Ok

En poursuivant votre navigation sur ce site, vous acceptez l'utilisation de cookies. Ces derniers assurent le bon fonctionnement de nos services. En savoir plus.

••• de musiques ?

  • Liv Monaghan, en musique et en images

    Pin it!

    Physiquement il y a du Keren Ann dans la posture de Liv Monaghan. Mais musicalement ?

    Musicalement, c’est du côté du jazz alternatif – voire du world jazz – qu’il faut chercher l’influence de Liv Managhan qui, en décembre dernier, a sorti Beauty in the Park avec le groupe Bird & Bass, album qu’elle a d’ailleurs produit.

    Dans cet opus, le jazz s’affranchit de ses origines et vient se nourrir de rock (Yellow Suit), de blues (Ocean blues), d’influences d’Europe orientale (Beauty in the parks) ou de musique de chambre (Horses).

    Liv Monaghan ose toutes les audaces vocables et ne s’interdit aucune fantaisie (Yellow Suite), tout comme elle sait se faire bouleversante lorsqu’elle se met à nu, à l’exemple de Horses.

    La chanteuse irlandaise, installée à Paris, vient de sortir son clip, Ocean Blues. Le clip est réalisé par l’Italienne Sara Grimaldi. C’est la deuxième collaboration entre les deux artistes, après Horses.

    Audaces vocables et fantaisies

    La chanson Ocean Blues est une exploration surréaliste, un voyage entre des paysages urbains et naturels, entre rêve et cauchemar aussi. Elle nous plonge, musicalement et visuellement, dans une ambiance rétro. Sara Grimaldi explore l’âme urbaine de Paris au XIXe siècle. Comme dans le clip Horses, les différents vêtements utilisés dans Ocean Blues deviennent une forme de recherche sur sa propre identité.

    La chanson adopte un son osé, et les paroles sont riches. Sava Medan à la contrebasse et Srdjan Ivanovic à la batterie font preuve d’une grande technicité et d’une belle inventivité musicale. Si bien que l'auditeur en vient facilement à écouter et réécouter ce titre - et les autres - pour en cerner toute la profondeur et les influences. 

    Liv Monaghan a su s'entourer d'excellents artistes pour avancer ses pièces et offrir un jazz à la fois décomplexé, pointu et d'une audace diablement séduisante.   

    Liv Monaghan et Bird & Bass, Beauty in the Park, décembre 2017
    disponible sur les plateformes de téléchargement
    (Spotify, Deezer, Amazon iTunes et Google Play)

    www.livmonaghanmusic.com


  • Cleo T. ne cherche pas, elle trouve

    Pin it!

    Artiste parisienne basée à Berlin, Cleo T., alias Clémence Léauté, a construit une œuvre mixant médias, alias et performances scéniques. Il faut dire que la jeune femme peu se targuer d’un pedigree déjà impressionnant : formation universitaire en lettres modernes et histoire de l’art, comédienne au Théâtre National de Chaillot, artiste européenne naviguant entre Paris, Berlin et Florence, Cleo T. fait se télescoper les références à Malévitch, Plotin, Frida Khalo ou Pasolini. Un drôle de zèbre qui voit "l'art comme un flux sans cesse en mouvement."

    Après 120 concerts en Europe et au Canada, des festivals internationaux (SXSW, The Great escape, CMJ NewYork, Solidays) Cleo T. continue d’explorer un terrain musical singulier. Mais l’actualité immédiate de Cleo T. est la sortie de son nouveau clip, ce 11 avril.

    Drôle de zèbre

    Paru en 2013, Songs of Gold & Shadow, son premier album, déployait un univers glamour et décadent à la Lady Gaga : une pop de chambre sublimée par la production maîtrisée de John Parish/PJ Harvey. Le nouvel album And Then I Saw A Million Skies Ahead fait résonner une pop éclatante, qui dépasse le cadre de l’expérience musicale. Onze ballades postmodernes composent cette œuvre où se croisent gospel et songwriting, instruments du monde et électro.

    Véritable œuvre d'art contemporaine, l'expérience convoque la poésie et la danse, l'art vidéo et les arts numériques.

