école de Notre-Dame des XIIe et XIIIe siècles. N’oublions tout de même pas la grande modernité de cette pièce, éclatante et sombre dans la longue Section 6. Elle précède cette capricieuse et très classique "pastille" de 16 secondes par Yoan Héreau, avant  la huitième et dernière section où l’orgue vient accompagner l’ensemble des Métaboles. Philip Glass fait de ce mouvement un hommage au répertoire liturgique occidental : orgue éclatant, envolées des voix et enthousiasme joyeux. Glass, parfois dédaigné en France, prouve qu’il est un compositeur contemporain mais aimant et connaissant ses classiques.

L’album se termine assez singulièrement par une œuvre méconnue d’un compositeur qui l’est tout autant. Léo Warynski a choisi un canon du compositeur italien Andrea Basili (1705-1777). Son magnifique Canone a 16 all’ unisona est une œuvre classique jamais éditée ou enregistrée jusqu’alors. Cela en fait sa rareté. En incluant un compositeur du XVIIIe siècle dans un programme contemporain,  Léo Warynski et Les Métaboles entendent renouer deux époques et deux styles a priori diamétralement opposés mais qui viennent se rejoindre naturellement. 

Philip Glass, Another Look, Les Métaboles,
dirigé par Léo Warynski, Yoan Héreau (orgue), b•records, coll. Trio Xenakis, 2025
https://www.lacitedelavoix.net/actualite/another-look-le-nouveau-disque-des-metaboles
https://lesmetaboles.fr/fr/boutique/disque/another-look
https://www.b-records.fr

Voir aussi : "Trio percutant"

Tenez-vous informés de nos derniers blablas
en vous abonnant gratuitement à notre newsletter.

Likez, partagez et instagramez les blablas de Bla Bla Blog !

2025 marque le centenaire de la naissance de Pierre Boulez, décédé en 2016, il y a moins de 10 ans. Le documentaire Pierre Boulez - Le chemin vers l'inconnu, visible sur Arte propose de revenir sur ce géant de la musique, tour à tour décrié, acclamé, incompris ou admiré. C’est singulièrement d’Allemagne que nous vient ce document passionnant. Thomas von Steinaecker propose de parler de Pierre Boulez, le déchiffrer et expliquer son importance.

Qui est Pierre Boulez ? La question se pose d’emblée. Que de chemins parcourus entre ce jeune homme originaire de la Loire et ce personnage qui a fait se déplacer les foules lors de ses concerts et est devenu le personnage central de la musique du XXe et du début du XXIe siècle.

Révolutionnaire est le mot qui revient le premier en tête lorsque l’on évoque le compositeur. le pianiste Pierre-Laurent Aimard évoque à ce sujet une conversation entre le jeune Boulez et son maître Olivier Messiaen au sujet de la musique sclérosée d'après-guerre. D’emblée, Messiaen voit en Boulez celui qui va renverser la table et bousculer un art qui se remettait à peine des années 30 embourgeoisées et des années 40 de sinistre mémoire. L'intuitionn était la bonne. En quelques dizaines d’années, Boulez transforme la France musicale comme personne avant lui.

"Secret"

Le documentaire explique en quoi Boulez a dominé son époque comme peu d’artistes avant lui. La comparaison avec Mozart peu étonner. Or, si elle est critiquable c’est sans doute paradoxalement en raison de l’apport bien plus fondamental de Boulez à son époque, tant du point de vue stylistique que culturel.

Des grandes œuvres sont évoquées, à commencer par Le Marteau sans maître (1855), "une révolution" dit le chef d’orchestre François-Xavier Roth. Rythmes, finesse des sons (ce qui n’est a priori pas la première chose qu’un auditeur retiendrait à la première écoute), écriture précise sans cesse "remise sur le métier" (Notations, Pli selon pli) et surtout complexité d’interprétation pour les interprètes.

En 2025, l’œuvre de Boulez est entrée dans le patrimoine, avec respect et admiration mais aussi beaucoup d’incompréhension et de perplexité. Le documentaire nous fait entrer aussi au cœur d’une époque remuée par les révolutions, les expérimentations (l’apport de l’électronique via, notamment, l’Ircam) et le désir de changer le monde pour le meilleur – l’humanisme, la créativité, l’intelligence.

L’autre domaine dans lequel Boulez a excellé est dans l’orchestration. Après ses jeunes années de création contemporaine, il se révèle en chef d’orchestre incroyable, y compris dans le répertoire classique et romantique : précis, sensible, intelligent, révolutionnaire (La Tétralogie de Wagner mise en scène par Patrice Chéreau à Bayreuth, en 1976). Ses versions de Mahler (la 2e Symphonie notamment) font parfois dire que beaucoup préfèrent largement le conducteur d’orchestre au compositeur novateur.

Le documentaire de Thomas von Steinaecker aborde peu l’aspect privé de l’artiste. C’est un "homme secret" est-il dit. Le voile est cependant levé discrètement sur son ancien secrétaire particulier, Hans Messner, qui a sans doute été le soutien le plus important de la vie du musicien. On n'en saura pas plus et peu importe. L’œuvre de Boulez est si importante qu’il faut s’en contenter et c'est déjà énorme.   

