Ok

En poursuivant votre navigation sur ce site, vous acceptez l'utilisation de cookies. Ces derniers assurent le bon fonctionnement de nos services. En savoir plus.

• • • de musiques ?

  • Cocktail Ginkgoa

    Pin it!

    Le duo franco – américain Ginkgoa est le cocktail idéal pour ces derniers jours d’été. Nicole Rochelle, qui est new-yorkaise malgré ce que laisserait supposer son nom, propose avec le Français Antoine Chatenet leur nouvel EP One Time, une pop fusion aux pulsations endiablées.

    Le groupe ne s’embarrasse pas de suivre des sentiers battus, et le moins que l’on puisse dire c’est que leur choix artistique a fait mouche tant auprès des festivaliers de techno (le Fusion Fest de Lärz), de chanson (Francofolies de La Rochelle) qu’auprès des amateurs de jazz (Festival International de Jazz de Montréal ou le Montreux Jazz Festival).

    Ginkgoa a choisi son credo : faire danser, et surtout faire danser sur des rythmes inattendues et remixés comme si Nicole Rochelle s’invitait aux soirées de Gatsby Le Magnifique. La chanteuse américaine déploie une énergie monstrueuse au service d’un EP à l’enthousiasme communicatif. Grâce à Antoine Chatenet, le charleston et le swing semblent être passés dans la moulinette d’un sorcier fantasque.

    Coloré, rythmé, saturé de percussions et d’une joie de vivre incroyable, One Time pourrait bien faire la joie de quelques nightclubbers, en attendant de les découvrir prochainement en concert.

    Ginkgoa, One Time, EP, 2018
    https://www.ginkgoa.com

    Voir aussi : "Quelques pas d’électro-swing avec Scratchophone Orchestra"

  • Imagine all the people

    Pin it!

    Près de cinquante après sa sortie, l’album Imagine n’a cessé d’être enregistré, masterisé et redécouvert au point que l’on ne compte plus les versions, les démos ou les prises de son ressorties du grenier. Mises bout à bout, l'intégrale d’Imagine par John Lennon (on vous fera grâce des reprises) compte 140 titres.

    Pour ceux qui ne seraient pas encore gavés de cet opus historique et culte, Universal propose un coffret luxueux d’Imagine avec ces titres mythiques que sont Imagine, Jealous Guy, Give Me Some Truth et How Do You Sleep?

    John Lennon, Imagine: The Ultimate Collection, Capitol Records, sortie le 5 octobre 2018
    http://www.johnlennon.com

  • Lucy, Racquel et moi

    Pin it!

    Dans l’avalanche de musiques électro et de rap, voilà un album qui tranche par son parti pris qui sent bon la fin de cette belle saison et l’été indien. Le trio Lucy, Racquel And Me propose ni plus ni moins qu’un retour aux seventies avec leur premier album, Where The Moon Never Sets.

    Le moins que l’on puisse dire c’est que ces trois-là ne renient absolument pas cette Amérique que l’on adore : celle du power flower, des road-movies en combi orange, du surf, des The Mamas and the Papas, des Eagles ou des Beach Boys. Les Lucy, Racquel And Me ne cachent pas leurs influences : The Wings, Fleetwood Mac, Elton John, Supertramp, America, Electric Light Orchestra ou Cat Stevens.

    Les guitares résonnent et s’appuient sur des chœurs légers comme des brises californiennes. Les cordes s’élèvent comme aux plus belles heures du pop rock des années 60 et 70 (Unravel). Les mélodies ont le mérite de l’efficacité et sont portées par la voix caressante de Racquel (Millions out There). Les riffs de guitare à la Santana (Inside My Vault) et le rock psychédélique ne sont pas en reste non plus (Pool down the moon).

    Un piège à filles

    Parmi les titres proposés par le groupe, certains mériteraient de figurer parmi les standards que l’on prendrait plaisir à jouer sur une plage à la tombée du soir : de vrais pièges à filles, à l’exemple du délicieux Grey, acoustique, mélodique et délicat à souhait.

    Mais qui est au juste ce trio que l’on a vu débarquer cette année ? Là réside sans aucun doute la particularité d’un groupe séparé par quelques milliers de kilomètres. Les membres de Lucy, Racquel And Me travaillent à distance, depuis l’Australie pour Lucy, la Californie pour Racquel et la région parisienne pour Philippe, le compositeur. Une démarche artistique inédite et qui fonctionne, dans un album que certaines mauvaises langues qualifieraient de régressif.

    Autre prise de risque de ce trio : proposer ce premier album gratuitement sur Internet (sur Spotify, Soundcloud, Youtube , Deezer, Bandcamp et sur leur site). Le public sera ravi. Il le sera moins en apprenant que ce groupe, que l’on peut qualifier de virtuel, ne prévoit ni formation physique, ni concerts. Dommage.

    Lucy, Racquel And Me, Where The Moon Never Sets, Records DK, 2018
    https://lucy-racquel-and-me.com

  • Liv Monaghan, la chasseuse de chansons

    Pin it!

    La jazzwoman Liv Managhan, dont nous avions parlé à plusieurs reprises sur ce site, continue une année menée tambour battant. Elle a besoin de notre aide pour clore 2018 en beauté. Elle est en passe de réussir son pari en réalisant son premier album, dans la continuité logique de son subjuguant EP Beauty in the Park. Allez, encore un effort...

    Nous parlions sur Bla Bla Blog de jazz alternatif et de world jazz pour qualifier les performances de cette chasseuse de chansons. La plus parisienne des Irlandaises proposera une sélection de titres dont les influences sont à chercher du côté de Joni Mitchell, John Coltrane, Alice Coltrane, Marc Ribot, Jeff Buckley, Nina Simone, Claude Debussy ou Duke Ellington.