    Shine ouvre cet opéra moderne, deuxième album hybride et singulier élaboré entre Paris et Berlin. Rêverie sonore et visuelle, Shine orchestre électro minimale et cordes classiques, révélant la tonalité onirique, glamour et engagée de l'album. Unique, Shine c'est la rencontre de la pop et la recherche artistique. Cleo T. a sans doute le chaînon manquant entre deux univers qui se tenaient jusque-là à bonne distance. 

    https://www.cleotmusic.com

  • Vanished Souls: "Les styles ne meurent jamais"

    Pin it!

    Nous avions récemment parlé des Vanished Souls, auteurs d'un album hypnotique, rock et psychédélique qui sort aujourd'hui. Nous avons voulu en savoir plus sur ces quatre garçons dans le vent.

    Bla Bla Blog – Bonjour, les Vanished Souls. Comme le nom du groupe et vos titres ne l’indiquent pas, vous êtes Français. Voulez-vous vous présenter et parler de votre rencontre ? De quand date-t-elle d’ailleurs ?

    Vanished Souls – Bonjour. Svein & DriX. Nous nous sommes rencontrés il y a de nombreuses années alors que nous étudions la musique dans une grande école de Nancy. Cela date d'une dizaine d'années et la rencontre s'est faite naturellement autour de goûts musicaux communs et une véritable envie de créer et tester des choses. Nous avons beaucoup expérimenté au travers de l'impro à cette époque, sans savoir que nous jetions les bases d'une longue collaboration.

    BBB – Racontez-nous votre manière de travailler ? Qui compose ? Comment sont partagés les rôles ?

    VS – On compose tout à deux. Pas de règles, pas de méthodologie juste un travail d'échange sur des idées. Parfois des bouts d'idée, parfois des choses plus abouties. On arrange puis on maquette pour avoir une vision globale du morceau. Il arrive que pas mal de choses changent au moment de l'enregistrement, notamment les arrangements, on reste toujours ouvert à l'accident. Pas de calcul non plus, parfois la musique d'abord, parfois le texte ou par magie les deux en même temps. Toujours ce leitmotiv que le morceau se compose par lui même comme si nous n'étions que les ouvriers de cet animal sauvage qu'on essaye de dompter.

    BBB – Vous avez été découverts en 2013, avant une année 2014 menée tambour battant. Pouvez-vous nous parler de ce début de carrière assez dingue ? 

    VS – Nous sommes deux très gros travailleurs et nous composons énormément (nous sommes également compositeur a l'image pour la TV et le cinéma), ce qui fait que nous avons toujours la tête dans le guidon. L'année 2014 a fait suite à la sortie de notre premier album et a cristallisée nos premières "vraies" apparitions en terme de groupe dans la presse et les médias, ainsi que sur des scènes conséquentes avec comme point d'orgue notre participation au Festival Solidays

    BBB – Il y a aussi ce clip viral des deux membres du groupe, DriX et Svein, autour du retour de militaires auprès de leurs enfants. Pouvez-vous nous en dire plus ? 

    VS – C'est la résultante de notre travail parallèle en dehors du groupe et notre collaboration avec Universal Publishing. C'est une histoire assez drôle car c'est une amie qui nous a montré un jour la vidéo sans que nous sachions, ni elle, ni nous que c'était notre musique ! La magie de la diffusion sur internet et sur les réseaux.

    "Cet album est comme une série avec différents épisodes" 

    BBB – Venons-en à ce nouvel album. Quand l’avez-vous commencé et surtout comment écrire un album aux ambiances et aux influences aussi différentes ? Comment présenteriez-vous ce nouvel album ? 

    VS – Pour commencer nous avons mis deux ans pour composer cet album. Nous souhaitions prendre notre temps et également aller vers plus d'épure avec des morceaux plus courts. Essayer de dire en 3-4 minutes ce que l'on disait sur le premier album en dix minutes. Pour cela nous avons collaboré avec le DA Fred Vectol du studio Question de son afin de nous guider dans cette tâche. On aime imaginer cette album comme une série avec différents épisodes. Chaque épisode (titre) raconte quelque chose et peut être pris séparément, mais peut également être capté comme faisant parti d'un tout.  

