Il est temps, sans doute, de découvrir James Agee, écrivain, journaliste, critique d’art et scénariste. C’est ce que propose Rodolphe Barry, dans son essai vivant, nerveux et documenté, Honorer la Fureur (éd. Finitude). James Agee a marqué son époque avec son livre Louons maintenant les grands Hommes qui, après une sortie discrète aux États-Unis en 1941, est devenu une œuvre majeure, à la fois reportage journalistique sans concession et création littéraire. Les photographies de Walker Evans sont du reste restées dans les mémoires.

En 1936, James Agee est envoyé, par le magazine Fortune qui l’emploie, dans le sud des États-Unis afin d’enquêter sur les conditions de vie des métayers blancs. Nous sommes en pleine Dépression américaine et le New Deal de Roosevelt bat son plein. On adjoint au journaliste engagé et anticonformiste un photographe, Walker Evans, son exact opposé, mais avec qui le courant passe très vite.

C’est en Alabama que les deux hommes entreprennent leur enquête, plus précisément auprès de trois familles, les Burroughs, Tengle et les Fields. De ce qui était un travail de commande, James Agee en sort marqué à jamais, bouleversé par ces compatriotes pauvres (lui-même vient du Tennessee profond et d’une famille croyante) : "Être un des leurs, plus que de n’importe quelle autre communauté d’hommes sur terre, il ne désire rien d’autre. Pourra-t-il jamais leur témoigner sa gratitude ?"

La gratitude, il la leur offrira, à travers son reportage écrit que Fortune, son commanditaire, choisit pourtant de ne pas publier : trop long, trop engagé, trop de gauche, trop révolutionnaire. "James écrit sans sans plus se soucier des contraintes du journalisme ou d’une foutue ligne éditoriale. Finis les compromis" pour cet "anarchiste en religion autant qu’en politique." Après des années de travail d’écriture et de tractations auprès d’éditeurs, c’est une maison de Boston, Houghton Mifflin, qui accepte de publier Louons maintenant les grands Hommes, deux années après l’autre grand livre sur la Dépression, Les Raisins de la Colère de John Steinbeck. Quelques critiques saluent ce "grand livre de la compassion" ou "l’œuvre la plus morale et nécessaire de notre génération" mais le livre se vend mal.

L’œuvre la plus morale et nécessaire de notre génération

James Agee a un peu plus de trente ans et réfléchit à la suite de sa carrière littéraire. Il choisit le cinéma. Ce seront d’abord des critiques, pointues, clairvoyantes et suivies pour le Times et son concurrent, plus marqué à gauche, The Nation. Cette passion pour le cinéma se concrétise avec une nouvelle étape, qui passera par Hollywood. Il y a la rencontre avec Charlie Chaplin, puis avec celle de John Huston. Deux monstres sacrés qui verront dans James Agee, un ami et un des leurs. Lorsque le journaliste écrit au sujet de l’auteur du Faucons maltais que "quel que soit son objectif, [il] se bagarre toujours avec noblesse et ténacité pour l’atteindre. Si jamais il devait se battre pour une question de vie ou de mort… il aurait beaucoup plus de chance de l’emporter que la plupart des gens", sans nul doute c’est aussi le portait en creux de lui-même. Scénariste de The African Queen (1951), c’est un autre chef d’œuvre qu’il va contribuer à créer (même s’il ne sera jamais crédité) : La Nuit du Chasseur de Charles Laughton. Une carrière éclair qui se terminera par son autre grand livre, Une mort dans la Famille, prix Pulitzer posthume.

Rodolphe Barry retrace la carrière mouvementée de James Agee, sans omettre la vie privée tout aussi tumultueuse d’un homme écorché vif. Il y a les femmes qui ont croisé sa route et, pour certaines, partagé sa vie : Via, Alma, Mia ou Billie. Il y a aussi ses amitiés, en particulier avec le père Flye, avec qui il entretiendra une correspondance nourrie.