    Pour l’enregistrement, Liv Managhan s’est entourée du bassiste Sava Medan (auteur et compositeur la chanson Yellow Suit de Beauty in the Park), de Soheil Tabrizi-Zadeh à la guitare et à la trompette et du batteur Adrien Cao. L'album a été enregistré à Paris chez Aeronef Studios par Antoine Karacostas et a été mixé à Munich au studio Realistic Sound Studios par Florian H Oestreicher.

    Liv Monaghan a besoin de vous, de nous, pour aller au bout de son projet d’album. Pour participer au financement et à la production de ce projet, rendez-vous sur KissKissBankBank.

    https://www.kisskissbankbank.com/fr/projects/new-album-by-liv-monaghan
    https://www.livmonaghanmusic.com

    Voir aussi : "Liv Monaghan, en musique et en images"
    "Liv Monaghan au Sunset"

  • Le joyeux boxon de VortexVortex

    Pin it!

    Attention les yeux et les oreilles : le groupe toulousain VortexVortex s'apprête à prendre ses aises et s'installer sur la scène électro et hip hop. Leur dernière production, Ninjah Death Party, est déjà visible sur Youtube. Suivront à partir d'octobre 2018 leur premier EP ainsi que leur prochain clip, Kawaii.

    En attendant cette future actualité musicale, penchons-nous sur ce Ninja Death Party, un boxon endiablé, à la fois joyeux et vénéneux, sur fond de musique électro et hip hop.

    On peut accrocher ou pas à cette musique rythmée, à la sauvagerie sophistiquée et au parti-pris scénique de ces drôles de phénomènes. Par contre, il est impossible de ne pas saluer le travail de mise en scène, dans un clip où les membres de VortexVortex ainsi que les figurants mettent du leur pour construire un vrai show musical.

    Une anomalie spatio-temporelle

    Une "anomalie spatio-temporelle," expliquent les trois membres du groupe, Milu Milpop, la chanteuse, musicienne et DJ venue de Pologne, Citizen JiF, photographe et membre de l'ex trio Le Catcheur, la Pute et le Dealer (ça ne s'invente pas...) et Simon Boissard, le chanteur, musicien, compositeur et membre du groupe Mobkiss.

    C’est une invitation à la fête que nous offre VortexVortex dans une débauche de rythmiques sauvages, de flows débridés, de folies visuelles, de provocations, d’humour, de looks improbables et de fulgurances poétiques et post-punks. Cet univers est absolument à découvrir sur scène pour des spectacles calibrés comme des shows d’envergure et où se mêlent musiques, danses, vidéos, machines et de l’énergie à revendre. VortexVortex est à surveiller de très près, sans aucun doute.

    Vortex Vortex, Ninja Death Party, sur Spotify et Deezer, 2018
    VortexVortex sur Facebook
    VortexVortex sur Youtube

  • Glass Museum, une certaine vision du jazz

    Pin it!

    Glass Museum : "musée de verre" ou hommage appuyé au minimalisme de Philip Glass et du courant répétitif américain ? Une chose est sûre, Glass Museum est un duo belge composé du pianiste Antoine Flipo et du batteur Martin Grégoire. En juin 2016, les deux acolytes ont remporté la finale du Festival de Dour. Deux ans plus tard, Glass Museum sort son premier EP, Deux, et propose leur propre univers jazz.

    Les artistes citent volontiers quelques références : GoGo Penguin, BadBadNotGood, Jon Hopkins ou Floating Points. À écouter Deux, l’électro-jazz de Glass Museum va puiser loin ses influences, du côté de la pop, du rock, de l’électro mais aussi du classique et du contemporain.

    Avec une ouverture sobre à la fois jazz, classique et pop (Opening), l'auditeur peut se laisser happer par Shadow's Faces. La structure harmonique, charpentée et enjouée insuffle un beau rythme endiablé.

    Le titre Tribal Coffee donne au jazz des Glass Museum un air de tango sombre et mystérieux où se mêlent électronique, claviers et instruments acoustiques.

    Wu s'aventure dans un autre univers éthérée et zen. Cette fois c'est sans doute du côté de Steve Reich et de Philip Glass que l'on peut voir l'influence d'un titre semblant puiser ses influences dans le courant répétitif américain. Tout aussi zen est Electric Silence : dans ce jazz mélodique, les sons électroniques sont injectés à grands coups de vagues intenses.

    Glass Museum choisit de repousser les frontières du jazz : Waves lorgne du côté de la pop et du rock progressif à la Mike Oldfield.

    Cette musique naturaliste, rythmée et aux mélodies soignées est une vraie belle découverte, que vous soyez amateur de jazz ou non. Et si j'étais metteur en scène, j'engagerais tout de suite les Glass Museum pour faire la BO de mon prochain film.

    Glass Museum, Deux, EP, JauneOrange / [PIAS], 2018
    http://jauneorange.be/bandfr/57

    Voir aussi : "Cinquante nuances de spleen"

  • Rencontre avec Odrylane, les plus celtes des Alsaciens

    Pin it!

    Il y a quelques mois de cela, Bla Bla Blog avait consacré une chronique sur Odrylane, un groupe strasbourgeois parti s’aventurer sur les chemins d’une world music où se mêlent le rock, la pop, le hip hop mais aussi la musique traditionnelle celte.

    Voilà qui ne pouvait qu’aiguiser notre curiosité. Bla Bla Blog a interrogé Quentin Bangert, Guillaume Levy et Valentin Descourvières, trois des quatre membres d’Odrylane (leur quatrième comparse est Piel Benoît). Nous les avons interrogés à l’occasion de la sortie de leur premier album.