    BBB – On parle d’influences. Les vôtres sont à chercher dans plusieurs directions. On pense bien sûr au rock psychédélique de Pink Floyd, à Archive, Radiohead. La pop des années 80 également ? La new wave ? 

    VS – Oui nous sommes très ouverts musicalement et notre travail de producteur de musique à l'image nous à amené à explorer de nombreux styles. Pour nous la musique est semblable aux humeurs et aux sentiments humains, multiples et riches. 

    BBB – Sans oublier le rap. On pense au titre Am your shadow

    VS – Oui, typiquement une émergence des influences profondes du groupe, sous-jacent depuis toujours et qui s'est affirmé sur ce titre. C'était une évidence et en rien calculé. La couleur de ce morceau s'est imposée d'elle même.

    BBB – Vous semblez faire une synthèse entre différents courants musicaux. Votre album est-il un hommage au rock, que certains annoncent mort, ou bien une tentative de le renouveler ?

    VS – On n'a aucunement la prétention de rendre hommage ou renouveler quoi que ce soit. On fait juste ce que l'on ressent, ce qu'on rêve et on le fixe sur l'enregistrement. Apres les histoires de mort de tel ou tel style de musique n'a pour nous aucun sens car les style ne meurent pas, ils échappent peut être à la mise en lumière pour le "grand public" mais dans tout les cas il perdurent et se transforment. Tout n'est qu'un éternel renouvellement. Il y aura toujours du jazz, du blues, du classique, du hip-hop, du métal, de l'électro...

    BBB – Qu’écoutez-vous aujourd’hui ? Que trouve-ton dans votre play-list à chacun ?

    VS – De tout, absolument de tout !

    BBB – Et y a-t-il un titre "honteux" que vous aimez écouter ?

    VS – Également et beaucoup trop de titres ! Mais c'est notre jardin secret ça !

    BBB – Quel est le dernier livre et le dernier film que vous avez lu et vu ?

    VS – (DriX) Manuel Ikea de montage pour DriX. Et le film 3 Billboards... bouleversant. (Svein) Je ne regarde que les bandes annonces et les résumés : ça va plus vite...

    BBB – Quelle est votre prochaine actualité après la sortie de cet album ? Des concerts ? Des tournées ? 

    VS – Oui concerts prévu déjà jusque juin pour commencer et surtout notre release party au Nouveau Casino à Paris le 19 avril. Tout est sur notre Facebook et notre site.

    BBB – La sortie de l’album est prévue le 30 mars. Vous vous sentez comment ? 

    VS – Excité et agréablement surpris par les premiers retours très positifs sur l'album qui nous font chauds au cœur, hâte de défendre ça sur scène.

    BBB – Bonne rentrée musicale, alors, les Vanished Souls. Et merci d’avoir répondu à nos questions. 

    VS – Merci beaucoup et à bientôt sur les routes. 

    Vanished Souls, Vanished Souls, Frozen Records / Chancy Publishing
    Sortie le 30 mars 2018
    http://www.vs-music.com

    "Vanished Souls, les enfants du rock"

  • Quelques pas d’électro-swing avec Scratchophone Orchestra

    Pin it!

    Il est probable que vous ne soyez pas encore tombés sur l'OVNI musical qu'est Plaisir moderne de Scratchophone Orchestra. Si c'est le cas, courez vous procurer leur premier album.

    Depuis une dizaine d'années, à la faveur d’émissions populaires, le répertoire oublié des années 20 et 30, que ce soit le charleston, le quickstep ou le madison, ont été remis au goût du jour. Scratchophone Orchestra à choisi de s'emparer de ces rythmes des années folles et de les mixer pour créer un électro-swing à la fois contemporain et rendant hommage à l’Amérique jazz d’avant-guerre.

    Scratchophone Orchestra est né il y a seulement trois ans et a déjà sillonné le territoire avec sa formation mêlant instruments acoustiques, voix, synthétiseurs et platines.

