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Cet essai concis et bien documenté retrace plus d'un siècle et demi de terrorisme.
Des poseurs de bombe anarchiques aux opérations spectaculaires d'Al Qaïda, en passant par les attentats des Années de Plomb en Italie ou les mouvements séparatistes basques ou corses, c'est le monde hétéroclite du terrorisme qui est analysé. L'auteur dissèque les motivations, les discours, la "philosophie" comme les moyens utilisés pour y mettre fin.
De nombreux documents (illustrations, extraits de textes de propagande ou analyses de spécialistes), complètent l'histoire de cette autre manière de mener une guerre, qu'elle soit politique, utopique, libératrice ou religieuse.
C’est avec son troisième roman, Le Potentiel érotique de ma Femme (éd. Gallimard), que David Foenkinos est devenu l’un des écrivains français les plus populaires, un succès jamais démenti et qui fait l’objet d’un hors-série sur Bla Bla Blog.
Le cœur des romans de Foenkinos sont ces personnages contemporains, des anti-héros vaguement paumés, ou du moins décalés dans notre époque sophistiquée. Hector est un de ces archétypes. Le roman commence d’ailleurs par son suicide – raté, lui aussi.
Célibataire – on ne dira pas "vieux garçon" –, notre Parisien trentenaire est le maillon faible de sa famille, avec un frère aîné préféré, installé et admiré. Signe particulier, Hector a une lubie : la collection sous toutes ses formes. Cette passion lui a causé cependant de grosses désillusions, au point qu’il se décide d’abandonner, non sans douleur, cette maladie qu'est la collectionnite. À la même époque, il rencontre Brigitte. C’est l’amour fou, avec un projet de mariage. Hector serait-il tiré d’affaire ? Pas sûr.
Un titre accrocheur, volontairement provocateur
Dans Le Potentiel érotique de ma Femme, ces hommes paumés, décalés, souvent blessés par leur enfance, permettent à David Foenkinos d'étinceler. Sa prose est virevoltante, délicieuse, colorée et bourrée d’humour. Ajoutons à cela un titre accrocheur, volontairement provocateur (nous sommes 13 ans avant #Meetoo) et qui a sans doute fait pour beaucoup dans le succès du livre.
L’air de rien, l’auteur français parle d’abord d’amour, de fantasmes, du respect de l’autre, dans un climat léger. La mort et le malheur sont traités avec légèreté (que l’on pense à la scène dans la cave entre Hector et son beau-frère).
C’est aussi l’histoire d’une résurrection et d’un changement de vie, grâce à une femme et aussi une fantaisie érotique.
Pour ce roman, David Foenkinos a reçu en 2004 le Prix Roger-Nimier.
Singulier programme que ce Vitrail proposé par les Trios Messiaen et Xenakis, à l’œuvre dans une création éponyme de Thierry Escaich, d’une part, et dans une version musique de chambre de la Symphonie n°15 de Dimitri Chostakovitch, d’autre part. Deux compositeurs bien différents sont au cœur de cet enregistrement proposé par b.records, enregistré en live le 1er août 2023 à la Salle Elie de Brignac-Arqana à l’occasion du 22e Août musical de Deauville.
Le premier compositeur est Thierry Escaich, un contemporain français toujours très actif. Vitrail, qui donne son nom à l'opus, est une commande de la Fondation Singer-Polignac et des Amis de la musique à Deauville. Voilà une nouvelle preuve que la musique contemporaine reste un domaine essentiel dans la culture actuelle. Dans le livret de l’album, le compositeur français explique qu’il a écrit Vitrail pour faire écho à l’arrangement pour musique de chambre de la Symphonie n°15. Thierry Escaich parle de cohérence, d’unité et des "mêmes couleurs instrumentales" que celles de Dimitri Chostakovitch. Dans ce programme taillé sur mesure, l’alliance des Trios Messiaen et Xenakis est remarquable de pertinence, de cohésion, de finesse et finalement d’évidence.
