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Sandrine Chiron nous a quittés cette semaine, suite à une sclérose en plaques sévère. C'était un 21 juin, le jour de la fête de la musique. Pour une musicienne et une passionnée de musique, c’est à la fois cruel et ironique.
Ces fonds doivent servir à la recherche contre les maladies dégénératives, et en particulier à la sclérose en plaques. Que vous connaissiez Sandrine ou non, que vous soyez touchés ou non par cette maladie, nous vous encourageons à faire un don.
En ce mois de juin, ressort en librairie le mythique Gens de France et d'ailleurs de Jean Teulé. Il avait été publié une première fois à la fin des années 80, avant de connaître une réédition il y a un peu plus de 15 ans (éd. Ego Comme X). C’est aujourd’hui les éditions Fakir qui proposent de découvrir ou redécouvrir cet album, l’ultime album graphique de Jean Teulé, avant que celui-ci ne se lance avec succès dans le roman.
Gens de France, c’est un voyage baroque et barré dans notre pays, avec des personnes ordinaires. Loïc Néhou, le directeur de l’éditeur Ego comme X, commente ce livre ainsi : "Dans son œuvre, Jean Teulé est le passeur attentif des individus en marge. Il n’a pas son pareil pour dégoter en France, ou à l’autre bout du monde, de drôles d’allumés en proie à quelques drames, qu’il épingle sur sa page avec une attention délicate et parfois cruelle."
Du soutien-gorge de Zohra à la soucoupe volante de Jean‑Claude
À mi-chemin entre la bande dessinée, le roman, et le roman-photo, Gens de France a marqué les esprits et a inspiré pléthore d’artistes et de photoreporteurs grâce à ses personnages hauts-en-couleur et ses situations ahurissantes, du soutien-gorge de Zohra à la soucoupe volante de Jean‑Claude : "Y y a un mec qui est en train de construire une soucoupe volante en bois pour emmener sa mère mourir sur une étoile…"
Extrait : "Tout en me parlant de la soucoupe de son fils, la mère crachait dans la cuisine. À chaque fois, elle visait la poubelle, à chaque fois, elle la ratait. À un moment, elle a visé la friteuse. Manque de bol, elle l’a eue du premier coup. Il m’en a fallu de la concentration pour ne pas envoyer des fusées partout en mangeant les frites !"
Une vraie curiosité. Mieux : un classique.
Jean Teulé, Gens de France et d'ailleurs, éd. Casterman, 1988, Ego Comme X, 2005, éd. Fakir, 2021, 272 p. https://www.fakirpresse.info
À bien y réfléchir, il n’y avait que Philippe Manoeuvre, l’ex Enfant du Rock, pour pouvoir proposer "Les enfants 80", sa série de podcasts consacré aux années 80. Ils sont produits, réalisés et proposés par France Bleu et promettent une bonne dose de plaisir régressif grâce à un Philippe Manoeuvre au mieux de sa forme.
5 numéros sont podcastables. Tout leur intérêt est d’aller au-delà des clichés des eighties et de proposer en quelques minutes des sujets culturels et sociétaux peu connus ou oubliés, en évitant à la fois les clichés et la nostalgie de bon aloi.
Ainsi, le premier numéro, "Conso, magot, bingo !" , est consacré non pas à la mode ou à la musique des années 80 mais à la naissance de la malbouffe : plats industriels, produits lyophilisés ou grandes surfaces. C’est sans doute l’une des grandes révolutions de cette période. "Les enfants 80" aborde également les changements dans les transports (ceinture de sécurité, permis à points, développement de la grande vitesse) mais aussi la mode qui semble prendre le large grâce aux jeans unisexes, aux couleurs improbables et au trublion qu’a été Jean-Paul Gaultier.
Les plus âgés d’entre nous se souviennent-ils que la génération eighties a également été celle des grandes manifestations humanitaires ? Et ne parlons même pas du sport ! Philippe Manoeuvre n’exagère pas lorsqu’il rappelle que la France a brillé dans ce domaine, autant dans le cyclisme, le tennis ou le foot que l’athlétisme.
Vous connaissez la chanson : "Je vous parle d’un temps que les moins de vingt ans…" etc. Le critique et spécialiste du rock se fait chroniqueur afin de parler d'une décennie qui n’a pas fini d’inspirer les générations futures.