    Album coloré, familier et révolutionnaire

    Le résultat est un album coloré à la fois familier et révolutionnaire : familier dans la récupération de cette matière brute musicale venue de la Nouvelle Orléans des années 30 et révolutionnaire dans cette manière de passer à la moulinette de l’électro et du scratch les douze titres, dont dix chansons en anglais et en français.

    L’auditeur y retrouvera une époque nourrie de romantisme (That Girl, Lazy Lady ou Mon Héroïne, au titre volontairement ambigu). Scratchophone Orchestra nous entraîne aussi bien à Broadway (Danse in White, My Little Way ou Trump) que dans le Paris bohème et canaille de Jean Gabin et Michèle Morgan (Cabotin) ou celui, manouche, de Django Reinhardt (Clubbing with Django).

    Plaisir moderne serait l’essence des années 30 descendue au milieu d’une piste de club en 2018. Avec Scratchophone Orchestra, la bande à Aurélien Maurocq (voix et clarinette), en veste tweed sombre, bretelles et borsalino, scratche pour faire swinger des danseurs tout droit sortis du Chanteur de Jazz.

    Seul bémol sans doute dans Plaisir moderne : il manque ce je ne sais quoi de sex-appeal et aussi de voix féminine dans un album assez unique dans son genre – donc à découvrir.

    Scratchophone Orchestra, Plaisir moderne, WOOF-WTPL / 10H10 / L’Igloo, 2018
    http://scratchophoneorchestra.com

  • Comme un air de Motown

    Pin it!

    Un petit voyage dans le temps et l’espace, ça vous dit ? C’est ce que propose les Buttshakers dans leur nouvel album Sweet Rewards, sorti en France en ce début d’année. La bande à la charismatique et incandescente Ciara Thomson propose un vivifiant retour dans l’Amérique black blues soul que l’on adore.

    Portée par un orchestre solide, énergique et chaleureux (guitares, cordes, clavier et batterie), Ciara Thomson et ses camarades de Buttshakers nous prennent par la main pour un périple spatio-temporel : un trip R&B et engagé dans Saint-Louis avec In the city, une plongée dans un caveau sombre et enfumé de Detroit avec Sweet Rewards ou un concert rock dans la campagne sixties de Louisville avec What you say.

    Cet opus, tout en rendant hommage aux brillants aînés de la Motown et consorts, serait digne de figurer dans une bande-son de Quentin Tarantino : Trying to Fool, Sweet Reward ou Tax man c’est Jackie Brown 20 ans plus tard. 

    Digne héritière de James Brown, une vraie sex machine

    Ciara et les Buttshakers sont capable de toutes les audaces : le blues mélancolique de Roll with roll, le R&B et ses riffs de guitares dans Tax Man ou le funk épicé dans I weak ends ou le titre engagé In the city sur l'affaire Michael Brown, les émeutes de Fergusson en 2014 et sur les discriminations raciales aux Etats-Unis ("We’re just trying to survive, in the city / Can’t we live? /We’re just trying to get by"). Quant au titre Movin on, il s’avance sur un terrain plus rock et aux accents franchement eighties, mais avec toujours cette voix chaude et puissante.

    C’est bien entendu le nom d’Aretha Franklin qui vient en tête à l’écoute du timbre de Ciara Thompson, mais une Aretha Flanklin plus survitaminée et bouillante que jamais. La chanteuse des Buttshakers est une tornade soul, une artiste biberonnée à ses racines blues, country, gospel et folk et une vraie sex machine. Digne héritière de James Brown, Ciara Thomson a le feu, le rythme et le chien de Mr Dynamite.

    Dix ans après leur création, les Buttshakers débarquent en France pour notre plus grand plaisir. Après la sortie de leur album Sweet Rewards, ils seront en concert en France.

    The Buttshakers, Sweet Rewards, Underdog Records, sortie en février 2018
    The Buttshakers, en concert en France
    Le 16 mars 2018 à 20 heures au Hasard Ludique (Paris)
    Le 31 mars 2018 à 20 heures 30 au Tamanoir de Gennevilliers, avec les Coco Mamas 
    Le 14 avril 2018 à 21 heures à La Cave à Musique de Mâcon, avec Da Break
    http://thebuttshakers.com

  • Vanished Souls, les enfants du rock

    Pin it!

