Alexandre Monteiro, alias Hopare, est tout l’été invité exceptionnel du centre de shopping Westfield Forum des Halles à Paris. L’artiste plasticien propose au public une fresque immense sur le sol du Patio Pina Bausch.

Hopare revient ici à sa discipline première le Street Art, à travers un visage, son thème de prédilection : le visage.

L’artiste a commencé à se mettre au travail le 21 juin dernier. Il a pris possession du sol du Patio Pina Bausch, sous la canopée. Sa fresque coloré occupant plus de 250 m² prend la forme d’un visage féminin, que l’on imagine venant du bout du monde. L’œuvre est visible tout l’été par les Parisiens et les voyageurs de passage jusqu’à la rentrée.

Le mystère plane sur l’identité de ce personnage, mais à vrai dire l’essentiel est ailleurs : Le centre Westfield Forum des Halles a décidé de faire proposer cette œuvre d’art à son public : "Après de longs mois de séparation, nous avions à cœur d’offrir aux Parisiens une occasion de se retrouver autour d’une expérience culturelle et artistique hors normes !" déclare Jeremy Desprets, directeur du centre commercial des Halles.

Hopare au Westfield Forum des Halles, Paris
https://fr.westfield.com/forumdeshalles
https://www.hopare.com
https://www.instagram.com/hopare1

Voir aussi : "La Bretagne déconfinée de François Avril"

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Et si, en pleine pandémie, nous avions besoin d’extérioriser notre énergie ? C’est le propos du photographe Christophe Keip qui a proposé à 521 personnes de faire tomber le masque pour "Hurler à la vie".

Entre janvier et mars 2021, au début de la crise sanitaire et du Grand Confinement, des centaines de personnes sont venues crier devant l’objectif de Christophe Keip leurs colères, leurs frustrations ou leur désespoir. Mais il y a aussi et surtout ces expressions de désir de vivre ou de partager une joie.

Des portes ouvertes aux émotions

Si pour chacun, il s’agit d’une expérience libératrice qui répond aux besoins d’une situation conjoncturelle, cette expérience est pour beaucoup un acte révélateur, une prise de conscience, un pas insoupçonné vers l’écoute de soi. Autant de portes ouvertes aux émotions.

Le travail de Christophe Keip pose une autre question : cette crise sanitaire et les chamboulements émotionnels qu’elle nous a fait traverser, ne nous aurait-elle pas aussi conduit vers une métamorphose ? Vers un autre nous, resté en silence, que nous pourrions découvrir ?

A partir du 25 juin et jusqu’au 11 septembre, les 521 témoignages photographiques seront exposés à la Galerie Zola d’Aix en Provence.

Christophe Keip, exposition "Hurler à la vie"
https://www.hurlealavie.com
https://www.ckeip.com

Voir aussi : "Hopare au Forum des Halles"
Hors-série "Grand Confinement"

© Christophe Keip

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Ces hommes et ces femmes sont devenus immortels : en proposant une exposition de 100 portraits de la Renaissance, le Rijksmuseum d’Amsterdam entend redonner vie à ces empereurs puissants, ces aristocrates flamboyants ou ces citoyens fortunés.

Ces peintures sont l’œuvre d’artistes renommés et entrés dans la postérité : Holbein, Dürer, Memling et Véronèse pour ne citer qu’eux. Ils seront les héros de l’exposition intitulée "Ne m’oubliez pas", présentée cet automne au prestigieux musée néerlandais, du 1er octobre 2021 au 16 janvier 2022.

L'une des pièces maîtresses de cet événement est le Portrait d'une jeune fille (vers 1470) de Petrus Christus, tableau prêté par la Gemäldegalerie à Berlin. L’exposition réunit du reste des œuvres issues de musées aussi prestigieux que le Kunstmuseum de Bâle, la National Gallery de Londres, le Musée du Prado à Madrid et la National Gallery of Art de Washington.

Depuis l'Antiquité, le portrait a principalement pour fonction de rendre présents ceux qui sont absents ou de conserver leur mémoire à travers les années. La preuve : aujourd’hui ces hommes et ces femmes disparus depuis des siècles sont bien présents et semblent nous faire signe.  Lorsque le portrait a commencé à prendre son essor en Europe vers 1500, artistes et mécènes ont saisi l'opportunité qui se présentait à eux pour s’immortaliser. 