Pierre Boulez - Le chemin vers l'inconnu,
documentaire allemand de Thomas von Steinaecker, Arte, 2025, 54 mn
https://www.arte.tv/fr/videos/115573-000-A/pierre-boulez-le-chemin-vers-l-inconnu

Voir aussi : "Pierre Boulez : Mort d'un géant"

Tenez-vous informés de nos derniers blablas
en vous abonnant gratuitement à notre newsletter.

Likez, partagez et instagramez les blablas de Bla Bla Blog !

Digne d’une véritable BO pour film à grand spectacle, Mt. Mundame, le dernier opus du compositeur néerlandais Stephen Emmer s’écoute les yeux fermés. On prend sa respiration et on se laisse entraîner par ce voyage épique autant qu’intérieur (que l’on pense au second mouvement In search for meaning).

L’opus a été écrit pour grand orchestre, défiant l’habitude de faire du contemporain minimaliste er vite ténébreux. Ici, tout est plus vaste (Belvedere’s exotic garden), comme si l’on se trouvait face à un panorama à couper le souffle, voire à un voyage intergalactique dans une bulle apaisante, bercée par un majestueux piano (Don’t force the path). Tout cela donne des morceaux d’une belle puissance expressive (Everyman’s journey). Il faut préciser que Stephe Emmer s’est entouré de beau monde pour sa création, que ce soit Anthony Weeden (Le Seigneur des anneaux : Les anneaux de pouvoir) ou Andrew Dudman (la trilogie du Seigneur des anneaux).

Véritable BO pour film à grand spectacle

Voyage musical et intime, écrivions-nous. En effet, Stephen Emmer a beau faire le choix de l’harmonie et de constructions mélodiques, il sait aussi se faire méditatif (The here and the now).

Avec de tels moyens symphoniques (30 musiciens pour un album enregistré dans les prestigieux studios Abbey Road) Sphen Emmer aurait pu choisir la démesure. Il n’en est rien. La priorité est laissée à des morceaux brefs et denses (Expedition of the self), voire néoromantiques (Scotch Rose). L’auditeur trouvera dans cet opus ambitieux matière à se réconcilier avec une musique contemporaine aux fortes qualités sonores… et visuelles, que ce soit l’exotique et vibrant Personal Shangri-la, l’étrange Monsieur Chroche, l’inquiétant Imaginary Climbing ou le sombre Mirror of distraction.

Mt. Mundame est présenté par son compositeur comme le fruit du dépassement d’une crise personnelle. La gravité est là, tout le long de l’opus, que ce soit dans les cordes et les percussions de Seven Storys, la ronde envoûtante de Travels of a young man ou le formidable dernier morceau, Reaching the peak, mélange de retenue et de majesté qui vient conclure en beauté ce formidable opus. 

Stephen Emmer, Mt. Mundame, Electric Fairytale Recordings, 2024
https://stephenemmer.com/audio/mt-mundane

Voir aussi : "Caroline Leisegang ressort de l’ombre"

Tenez-vous informés de nos derniers blablas
en vous abonnant gratuitement à notre newsletter.

Likez, partagez et instagramez les blablas de Bla Bla Blog !

Derrière le nom Passepartout Duo, se cachent la pianiste italienne Nicoletta Favari et le percussionniste américano-italien Christopher Salvito. Ensemble ils explorent les possibilités infinies de la musique pour créer un univers à part mais aussi des expériences sonores à mi-chemin entre l’électronique et les instruments acoustiques acoustiques, sinon traditionnels (piano, flûtes traditionnelles japonaises, quatuor à cordes, contrebasse). Leur quatrième album, Argot, a été conçu en grande partie comme un album studio lors d'une résidence à l'Electronic Music Studio de Stockholm. Argot a été enregistré sur le Serge System des années 1970.

La musique contemporaine ne se trouve aucune barrière pour avancer et nous interroger sur les sons, les rythmes et la composition. Pour autant, pour Argot, l’auditeur n’est ni déstabilisé ni en terrain tout à fait inconnu. Si dépaysement il y a, il est au service d’un vrai beau voyage méditatif (Get Along). Les instruments analogiques n’y sont pas pour rien. Le duo Passepartout fait se mêler recherches musicales, ponctuations électroniques et rythmiques et impressions presque naturalistes (le fascinant Much Of A Sunflower).

Nous sommes dans une belle réconciliation de l’ancien et du moderne. Voilà qui fait du bien. L’auditeur s’en convaincra avec le zen Colorful Quartz dans lequel flûtes japonaises et synthétiseur s’approchent, se goûtent, dialoguent et s’amusent. 

Nous sommes dans une belle réconciliation de l’ancien et du moderne. Voilà qui fait du bien

Cela ne veut pas dire que le groupe abandonne la recherche pure, à l’instar de la pièce Imitates A Penguin, un titre singulier assumant son humour comme son excentricité, y compris dans la composition échevelée et faussement déconstruite.