Gros buveur et gros fumeur, James Agess s’éteint à l’âge de 46 ans, laissant l’œuvre d’une vigie de son époque et d’un intellectuel comme "à l’écart du monde, le regard aux aguets, scrutateur" pour reprendre une réflexion de Charlie Chaplin. Lors des obsèques de James Agee, Walker Evans lit un extrait de Louons maintenant les grands Hommes : "Le coup le plus mortel qui puisse frapper l’ennemi de la race humaine, consiste à honorer la fureur."

Une dernière raison de lire James Agee ? En 1989, son reportage sur les métayers blancs d’Alabama a fait l’objet d’une suite : And their children after them. Leurs Enfants après eux : ce verset tiré de l’Ancien Testament (Ecclésiastique, 44,9) est aussi le titre du roman de Nicolas Mathieu, prix Goncourt 2018. La voix de James Agee continue de crier près de 65 ans après sa mort : "Honorer la fureur ! Toute fureur sur la terre a été absorbée, le temps venu, en tant qu’art, ou religion, en tant que facteur d’autorité sous une forme ou une autre..."

Rodolphe Barry, Honorer la Fureur , éd. Finitude, 2019, 274 p.
https://www.finitude.fr/index.php/auteur/rodolphe-barry

Voir aussi : "Ivre de vers et d’alcool"

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Lune froide : ce film de 1991 vous dit quelque chose ? L’‎Œil du frigo vous rafraîchit la mémoire, et c’est le moins que l’on puisse dire. Focus sur ce film singulier de Patrick Bouchitey.

Un frigo dans Lune froide, forcément cela devait être trash. Ce magnifique film, bien noir, ne pouvait associer un frigo, organe du plaisir gustatif qu'avec un orgasme charnel dont le dégoût se lit sur le visage de Patrick Bouchitey.

Lune froide est un film sur deux marginaux complètement déjantés que rien n'arrête. La scène du frigo est très significative, elle montre comment il faut, lorsque l'on est le squatteur de la famille, trouver du plaisir. Simple : le plaisir, ça se vole, et si possible dans un frigo. Un peu d'alcool, quelques canettes fraîches volées à l'amant de sa sœur. L'orgasme, finalement, est dans le cerveau du voleur et non dans celui qui a rempli le frigo – ça laisse perplexe. Le frigo, sans congélateur mais avec juste un freezer sur le haut, ne regorge d'ailleurs que de canettes. Même la porte qui est d'habitude réservée aux sauces en tout genre est remplie du précieux breuvage qui enivre notre marginal dont la méningite semble bien dispersée.

Il suffisait juste d'associer la bande son de l'orgasme, un frigo ouvert et un breuvage pour rendre ce marginal tellement humain alors que c'est un vrai dégueulasse. Voilà comment un réalisateur un peu malin affiche la complicité d'un frigo à des scènes interdites au moins de dix huit ans. Le frigo pourrait nous plonger dans des orgasmes gustatifs dont vous n'auriez pas idée. Choisissez bien vos produits : quelques canettes, du bio, des laitages, fromages, truffes, etc., et laissez refroidir. Introduisez vous en cambriolant la porte dans cet univers de papilles, et faites mijoter le plaisir. Portez à ébullition et laissez-vous bercer par les effluves de saveurs. Passez du froid au chaud, de rien à l'extase et régalez-vous. Lorsque la satiété arrive, glissez au fond de vous-même et appréciez ce merveilleux organe frigoristique…

Patrick Bouchitey le comprend bien : après cette scène, il ne peut plus rester. Il faut partir, aller de l'avant – ou de l'arrière : il n'y a pas de sens après le plaisir éprouvé par ce marginal. Il n'y en aura pas dans le film non plus. Son acolyte, Jean-François Stévenin, n'est pas en reste. À eux deux ils vont aller le plus loin possible dans l'univers du plaisir de la chambre froide (je vous laisse le découvrir…). C'est trash, rugueux, subtil, méchant, délirant, hors-norme : un film qui fait dévier les chemins, interroge sur nos chambres froides et prend un malin plaisir à nous éreinter.

À voir si vous avez le cœur bien accroché !