    Bla Bla Blog – Voulez-vous vous présenter et parler de votre rencontre ? De quand date-t-elle d’ailleurs ?

    Odrylane (Quentin Bangert) – Je suis Quentin et je joue la guitare classique. Nous étions à la fac de musique avec Guillaume dans la même promo. Un jour je lui ai proposé de venir chez moi pour jammer ensemble car je savais qu'il faisait du bouzouki. On a composé et enregistré des morceaux pour s'amuser et dans le cadre des cours et comme ça marchait très bien on a décidé de créer un groupe. La création du groupe a eu lieu en 2015 et avec Guillaume nous nous sommes rencontrés en 2012.

    (Guillaume Levy) – Comme l’a dit Quentin on s’est rencontré et on est devenu amis en 2012. Dans les projets musicaux de la fac on galérait un peu à jouer ensemble par moment (rire). Mais bizarrement quand on a jammé ensemble en 2015 ça a fait un déclic. C’était trop cool de jouer ensemble, jouer avec Quentin m’a beaucoup appris sur la musique.

    (Valentin Descourvières) – Alors, moi, c’est Valentin, le violoniste du groupe. En fait, on vient tous de la faculté de musicologie à Strasbourg et c’est de là qu’on s’est connus. Je me rappelle avoir fait irruption dans le studio de répétition où se trouvaient Guillaume et Quentin, parce que le son du bouzouki m’intriguait. À l’époque, ils avaient déjà fait quelques concerts sous le nom d’"Odyssée", mais cherchaient encore des musiciens pour améliorer la qualité de leurs compositions. Je suis resté pour écouter, et, au fil de la discussion, on est partis sur une petite improvisation et j’ai été adopté. Quelques mois plus tard, on a changé de nom pour Odrylane, et on a dû trouver un nouveau percussionniste pour remplacer l’ancien. C’est comme ça que Piel a rejoint l’aventure.

    BBB – Racontez-nous votre manière de travailler ? Qui compose ? Comment sont partagés les rôles ?

    Odrylane (Quentin Bangert) – Nous composons tous les deux, Guillaume et moi. Lors de la création de composition on cherche toujours un équilibre entre mélodie et accompagnement et cet équilibre se fait naturellement. Parfois Guillaume ramène une idée ou alors c'est moi. Parfois, on cherche une atmosphère ou un caractère particulier. Ça dépend vraiment de notre humeur, du lieu et de ce que l'on écoute.

    (Guillaume Levy) – Quand on joue ensemble on se complète et on arrive à embellir le jeu de l’autre. Nos visions sont a priori complémentaires. C’est toujours génial quand l’un de nous ramène une mélodie et que l’autre plaque les accords et que ça créer quelques chose ou on se dit : "Woow !" Après, on le joue un petit moment en boucle et c’est parti. On l’amène à Valentin et Piel afin qu’ils mettent en valeur les morceaux avec leurs idées.

    BBB – On ne peut parler de votre travail sans évoquer vos influences.

    Odrylane (Quentin Bangert) – Il n'y a aucune frontière dans ce que j'écoute et dans mes influences. J'essaye d'écouter et de découvrir la musique de tous les horizons. Mais à la base, j'écoutais du rock, du métal principalement.

    (Guillaume Levy) – Comme Quentin mes goûts sont éclectiques on peut trouver de l’intérêt dans tous les genres. Ça dépend des moments et de ce que l’on recherche. Cependant mes préférences restent le pagan folk/celtique et le métal.

    (Valentin Descourvières) – Piel, lui, vient du hard rock et touche beaucoup à la musique progressive. Quant à moi, je suis issu du conservatoire et ai donc à la base une formation classique de laquelle j’ai quelque peu… dévié.

    BBB – Il y a aussi la Bretagne. Si je vous dis que le rock celtique est dans vos gènes, est-ce que j’exagère ?

    Odrylane (Quentin Bangert) – Dans les gènes je ne sais pas, mais dans les musiques traditionnelles de cette région, les danses, les légendes, il y a quelque chose d'attirant.

    (Guillaume Levy) – Grave ! Les sonorités et les légendes sont fascinantes… En live, quand on arrive à faire danser les gens c’est génial, un de ces jours faudra quand même qu’on apprenne la jig, l’Hanter dro …

    (Valentin Descourvières) – Dès qu’on parle de rock celtique, on pense immédiatement à la Bretagne où cette part du folklore est vraiment marquée. Alors oui, évidement, c’est une musique qui nous parle et qui nous influence énormément, au même titre que la musique irlandaise par exemple. Maintenant, de là à dire que c’est dans nos gènes… J’imagine qu’on aimerait bien !

    BBB – Et pourtant, vous venez d’Alsace...

    Odrylane (Quentin Bangert) – Ja, Prima.

    (Guillaume Levy) – Ah yo, mais il faut avouer que nos paysages sont inspirants (la vue du haut du Château du Hohenbourg est magnifique) et il y a des légendes sympa en Alsace.

    (Valentin Descourvières) – Oui en effet ! On y est même un peu disséminer (50% Bas-Rhin, 50% Haut-Rhin…). Mais nous nous basons à Strasbourg pour répéter, pour des raisons pratiques.

    BBB – Odrylane pourrait-il d’ailleurs un jour s’intéresser au répertoire alsacien traditionnel (Bloosmusik, Guggenmusik ou le Cabaret alsacien), pour le revisiter à la mode pop-rock ?

    Odrylane (Quentin Bangert) – Pourquoi pas un jour.

    (Guillaume Levy) – Qui sait, si quelque chose attire notre attention un de ces jours. Mon grand-père était accordéoniste dans un groupe de musique alsacienne. Il tournait bien, en plus.

