Parlons, pour commencer, du label Présence Compositrices qui entend promouvoir et diffuser les femmes compositrices de toute époque et tout pays. Leur premier album proposé est une œuvre de Marie Jaëll,  Ce qu’on entend dans l’Enfer, le Purgatoire, le Paradis, qu’interprète au piano Célia Oneto Bensaid. Bla Bla Blog avait découvert l’instrumentiste à l’occasion de son programme classique et contemporain Metamorphosis consacré à Philip Glass, Maurice Ravel et Camille Pépin – une compositrice, déjà.

Le nouvel album de la pianiste est une vraie découverte ou redécouverte : celle de Marie Jaëll, tombée dans l’oubli. Née en 1846, Marie Jaëll-Trautmann, de son vrai nom, a été considérée comme une grande artiste et pédagogue par ses pairs, que ce soit César Franck, Gabriel Fauré ou Camille Saint-Saëns. Elle a été l’une des premières femmes admises à la Société des Compositeurs de Paris. Sa carrière s’est pourtant arrêtée à l’âge de 45 ans au profit de la recherche scientifique. Elle décède en 1925.

Durant les dernières années du XIXe siècle elle compose les trois pièces pour piano Ce qu'on entend dans l'Enfer, Ce qu'on entend dans le Purgatoire et Ce qu'on entend dans le Paradis, d’après une lecture de la Divine Comédie de Dante. Tout comme le poète italien avait conçu son chef d’œuvre comme un triptyque littéraire, Marie Jaëll a fait le choix de l’équilibre : trois parties constituées de six morceaux chacune. Le piano de Célia Oneto Bensaid sert à merveille une création de la fin du XIXe siècle influencée par le romantisme et le classicisme. Chopin, Wagner et Schumann ne sont jamais très loin ("Poursuite").  

Le piano de Célia Oneto Bensaid sert à merveille une création de la fin du XIXe siècle influencée par le romantisme et le classicisme

L’auditeur appréciera le raffinement, et dans la composition et dans l’interprétation de Célia Oneto Bensaid. Que l'on pense au deuxième mouvement, "Raillerie" où la déambulation se fait par-delà la mort, sur la pointe des pieds et non sans un rire grinçant. Le classicisme de Marie Jaëll se pare aussi de teintes debussyennes, à l’image du morceau "Dans les flammes". Ce chant des enfers qu’est "Blasphèmes", expressionniste, darde un souffle ardent et satanique. Le sixième et dernier morceau consacré à l’enfer ("Sabbat") se fait plus diabolique encore avec sa danse de démons qui annonce le purgatoire.  

La délicatesse et la retenue ouvrent la partie consacrée au purgatoire, justement, une partie qui frappe par ses tensions et ses changements de rythmes ("Remords"). Au mouvement "Pressentiments" vient répondre le mélancolique et douloureux "Désirs impuissants". Avec "Alanguissement", on trouve du romantisme wagnérien dans ce morceau jouant de l’hésitation et du contre-pied, comme un amour qui ne saurait s’exprimer. Le ravelien "Maintenant et jadis" et le tourmenté et "Obsession" viennent clôturer dans une acrimonie certaine cette deuxième partie de l’Enfer, avant "Obsession", composé comme une ritournelle obsédante.

Pour les pièces consacrées au Paradis, Célia Oneto Bensaid nous emmène dans un univers faurien, paisible ("L’apaisement") où tout n’est qu’harmonie et volupté ("Voix célestes"). En digne représentante du classicisme français, Marie Jaëll ne peut cacher ses influences (Saint-Saëns, Ravel, Franck). Même lorsqu’il est question d’un "Hymne", la compositrice ne choisit pas la démonstration ni la virtuosité mais une berceuse réconfortante.