Les portraiturés étaient désireux de se montrer sous le meilleur jour

Comme aujourd'hui, les portraiturés étaient désireux de se montrer sous le meilleur jour. Chaque partie de la composition était mis en scène : expression du visage, symbolisme, posture, arrière-plan et vêtements. Certains mettaient l'accent sur la beauté, d'autres sur le crédit et l'autorité. C'est ainsi que Charles Quint a voulu souligner sa puissance en se faisant immortaliser vers 1553 sous les traits d'un empereur romain. Quant à Maarten van Heemskerck, il s’est donné l'image d'un peintre à succès, sûr de lui, dans un autoportrait en 1555. L'exposition "Ne m'oubliez pas" met en lumière l'image que les individus projettent d'eux-mêmes, autour de thèmes tels que la beauté, l'autorité, l'ambition, l'amour, famille, l'érudition et la foi.

Alors que notre époque est plus que jamais celle de l’image et de la l'apparence, le Rijksmuseum rappelle que l’utilisation de l’iconographie a des fins de représentation est ancienne. C’est aussi l’occasion d’admirer des œuvres exceptionnelles dans un magnifique écrin.

Le design de l'exposition est conçu par Jean-Michel Wilmotte et Irma Boom est responsable de la conception graphique.

L’exposition se terminera le 16 janvier 2022.

"Ne m'oubliez pas. Portraits de Dürer à Sofonisba", Rijksmuseum, Amsterdam
1er octobre 2021 - 16 janvier 2022
https://www.rijksmuseum.nl

Voir aussi : "La Bretagne déconfinée de François Avril"

Photo : Petrus Christus, Portrait of a Young Woman, ca. 1470
Gemäldegalerie der Staatlichen Museen zu Berlin

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Comme quoi, le confinement peut avoir du bon : François Avril a profité de la crise sanitaire pour s’imprégner de la nature dans tous ses états et proposer des œuvres de Bretagne. Après avoir parcouru le monde et fait de Paris, sa ville natale, et de Bruxelles ses ateliers, le Finistère est devenu son lieu d’exil quasi définitif comme il le dit lui-même : Vivre confiné en Bretagne m’a beaucoup plu : j’y ai beaucoup travaillé, respiré le bon air. En me baladant, j’ai admiré tellement de beaux endroits que j’interroge : pourquoi ne pas dessiner ces lieux en collant davantage à la réalité plutôt que de les recomposer ?"

François Avril propose cet été une exposition à la galerie Huberty & Breyne du 18 juin au 28 août 2021 avec une sélection d’œuvres jamais montrées dans la capitale : des dessins au crayon, à la plume, des toiles, des lithographies ainsi que ses sculptures d’arbres.

Depuis plus de 30 ans, François Avril évolue entre l’art contemporain et la bande dessinée, bien qu’il n’ait lui-même réalisé que peu d’albums de BD. Par contre, l’influence du 8e art est bien présent dans son travail. Le Breton d’adoption cite parmi ses influences Hergé, Ever Meulen ou Yves Chaland. 

L’influence du 8e art 

Les paysages que François Avril proposent sont des visions pour beaucoup inspirées de la ligne claire. L’artiste joue sur les effets de perspective et de constructions pour proposer des environnements comme sorties de mondes imaginaires. "Qu’il s’agisse de ville ou de paysage, je pars toujours de quelque chose de réaliste que je recompose pour créer des utopies. J’observe et c’est la mémoire qui fait son travail de sélection. De retour à mon atelier, je ne dispose plus que d’un résidu de ce que j’ai vu."

Le Parisien opte pour des couleurs douces et des représentations frisant l’abstraction, donnant à ses œuvres une facture rarement vue pour des marines.  "Les mers ne  sont pas agitées et les ciels souvent plombés. La présence de l’homme est réduite à sa plus simple expression, symbolisée par de frêles silhouettes sur une plage ou une lueur à l’intérieur d’une maison" précise l’auteur.

C’est à découvrir tout cet été à la Galerie Huberty & Breyne, à Paris, dans le 8e arrondissement.