ODF

Lune froide, comédie dramatique de Patrick Bouchitey
avec Patrick Bouchitey et Jean-François Stévenin, France, 1991, 90 mn

Voir aussi : "L’‎Œil du Frigo débarque sur Bla Bla Blog"
"Lune froide frigo"

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L’‎Œil du frigo s'arrête cette semaine sur un des plus élégants et des plus émouvants films britanniques : Billy Elliot, ou l'histoire d'un garçon passionné par la danse classique et qui va être capable pour cela de déplacer des montagnes. Une chronique bien rafraîchissante pour un long-métrage qui ne l'est pas moins. 

En voilà une belle scène de frigo. Simple efficace élégante dans un film qui respire la bonté et la liberté. Un jeune garçon, qui a perdu sa mère, a une vision d'elle alors qu'il ouvre le frigo pour se servir un verre de lait.

Nous sommes dans une famille pauvre et le frigo est vide. Seul un pain de mie est posé sur la porte et une bouteille de lait est disponible au bas du frigo. Un vrai lien entre la mère qui apparaît dans une vision maternelle et nourricière. Le frigo est aussi là comme garant des souvenirs d'enfance. Combien d'entre vous se souviennent de quelques mets posés dans le frigo, de la façon dont ils étaient rangés, délicatement protégés, des petites maniaqueries de vos parents, de votre mère ? Ici la scène indique que Billy va quitter l'enfance, qu'il va s'en aller vers son destin. Il a pour énergie son père qui ne comprend rien à la danse ni au destin de son fils mais qui mettra tout en oeuvre pour lui faire franchir le Rubicon. Un homme qui se comporte en homme, en père, et souvent en imbécile, ce qui laisse de la marge pour Billy qui s'envole vers cette liberté que lui autorise la bonté paternelle nourrie du souvenir maternel. Un sacré film.

Le frigo gardien de l'enfance, qui met au frais vos souvenirs gustatifs, colorés, froids, vos discussions familiales, quelques innovations culinaires ou quelques catastrophes de bouteilles fuyant dans le bac à légumes. Souvenez-vous  juste quelques minutes d'un fait. Replongez dans votre enfance: un vieil Arthur Martin avec un freezer, une loupiote qui vous aveugle et un moteur qui vous réveille un troupeau d'adolescents...

Pour ma part, ça sera les yaourts faits dans notre yaourtière familiale Seb. On faisait des yaourts natures et comme on achetait toujours des yaourts natures on avait des yaourts natures : c'était simple, efficace et ancré dans le yaourt nature. N'empêche qu'on s'émerveillait toujours d'ouvrir ces pots rouges sortis du frigos, faits à partir d'un seul yaourt nature pour en faire huit autres natures. Une vraie révolution. Il me semble qu'on allait voir toutes les heures les yaourts en devenir pour voir s'ils devenaient des vrais yaourts ouvrant et fermant la porte du frigo au risque de se faire engueuler par notre mère...

Il n'est pas impossible qu'à ce moment là un film qui ouvrait un frigo passait sur notre vieille télé en noir et blanc et que mon cerveau de jeune ait fait un yaourt de ces deux informations pour vous servir une flopée de fraîcheurs cinématographiques directement sorties de ce vieil Arthur Martin. Chacun sa madeleine. La mienne ressemble à un frigo.

ODF

Billy Elliot, comédie dramatique de Stephen Daldry, avec Jamie Bell, Julie Walters, Gary Lewis et Jamie Draven, Grande-Bretagne, 2000, 110 mn

Voir aussi : "L’‎Œil du Frigo débarque sur Bla Bla Blog"
"Billy Elliot frigo" 

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C'est du cinéma musclé que propose cette semaine notre chroniqueur de L’‎Œil du frigo. Et la première question qui se pose est de savoir si l'on doit se contenter de ce que l'on a...  

Oui je sais c'est court, et vous en voudriez plus, mais il faut toujours se contenter de ce qu'on a... Bon, OK, je déteste cette phrase : il faut se contenter de ce qu'on espère, là, tout de suite, on ouvre quelques horizons. Le Transporteur 2, avec l'excellent Jason Statham, comporte une scène de frigo rapide mais entière.