L’auditeur remarquera l’écriture fine et subtile de "Quiétude". La mélancolie affleure dans ce qu’on entend du paradis, à l’instar de "Souvenance" venant précéder la conclusion mélancolique et triste ("Contemplation") de ce voyage métaphysique autant que romanesque. Un voyage servi par une Célia Oneto Bensaid concentrée, inspirée et ressuscitant une compositrice tombée dans l’oubli. 

Marie Jaëll, Ce qu’on entend dans l’enfer, le purgatoire, le paradis,
Célia Oneto Bensaid, piano, Label Présences Compositrices, 2022
http://www.mariejaell.org
https://www.celiaonetobensaid.com
https://www.facebook.com/profile.php?id=100039928732584
https://www.presencecompositrices.com

Voir aussi : "Album univers"
"Camille Pépin, sans coup férir"
"Dante, voyage au bout de l'enfer"

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Le dernier single de Rouge Renarde, "Cinéma", est autant à écouter qu’à regarder.

Rouge Renarde est le nom du projet musical de l’artiste  plasticienne Margaux Salmi. Une femme à tout faire : peintre, dessinatrice, réalisatrice, musicienne et bien sûr chanteuse.

Onirique, Rouge Renarde arpente un univers musical où se croise sons électroniques, influences world, pop et bien sûr chanson française.

De sa voix fragile, elle fait de "Cinéma" une confession musicale, poétique et graphique sur l’acte de création : "Douter / Changer / Toucher / Tout effacer / Dans un drôle d’état / Refaire Tout est à défaire / Garder le repère / Comme ça".

Margaux Salmi se dévoile dans son clip à travers ses dessins animés, constituant un monde fascinant, traversé par une renarde rouge – bien entendu. "C'est un clip qui me tient particulièrement à cœur car il est entièrement réalisé en animation. Je suis également peintre et dessinatrice et j'ai voulu mettre mon univers graphique sur ce morceau", comment la musicienne.

Pour "Cinéma", elle chante son combat artistique, de sa belle voix singulière à la Cocorosie : "Contre vents et marées / Tout traverser / Comme au cinéma".

Son deuxième album, Dehors, devrait paraître le 27 février 2023.

Rouge Renarde, Cinéma, single, 2022
https://www.facebook.com/rougerenarde
https://www.instagram.com/rougerenarde

Voir aussi : "Où va Oaio ?"

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Envoûtant, planant, mystérieux, dépaysant : les mots ne manquent pas pour qualifier Missing Island, le nouvel album de Snowdrops. Après leur premier opus Volutes, le collectif composé de Christine Ott et Mathieu Gabry est rejoint par l’altiste Anne-Irène Kempf.

Loin d’être un opus hors-sol, Missing Island entend au contraire faire un "retour à La terre". C’est d’ailleurs le titre du premier morceau, à la simplicité revendiquée, ce qui n’exclue pas de belles trouvailles sonores et une alliance entre classicisme, musique répétitive et influences traditionnelles, avec cet accordéon aux tonalités envoûtantes.

Snowdrops cite, au sujet de ce premier morceau, quelques vers du poète Rainer Maria Rilke : "Tout est gestation et enfantement. Laisser chaque impression et chaque germe de sentiment s’accomplir entièrement en soi, dans l’obscurité, dans l’inexprimable, l’inconscient, au-delà de la portée de sa propre intelligence, et attendre avec une profonde humilité et patience l’heure de naissance d’une nouvelle clarté."

Missing Island a été conçu comme un album entre terre et ciel, terrien et lunaire, à l’image de cet autre titre, "Firebirds", plus grave et plus mystérieux. Grâce aux ondes Martenot, de singulières apparitions viennent planer tels des oiseaux qui pourraient être autant de feu que de nuit et de ténèbres.

Les trois musiciens de Snowdrops font du plus long morceau de l’album, "Land Of Waves" (un peu plus de neuf minutes), une évocation des quatre éléments. Le mystère mais aussi la contemplation planent dans cet extrait dont l’influence de l’album berlinois Low de David Bowie (1977) peut frapper l’auditeur.