    (Valentin Descourvières) – Je ne pense pas que ce soit au programme. À vrai dire, on n’en est pas très friand, et personnellement, ce n’est vraiment pas ma tasse de thé…

    BBB – Parlez-nous de ce nouvel album, mais aussi des instruments que vous utilisez.

    Odrylane (Quentin Bangert) – Nous avons réalisé l'enregistrement avec nos propres moyens. Il y a juste le mix et le mastering qui ont été réalisés par Maxime Kolb du Krnoyz Studio. Dans cet album, j'ai joué de la guitare, du banjo et du piano. Valentin a joué du violon et Piel de la batterie.

    (Guillaume Levy) – De mon côté j’ai joué du bouzouki, de la flûte irlandaise, de la basse… C’était vraiment chouette de tester nos morceaux avec les possibilités qu’offre le studio. Doubler les grattes à Quentin pour la puissance, faire des harmonies de violons, inverser des roulements de batterie ... Maxime à fait un super travail.

    "On nous compare souvent à Manau, évidemment"

    (Valentin Descourvières) – On a eu énormément de chance pour la réalisation de cet album. Ça faisait deux ans qu’on faisait des concerts dans tous les coins de l’Alsace et que tout l’argent qu’on gagnait partait dans une caisse commune. On hésitait à investir dans un disque. On a eu besoin de mettre notre musique sur un disque, donc on s’est lancés dans ce projet et on a commencé à enregistrer de notre côté en sachant que les fonds qu’on avait accumulés ne suffiraient pas à préparer une sortie d’album digne de ce nom. Un ami nous a alors suggéré de lancer un financement participatif pour monter le projet, conseil qu’on a très bien fait de suivre, puisque a obtenu la somme de 1000 € en un jour pour financer le pressage, les droits de diffusions et la promotion de l’album… On n’en revenait pas. Sans ce soutien on n’aurait jamais pu le sortir aussi vite…

    BBB – J’aimerais que vous nous parliez d’une chanson étonnante de cet album : Le Diable. J’imagine que cette chanson a son histoire. D’abord, où l’avez-vous écrite ?

    Odrylane (Quentin Bangert) – C'est Guillaume qui a écrit cette chanson lorsqu’il était en vacances dans le sud. D'autres chansons ont également leurs petites anecdotes très marrantes, mais qu'il nous faut garder secrètes…

    BBB – Impossible aussi de ne pas faire référence à Manau et à la Tribu de Dana, avec cet autre titre, Sous les Étoiles.

    Odrylane (Quentin Bangert) – Cette chanson a mis beaucoup de temps avant de prendre sa forme actuelle. Mais le fait que tu cites Manau ça nous fait bien plaisir car c'est une grande influence pour nous.

    (Valentin Descourvières) – On nous compare souvent à Manau, évidemment. Particulièrement avec ce titre. C’est vrai que c’est un peu eux qui ont réussi à faire revivre cette musique en France, toute en la modernisant. Finalement, on a un peu la même démarche, même si seul ce titre est autant marqué par l’influence hip-hop.

    BBB – Qu’écoutez-vous aujourd’hui ? Que trouve-t-on dans votre playlist à chacun ?

    Odrylane (Quentin Bangert) Irfan/ The Eternal Return et j'ai découvert un groupe de post rock coréen qui joue sur des instruments traditionnels asiatiques : c'est Jambinai.

    (Guillaume Levy) – Saltatio Mortis, We Drink Your Blood (Powerwolf cover), Hedningarna, Räven ou Heilung, Krigsgaldr

    (Valentin Descourvières) – Globalement, je dirais qu’on y trouve beaucoup de style différents, allant du métal à la musique du Moyen-Âge, en passant par la musique du monde, le jazz, l’électro ou encore le rap !

    BBB – Et y a-t-il un titre "honteux" que vous aimez écouter ?

    Odrylane (Quentin Bangert) – Oui, j'aime bien Pakito c'est de la techno, A night to remember.

    (Valentin Descourvières) – Récemment, pour une raison mystérieuse que je ne saurai expliquer, j’ai branché La danse des canards, mais ne le criez pas sur les toits par pitié !

    BBB – Quel est le dernier livre et le dernier film que vous avez lu et vu ?

    Odrylane (Quentin Bangert) – La nature dans ma vie de Sarah Marquis

    (Guillaume Levy) – Home de Yann Arthus Bertrand

    (Valentin Descourvières) – En ce moment, j’essaie d’avancer dans le Coran, parce que j’estime que ça fait partie de la culture générale, mais j’avoue avoir quelque peu abandonné … Quant au dernier film, c’est complètement hors contexte, mais il s’agit du Dîner de Con

    BBB – Quelle est votre prochaine actualité après la sortie de cet album ? Des concerts ? Des tournées?

    Odrylane (Quentin Bangert) – Nous allons refaire des photos pour mieux représenter l'univers du groupe, et il se peut que nous puissions jouer à Tours dans un festival. Et surtout la création de nouveaux morceaux…

    (Valentin Descourvières) – À l’heure actuelle, on est tous plus ou moins en vacances. On a quelques concerts de prévus, nous avons joué notamment au festival du Summerlied, le 19 août à Ohlungen. Mais même si on ne présente pas beaucoup d’actualité, je sens que le besoin de composer à nouveau va se faire sentir prochainement.

    BBB – Merci d’avoir répondu à nos questions.

    Odrylane (Quentin Bangert) – Merci et à bientôt.

    (Guillaume Levy) – Merci à la prochaine !

    Odrylane, Odrylane, 2018
    http://odrylane.fr

    Voir aussi : "Breizh'n roll"

  • Clara Luciani, La Femme libérée

    Pin it!