Le duo ne s’interdit rien. Au mélancolique et suspendu Back In Time, avec ses nappes synthétiques comme venues d’un autre univers et son long silence final, vient se succéder le faussement foutraque Uncommon dans lequel les artistes s’inspirent du jazz pour bâtir un morceau à la fois étrange et cool.

Arrêtons-nous également sur la séduisante et passionnante pièce Kissing In The Park. Nous sommes dans un moment suspendu, plein de sérénité et de douceur. Nicoletta Favari et Christopher Salvito donnent aux instruments électroniques une âme humaine. Pour le titre It’s Just A Thought, c’est le jazz qui est revisitée grâce à l’électronique, de nouveau. L’auditeur se trouve en terrain familier grâce au rythme mais aussi au travail sur la mélodie et l’harmonie.  

Argot se termine avec Viols And Violas. On redescend en douceur, mais aussi avec un gros coup de nostalgie. Un magnétique quatuor à cordes vient habiter le dernier mouvement, comme si la musique de chambre traditionnelle réapparaissait dans de nouveaux habits. Même pas morte. Fascinant.  

Passepartout Duo, Argot, 2024
https://passepartoutduo.com
https://www.facebook.com/passepartoutpianopercussion
https://www.instagram.com/passepartoutduo
https://passepartoutduo.bandcamp.com/album/argot
 
Voir aussi : "Touchés !"
"Hanni Liang et les voix (féminines) du piano"

Argot Album Artwork - © Deanna Pizzitelli / Courtesy of Stephen Bulger Gallery

Tenez-vous informés de nos derniers blablas
en vous abonnant gratuitement à notre newsletter.

Likez, partagez et instagramez les blablas de Bla Bla Blog !

Encore peu connue en France, Caroline Leisegang le restera-t-elle longtemps ? Voilà d’emblée la question que l’on se pose à l’écoute de son cinquième album, Comes The Night. La compositrice sud-africaine a sorti cet automne ce passionnant, vibrant et poignant opus.

Connue grâce à son premier album Øyeblikkin en 2015 et forte de ses millions de streams, Caroline Leisegang a fait le choix ici du piano solo, des cordes…. et de la simplicité, y compris dans l’écriture. La violoncelliste Clare Vendeleur l’accompagne dans ce récit musical, avec une introduction (Beginning) et une fin (End).

La compositrice sud-africaine prend par la main l’auditeur et l’auditrice pour son opus à la fois harmonique et minimaliste. Chaque note est choisie avec soin. La rencontre du violoncelle et du piano dans Enter Caroline donne à entendre une musique de chambre de notre époque. Une impression confirmée avec et autre titre, I Was Once A Prelude.

Si la nuit vient, pour reprendre le titre de l’opus et du troisième mouvement, elle n’est ni lugubre ni terrorisante. On la dirait apaisante et mélancolique (Comes The Night).  

Ronde enchantée

Caroline Leisegang a fait le choix de morceaux brefs qui rendent d’autant plus efficaces son langage. Écouter le court BlackBird At Dawn c’est observer ces merles dès l’aube, avec discrétion pour ne pas les déranger, avant de les voir décoller ; mieux, de les accompagner dans le début de leur voyage. Ce morceau naturaliste convainc par sa retenue et son efficacité.

Il y a de l’engagement environnemental dans cet autre mouvement au titre évocateur : When The World Won’t Keep Still (littéralement : "Quand le monde ne reste pas immobile"). Après un début apaisé, le mouvement s’accélère et devient nerveux, laissant entendre une sourde inquiétude. 

Arrêtons-nous aussi sur l’un des meilleurs titres de l’opus. Il s’agit de Victorine, le morceau le plus long de l’album et pour lequel Caroline Leisegang avoue un attachement personnel. C’est une ronde enchantée que propose la musicienne sud-africaine mais où l’inquiétude et la nostalgie ne sont pas absents. On reproche souvent à la musique contemporaine sa froideur et sa technicité. Rien de tel ici. Victorine est un authentique joyau happant et envoûtant nos oreilles.   

Contre toute attente, c’est avec un titre relativement long (4 minutes 29) que se termine le cinquième album de Caroline Leisegang. Voilà une fin (End) envoûtante en forme de bilan apaisé. La nuit reprend ses droits, avec douceur et stoïcisme. Mais non sans regret.

D’ailleurs, du regret il n’y en a aucun dans la découverte de la compositrice sud-africaine. Cette œuvre personnelle la place déjà parmi les musiciennes actuelles sur qui il faut compter. 

Caroline Leisegang, Comes The Night, A reintroduction of Caroline Leisegang, Xhap Xhap, 2024
https://carolineleisegang.com
https://www.instagram.com/carolineleisegang_music
https://wildkatpr.com/caroline-leisegang-releases-her-fifth-studio-album-comes-the-night 

Voir aussi : "La Bohême, la Bohême…"
"Trio percutant"
"Les couleurs musicales d’AyseDeniz"

Tenez-vous informés de nos derniers blablas
en vous abonnant gratuitement à notre newsletter.

Likez, partagez et instagramez les blablas de Bla Bla Blog !