Ondes Martenot

La deuxième partie de l’album se veut plus contemplative encore – "métaphysique", précisent les trois artistes – avec notamment ce "Nostalgia de la Luz". Ce morceau est inspiré du documentaire du même nom, réalisé par Patricio Guzmán. Dans son film, des astronomes du monde entier se rassemblent dans le désert d’Atacama pour observer les étoiles. Au souffle de la nature, avec les ondes Martenot jouées par Christine Ott, répond le piano mélancolique de Mathieu Gabry.

Ne pourrait-on pas entendre, derrière "Radioactive Breath", de sombres prédictions et menaces ? Ce single fait du désert un endroit inquiétant, avec un piano sombre et des vagues synthétiques donnant à "Radioactive Breath" une atmosphère post-apocalyptique.

Parlons aussi de cet autre extrait, "Et Comme Un Souffle Qui Vient", dans lequel l’auditeur se trouve projeté dans un singulier moment vivant. Christine Ott, Mathieu Gabry et Anne-Irène Kempf font se rencontrer avec audace musiques traditionnelles, classicisme, contemporain et électronique pour ce titre naturaliste et d’une belle mélancolie.

"Mémoires Élémentaires" vient clore leur programme passionnant dans une jolie douceur. Piano, alto et synthétiseur se rencontrent avec tendresse. Revendiquant le terme de post-folk, les musiciens de Snowdrops repoussent les frontières des genres musicaux pour proposer un dernier morceau subtil et planant. 

Snowdrops, Missing Island, Injazero Records, 2022
https://www.facebook.com/snowdropsmusic
https://www.instagram.com/snowdropsmusic

Voir aussi : "Elise Bertrand, ultra moderne romantique"

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On aime Vanessa Philippe sur Bla Bla Blog. Il paraissait donc naturel de parler de son dernier clip et douzième single de son formidable album Soudain les oiseaux.  

À l’image de l’opus, le titre "Paradise" cache derrière sa facture enlevée et la voix enfantine de la chanteuse, une douleur indicible.  

Vanessa Philippe a écrit Soudain les oiseaux pour sa sœur décédée en 2019. "Paradise" parle – en anglais – du deuil impossible et de l’espoir qu’elle est heureuse, là-haut : "Tell me that’s not true / You will come back / From heaven… Hope you’re still / In a Paradise".

Il plane toutefois sur ce dernier extrait un peu de réconfort et d’apaisement, à l’image d’un clip que Vanessa Philippe a réalisé et où elle se met en scène. Ajoutons que l’artiste a obtenu plusieurs récompenses pour ses clips. "Parfois", sorti il y a deux mois, vient de gagner le prix du "Meilleur clip" au Florida Shorts Festival.

C’est évidemment à découvrir de tout urgence. 

Vanessa Philippe, Paradise, Le Poisson Spatial / Modulor, 2022
https://www.vanessaphilippe.com
https://www.facebook.com/vanessaphilippemusic
https://www.instagram.com/vansph

Voir aussi : "Parfois, Vanessa Philippe"
"Voir aussi : "Soudain, Vanessa Philippe"

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Il souffle un peu de l’esprit de Marvin Gaye sur This Is Real, le deuxième album de Thomas Kahn. À l’écoute de "More Than Sunshine", le titre qui ouvre l’opus (et le conclue, avec une seconde version "radio edit" à la fin), voilà l’auditeur transporté du côté des États-Unis, période seventies, avec instruments acoustiques, cuivre, chœur et surtout la voix envoûtante du chanteur clermontois. This Is Real est le fruit de deux années de travail. Et ça se voit. 

La filiation culturelle de Thomas Kahn est à la fois évidente et bluffante, tant le chanteur semble avoir fait ses gammes entre New-York et Detroit, en passant par Memphis. Si l’on parle de la Mecque du rock c’est que le musicien sait aussi se faire avec "Doomed The Start" plus brut, plus tranchant et plus incendiaire. En un mot plus rock.