Il y a au moins deux raisons de parler de cette version 2021 du Père Noël est une Ordure, la célèbre pièce de théâtre créée en 1979 par la Troupe du Splendid. La première tient aux circonstances du moment : la crise sanitaire tend à se calmer – sans pour autant s’arrêter – ce qui donne aux théâtres l’occasion de rouvrir leurs portes. La seconde tient à cette comédie archiconnue et que la Troupe Saynète et sans bavure revigore avec aplomb et plaisir. Les comédiens se sont appropriés ce désormais classique de la scène grâce à des personnages revisités, un décor haut en couleur et le choix de la fantaisie au détriment du message dramatique.
Un soir de Noël, à la permanence téléphonique parisienne de l’association SOS Détresse Amitié, des bénévoles sont perturbés par l’arrivée de personnages marginaux et farfelus, qui provoquent des catastrophes en chaîne. Au fil de la soirée, Pierre Mortez et Thérèse, les permanents de SOS Détresse Amitié ce soir-là reçoivent tour à tour la visite de leur voisin yougoslave Monsieur Preskovitch, qui leur présente des spécialités gastronomiques (et infectes) de son pays, de Katia, un travesti homosexuel désespéré, de Josette (dite Zézette) la "petite protégée" de Thérèse, ainsi que de Félix, le fiancé miteux de Josette (violent envers Josette et voleur invétéré) déguisé en Père Noël, sans oublier les coups de fil récurrents d'un obsédé sexuel.
Créé en 2010 par Farid Omri, le Théâtre Montorgueil a été rebaptisé en janvier 2020 Comédie Montorgueil (Paris 2e) , sous la direction d’Eric Marquis qui dirige également plusieurs salles en Belgique.
Le Père Noël est une Ordure a rencontré un succès unanime et immédiat, lors des quelques représentations au Théo Théâtre, stoppées net suite aux conséquences liées au COVID 19. Il reprend cet été à la Comédie Montorgueil, pour le plus grand plaisir de tous.
Le Père Noël est une Ordure, comédie française créée par la troupe du Splendid, Troupe Saynète et sans bavure, avec (en alternance) Deniz Atay, Olivier Bauwens, Laetitia Bonmartel, Alexan Bidou, Florine Célestin, Isabelle Degraeve, Stéphane Deleau, Alexandre Guédé, Arnaud Kob, Sébastien Lumbreras, Arnaud Patron, Mathilde Serre et Stéphane Theron Comédie Montorgueil, représentations à partir du Samedi 3 Juillet 2021 à 21h 30 Fermeture en août puis reprise des représentations le Samedi 18 Septembre 2021 Comédie Montorgueil 3 rue du Sentier 75002 Paris https://comediemontorgueil.com https://www.facebook.com/sayneteetsansbavure
C’est à un voyage dépaysant que je vous convie, par un musicien hors-norme. Il s’appelle Abaji, est né au Liban d’une famille arménienne et vit en France depuis plus de 40 ans. Sa musique bouscule les frontières entre Orient et Occident, comme le prouve son dernier album, Blue Shaman.
"J'ai enregistré le disque Blue Shaman à Glasgow avec Donald Shaw et Michael McGoldrick. Une rencontre shamanique entre mon âme méditerranéenne et leur tradition celte !" explique le musicien virtuose. Blue Shaman est son 8e album. Pour cet opus, Abaji, à l’œuvre originale sans égal, s’est en effet adjoint les concours de l’accordéoniste écossais Donald Shaw et du flûtiste et joueur de cornemuse Michael McGodrick.
L’auditeur devine que cette musique vient de loin et est volontairement teintée de mysticisme, à l’instar de "Ararat" et surtout de "Blue Shaman" qui donne son nom à l’album.
Les couleurs de l’Orient et de son cher Liban sont bien entendu présentes, à l’exemple de "Valley Of Sand" ou de "Nâtir" qui ouvre l’opus. Ce véritable cri du cœur mêle sons orientaux et mélancoliques et chanson française : "Un lit de soie trop grand pour moi / En moi une peine au fond m’entraîne… / J’attends que tu viennes effacer ma peine".
Rencontre shamanique
"Nuit turquoise", tout aussi méditatif, peut se lire comme un voyage aux confins de l’Europe oriental, sur les rives de la mer de Marmara, avec une flûte solaire et un accordéon chaleureux.