En un seul mouvement d’un peu plus de dix minutes, Vitrail propose un voyage dans lequel les sons concrets et lumineux – pour ne pas dire spatiaux – semblent rejoindre le jazz dans une sorte de chant religieux. On trouve dans cet opus d’Escaich ce qui ressemble à des danses traditionnelles. La musique contemporaine n'est très jamais très loin du classique, pour ne pas dire du folklore. Voilà qui rend ce Vitrail tout à fait passionnant. La recherche sonore est dans chaque mesure d’une création du Trio Messiaen et du Trio Xenakis. Il y a des mouvements espiègles dans cette œuvre, mais aussi une sombre mélancolie, au point que l’auditeur pourra y entendre d’inquiétants appels d’esprits tourmenteurs. Les cordes y répondent avec ce qui ressemble à des implorations, voire des prières. Les différents instruments – percussions, cordes, piano – dialoguent, se répondent, s’affrontent dans une œuvre qui reste d’une grande cohérence.
Thierry Escaich parle de cohérence, d’unité et des "mêmes couleurs instrumentales" que celles de Dimitri Chostakovitch
Cette cohérence est présente dans la 15e Symphonie de Dimitri Chostakovitch. Le compositeur russe avait l’habitude des grands ensembles, à telle enseigne que c’était un vrai défi qu’a relevé – avec succès – Viktor Derevianko lorsqu’il a transcrit cette Quinzième pour un orchestre de musique de chambre.
Cette symphonie, écrite en 1971, est la dernière composée par Chostakovitch qui meurt quatre ans plus tard. Résolument moderne, cette œuvre frappe par les rappels de classiques – Rossini et l’Ouverture de Guillaume Tell, mais aussi Wagner ou Mahler. Chostakovitch est resté mystérieux sur ce choix artistique et ces "citations" musicales. Dans l’Allegretto, mélancolie, espièglerie et tragédie se mélangent allègrement dans la formidable version des Trios Messiaen et Xenakis.
De tragédie, il en est encore plus question dans le bouleversant Adagio. Il faut se souvenir que Chostakovitch incarne sans doute plus que n’importe quel artiste du XXe siècle les drames historiques de son époque, que ce soient les guerres mondiales ou les totalitarismes nazis et communistes. On retrouve dans cette transcription pour un ensemble ramassé les couleurs et l’ampleur musical du compositeur russe. Les percussions y ont en particulier toutes leurs places avec un Trio Xenakis faisant montre d’une subtilité rare dans la manière d’utiliser les percussions.
L’auditeur sera sans dote frappé autant par la brièveté de l’Allegretto – brièveté à la fois sèche, pour ne pas dire cinglante – et sa facture plus grave qu’il n’y paraît. Il y a une certaine insouciance dans ce troisième mouvement. Mais cette insouciance est frappée par de lourds dangers, comme si vie et mort s’affrontaient dans un combat qui ne sera finalement que mortel.
C’est un mouvement funèbre – Adagio – qui vient conclure cette ultime symphonie de Chostakovitch. Le compositeur russe fait se réconcilier modernité et classicisme pour cette partie baignée dans une sombre mélancolie, non sans éclats lumineux, quand ils ne sont pas aveuglants. Il s’agit de la mélancolie, des tourments et des interrogations d’un homme âgé et qui se sait dans les derniers moments de son existence.
Le Trio Messiaen est constitué de David Petrlik (violon), Volodia Van Keulen (violoncelle) et Philippe Hattat (Piano). Le Trio Xenakis est constitué d’Emmanuel Jacquet, Rodolphe Théry et Nicolas Lamothe aux percussions.
Comme souvent chez David Foenkinos, ses personnages sont des êtres perdus dans notre époque ultramoderne. Disons aussi qu’il y a une part de mal-être autant et des questionnements existentialistes derrière ces romans a priori légers et qui se lisent avec un plaisir presque coupable.
La Vie heureuse (éd. Gallimard),Le dernier cru de l’un de nos plus célèbres et plus brillants écrivains français part d’une idée géniale et méconnu en nos latitudes.