Il n’est pas insultant de dire que c’est du vintage pur jus que nous propose Thomas Kahn, si l’on pense au très réussi "Don’t Look At Me", à "Alone" ou à  "Stay Away",  un funk pop enlevé à la jolie construction et au rythme franchement dansant, porté par la voix chaude et puissant de l’interprète.

Sans nul doute, This Is Real aurait réellement sa place dans une BO de Quantin Tarantino

Cet autre morceau qu’est "Try To See Further" semble pareillement réveiller les cendres de James Brown grâce au travail mélodique, une interprétation sans faux-pli et une orchestration acoustique à l’avenant. Sans nul doute, This Is Real aurait réellement sa place dans une BO de Quantin Tarantino.

Régressif et nostalgique, Thomas Kahn sait aussi se faire tendre et sensuel avec ses ballades "Hope" et le slow "It Won’t Be so Long", sans oublier le morceau pop-rock "Out Of The Blue".

C’est la voix déchirée que Thomas Kahn propose un titre très personnel sous forme de ballade, "Brother I Miss You", avant de se lancer, comme une forme de résilience, dans une chanson d’amour, sucrée comme un baiser. C’est "I’m In Love", plus fort que tout.

Finalement, c’est un pont entre les volcans d’Auvergne et le New York de Marvin Gaye que Thomas Kahn a su bannir. Et rien que pour cela, il mérite toute notre admiration.

Thomas Kahn, This Is Real, Musique Sauvage, 2022
http://thomas-kahn.com
https://www.instagram.com/thomas_kahn

Voir aussi : "Grand vent pour Julien Rieu de Pey"
"À l’ancienne"

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Étrange et fascinante atmosphère que celle qui nimbe le début du dernier album de Loïs Le Van : le jazzman démarre "Bleu" par un a cappella épuré, avant que le piano ne le rejoigne. La ligne mélodique pure fait de ce premier morceau une vraie signature. Loïs Le Van est comme ça. L’artiste est un poète à l’hypersensibilité manifeste, comme le montre la voix et la guitare habitée de "The Dying Light".

Vind 2.0, le nom de son opus, est la suite de son précédent album, Vind – bien entendu. Les treize compositions sont signées Nicky Schrire. Loïs Le Van est accompagné de Sandrine Marchetti au piano et de Paul Jarret à la guitare et aux effets. Voilà qui donne un trio diablement séduisant.

Des effets, il y en a en effet, à l’instar de l’étonnant "Clowning", dans lequel le jazz se teinte de sonorités contemporaines. On peut aussi penser à "In G", minimaliste, aérien et habité. Loïs Le Van n’oublie toutefois jamais que le jazz est d’abord une musique profondément humaine, née dans le déchirement et la douleur. Il le démontre avec le titre "Isolate" se déchaînant dans le dernier quart pour prendre des accents rock, jusqu’aux dernières notes terribles.

Un trio diablement séduisant

À la suite, "Sum Of All Parts" séduit l’oreille de l’auditeur par son choix du cool, avec toujours la voix élégante de Loïs Le Van. Le titre plus court, "Barn På Mattan", nous conduit dans une autre contrée. Plus voyageur, plus instrumental, le morceau séduit par sa simplicité dans la composition. Osons dire qu’il s’agit d’un des morceaux les plus séduisants de Vind 2.0. Il est encore question de voyage dans le bien-nommé "Isles Of Delight". La voix de Loïs Le Van dialogue avec la guitare de Paul Jarret et le piano de Sandrine Marchetti dans ce séduisant titre jazz où l’improvisation n’est pas absente.

"Paulux", plus sombre et énigmatique, semble être d’un autre univers, moins jazz que contemporain, aux sonorités concrètes.  Avec "Recall", Loïs Le Van fait un tour cette fois du côté de la pop : une jolie ligne mélodique, des instrumentistes à l’unisson et une voix servant à merveille un texte en forme… d’appel.