Avec "Northbound Caravan", nous sommes en plein désert, chez des bédouins, avec ce violon gémissant. On voit presque les chameaux déambuler, la démarche lente et lourde. "Hot Desert To Cold Sea" est encore un voyage au milieu des dunes, avec cependant des accents celtes et bretons singuliers qui vous feraient presque transporter en quelques instants du Sahel aux côtes finistériennes.
En effet, le musicien nourri à différentes cultures ne s’interdit pas de piocher un peu partout ses influences, lorsqu’il s’aventure par exemple sur les terres balkaniques ("Balkanik Tango") ou celtes ("Share To Share"), avec une voix inimitable allant chercher une douleur enfouie aux tréfonds, avec toujours ces accents orientaux. Là, il faut aussi absolument parler de "Celtic Blue" : a-t-on déjà entendu une telle fusion entre sons celtiques et orientaux, avec une flûte comme sortie des brumes et la voix éraillée d’Abaji ?
Il convient encore de s’arrêter sur "Dance For Me", un titre à la pop-folk anglaise mâtinée de français : "Lignes noires sur la feuille / Des courbes au bout des doigts / Et en clin d’œil / Ces lignes bougent pour moi." Il y a aussi "Hilm n°2" derrière laquelle se dessine l’influence de Bob Dylan dans une folk arabe, avec cet indispensable harmonica. Abaji n’oublie pas le métissage jusque dans le choix des langues – l’arabe, le français et l’anglais – pour ce portrait délicat et consolateur d’une femme. On peut saluer un autre clin d’œil au chanteur folk américain nobelisé avec le titre "Bowing In The Wind" : loin d’être une revisite du chef d’œuvre de Bob Dylan, ce morceau d’Abaji est une pérégrination dans un désert, courbés (c’est le sens du mot "bowing"), sous un soleil ardent et au milieu d’un vent brûlant.
Inépuisable source d’inspiration, l’Orient est bien entendu omniprésent dans ce magnétique album, à l’instar d’"Ustad" ou du facétieux "For A Cloud", véritable concerto pour voix et flûte.
Mais Abaji sait également se faire doux et tendre lorsqu’il trace le très beau portrait de cette femme dans le titre "Sehher" : "D’la magie noire / D’la couleur de tes yeux / J’ai beau chercher des beaux / Y’en a pas un de plus beau."
Encore Napoléon ! me direz-vous. Il est vrai que le bicentenaire de la mort de l’Empereur fait couler beaucoup d’encre. Mais je vous rassure : c’est de cinéma dont je vais vous parler cette fois.
En 1927, un peu plus de cent ans après la mort de Napoléon à Sainte-Hélène, le réalisateur français Abel Gance proposait une première version de son long-métrage retraçant le parcours de Bonaparte, de l’école militaire de Brienne en 1781 au début de la campagne d’Italie de 1796. Le Napoléon de Gance, devenu lui-même historique et considéré comme un chef d’œuvre du cinéma mondial, était sensé n’être qu’une partie de la fresque monumentale que projetait le cinéaste : Arcole, Les Pyramides (la campagne d’Egypte), Austerlitz, La Bérézina (La campagne de Russie), Waterloo et Sainte-Hélène. L’ambitieux projet n’a hélas pas pu aboutir, si on excepte son long-métrage Austerlitz, sorti en 1960.
Le British Film Institute a sorti en 2016 une version de 5H30 du Napoléon d’Abel Gance d’après les négatifs originaux restaurés par Kevin Brownlow en 2000, le tout sur une musique de Carl Davis. Cette version existe en Blu-ray (en 3 disques – excusez du peu ! – de respectivement 114 minutes, 170 mn et 48 mn) et promet de n’être pas la dernière puisque la Cinémathèque française devrait proposer une énième restauration pour la fin de l’année, à l’occasion de ce fameux bicentenaire napoléonien.
Regarder le chef d'œuvre de Gance c’est se plonger dans une aventure cinématographique aussi passionnante qu’intimidante. Il s’agit en effet d’un film proprement démesuré, que ce soit par la durée (5H30, soit la durée d’une mini-série), par la facture (un film muet en noir et blanc) ou par le choix artistique d’Abel Gance de ne souffrir aucune ellipse – ou si peu – dans un biopic documenté, réaliste mais non sans des fulgurances poétiques.