    Les Vanished Souls, ont décidé de faire un sort au rock à papa. Pas de parti pris chez ces quatre petits Français découverts en 2013, qui sortent en mars leur nouvel album éponyme : le maître mot de cet opus est de s’aventurer sur la route longue, sinueuse et passionnante du rock et de ses nombreux dérivés. Et le moins que l’on puisse dire c’est que les surprises sont nombreuses.

    DriX, Svein, Fred et Yann Forléo ne cachent pas leurs références musicales – et pop-rock – tous azimuts , que ce soit Radiohead, My Bloody Valentine, Archive, Sigur ros ou Pink Floyd.

    Pink Floyd, justement. Les Vanished Souls sont particulièrement convaincants dans leurs titres pop et psychédéliques, à l’instar de Between us and everything, No suffering ou You’re not alone. Que les VS marchent sur les pas de la bande à David Gilmour est un euphémisme.

    Dans Ghosts, digne d’une BO de film fantastique, l’auditeur se laisse porter par des étrangetés diablement séduisantes : ectoplasmes dansants, voix d’outre-tombe et cordes envoûtantes.

    Sur les pas de la bande à David Gilmour

    C’est un rock franc, mais tout autant psychédélique, qui est proposé dans My ROM : architecture de cordes séduisante, voix aériennes et riffs de guitares détonants. Tout aussi aussi robuste, figure le très efficace 3 :42, à la mélodie entêtante et à écouter à plein volume. Pour ce morceau, les Vanished Souls ont fait réaliser leur clip par Rachid Dhibou dans les studios de la Cité du Cinéma de Luc Besson (rendez-vous sur la vidéo de cette chronique pour voir le clip ainsi que son making-off).

    Le quatuor ne s’interdit rien dans les onze titres de cet album, qui n’est pas avare en bonnes surprises et en références rock aussi variées qu’étonnantes, comme si le vaisseau VS nous faisait voyager dans des univers – musicaux – parallèles  : la pop année 80 d’All forget ou de Shame, l’easy-listening de No suffering, le rock sombre et mélancolique de Nauseous, la patte new wave de You’re not alone et même le flow rap avec le séduisant Am your shadow. L’album se clôt sur le magistral Silencio, vrai final sexy, majestueux et psychédélique, invitant au voyage.

    Mieux qu’un hommage, les Vanished Souls proposent une relecture et une revisite du rock, qu’on a sans doute enterré un peu trop vite.

    Vanished Souls, Vanished Souls, Frozen Records / Chancy Publishing,
    sortie le 30 mars 2018

    http://www.vs-music.com/home
    https://www.facebook.com/vsteam

  • Mariscal sur les pas de son brillant Ané

    Pin it!

    Je vais vous raconter, si vous le voulez bien, l’histoire de cette chronique.

    La semaine dernière, j’étais en train d’écrire au sujet de la passionnante exposition Rock ! Une histoire nantaise (Château des Ducs de Bretagne, à Nantes, du 24 février 2018 au 19 novembre 2019), dont une partie est consacrée à Dominique A, lorsque je suis tombé sur le premier album de Grégory Mariscal, Plus le Temps. Et là, le choc : les similitudes avec ce nouvel arrivant de la scène française et l’auteur de La Fossette (1992) ou de La Mémoire neuve (1995) me sont apparues évidentes.

    Le Coton a le grain du Vivement Dimanche de La Fossette. Quant à Je Marche Je Respire, ne renvoie-t-il pas au Je ne respire plus, Milos dans La Mémoire neuve ?

    Certes, la voix tendue et si particulière de Dominique Ané fait place à un timbre moins aérien (à l’exception toutefois de l’onirique All the world flees), mais il n’en reste pas moins vrai que Mariscal marche bien sur les traces de son brillant... aîné. Ajoutons d’ailleurs que Jeff Hallam, collaborateur notamment de Dominique A, a collaboré à ce premier album : bon sang ne saurait mentir.