"La poupée près du train" est l’extrait le plus long de l’album : plus de sept minutes. Le chanteur se déploie pour installer l’univers de ce morceau personnel, mystérieux et inquiétant. À la voix et au piano, viennent s’ajouter d’étranges sonorités, donnant à cette "poupée" l’aspect d’un objet déchirant. "Idée fixe" sort lui aussi le jazz de sa zone de confort grâce à une ouverture a cappella du chanteur. Le morceau se déploie telle une psalmodie ou une incantation mystique. Nous voilà dans une musique sans frontière mais non sans douleur ni interrogations.

L’opus se clôt avec le titre "Everything Must Change", plus cool, plus classique aussi dans sa facture. L’artiste y fait le constat autant que l’éloge du changement : "The young become the old / And mysteries do unfold / Cause that’s the way of time / Nothing and no one goes unchanged". 

Loïs Le Van, Vind 2.0, Cristal Records, 2022
https://loislevan.com
https://www.facebook.com/loislevan
https://www.instagram.com/levanlois

Voir aussi : "Marl’n, en fait oui"

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Oaio a besoin d’amour et de voyages. Elle le chante dans son dernier album Bizarre Monde, aussi poétique que musicalement passionnant.

À l’image du premier titre "Où ?", Oaio fait le choix d’une pop-folk riche et sensuelle. Sa voix à la Zazie se fait mélancolique lorsqu’elle s’interroge : "Où est-ce qu’on va si on se dit tout ?" Pour ne rien gâcher, l’univers folk se teinte de sons world. Il est vrai que la chanteuse est à la croisée de courants berbères, italiens et ardéchois.

Les huit titres de Bizarre Monde ont pour fil conducteur, outre l’amour, le voyage, les échanges, les rencontres et les destinations que l’on se donne – ou que l’on s’interdit.

Sur un rythme enlevé, "Carnaval" mélange les couleurs pour parler d’une relation qui se joue des frontières. Il est vrai que la biographie d’Oaio la décrit comme bourlingueuse. Avec une belle sensualité ("Fais moi une chanson avec ton corps"), "Carnaval" invite à refuser la lassitude de la vie : "A mon âge on est folle quand on nage en hiver et sans drapeau tricolore", chante-t-elle avec pertinence.

La vie, l’amour, l’espoir : voilà ce qui guide toute entière cette passionnante artiste de la scène française

La vie, l’amour, l’espoir : voilà ce qui guide toute entière cette passionnante artiste de la scène française. Mais aussi d'autres sujets comme l'environnement et la nature.

"Bizarre Monde", le morceau qui donne son nom a l’album, est une adresse autant qu’un plaidoyer humaniste et écolo : "T’es pas intéressant / Personne peut te promener à son bras", dit-elle à notre Grande Bleue, en si mauvais état. Rien n’est moins sexy qu’un long discours sur l’environnement, ajoute, en substance, l’artiste, un rien désabusée : "Tout est foutu / Pardon / T’es mal aimé pour un paradis / Bizarre monde arrondi".

Outre les deux titres en anglais, deux ballades, "That Song" et "Nice Day", "Fort" est un autre très beau morceau de l’opus : "Rêvons la nuit / Le jour oublions", chante Oaio, avant d’ajouter : "As-tu assez vu le monde ?" On l'imagine aisément sur un bateau, voguant à travers l’Atlantique, destination l'Argentine. Cet extrait est aussi la confession d’une forte tête qui, entre le silence et le parler fort, a fait son choix. On vous laisse deviner lequel. D’ailleurs, ajoute-t-elle en l’assumant, pourquoi se taire ? "J’ai assez d’amis / J’ai assez d’amour… C'est court la vie, as-tu assez vu le monde ?"