François Avril, exposition "Bretagne"
Galerie Huberty & Breyne
Du vendredi 18 juin au samedi 28 août 2021
Du lundi au samedi de 11H à 19H
36 avenue Matignon
75008 Paris
Visite virtuelle disponible durant toute la durée de l'exposition
https://hubertybreyne.com
https://www.francoisavril.com

Voir aussi : "Galerie virtuelle de Patricia LM"

François Avril, White Cliff, acrylique sur toile, 81x130 cm, © François Avril - Courtesy Huberty Breyne

La galerie parisienne Cyril Guernieri ouvre ses portes à partir de cette semaine à Fabienne Stadnicka pour une exposition intitulée "Mémoires de Matière".

La matière, c’est principalement la tôle ondulée et rouillée qui sert de support pour ses silhouettes féminines et masculines semblant se dissoudre et disparaître progressivement au fur et à mesure du temps. L’artiste laisse faire la corrosion du métal prendre possession des corps représentés. Ces êtres représentés sont les Laminets et les Laminettes.

L’artiste dit ceci : "Ils sont nombreux… / L’une baisse les yeux, elle est timide, / L’autre se retourne et ne veut rien savoir, / L’un est distrait, / L’autre semble issu d’un autre siècle, / L’un est prêt à s’envoler, / L’autre se cache le visage, il a peur… / Et chacun chacune, laminés par le temps, à en devenir « Laminet » ou « Laminette », c’est selon, mais tous marqués par le laminoir. / Et chacun chacune, si fragiles parce que rescapés de l’oubli et de la corrosion et pourtant tellement éternels."

L’espace scénographique s’organise par le regroupement successif de sculptures, surélevées par des socles et dont la présence est dédoublée au mur par des ombres qui fonctionnent comme leurs pendants.

Une démarche mémorielle qui frappera l’œil dès sa rencontre avec ses œuvres

Ces fragments de tôles rouillées ont pour leur part leur importance. Objet d’un remaniement de la matière, mais aussi support d’une peinture, la mobilisation de cette tôle constitue pour Fabienne Stadnicka le support d’une recherche approfondie, à la fois pictural et matériel. Le matériau semble être le support d’une décomposition induite par le temps à laquelle répond une palette aux tons de rouille, qui se décline au travers de nuances brunes, d’ocres rouges et jaunes. Ainsi le travail de Fabienne Stadnicka s’ancre profondément dans une démarche mémorielle qui frappera l’œil dès sa rencontre avec ses œuvres.

Tout se passe comme si la tôle se souvenait d’un temps passé, et portait physiquement en elle la trace du temps, exploitée par l’artiste. Le temps a eu sur la tôle ondulée l’effet que la vie a sur le corps et pourtant, les figurations semblent intactes, les Laminets et les Laminettes sont empreints de jeunesse, de beauté et de courbes harmonieusement tracées.

C’est donc dans l’espace de la Galerie Cyril Guernieri que les œuvres de Fabienne Stadnicka seront exposées du 30 mai au 19 juin 2021.

Exposition personnelle de Fabienne Stadnicka, "Mémoire de Matière"
29 mai - 19 juin 2021
Galerie Cyril Guernieri
29, rue Mazarine 75006 Paris
https://galerieguernieri.com

Voir aussi : "Galerie virtuelle chez Cyril Guernieri"

Fabienne Stadnicka, Composition
Huile sur tôle ondulée rouillée, 93X82 cm

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L’artiste marseillais S.Mildo est une figure de l’abstract graffiti. C’est dans la peinture que S.Mildo s’est d’abord illustré, après un passage par le graffiti. Le travail sur toile et en galerie lui a appris la rigueur, comme il le convient : "Pratiquer en atelier me permet tout les jours de développer et de faire évoluer sans cesse un travail et un style qui m’est propre, en canalisant mes émotions au sein d’un espace qui m’appartient. J’aime retrouver mon espace et y travailler avec sa lumière naturelle, mes idées de colorimétrie, de formes et de mouvement, en fonction de ce que m’offre cet environnement".