    J’étais curieux de découvrir Sainte Victoire, le premier album de Clara Luciani, l’ex soliste de La Femme. Présenté comme un opus qui ferait date, allions nous retrouver cette électro-pop fiévreuse et sophistiquée du groupe récompensé il y a quatre ans aux Victoires de la Musique ?

    Oui et non. À la faveur de son premier album, Clara Luciani s’est complètement libérée pour livrer une œuvre moins électro que pop et chanson française, écrite à la perfection : dit autrement, un magnifique bijou.

    Sainte Victoire est une pépite riche d’inventions musicales comme d’univers personnels. Il commence par une ode au combat d’une femme combative dans un monde dur : "Et toi / Qu’est-ce que tu regardes / T’as jamais une femme / Qui se bat / Suis moi / Dans la ville blafarde / Et je te montrerait comme je mords / Comme j’aboie / Prends garde / Sous mon sein la grenade" (La Grenade). De même, dans Drôle d’Époque, Clara Luciani se met à nu autant qu’elle confie à son public ses interrogations sur la manière d’être femme aujourd’hui : "Qu'est-ce qu'on va faire de toi ? / Tu marches même pas droit / Tu à l'allure de ton père / Les cheveux en arrière / T’as pas l'air, t’as pas l'air, t’as pas l'air d’une femme / D’une femme / Où sont passés tes seins / Ta cambrure de félins ? / Tantôt mère nourricière / Tantôt putain vulgaire / Conduis toi, conduis toi, conduis toi comme une femme… / Moi j'ai pas l’étoffe, pas les épaules, pas les épaules / Pour être une femme de mon époque / On vit vraiment une drôle d'époque." Si, ici, une guitare accompagne la voix délicate de Clara Luciani, là c’est un piano qui appuie le bouleversant, et tout aussi personnel, chant d’adieu, Dors : "Dors, dors / Il n’y a rien à voir ici / Rien à regretter / Dors, dors / Je viendrai bientôt auprès de toi me coucher."

    Dans une toute autre veine, les fans de Metronomy retrouverons une reprise de The Bay que Clara Luciani propose dans une adaptation française à la fois fidèle à l’originale – joyeuse, tropicale et électrique – et beaucoup plus convaincante, moins minimaliste et surtout d’une très grande classe : "Bienvenue sur la baie / On est si bien sur la baie / Les femmes sont nues / Les hommes aussi / Rien à se cacher / Rien à se cacher / Et le jus de fruits / Entre leurs doigts / Vient se glisser" (La Baie).

    L'influence de Françoise Hardy est flagrante

    La pop de l'ex La Femme est matinée de rock (le rythmé et fiévreux Comme toi) mais aussi de pop folk dans laquelle l’influence de Françoise Hardy est flagrante. On pense bien sûr à Monstre d’amour qui était aussi le titre du premier EP de Clara Luciani, sorti l'an dernier. Ce titre, l’un des meilleurs de son album, semble faire la fusion entre l’électro-rock et les sixties, avec cette noirceur et cette mélancolie d’une élégance rare, et qui est aussi un hommage à Gainsbourg et à L'Amour monstre de Pauwels : "C'est comme si j'étais devenu un monstre d'amour / Mes jambes flanchent, mon cœur est lourd / Je finirai par l'étouffer dans tout ce velours / J'ai beau hurler mes cris sont sourds / Dis moi, dis moi pourquoi je sombre / Dans des eaux, dans des ombres / Dans lesquelles je me noie."

    Clara Luciani offre avec Les Fleurs un exemple de titre aussi délicat et subtil qu’une pétale de rose. Cette chanson est un hymne à la simplicité autant qu’une introspection sur la difficulté d’exister : "Quand tout me lasse / Quand tout est dégueulasse / Quand rien ne vaut la peine / Pas même moi / Je pense aux fleurs / Qui sont parfaites / Qui n'ont pas d'autre rôle que de l'être" (Les Fleurs).

    La chanteuse sait aussi jouer de l’humour et de l’autodérision dans On ne meurt pas d’amour ("Je suis rouillée jusqu’à l’os / Faut changer les rouages / Ou jeter à la casse mon appareillage") ou dans ce bilan caustique d’une rupture sentimentale qu'est La dernière Fois ("Prends une photo de moi / photocopie-la trois fois / Encadre-la au-dessus de ton piano droit / Entre tes parents et un certificat / C’est la dernière fois que tu me vois."

    L’album se termine avec Sainte Victoire, un slam en forme de coup de poing et surtout auto-portait d’une artiste qui revendique sa pugnacité et son envie de vivre : "Je suis armée jusqu’aux dents / Sous mon sein : une grenade." La boucle est bouclée sur une merveille d'album. Une vraie victoire.

    Clara Luciani, Sainte Victoire, Initial Artist Services, avril 2018
    En concert : le 26 août au Festival Les Solidarités de Namur (Belgique),
    le 30 août à la Cour du Château de Bulle (Suisse),
    le 28 septembre à La Nouvelle Vague (Saint Malo)

    https://www.difymusic.com/clara-luciani

    Voir aussi : "Vingt-sept ans à la limite"

  • "Étélectro" et Beauté sauvage

    Pin it!

    C’est une électro estivale que je vous invite à découvrir avec le premier EP de Beauté Sauvage, The Sound of the Waves.

    Impossible de ne pas se laisser enrouler dans les vagues synthétiques de ce single langoureux. Les flux et les reflux de la mer accompagnent un album pop, chill et minéral (The Sound of the Waves).

    Zen attitude requise pour le duo parisien mené par Jay-b Bricklear, aux manettes d’un mini-album au son french touch, électro-pop et funky (Sunset). Les voix chaleureuses accompagnent un EP parfait pour accompagner ces chaudes et paresseuses journées d’été. 