J'entends par là que la belle Audrey Billings (Amber Valletta), qui a un coup de chaud, ouvre son frigo, prend les poches bleues dont on comprend tout de suite qu'elles vont servir à la refroidir, puis referme le frigo. On imagine même qu'elle va les déposer sur son cou pour faire descendre la température. On ne voit que très peu les éléments du frigo mais on peut observer qu'il est plein. La porte, par exemple, est très bien achalandée, ce qui laisse présager qu'Audrey sait faire de bons petits plats et qu'elle se régale à enrichir ses accompagnements avec quelques condiments (d'où le proverbe : "Pour être bien accompagné, il faut se condimenter"). Si avant une invitation chez un ou une inconnue pour un dîner, vous avez accès au frigo, jetez tout de suite un œil furtif sur la porte du frigo. Cela vous donnera une indication sur votre repas, voire sur les plaisirs qui en découleront mais ça c'est un autre chapitre...

Donc revenons à cette scène. Amber Valletta ouvre la porte et prend ses poches de froid, quand elle referme, elle sursaute devant la découverte impromptue d'un homme derrière la porte du frigo. Merci pour ce jeu d'acteurs formidable ! Jason aurait aimé, mais heureusement qu'il n'était pas dans la pièce sinon il aurait tout cassé à coup de pied dans tous les sens. Petite astuce que je vous conseille si lors d'une invitation impromptue vous voyez votre hôte ouvrir le frigo : cachez-vous derrière la porte pour voir l'effet que cela peut engendrer. Au pire, vous risquez d'être pris pour un fou, mais il faut savoir prendre des risques dans la vie pour faire exister son petit côté dingue. Et si votre hôte sursaute, alors vous aurez tout gagné. Vous pourrez lui parler du blog L’œil du frigo et de cette expérience humaine tellement importante. Votre hôte sera certainement bluffé de découvrir vos lectures nocturnes, il saura apprécier, je vous assure.

La seule chose dont je suis sûr dans ce frigo c'est qu'il y a du ketchup : la tache rouge qu'il fallait peut-être pour briser ce bleu, en raccord avec celui des yeux d'Amber Valletta. 

ODF

Le Transporteur 2, film d'action  de comédie de Louis Leterrier
avec Jason Statham, Alessandro Gassmann, Amber Valletta et 
Kate Nauta, France, 2005, 88 mn

Voir aussi : "L’‎Œil du Frigo débarque sur Bla Bla Blog"
"Le transporteur 2" 

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Ah, l'amour... Toujours l'amour... C'est sur l'une des plus marquantes comédies romantiques que se penche L’‎Œil du frigo. Coup de foudre à Notting Hill a bien sa place dans cette rubrique réfrigérante. Focus sur un des face-à-face les plus glamour du cinéma. Et la scène se passe, bien entendu, devant un frigo.  

Nous voici donc dans le conte de fée où un jeune libraire, William Thacker (Hugh Grant), rencontre par hasard une jeune et célèbre star de cinéma, Anna Scott (Julia Roberts). Comme par hasard, ce jeune couple improbable finit chez le jeune libraire dès leur première rencontre. On frôle la naïveté suspendue au doux sourire de Julia Roberts et aux yeux de chien battu du sémillant Hugh Grant. Mais voilà : pour ne pas aller trop vite dans cette scène de connaissance, le réalisateur Roger Mitchell installe entre les deux protagonistes un frigo. A moitié vide certes, avec juste quelques œufs et des abricots qui servent de rempart aux deux acteurs. Le beau Hugh, ne sachant que dire, se plonge la tête dans le frigo à la recherche de quelques plaisirs frais qui ne semblent pas au goût de la belle. Elle décline cette invitation à fricoter devant le frigo.