S.Mildo explique ainsi son projet artistique : "Être en immersion avec mon sujet est primordial bien qu’il puisse être vaste. Pour créer je me sers de ce qui constitue mon quotidien. Je n’anticipe absolument rien, je ne simule pas le résultat d’une toile avec un travail préalable organisé ou structuré, je ne suis ni organisé ni dans l’anticipation vis a vis de ce que je réalise, je produits en temps réel ce que j’ai en moi et les variations émotionnelles que je rencontre lorsque je peins apportent les nuances et la profondeur que je recherche. J’aime explorer les techniques que j’imagine et j’aime ne pas reproduire, du moins pas a l’identique ce que j’ai déjà fait.  Ma peinture n’a pas pour but un caractère social ou politique, c’est juste une introspection personnelle qui me ramène a la condition humaine en général. On vit dans un monde ou tout doit être expliqué, justifié, cadré, dans lequel on doit demander nos moments de liberté, la peinture m’offre juste une liberté pure et simple."

Il a rejoint la Gallery Jo Yana en  2019. C’est là qu’il proposera un show, le 25 mai 2021 suivi d’une exposition jusqu’au 1er juin 2021.

S.Mildo à la Gallery Jo Yana
https://joyana.fr/artgallery

Voir aussi : "Bauhaus, Est/Ouest"

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Après la peur, c’est d’une autre thématique sombre dont s’empare le magazine d’art contemporain White Rabbit Dream, dirigé par Nicolas Le Bault.

Pour ce 4e numéro, l’artiste a été rejoint par des personnes – artistes et intellectuels – que nous avions déjà croisés : Dany-Robert Dufour, Frederika Abbate, Sarah Barthe, Céline Guichard, Mike Diana, Aleksandra Waliszewska, Stéphane Rengeval, Mike Diana, Helge Reumann, Daisuke Ichiba mais aussi Kazuhiro Hori.  D’autres noms apparaissent dans ce nouveau numéro : Éric Pougeau, Andrew Roberts, Shintaro Kago et Kana Miyamoto.

Nous sommes en terrain familier donc dans ce nouvel opus de White Rabbit Dream : opus car le projet éditorial autant qu’artistique de Nicolas Le Bault se veut d’être une authentique création contemporaine, qui ne s’interdit pas pour autant d’être engagée. Il ne pouvait pas en être autrement avec une thématique forte, subversive et provocatrice : la violence. Le moins que l’on puisse dire c’est que l’équipe du "Lapin blanc" n’a peur de rien, et encore moins de présenter le concept de violence "sous ses aspects ontologique, politique, métaphysique, esthétique et intime."

On argumentera que pour un tel sujet c’est un essai sur plusieurs volumes épais qui aurait été nécessaire. Mais la démarche de Nicolas Le Bault et de ses acolytes n’est pas de faire un état complet de la violence humaine mais d'en balayer l’horizon, non sans parti-pris.

Le parti-pris, justement, est particulièrement assumé dans les articles écrits pour le numéro. Après celui en forme d’éditorial de Stéphane Rengeval ("Zombie Fest... ou Fight Club ?"), Nicolas Le Bault choisit celui de la critique politique : "Capitalisme, violence & déréalisation." Le texte est illustré principalement par les créations trash d’Andrew Roberts dans lequel des membres dépecés sont tatoués, quand ils ne deviennent pas des supports de marques. Sous la plume de Nicolas Le Bault, également l’auteur de planches de BD tout aussi gores et qui ouvrent le numéro, la violence devient un indice pour ne pas dire un instrument au service de l’idéologie libérale. Haro donc pour lui sur les classes dirigeantes ("l’hyperclasse mondiale", "la bourgeoisie libérale"), la société de consommation, le grand capital et l’Union européenne ! Le message a le mérite d’être clair et en tout cas très actuel, alors que les braises des Gilets Jaunes et des violences policières sont encore chaudes.

Nous sommes souvent plongés en plein rêve ou cauchemar

Le numéro est riche de créations contemporaines fortes et capables de vous détourner le regard, à l’instar, nous l’avons dit, des détournements d’Andrew Roberts ou des peintures expressionnistes d’Aleksandra Waliszewska. Nous sommes du reste souvent plongés en plein rêve ou cauchemar. Outre les dessins en noir et blanc à la fois violents et graphiquement soignés d’Helge Reumann ou de Stéphane Rengeval, on retrouvera la patte de Nicolas Le Bault et ses représentations faussement naïves montrant corps écorchés, visages grimaçant et enfants martyrisés.