    Leur premier EP est disponible sur Soundcloud.

    Beauté Sauvage, The Sound of the Waves, Beauté Sauvage, juillet 2018
    Disponible sur Soundcloud

    Page Facebook de Beauté Sauvage

    Voir aussi : "Nouvelle vague"

  • À la recherche de la nouvelle star avec le Prix Chorus

    Pin it!

    Pour la 9e année, le Département des Hauts-de-Seine ouvre les inscriptions pour le Prix Chorus 2019.
    Ce dispositif entend repérer de nouveaux talents nationaux dans les musiques actuelles. Le groupe ou l’artiste récompensé sera soutenu dans sa carrière et recevra un prix d'un montant de 10 000 euros.

    Les sélections ont notamment permis, entre 2010 et 2015 de découvrir des artistes comme : Christine And The Queens, Feu! Chatterton, Hyphen Hyphen, Concrete Knives, Elephanz, Chill Bump, Jabberwocky, Clément Bazin ou encore Inüit.  

    Les groupes ou artistes candidats doivent présenter un répertoire de compositions originales, dont la durée d'interprétation sur scène est d'au moins 30 minutes. Sont exclus les groupes ou artistes étant engagés contractuellement avec une major.

    L'âge des candidats est compris entre 13 et 35 ans (pour au moins la moitié des membres s'il s'agit d'un groupe). Les mineurs non émancipés doivent être munis d'une autorisation parentale pour présenter leur candidature. Les auteurs-compositeurs au sein des groupes candidats, doivent être inscrits, ou en cours d'inscription à la Sacem.

    Christine And The Queens, Feu! Chatterton...

    Le 30 juillet a commencé l’étape des inscriptions, qui se poursuivra jusqu’au 26 octobre 2018. En novembre 2018, le jury réuni déterminera la présélection du Prix Chorus 2019, soit dix groupes ou artistes.  Le jury du Prix Chorus est constitué de professionnels représentant l'ensemble de la filière des musiques actuelles : managers, éditeurs, producteurs, diffuseurs, attachés de presse, tourneurs, programmateurs ou artistes.

    Autre date à retenir : les 19 et 20 Décembre 2018, les dix présélectionnés se produiront sur scène à l'Espace Robert Doisneau de Meudon pour un concert de 30 minutes, dans le cadre de la 31ème édition du festival Chorus. Une nouvelle sélection des cinq meilleurs artistes et groupes sera décidé par le jury, qui enverra cette ultime sélection sur scène pour un nouveau spectacle. A la fin de ces concerts, le jury se retirera et délibérera pour choisir les 5 groupes ou artistes qui constitueront la "Sélection du Prix Chorus 2019". Cette sélection se retrouvera une nouvelle fois devant le public. Ce sera à la Seine Musicale à Boulogne-Billancourt pour un concert de 25 à 30 minutes, entre le 5 et 7 avril 2019, dans le cadre du festival Chorus.

    Au terme d’une rencontre avec le jury, celui-ci choisira le/la ou les lauréats du Prix Chorus.

    Ami(e)s musicien(ne)s, il est temps de tenter votre chance avec ce concours qui a fait plus que ses preuves.

    Notez aussi que dans le cadre du Labo du Festival Chorus, le Département des Hauts-de-Seine organise la Soirée de rentrée du Prix Chorus avec trois groupes des Prix Chorus 2014 et 2018, Thé Vanille, The PsychoticMonks et Jabberwocky, le samedi 6 octobre à 20h au 25 de la Vallée à Chaville. Les places sont déjà en vente

    http://prixchorus.hauts-de-seine.fr

    Voir aussi : "Qui veut être le prochain Christine And The Queens ?"
    "Toutes les musiques du 92 que l’on aime"
    "Suprême NTM à l’affiche du 30e Festival Chorus"
    "Chorus à La Défense et à La Seine Musicale"

  • Antoine Galey tape sur le système

    Pin it!

    Il y a indéniablement du Raphaël chez Antoine Galey. À l'écoute de son EP, On ne sauvera pas le monde ce soir, de deux choses l'une : soit l'auditeur s'agacera de ce joli timbre de voix, copie presque conforme à celui de l'auteur de Caravane, soit il se laissera séduire par les quatre chansons plus une reprise du premier titre qui donne le nom à ce premier mini-album.

    Soyons honnête. Antoine Galley à déjà tout pour atterrir que les étagères ou dans les playlist des adolescentes et adolescents qui verront dans ce jeune artiste un beau gosse capable de faire chavirer les cordes de sa voix tendue et fragile. Le sens de la mélodie, une facture pop efficace à défaut d'être révolutionnaire et des thèmes qui toucheront les adolescents : la révolte l'amour et l'aventure. "Moi je vais faire du bruit / taper sur le système /... pour voir si quelqu'un m'aime" (Du bruit).

    Le voyage est le fil rouge d'un EP dans lequel on pourra voir l'influence du duo Raphaël et Jean-Louis Aubert et de leur tube Sur la Route : "Allez Viens on se casse / j'ai dans mes pochée des bières on descend vers le sud vers la mer" (On arrête de se faire la guerre).

    Les influences d’Antoine Galey sont à chercher du côté du meilleur de la pop-folk : Chris Isaak, Eric Clapton, Francis Cabrel ou Louise Attaque. Que du bon, et du même très bon. Après un passage à The Voice, le jeune artiste s’est offert les services de Frédéric Château avec lequel il a composé et écrit plusieurs titres de son EP. Et comme un fait exprès, le jeune musicien s’est récemment produit dans la première partie d’un concert de... Raphaël.