    Comme lui, Grégory Mariscal empreinte le rock par des chemins de traverse, offrant par là-même un opus passionnant et personnel. Le dernier titre, qui donne son nom à l’album, est à ne pas manquer. Sur une ballade acoustique, Grégory Mariscal parle du temps qui passe et de son propre parcours : "Plus le temps nous laisse /Plus on le conteste / On est tous quelque-part / Le temps défile / En fuyant le hasard / Le temps défile / Être de quelque-part" (Plus le Temps passe).

    Un univers à la fois brut, intime et poétique

    L’écoute de Plus le Temps de Mariscal réserve des surprises étonnantes et un parti-pris artistique à saluer : pop minimaliste (All the world flees), travail artisanal soigneux (Cimetière de l’Amour), sujets rarement traités (La Rouille) ou textes charpentés (La Rue Des Corps Saints).

    Le musicien tourangeau impose son univers à la fois brut, intime et poétique : "Poser tes mains avant un rêve / Regarder l’animal qui dort / Penser aux gens à qui tu rêves / Poser tes lèvres et puis ton sort / Écoute les mots et les regards / Par la fenêtre la nuit très tard / Respire le corps juste à côté / Qui dort doucement sans se soulever / Fier de sa solitude" (Fier de sa Solitude).

    Rock, pop, chanson et électro se mêlent dans une jolie symbiose, à l’exemple du séduisant Buvons, un hymne à l’amitié, à l’insouciance et au lâcher-prise : "Allez buvons / Parce qu’il faut boire : Un dernier soir / Avant l’hiver / Buvons / Assis au bord / Du Guadalquivir / Qui dort."

    L’amateur de mots pourra goûter les texte simples, lumineux et efficaces d’un vrai auteur : "Ils marchent dans la rue des Corps Saints / Marchent sur un chemin / Portent tous un rêve. / Ils marchent, agitant leur destin / dans la rue des Corps Saints / entendent des Sirène / Et ils chantent My Way" (La Rue Des Corps Saints).

    Huit clips accompagnent la sortie de ce premier album et déroulent une narration à tiroir, comme un puzzle qui s’assemble, avec des personnages croisés dans les chansons de Plus le Temps.

    Marsical a mis huit ans pour sortir son premier album. Le résultat final est là, dans cet opus âpre, soigné et inventif.

    Mariscal, Plus le Temps, La Familia, sortie le 2 mars 2018
    Page Facebook de Grégory Mariscal

  • Les filles sages vont au paradis, les autres vont où elles veulent

    Pin it!

    Le titre de cette chronique est celui du premier album de Samuele. Les filles sages vont au paradis, les autres vont où elles veulent sort ces jours-ci dans les bacs en France. Il va falloir vous habituer à cette artiste venue de l'autre côté de l'Atlantique.

    Québécoise et artiste familière de la scène underground canadienne, Samuele est l'une des voix féministes les plus étonnantes et captivantes du moment. Elle a été remarquée aux Francodécouvertes en 2015 et primée à de multiples reprises (dix prix Coups de Cœur au festival Vue sur la Relève, Grand Prix du Festival international de la chanson de Granby, deux nominations au Gala de l'ADISQ 2017, l'équivalent Québécois de nos Victoires de la musique} . 

    Le premier opus de Samuele sonne comme un vrai manifeste socio-politique, à l'exemple du premier titre éloquent Égalité sur Papier : "Les filles sages servent à décorer les salons. Les plus jeunes et jolies servent à vendre le savon, celui qui mousse, mousse, mousse la libido des acheteurs de bonbons... C'est pas le sexe qui vend, c'est la soumission."

    "C'est pas le sexe qui vend, c'est la soumission"

    Musicienne et femme de lettre autant que militante, Samuele assène avec efficacité et sincérité les mille et un heurs et malheurs de ses consœurs : les rêves d'émancipation loin des contes de fée traditionnels (La Sortie), les désillusions (Cœur de Tôle) ou les journées interminables de nombre de femmes actives (Cours Toujours).