Il faut dire que nous sommes en 1999, veille de l'an 2000. Et même si l'on craint la fin du monde, personne n'a oublié la scène de frigo ultra sexe de Kim Bassinger et Mikey Rourke dans 9 Semaines et Demi. Alors, on ne la fait pas à Anna : elle dira non à tout ce que lui propose William, notamment à cette drôle d'idée de déguster des abricots au miel pour cacher le goût de l'abricot.

Franchement, quand j'y pense, utiliser un frigo pour sortir des tirades aussi graveleuses, j'avoue que j'en perds mon frigo. Sacré réalisateur, qui arrive avec ce trivial appareil d’électroménager et quelques répliques à plonger le couple dans un registre sexuel alors qu'un frigo fait rempart de son corps.

Un grand merci aussi à l'assistant réalisateur qui nous a placé un bocal d'abricots au miel dans le réfrigérateur pile au moment de la tirade… Pour l’œuf dans la porte, j’avoue que je n'ai pas d’explication terrienne à vous donner.

Enfin, on comprend qu'elle ne dit pas non à tout, et c'est bien là l'essentiel, car lorsque l'ombre du frigo aura disparu, elle sera plus vulnérable et peut être même qu'elle pourrait se laisser aller à imiter Kim Basinger...

Voilà un bel exemple pour vous expliquer à quel point le frigo est rentré dans l'inconscient collectif du cinéma et des frigos aux cinéma. Si l'on vous propose de goûter quelques fruits défendus devant un réfrigérateur, sachez à quoi vous attendre – ou sinon, lisez L’‎Œil du frigo. Une belle comédie sentimentale tout en sourire et en dents blanches à voir absolument

ODF

Coup de foudre à Notting Hill , comédie de Roger Michell
avec Julia Roberts et Hugh Grant, Grande Bretagne, 1999, 124 mn

Voir aussi : "L’‎Œil du Frigo débarque sur Bla Bla Blog"
"Coup de foudre à Nothing Hill Frigo" 

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On ne parle pas assez des films muets du début du XXe siècle : le noir et blanc, le muet, les jeux appuyés, mais aussi ces génies souvent oubliés. L’‎Œil du frigo nous propose une chronique sur l'une de ces figures marquantes, Buster Keaton, dit "Frigo" pour son visage souvent inexpressif. S'il y a un artiste qui colle le mieux à cette rubrique sur les frigos dans le cinéma, c'est bien lui. 

À force de faire des recherches on tombe sur de drôles d'idées. Un homme, Buster Keaton dit "Frigo", part faire le tour du monde alors qu'une femme vient de lui briser le cœur. C'est souvent le rôle des femmes qui, pour un frigo mal rangé, sont prêtes à vous larguer – mais je m'égare...

Evidemment, notre héros part avec une coque de noix et fait le plein du frigo. Le bateau, fait d'une grande tente blanche, est la représentation parfaite de nos appareils actuels. Il s'ensuit alors quelques mésaventures dont la fin est savoureuse. Je ne vais pas vous la raconter : il faudra prendre patience et regarder ce film muet durant vingt minutes et savourer tout l'art de Buster Keaton.

Devenir Frigo à l'époque de l'invention du frigo, je trouve cela fascinant : un personnage aussi blanc qu'une porte de frigo et aussi froid qu'un glaçon ne pouvait certainement pas s'appeler autrement. Il remplit donc son frigo de bateau avec du zerolene (huile de moteur), du gasoline (essence) et du Hard Jack, qui semble être un fromage dur, donc qui se conserve longtemps. Quelle drôle d'idée de partir avec une caisse de fromage faire le tour du monde pour noyer son chagrin. Certes, lorsque l'on est Frigo, il n'est pas complètement incongru de naviguer avec un fromage bien au frais. Le réfrigérateur des années 20 était encore à ses balbutiements, et force est de constater qu'il consommait beaucoup d'essence et de d'huile de moteur. Nous n'avions pas de porte pour mettre les condiments mais nous pouvons être reconnaissant à cette femme qui a permis à Frigo de se jeter à l'eau – si je puis dire – et de nous faire découvrir presque un siècle après les prémices d'un frigo moderne.