Fausse naïveté encore avec les planches de BD de Mike Diana à l’humour noir évident ou les personnages de Sarah Barthe qui ne sont pas sans renvoyer aux œuvres d’Aurélie Dubois. Kana Miyamoto est mise à l’honneur avec plusieurs créations soignées aux couleurs pastel montrant des fillettes victimes ou auteures d’actes violents dans la sphère domestique. C’est également la famille qui est mise au rang des accusés avec les détournements d’Eric Pougeau : d’ordinaires copies scolaire, des objets du quotidien (une corde à sauter, une chemise) ou des scènes banales deviennent des cris et des accusations. On retrouvera encore avec plaisir les œuvres fortes et bouleversantes de Kazuhiro Hori, aussi noir dans ses thèmes que délicat et coloré dans ses représentations d’enfants – des écolières japonaises – victimes de violences.

Parlons aussi des deux autres textes dans ce nouveau numéro de White Rabbit Dream. Dany-Robert Dufour choisit la philosophie et la mythologie grecque ("Le loup et l’agneau") pour trouver les sources de la violence en consacrant de larges passages aux cités grecques et aux récits de L’Orestie d’Eschyle, ce qui ne l’empêche pas de jouer les Cassandre : "Aujourd’hui… nous sommes en 1929… Encore un peu de patience avant le Jeudi Noir."

Tout aussi sombres sont les propos de Frederika Abbate ("Viol du temps"), plus intéressée dans les luttes sociétales contre les violences, ce qui ne l’empêche pas de terminer ses propos engagés par une conclusion plus lumineuse : "La violence cathartique de l’art, de la littérature, de la musique, qui révèle, apaise et exorcise." Il fallait commencer par là.

White Rabbit Dream, vol. 4, La violence, 2021
https://whiterabbitprod.bigcartel.com
http://www.nicolaslebault.com

Voir aussi : "Visages de la peur"

Illustrations : Nicolas Le Bault

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Après Charlie Chaplin, Bla Bla Blog a choisi de parler de Dora Maar, que La Poste met à l’honneur avec un timbre, qui sortira le 31 mai prochain.

Dora Maar a été une des figures importantes de l’art du XXe siècle. Indissociable de Picasso, dont il s’est inspiré, elle est aussi une artiste à part, photographe et peintre.

Associée au photographe et décorateur de cinéma Pierre Kéfer, elle ouvre son studio. Travaillant pour la publicité et la mode, réalisant portraits et nus oniriques.

Dès 1933, elle se rapproche des surréalistes. Son terrifiant Portrait d’Ubu, la photographie d’un fœtus de tatou ou ses photomontages d’une grande perfection formelle tirent du réel leur dérangeante étrangeté.

Peintre, elle se dégage de l’emprise de Picasso et réalise après la guerre des natures mortes, puis des paysages qui la mèneront aux confins de l’abstraction. Dans les années 1970-80, ses négatifs grattés et ses "dessins de lumière" réconcilient peinture et photographie dans une même gestuelle.

Conservée avec quelque 1 000 clichés de l’artiste au Centre Pompidou, cette œuvre a sans doute été réalisée pour un magazine de beauté. Au "glamour" imposé par la commande s’ajoute l’audace du fond, quadrillé par un jeu d’ombre.

L’éclairage contrasté du mannequin rappelle la proximité de Dora Maar avec le milieu du cinéma. En 1935, Jean Renoir l’engagera comme photographe de plateau sur son film Le Crime de monsieur Lange.

Le timbre sera vendu en avant-première les vendredi 28 et samedi 29 mai à au Carré d’Encre, 13 bis rue des Mathurins, 75009 Paris.

Timbre "Dora Maar Kid", La Poste
https://www.laposte.fr/boutique
https://www.lecarredencre.fr
https://awarewomenartists.com/artiste/dora-maar

Voir aussi : "« The Kid » mis à l’honneur par La Poste"

Photo : Dora MAAR
Mise en page Marion Favreau, d'après photo © Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais / Jacques Faujour, © Adagp, Paris, 2021
Contour de la feuille : mise en page Marion Favreau d'après photos © Centre Pompidou, MNAM-CCI, Dist. RMN-Grand Palais /image Centre Pompidou, MNAM-CCI, Photo © RMN-Grand Palais (Musée national Picasso-Paris) / Mathieu Rabeau, © Adagp, Paris, 2021

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