    Artiste engagée (avec le magnifique titre La Révolte), Samuele se singularise aussi par ses choix musicaux. Accompagnée d'un groupe et d'instruments acoustiques, Samuele fait se rencontrer chansons à textes (Le Lest), ballade amoureuse (La Sirène), slam (Égalité sur papier), titres folk (La Révolte), blues (La Couleur de l'Orage), pop, (Toune d'hiver), rock musclé (La Sortie), avec son lot de mélodies subjuguantes (Cœur de Tôle) et de respirations poétiques (Compter sur Ça), douces amères (Dactylo) ou romantiques (Tous les Blues).

    Avec un titre comme celui-ci, Les filles sages vont au paradis, les autres vont où elles veulent, Samuele promettait un album singulier, provocateur et révolutionnaire à plus d'un titre. Nous voilà servis. Le public français va pouvoir découvrir sur album ou en tournée une artiste unique et sans concessions : "Honte à toi, crie le roi. La cour te pointe du doigt. Mais le fou se moque du roi. On est tous avec toi."

    On est avec toi, Samuele.

    Samuele, Les filles sages vont au paradis, les autres vont où elles veulent,
    In Tempo, sortie le 2 mars 2018.

    En tournée en France à Lempdes le 6 mars, à Riom le 7 mars,
    à Cébazat le 8 mars, à Fresne le 9 mars, à Deauville le 13 mars,
    à Sotteville-lès-Rouen le 16 mars, à Neufchâtel-en-Bray le 18 mars,
    à Bar-le-Duc le 20 mars, à Noyon le 22 mars, Bruxelles le 23 mars,
    à Laon le 5 mars, à Hazebrouck le 29 mars, à Gauchy le 30 mars

    https://samuelemusique.com

  • Surtout pas d’excuses entre nous

    Pin it!

    Nous avions déjà parlé du grand retour d’Adrienne Pauly en ce début d’année. Dix ans après sa découverte (J’veux un Mec, L’amour avec un con), la chanteuse revient avec son second album, À vos Amours.

    Le temps passé aurait-il changé l’artiste ? Allait-elle nous proposer l’opus d’une femme assagie, sinon installée ? Dieu nous en garde. C’est l’Adrienne Pauly que nous connaissions qui revient, une Adrienne Pauly à fleur de peau, sarcastique et aussi passablement énervée. Un régal, qui nous console de ses dix années de silence musical.

    À vos Amours ce sont des titres rock et cash, à l’énergie irrésistible. Mais ne s’agit-il que de cela ?

    Prenez Tout l’monde s’éclate : ce joyeux hymne à la fête se transforme en constat plus amer que dans l’ivresse du lâcher prise, la frustration et la solitude ont souvent le dernier mot : "Tout l’monde est là / Tout l’monde / À part moi / Tout l’monde chante / Tout l’monde s’enchante / Mon cœur se marre bien."

    À ce premier titre caustique succède le formidable J’veux tout j’veux rien. Adrienne Pauly se lâche dans un morceau aux accents punk rock qui ne laisse rien passer : "Seule ou mal accompagnée / J’ai jamais su décider / L’ivresse ou la vérité / J’ai jamais su trancher / Si on s’aime ou pas / Si on l’fait ou quoi ? / Décide toi même / Et fin du problème."

    En dix ans, Adrienne Pauly n’a rien perdu de sa férocité ni de son humour. Elle tranche dans le vif dans l’une des belles réussites de son album, L’Excusemoihiste, son premier single sorti il y a quelques mois. La chanteuse fait le portrait sans concession d’une femme effacée, timide et soumise : "C’est une excusemoihiste / Une désolée c’est triste / Qui me dit toujours pardon / Excuse-moi. / Une excusemoihiste qui ne veut pas déranger / Et qui vit sa vie sur la pointe des pieds."

    "T’es un génie / J’crois qu’c’est clair / Tout le monde le sait / C’est super..."

    Les femmes ne sortent pas indemne des charges d’une artiste qui a fait de l’insolence et de l’humour et du second degré une vraie arme. Quelle Conne est par exemple le portrait des filles Gucci, "celles qui enterrent leur cerveau." Dans Comme un truc qui déconne, cette fois c’est un homme qui a droit aux charges d’Adrienne Pauly, dans un titre pop à la mélodie entêtante : "Y’a comme un truc qui déconne / Chez toi / Y’a comme un truc qui résonne mal chez toi / Dans ton miroir c’est le trou noir / Dès qu’tu apparais / Tu disparais." Et toujours cet humour noir : "Pose ce couteau / Tu vas t’blesser / Lâche ce sac / Tu vas t’étouffer… / T’es un génie / J’crois qu’c’est clair / Tout le monde le sait / C’est super..."