Dire que j'ai passé des décennies à me faire larguer sans jamais avoir pensé à partir avec du fromage dans le frigo, et même sans partir faire le tour du monde avec mon frigo... Pourtant, à bien y regarder,  si il y en a bien une qui ne vous largue jamais, c'est bien votre frigo, sauf quand il a bouffé toute l'huile de moteur. Mais je salue ce courage, cette expérience qui saura nous mener un petit peu plus loin dans nos vies et découvrir une fois encore jusqu'où l'humanité frigostique peut nous élever. 

Ce petit bijou de Buster Keaton, d'une durée de 20 min, est à voir absolument.

ODF

Frigo et la Baleine (The Love Nest), Comédie de et avec Buster Keaton, USA, 1923, 22 mn

Voir aussi : "L’‎Œil du Frigo débarque sur Bla Bla Blog"
"Frigo et la Baleine" 

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Je ne serai pas le premier ni le dernier à dire que le Dumbo de Tim Burton se démarque de son œuvre par sa facture très classique.

Dans sa revisite de ses grands classiques animés, Disney a choisi le réalisateur d’Edward aux Mains d’Argent, d'Alice de l'autre Côté du Miroir ou du Batman de 1989 pour raconter l’histoire de Dumbo. En 1941, le studio Walt Disney confiait à Ben Sharpsteen l’adaptation en dessin animé du roman d’Harold Pearl. L’histoire de l’éléphanteau aux oreilles si gigantesques qu’elles lui permettent de voler séduit le public et devient un classique du cinéma.

Il fallait un réalisateur de la trempe de Tim Burton pour filmer de nouveau, et cette fois avec de vrais acteurs, cet émouvant destin. Évidemment, les images de synthèse ont été utilisées pour redonner vie à Dumbo, l’animal de cirque devenu une attraction de foire en même temps qu’un objet de convoitise.

Dans cette histoire toute fantastique, qui ne pouvait que plaire à Tim Burton, il est autant question de lutte sur fonds d’intérêts autour d’un éléphanteau innocent que d’une réflexion – certes pas poussée bien loin – sur le thème de l’anormalité et du handicap.

La prestation d’Arcade Fire pour la reprise de Baby Mine est une pure merveille

Dumbo et Holt Farrier (Colin Farrell), l’ancien soldat mutilé de retour de guerre (l’histoire se déroule en 1919) qui est chargé de s’occuper et de dresser Dumbo dans le cirque qui l’a vu naître, sont finalement deux frères de cœur bien plus semblables qu’ils n’en ont l’air. Ils sauront s’apprivoiser après la rencontre tumultueuse avec le magnat du divertissement, M. Vandemere (Michael Keaton). La sombre et magnétique grâce d’Eva Green fera du piège tendu par son amant un nouveau départ pour Dumbo, comme pour Holt Farrier, ses deux enfants et la troupe de cirque menée par Max (Danny DeVito).

Tim Burton respecte à la lettre l’esprit Disney : son Dumbo est d’un classicisme (presque) sans surprise. La noirceur gothique disparaît au profit d’éclairs poétiques, lors notamment des scènes aériennes de l’éléphant volant. Du spectacle plein les yeux, du merveilleux et un happy-end : parfait pour redonner du lustre et dépoussiérer un classique du studio aux grandes oreilles.

Un conseil pour terminer : restez quelques minutes sur votre siège lors du générique de fin : la prestation d’Arcade Fire pour la reprise de Baby Mine est une pure merveille. Une dernière larme pour l’éléphant féerique.

Dumbo, comédie dramatique fantastique de Tim Burton, avec Colin Farrell, Michael Keaton, Danny DeVito et Eva Green, USA, 2019, 112 mn
https://disney.fr/films/dumbo-2019

Voir aussi : "Alice contre le temps"

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Le printemps, la nature en éveil, les floraisons éclatantes, les bourgeons en fleurs : non, je ne vais pas me faire poète ou vous parler dans cette chronique de Rustica, du Festival des Jardins De Chaumont-sur-Loire ou d’Hortus Focus. Pour cette chronique, c'est le dernier numéro des Cahiers du Cinéma qui m'intéresse.