Le film commence par l’enfance de Napoléon Bonaparte, exilé de la Corse vers la Normandie pour faire une école militaire, où l’enfance subit les brimades en raison de ses origines. C’est là que celui qui deviendra héros de la Révolution française puis l’Empereur conquérant de l’Europe, dévoile ses ambitions comme son génie militaire. La bataille de boules de neige a bien entendu une portée allégorique, tout comme l’autre scène qui lui répond, celle des polochons, précédant de peu la libération d’un aigle domestiqué et vénéré par l’enfant.
L’un des plus grands films de l’histoire du cinéma
L’acte II nous transporte pendant les heures les plus troubles de la Révolution française, en 1793 : les derniers mois de Louis XVI, les massacres de Septembre et les débuts de la Convention. Abel Gance fait le point sur Danton, Robespierre et Marat (hallucinant et halluciné Antonin Artaud) pour nous raconter la fièvre de la Révolution française, avec toutes ses contradictions que Bonaparte, encore jeune officier, devine : la Déclaration des Droits de l’Homme côtoie le chaos et des tueries sauvage, tandis que le souffle de la liberté est éteint par des tentations dictatoriales. La Terreur est déjà en place et n’importe quel citoyen peut en être victime. Bonaparte aussi, qui choisit de rejoindre sa famille en Corse, avant de devoir la fuir car en danger, y compris chez lui. Le réalisateur offre là une séquence maritime incroyable mettant en parallèle la tempête révolutionnaire et les flots menaçant de faire couler le bateau qui ramène Napoléon sur le continent.
Le troisième acte commence avec la mort de Marat alors que Napoléon est à Toulon. La ville est prise par les alliés royaux anglais, espagnols et italiens. Audacieux, l’officier déjoue tous les plans de ses supérieurs et se lance dans une attaque victorieuse. C’est son premier grand succès militaire qui lui donne une aura nationale alors que la Révolution s’essouffle. Nous sommes en 1793, année terrible s’il en est, mais aussi dangereuse. Danton est arrêté et exécuté. Bientôt viendra le tour de Robespierre ("Robespierre, tu me suivras"). Napoléon lui-même n’a pas que des partisans : il est emprisonné après Thermidor – coïncidence : en même temps que sa future femme Joséphine de Beauharnais. Abel Gance offre une série de séquences étonnantes tour à tour tragiques, comiques et pathétiques. Que l’on pense à la salle des archives où des gratte-papiers sont chargés de consigner les exécutions. On sort Napoléon de prison dans l’espoir que lui seul parviendra à éviter une insurrection royaliste et à sauver la Révolution. Ce qu’il parvient, en même temps qu’il convole en noces avec Joséphine de Beauharnais.
Le quatrième et dernier acte, le plus court (48 minutes seulement) est sans doute le plus impressionnant et le plus visionnaire du cinéaste. Il consacre cette partie à la campagne d’Italie (1796-1797). Cet acte marque à la fois l’achèvement de la Révolution et le début de l’ascension d’un jeune homme jusqu’au sommet de l’Europe, comme le suggèrent les dernières images.
Le spectateur aura bien entendu un sentiment de regret en visionnant cette quatrième partie aussi dense qu’incroyable visuellement : gros plans voire très gros plans, mouvements de foules, polyvision, colorisations (que l'on trouve d'ailleurs pendant tout le film), jeu hiératique d’ Albert Dieudonné qui ne se remettra jamais complètement de ce rôle emblématique. Il ne faut pas oublier ces séquences inoubliables comme l’assassinat de Marat par Charlotte Corday (Acte III), le siège de Toulon réalisé à hauteur d’homme (Acte II) et avec une caméra mobile ou la fameuse bataille de boules de neige (Acte I).
Le Napoléon d’Abel Gance est un monument du cinéma qu’il faut avoir la curiosité de regarder, ne serait-ce que parce qu’il a inspiré nombre de réalisateurs. On pourra regretter le jeu théâtral de certains acteurs et actrices. Pour le reste, Abel Gance a réalisé un monument inspiré jusque dans les mouvements de caméra, et sans oublier la musique symphonique de Beethoven ou de Mozart. Au souffle révolutionnaire, le cinéaste français a su donner au public une œuvre devenue mythique. Et l’un des plus grands films de l’histoire du cinéma.