    Une filiation assumée et dont peut s’enorgueillir le jeune chanteur. Disons-le autrement : Antoine Galey est déjà incontournable et inoubliable du haut de ses dix-neuf ans. Inoubliable donc à suivre. CQFD.

    Antoine Galey, On ne sauvera pas le monde ce soir, EP, Un Plan Simple/Sony
    Page Facebook d’Antoine Galey

    Voir aussi : "Melissa Bon, de The Voice au silence de la mer"

  • Pourquoi Ghern mérite (lui aussi) ses deux étoiles

    Pin it!

    Ghern vient de sortir son nouvel EP, Fortune, et comme il ne fait jamais comme les autres c'est un six titres que nous offre le chanteur : un six coups, en quelque sorte, qui frappe droit au but. Fortune, mini album ou maxi EP – comme on veut – a l'apparence des œuvres atypiques, comme l'illustre la pochette : le visage en noir et blanc du musicien, auteur, compositeur et interprète, est mangé par deux ballons de baudruche, bleu et jaune, éclatés et abandonnés là. L' illustration décalée annonce la couleur d'un premier opus moins grinçant que poétique. Le titre, d’ailleurs, Fortune, n’est ni plus ni moins que le rappel des vers du romantique oublié Casimir Delavigne : "Ô toi que l'univers adore, Ô toi que maudit l'univers, Fortune" (Les Messéniennes, 1824).

    Musicalement, Ghern prend des chemins de traverse : une bossanova mélancolique (Sauve qui sauve), une chanson pop que n'aurait pas reniée Benjamin Biolay (En finir avec toi), un titre électro pop (Les rochers), un autre plus rock (Hôtel), une ballade sombre et folk (Calavera) et surtout un slam ambitieux qui porte l'empreinte d'un grand artiste (Je pensais venir de l'espace).

    En vérité, Il y a deux étoiles flamboyantes dans cet EP à découvrir : Je pensais venir de l'espace et En finir avec toi. Deux titres étincelants et inoubliables, bien différents mais tout aussi d'airain.

    Il y a deux étoiles flamboyantes dans cet EP

    Dans le premier, soutenu par de sombres nappes électro et d’un chœur extraterrestre, Ghern voyage dans un espace musical planant et poétique : "Je pensais venir de l’espace / Comme la mer / Comme le sable qui recouvre cette ville en forme d’étoile / J’avais jusqu’à ce jour / Écouté mon cœur d’opale / Mon cœur précieux et dur / Et froid / Comme la lune exaltée / Je suis sorti dès les premiers rayons / J’ai marché le long de cette avenue qu’on a voulu parfaite / Avec ces toutes petites maisons serrées les unes contre les autres / Tout était vide. / Au bout tu m’attendais devant l’ancien casino / Je pensais venir de l’espace." Ghern parle de rencontres magnétiques, de la fortune d’un lien indéfectible et de ce qui peut finalement nous perdre : "Quand je t’ai retrouvé à bout de souffle j’allais me jeter sur toi comme de l’huile sur un feu."

    Puisque les plus belles chansons sont celles qui finissent mal on reçoit comme un uppercut le road-movie musical qu'est le formidable titre pop En finir avec toi. De sa voix triste et usée, Ghern déroule un voyage intérieur plein de souvenirs autour d'une femme qu'il a aimé et qui l'a quitté :"C’est vrai qu’on roule vite / Vite sur la longue route à fond / J’avais baissé les vitres tu t’étais collée à moi / Dépassé les camions / C’était comme battre nos démons / Je m’en suis fait sept à la suite / Alors que tu dormais déjà / On avait pris la fuite / Fuite au beau milieu de l’été / Hors du monde qui s’agite / Et devient fou parfois / T’as mis fort cette chanson / C’était pour fixer l’horizon / Ce vieux tube d'autrefois / Jamais je ne pourrai je crois / en finir avec toi." Il y est question de promesses non-tenues, de la nostalgie pour un amour disparu et, toujours, de ce passé qui ne passe pas.

    Fortune brille de ces deux étoiles, deux joyaux qui méritent que l’on s’arrête sur Ghern – et qu’on le suive.

    Ghern, Fortune, EP, Phonomagic, sorti le 8 juin 2018
    http://www.ghern.com

  • Melissa Bon, de The Voice au silence de la mer

    Pin it!

    Rien de trop chez Melissa Bon : un regard envoûtant qui ne vous quitte pas dans son clip Blank, une voix posée sans fioriture, des lignes mélodiques pures, le noir et blanc peu à peu éclairé par des vagues lumineuses et bleutées. Voilà qui nous change des courses au bling-bling et au sensationnel. D’ailleurs, à ce sujet, Melissa Bon ne vous est pas inconnue ? Normal : la chanteuse aux origines franco-suisses et éthiopiennes avait participé en 2014 à une saison de The Voice : que de chemins depuis...

    Elle vient de sortir son premier EP Away, qui impose la simplicité et la retenue dans quatre titres aux noms tout aussi sobres : Blank, Nomad, Away et ONE. Elle y parle de désillusions, de déceptions, d’attentes, mais aussi de voyages intérieurs.

    Un titre a capella

    La chanson qui donne son nom à l'EP n'est d'ailleurs pas la moins épurée : Away est un titre a capella et tout en retenue sur le thème de l'attente et du désir. Melissa Bon peut se permettre une telle audace vocale. Sa voix caressante module, se pose, scande puis s'envole dans une parenthèse musicale comme hors du temps.

    Chez Melissa Bon l'électro a sa place, sauf qu’elle n’en use pas une matière musicale sophistiquée et envahissante. L'électro dessine par touches impressionnistes un EP dominé par une voix fragile, hypnotique et mélancolique. La chanteuse se dépouille de tout artifice avec une simplicité suffisamment rare pour être soulignée.