Voilà que le plus intello sans doute des magazines spécialisé dans le septième art fait un mea culpa au sujet de la place modeste des fleurs et des arbres dans ses critiques ciné (comme chez ses confrères), alors que ces végétaux peuvent être une clé de lecture d’une scène ou d’une œuvre : "Même sur Internet, refuge des fanas des listes, les énumérations tournent court et s’arrêtent vite aux titres des films où il n’est question en rien de fleurs : Le Dahlia noir, L’Orchidée blanche, l’Orchidée noire, etc." Et l’éditorialiste Stéphane Delorme de renchérir : "Il y a une impuissance à nommer, qui révèle un désintérêt profond pour la nature et une expérience appauvrie."

La réponse du magazine est cet herbier proposé dans son numéro d’avril. Un herbier qui s’ouvre sur un courrier daté du 24 février dernier envoyé par une lectrice des Cahiers du Cinéma. Marie-Claire Lévy fait remarquer à la revue spécialisée que les chroniqueurs se sont trompés au sujet des fleurs que cultive le personnage joué par Clint Eastwood dans son dernier film, La Mule : ce ne sont pas des lys mais des alstromères, dit-elle, "des fleurs particulièrement périssables (elles se fanent dans la journée)", avant de donner des boutons qui s’épanouissent ensuite, "un phénomène pas commun dans les fleurs coupées." Une précision qui n’a rien d’anecdotique car elle fait sens pour un artiste comme Clint Eastwood.

50 pages à ces fleurs et à ces arbres qui apparaissant dans des films, connus ou moins connus

Voilà donc comment le numéro d’avril de ces Cahiers s’essaie à la botanique, sans perdre de vue le cinéma. La revue consacre 50 pages à ces fleurs et à ces arbres qui apparaissant dans des films, connus ou moins connus.

Cet herbier est classé en trois sections : "Fleurs", "Plantes" et "Arbres". Et l’on découvre une autre manière de lire et comprendre un film, grâce à ces végétaux, souvent discrets mais jamais anodins. Que l’on pense à ces fleurs : le cyclamen dans Le Couvent de la Bête sacrée de Norifumi Suzuki (1974), le glaïeul dans Marnie d’Alfred Hitchcock (1964), l’hibiscus dans Furyo de Nagisa Oshima (1983), la jacinthe des bois dans Bright Star de Jane Campion (2009) ou le pavot dans Le Magicien d’Oz de Victor Fleming (1939). À noter que le cinéma japonais a toujours su, mieux que n’importe quel autre, donner sa place aux fleurs.

Les plantes ont souvent une dimension métaphysique, symbolique et pour ne pas dire hypnotique à l’exemple des fougères d’Antichrist de Lars von Trier (2009), des Herbes folles d’Alain Resnais (2009) ou de Providence chez le même metteur en scène (1977).

La dernière section, sur les arbres, offre un éventail plus riche encore : le baobab dans Le Vent de Souleymane Cissé (1982), le bouleau dans L’Enfance d’Ivan d’Andreï Tarkovski, le cocotier dans The Master de Paul Thomas Anderson (2012), l’érable du Japon dans Miss Oyu de Kenji Mizoguchi (1951), le saule blanc dans l'Arbre, le maire et la médiathèque d'Eric Rohmer ou encore les fameux palmiers de Mulholland Drive chez David Lynch (2001).

Les Cahiers du Cinéma offrent dans ce numéro d'avril 2019 un des reportages les plus pertinents qui soit. Il nous encourage à ne plus regarder nos films préférés de la même façon, mais aussi à mieux observer la tête en l’air ou la tête baissée ces végétaux qui savent parler de nous, à leur manière.

À acheter et à lire de toute urgence avant la fin du mois.

Les Cahiers du Cinéma, Herbier, Arbres Plantes Fleurs, avril 2019, en kiosque
https://www.cahiersducinema.com

Voir aussi : "À quand un cinéma éco-friendly ?"

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