Parlons aussi de "Bonbon", porté par le ukulélé chéri de cette dame. "Que la terre est grande", chante-t-elle, à la manière une gamine émerveillée. Elle porte son regard vers ses souvenirs et son enfance. Encore une fois, il est question d’amour mais aussi d’absence.

Bizarre Monde vaut le détour pour ce mélange entre chanson française, pop-folk et world music, avec de jolies trouvailles dans les sons, à l’instar des chœurs de "Bizarre Monde" ou de "Simple". L’auditeur se laissera tout autant emporté par la concision des textes, leur efficacité et leur poésie.

Au terme de cette découverte (enrichie par une très belle et très étonnante pochette), que dire, sinon : "Quel caractère !" ?

Oaio, Bizarre Monde, Acoustic Kitty / Kuroneko, 2022
https://www.facebook.com/oaiomusic
https://www.instagram.com/oaio_music
https://linktr.ee/oaio

Voir aussi : "Marl’n, en fait oui"
"Dédales de Sigal"

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Revoilà Sylvain Gillet dans un polar dont il a le secret. Avec Venenum (éditions Ramsay), l’auteur montargois mène tambour battant un récit sombre à souhait.

Le héros de ce polar est familier des lecteurs de Sylvain Gillet puisqu’il s’agit du guitariste de blues Abel Diaz. Lorsque commence le récit, le musicien, aussi usé qu’un animateur télé sorti de l’ORTF et blasé qu’un fils à papa obligé de diriger la boîte familiale avec des biftons plein les poches, se trouve embarqué dans une croisière au long cours qui tourne court, justement.

Notre musicien de blues a été recruté avec trois autres confrères pour des représentations sur flot. Leur public ? Des salariés d’une multinationale biomédicale qui a offert à ses salariés – pour la plupart, des visiteurs médicaux – un voyage corporate. Voilà donc notre gratteux embarqué dans une drôle de galère, car son confrère et vieil ami Orville Montgomery est retrouvé mort. L’accident semble évident, mais pas pour Abel. Son pote amerloque vaut bien une petite enquête. 

On peut remercier d’emblée Sylvain Gillet d’avoir pensé à faire un sort au monde des visiteurs médicaux

On peut remercier d’emblée Sylvain Gillet d’avoir pensé à faire un sort au délicieux et très éthique monde des visiteurs médicaux et de ses labos à l'éthique aussi large qu'un string de Brésilienne dans un tripot de Copacabana. L’auteur ne fait pas dans la dentelle lorsqu’il épingle ces léviathans et autres avortons du néolibéralisme. Le CEO Léon Tusk est croqué avec férocité et un plaisir certain, faisant aussi de ce PDG à mi-chemin entre Bernard Tapie et Donald Trump un suspect idéal autant qu’une victime collatérale.

Pour pimenter ce polar, une intrigue parallèle est tricotée aux petits oignons autour de meurtres de prostituées entre Bourges et Montargis. Les deux histoires vont bien entendu se rejoindre.

Venenum se veut un polar décomplexé, avec un héros solitaire que l’écrivain avait mis en scène dans une précédente enquête (Ludivine comme Édith). Sa guitare Linda – douée de paroles – s’avère une compagne très "attachiante". Un autre personnage, humain et – court – sur pattes fait une réapparition : l’agent artistique Max Malakian, déjà présent dans Commedia Nostra.

Abel Diaz parviendra bien entendu à résoudre (presque) seul cette énigme retors. Le bluesman finira vengé mais finalement pas si indemne que ça. Sale temps pour les artistes sur le retour. 

Sylvain Gillet, Venenum, éd. Ramsay, coll. Polar, 2020, 308 p.
https://sylvain-gillet.fr
https://www.facebook.com/sylvain.gillet.372

Voir aussi : "Les actrices rêvent et se couchent tard la nuit"
"Du talent à mort !"
"Décollement de la routine"

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