Eric Kherson, brillant exemple de réussite professionnelle après un passage réussi chez Decathlon, se voit proposer un poste à responsabilité auprès d’un cabinet stratégique dirigé par une ancienne camarade de lycée d’Eric. Amélie Mortiers est aussi brillante qu’exigeante. Elle a les oreilles des grands responsables publics, jusque à L’Élysée. Voilà le duo complémentaire en charge de chercher des investisseurs à l’étranger. Un voyage professionnel les amène en Corée du Sud. Contre toute attente, Eric est atteint d’un malaise, a priori peu grave, avant de découvrir un commerce de service peu commun. Sa vie s’en trouve transportée.
Faux enterrements
Comme souvent chez Foenikinos, on se laisse emballer par un récit d’héros du quotidien paumés par leur vie et souvent à l’étroit dans un destin tout tracé. Cette fois, nous sommes face à un cadre brillant, ambitieux et qui a trouvé dans l’entreprise d’une ancienne copine d’école le moyen de s’élever socialement.
Mais, comme souvent, il y a ces fêlures : la mort d’un père dont Eric se sent coupable, les relations difficiles avec une mère et un divorce qui a éloigné notre anti-héros de ses enfants. Voilà qui fait d’Eric "un être absent au monde".
Rien que du classique. Sauf que cette fois, l’auteur nous déniche une tradition peu connue en France et qui est le déclencheur de la révolution "khersonienne" : un centre organisant de faux enterrements. Notre Français s’aperçoit que, loin d’être glauque, cette boutique propose un vrai service de développement personnel. Enthousiasmé, la question se pose : et s’il importait en France ces faux enterrements ?
Ce manga savoureux est un ensemble de tranches de vie.
L'auteur, Jean-Paul Nishi, mangaka japonais, rejoint Paris afin de se perfectionner - c'est d'ailleurs l'occasion de découvrir la situation envieuse de la bande dessinée française par rapport à ce qui se passe au Japon.
JP Nishi décrit avec humour, et sans nous égratigner, nos us et coutumes : le stress de la vie parisienne, la mauvaise humeur légendaire des Français, les contrôles de police, la drague ou... la curieuse coutume des bisous !
Un manga qui se lit et se relit avec plaisir et qui est aussi le coup de cœur d'un Japonais pour la France. A l'image de la passion réciproque, nous dit-il, que les Français portent pour le Japon.
Escale contemporaine, ou plutôt néo-classique avec Philippe Chamouard et trois de ses œuvres interprétées par le Brasov Philharmonic Orchestra dirigé par Christian Orasanu.
Intitulé, Escales, l’album proposé par Indésens propose un vrai voyage musical comprenant la 9e Symphonie écrite entre 2009 et 2011, la Valse toscane, plus récente (2020) et Canadian March composée entre mars et juin 2018. En route donc vers l'Espagne, l'Italie et le Canada avec Philippe Chamouard.
L’auditeur se laissera emporter par une Symphonie n°9 aux élans passionnés pour ne pas dire néo-romantique. Le premier mouvement au tempo de marche a des accents prokofieviens avec ces vagues de cordes, ces mélodies harmonieuses et le passage de percussions menaçantes. La passion sourd de cette composition d’une grande densité. Le même souffle se retrouve dans le long et langoureux "Adagio" comme si les Roméo et Juliette du compositeur russe reprenaient vie aujourd’hui. Philippe Chamouard précise dans le livret que ce mouvement a été écrit en premier et que "c’est la représentation d’un visage féminin imaginaire qui en est à l’origine". Gageons qu’il s’agit du visage de la célèbre héroïne de Shakespeare. Le lyrisme, la puissance, la profondeur et l’élégie sont en tout cas les maîtres mots de cette deuxième partie qui ne laissera pas l’auditeur ou l’auditrice insensible.
Des accents prokofieviens
Pour le troisième mouvement, Philippe Chamouard a décidé de s’emparer de deux rythmes du folklore andalou issus du flamenco. Il est vrai que souffle sur cette "Bulerie y siguiriya" un souffle tout méditerranéen. La direction de Christian Orasanu donne des couleurs et du soleil à l’Orchestre philharmonique de Brasov, jusque dans le jeu des castagnettes s’amusant et dansant avec les cordes.