    Qu’il est loin le temps de la célèbre émission de télé-crochet : maintenant, Melissa Bon semble s’avancer avec la simplicité d’une artiste à la recherche de l’essentiel. On l’imagine seule et apaisée, marchant pieds nus sur une plage déserte au lever du jour, par un matin d’été.

    Melissa Bon, Away, EP, sortie le 15 juin 2018
    https://www.instagram.com/melissabon
    https://www.facebook.com/melissabon30

  • Nouvelle vague

    Pin it!

    Il y a de la fraîcheur eighties chez les trois garçons d’Amoure, un groupe de la scène pop strasbourgeoise né en 2014. Ils signent leur nouvel EP, Vague, léger comme un farniente estival et d’un séduisant dynamisme. Prise de tête interdite : "Je veux faire des vagues / Quitte à nager en plein délire. / Je veux faire des vagues, / Les chevaucher jusque Agadir"(Vague).

    Les quatre titres pop ne lésinent pas sur l’énergie, et vous serez bien en peine de ne pas les écouter à plein volume lorsque vous lézarderez sur votre plage préférée. C’est une joyeuse parenthèse dorée que nous proposent les trois membres du groupe, Nicolas Lietaert, Julien Hermann et Thibault Dutt : du vague, des plages (Sable), de la lumière (Claire) et un trip à Rome en bonus.

    Le premier titre, Vague, annonce la couleur : ce nouvel EP des Amoure se veut estival. Estival et aussi, quelque part, new wave : c’est en effet du côté d’Indochine mais aussi d’Étienne Daho que nos trois musiciens viennent chercher une partie de leur inspiration. Des influences qu’ils revendiquent dans l’adaptation, en forme d’hommage, de Week-end à Rome. Et l’on repart, sous le soleil italien et avec Daho cette fois : "Week-end à Rome, / Tous les deux sans personne / Florence, Milan, s'il y a le temps / Week-end rital, en bagnole de fortune / Variété mélo à la radio."

    Amoure, Vague, Deaf Rock Records, mai 2018
    Amoure, en concert le 31 juillet à l’Estival Open Air, Estavyer (Suisse)
    http://www.bonjouramoure.fr
    https://www.facebook.com/amouremusic

  • 2018, année soviétique

    Pin it!

    Qu’on se le dise : après l’élection de Poutine et à l’occasion de la coupe du monde de football, l’année 2018 sera russe. À cela, il faut ajouter la sortie du dernier opus du plus "marxien" des duos français : les Soviet Suprem, auteurs de leur deuxième album, Marx Attack (sans "s", s'il vous plaît).

    Voilà donc nos communistes (enfin, sur le papier du moins), partis à l’assaut pour conquérir la planète musicale, et le moins que l’on puisse dire c’est qu’ils ne lésinent pas sur les clichés de la révolution d’Octobre, les références à l’Armée Rouge ou sur un sabir comme venu de l’autre côté de l’Oural.

    Mais Soviet Suprem c’est aussi et surtout l’alliance de l’humour et de la musique slave au service d’un style musical inédit et d’un message humaniste : "Quand la musique mondialisée n’est plus qu’une soupe insipide qui martèle nos esgourdes a base de boom boom et de slogans bling-bling, il est temps de réhabiliter l’Internationale, de libérer la fête et de lâcher les chevaux cosaques dans la sono," annoncent nos deux Parisiens partis à la conquête de l’est et du reste de la planète, même si la superpuissance américaine n’est jamais très loin (Peaux Rouges).

    Marx Attack c’est de l’électro-rock à l’humour noir (Dikator de Dancefloor), pour ne pas dire un album potache (Post Soviet), quand il n'est pas franchement festif (Vladimir). Les Soviet Suprem ont aussi l’art du texte et du calembour,  : "Conquête de planète / Pas de plan sur comète / Attaquer le capital / A capella / Niet niet." On peut penser à Sanseverino dans cet art de recycler et de détourner sans arrières-pensées un répertoire ancien et de mixer rap et valse (Valse Soviet)… L’auditeur retiendra tout autant la reprise hilarante de T’as Le look Coco à la mode cosaque, avec une bonne dose de vodka.

    Moins marxistes-léninistes que trotskistes

    Derrière les propos caustiques, il y a de l’engagement dans Marx Attack (International). Le duo Soviet Suprem"réveille les morts," avec un son aussi festif que... nécrologique (Héros). La révolution russe (1917) est le fil conducteur tracé par le duo de Soviet Suprem, sans doute moins marxistes-léninistes que trotskistes ("On va conquérir la planète"). Cela n’empêche par nos Parisiens soviétiques de faire, avec Couic Couic, une parenthèse sur la révolution française et la guillotine.

    Sur cet album électro-rock au flow enlevé (Tsar Wars) et à l’orchestration travaillée avec soin (Russian Kiss), c’est sans doute Jules-Edouard Moustic qui en parle le mieux : " Il existe 37 mots de base pour désigner la précision du flow de "Soviet Suprem" : chantul, gorgoute, koulikoultouk, takoum et meulmeul en sont un bel exemple. Le renne des dancefloors aizoubanais "Ilastikol Kaklu" le répète dans toutes ses soirées (attention, c'est à lire à voix haute en imitant l’écho de la sono) : "Ouah ouah ouah ouah ouah, Soviet Suprem em em em em, Ok Ok, "Mars Attacktack tack tack tack" Mayor mazik planète nèt nèt nèt nèt. Une fois de plus, ce qui se fait de bien dans notre Pays, ce sont les autres qui en parlent le mieux. Ça me rend dingue."

    Soviet Suprem, Marx Attack, Wagram / Chapter Two Records, mars 2018
    http://www.sovietsuprem.com