Plus complexe est le quatrième mouvement, "Misterioso & allegretto". Mystérieux en effet dans son agencement souvent menaçant de thèmes semblant discuter entre eux, mais toujours avec harmonie. Ce mouvement fait la part belle et la part sombre à un rythme lancinant, mais non sans grandeur.
L’opus propose deux autres œuvres, plus courtes celles-là. Il y a tout d’abord cette Valse toscane. On sent le plaisir du compositeur à l’avoir créée. Il avoue d’ailleurs qu’elle trouve sa genèse dans un voyage à Sienne, en Toscane, au cours d’un printemps 2019. L’esprit romantique souffle sur cette pièce symphonique qu’il a écrit sous forme d’une valse. "Un exercice de style amusant", confie-t-il.
L’œuvre qui clôt l’album est une impressionnante Canadian March. À l’instar de la Valse toscane, Philippe Chamouard a retranscrit le souvenir d’une marche au bord du Moraine Lake. Il n’est pas simple de mettre en musique des images – la couleur de l’eau, les paysages de montagnes ou les nuances du ciel. Le compositeur semble avoir posé un chevalet musical peut retranscrire par touches sonores des sensations et des souvenirs d’un voyage inoubliable et plein de nostalgie.
Philippe Chamouard, Escales, Symphonie n°9, Valse toscane, Canadian March, Brasov Philharmonic Orchestra dirigé par Christian Orasanu, Indésens Calliope Records, 2024 http://philippechamouard.fr https://indesenscalliope.com
C’est avec un violoncelle riche, endiablé et passionné que Marie Ythier propose une sélection de créations contemporaines signées de jeunes compositeurs : Matteo Gualandi (né en 1995), Augustin Brand (né en 1994) et Bastien David (né en 1990, le plus "âgé" donc).
La musique contemporaine mérite largement qu’on parle d’elle, elle qui secoue régulièrement le cocotier des musiques académiques et traditionnelles pour amener les sons dans ses derniers retranchements. Cela donne, à plus d’un égard, la couleur et la densité de l’album imaginé et mené par Marie Ythier.
Grâce à elle, le violoncelle s’impose comme un instrument soliste à part entière, chose relativement rare comme le souligne la musicienne dans la présentation de l’album. Fotografie rarissime di angeli de Matteo Gualandi, une commande la Fondation Royaumont, s’apparente à une suite, un genre musical tombé en désuétude mais revigoré ici grâce à des sons tour à tour primaires ("La fille, le feu"), minimalistes et méditatifs ("La chute d’Icare") ou s’inspirant du baroque ("Chanson de l’oiseau dans la lumière").
Il est encore question de baroque dans la quatrième partie "Toccata", savant mélange de sons renvoyant à Bach autant qu’aux trouvailles musicales du XXe siècle. La "Passacaille", le plus long mouvement de cette œuvre de Matteo Gualandi, a une facture à la fois archaïque et contemporaine. Marie Ythier prend à bras le corps ce morceau dans lequel les silences et les suspensions prennent autant de valeur que les notes, jusqu’aux dernières mesures déchirantes.
Comme "des nuées d’oiseaux"
Le deuxième compositeur qui a les honneurs de ce passionnant album est Augustin Braud. De l’un, l’autre est une œuvre concertante pour violoncelle et ensemble. Nous sommes là dans une création audacieuse, pleinement contemporaine, dans laquelle s’installe un ensemble de dialogues sauvages entre l’instrument soliste de Marie Ythier et l’ensemble Sillages dirigé par Gonzalo Bustos. Ajoutons que c’est l’Ensemble Sillage qui a lui-même commandé cette œuvre au compositeur. La nature semble être au cœur de ce que la musicienne appelle un "concerto grosso". Mais il s’agirait d’un concerto grosso de notre époque, audacieux, moderne, tourmenté mais aussi singulièrement primaire. Comme "des nuées d’oiseaux" ajoute Marie Ythier. Mais des nuées comme folles et perdues dans un ciel menaçant. Bouleversant.
En 2022, Le Printemps des Arts de Monaco a commandé à Bastien David L’Ombre d’un doute, une œuvre pour deux violoncelles et orchestre. Pour cet enregistrement public à l’abbaye de Royaumont en septembre 2023, Marie Ythier était accompagnée du violoncelliste Arne Deforce et de l’Orchestre national Auvergne-Rhône-Alpes dirigé par Thomas Zehetmair.
C’est par une pluie de notes ravageuses que commence cette création contemporaine dans laquelle Marie Ythier a trouvé son alter ego en la personne d’Arne Deforce, jamais plus à l’aise que lorsqu’il met à rude épreuve son violoncelle à la recherche d'inattendus. Et de l’inattendu, il y en a dans ces plus de quinze minutes d’un concerto au service de sonorités puissantes et de rythmes singuliers. Il semble que l’Orchestre national Auvergne-Rhône-Alpes a trouvé ses adversaires avec les violoncelles de Marie Ythier et Arne Deforce.
Puissance, gravité, sombres dangers et attentes inquiétantes sont exprimés dans des passages qui n’ont rien d’improvisés. Les coups d’archers se succèdent dans une œuvre pleinement inscrite dans le XXIe siècle. L’auditeur pourra y lire l’influence de la musique concrète, celle du courant répétitif américain dans des passages minimalistes mais aussi, dans une certaine mesure, l’apport de l’électro dans des vagues sonores presque spectrales. Marie Ythier et Arne Deforce, armés de leur violoncelle, s’y livrent comme jamais, habités par cette œuvre incroyable s’élevant jusqu’à des sommets, telle une nuée… d’insectes – et non plus d’oiseaux.
Pas d’orchestre symphonique cette fois mais un piano et un interprète d’exception, le Suédois Peter Jablonski. Ce grand interprète de Chopin, courant les scènes du monde entier, se penche cette fois sur un répertoire contemporain, à la facture néo-classique mais aussi des influences jazz.
La simplicité, la nudité et la fluidité de Peter Jablonski se mettent au service de pièces intimes immédiatement attachantes. C’est la caressante "Berceuse mauve", tout en pastel, c’est la délicate "Valse naïve" dont on lira l’influence d’Erik Satie mais c’est aussi cet autre morceau, "Simply Yes", dont la retenue laisse place à un élan passionné. La "Valse de rien" semble nous ramener quelques dizaines d’années plus tôt dans une salle de bal parisien après le départ des derniers invités, lorsqu’un couple se retrouve seul pour une dernière danse. Décidément, la valse est un style qu’affectionne Christian Schittenhelm ("The Algot Walz").
Le titre qui donne son nom à l’opus semble faire le pont entre classicisme, contemporain et jazz. Il y a aussi un esprit pop dans ce "Back Home With The Moon" dont Peter Jablonski prend possession avec un plaisir évident.
Simplicité, nudité, fluidité
L’album de Christian Schittenhelm et de son instrumentiste prestigieux est enrichi de pièces courtes à la belle densité et que le piano vient colorer. C’est le mélodique "Duo", le spectral "Stellar", l’étrange "Poème de l’inutile" ou la composition très contemporaine "Impression de lièvre" jouant sur le rythme et sur des notes semblant s’envoler en toute liberté.
L’auditeur prendra plaisir à se faire prendre au piège dans cette choix de pièces se jouant de toutes les étiquettes. Comment en effet caractériser en effet "Roof Ans Sky", lente et mélancolique déambulation au piano, la ballade "Alone" à la tristesse éloquente ou encore ces titres à la facture jazz cool que sont "After Me The Storm" ou encore "A Bad E Could Be The Best", avec ses sonorités graves ?
Le pianiste classique Peter Jablonski vient servir à merveille de sublimes morceaux, à telle enseigne que "Zebra Piano" paraît lui être destiné directement ? Le contemporain est aussi bien présent, particulièrement à la deuxième moitié du disque. C’est "Quadratures" mais aussi "Lévitation" dans lesquelles le piano se fait grave et par moment suspendu.
Cet essai concis et bien documenté retrace plus d'un siècle et demi de terrorisme. 