    Un thème est au centre du deuxième album d’Adrienne Pauly : l’amour et les relations hommes-femmes, que l’artiste résume ainsi dans Chanson d’Am... : "Va-t-en reviens : / La vie, l’amour : c’est ça"/ L’amour l’amour / C’est long c’est court / L’amour toujours / C’est bon c’est lourd." Dans ce slow rockabilly , il est question d’une chanson d’amour jouée un soir de solitude. Une jolie femme fait de cette "love song" un plan drague auquel elle s’accroche à mort. "Si tu veux on pleure / Si tu veux on danse / J’ai pas d’vocabulaire / Moi je sais faire : Ouais ouais ouais / Mais si tu crois qu’ça peut le faire / Si tu veux j’reste avec toi toi toi."

    Le morceau Les Amours passionnelles est, quant à lui, un appel sexy à l’amour immodéré et sans question ("Maintenant / Comme des Bêtes / Maintenant / Viens on s’emmêle"), auquel vient répondre le délicat et mutin titre qui le suit fort opportunément, La Bête qui est en Moi : "La bête qui est en moi / Est revenue me voir / la bête qui est en toi / Dans mon miroir je la vois."

    Juste un Moment clôt de manière atypique un album rock et désenchanté. Adrienne Pauly interprète sur des instruments acoustiques un tendre et pudique chant d’amour pour sa mère : "Comme autrefois, maman / C’est moi la petite / Dans le noir du couloir, maman / Je t’attends vite / Ton armoire pleine de fringues / Des talons pour marcher / Une clope en guise de flingue / Un coup de rouge / Et je m’en vais te retrouver. / On se voit si peu / On se parle si peu."

    La rockeuse Adrienne Pauly prouve qu’elle reste, derrière sa carapace de femme au caractère bien trempé, une artiste passionnée, intrigante et hypersensible. L'écouter c’est l’adopter.

    Adrienne Pauly, À vos Amours, Choï Music, 2018
    https://www.adrienne-pauly.com
    En concert à Paris le 19 mars, à La Maroquinerie
    "Adrienne Pauly, toute excusée"

  • Les bonnes fées de Sarah Lancman

    Pin it!

    De bonnes fées semblent s’être penchées au-dessus du berceau de Sarah Lancman, qui nous offre en ce moment son troisième album, À Contretemps. La Parisienne n’est pas une inconnue puisqu’elle avait obtenu en 2012 le premier prix du Concours International Shure Jazz Vocal au Festival de Montreux, non sans faire l’admiration du président du jury de l’époque, Quincy Jones : "She’s truly a great new voice for jazz," avait-il déclaré, dithyrambique.

    Sarah Lancman confirme dans son dernier opus être cette grande voix du jazz, capable de captiver, d'émouvoir et de faire chavirer. À Contretemps a cette simplicité et cette efficacité des meilleurs disques de crooners, à l’exemple du premier titre Don’t loose me. La voix suave et colorée de l’artiste sert des chansons originales qu’elle a composée seule ou en collaboration avec le plus français des pianistes italiens, Giovanni Mirabassi. Cette présence, avec celle du jazzman nippon Toku, fait d’À Contretemps un album très international, enregistré en Thaïlande, et aux multiples influences : américaines, françaises, asiatiques et même brésiliennes (Tout bas).

    Sarah Lancman nous ballade du côté de Broadway lorsqu’elle interprète en duo avec le trompettiste et chanteur japonais Toku le langoureux Love me just your way ou le très swing I wan’t your love, repris d’ailleurs en fin d’album dans une version japonaise.

    Une convaincante héritière de Michel Legrand

    À côté de cette incursion du côté des crooners américains, Sarah Lancman s’impose comme une convaincante héritière de Michel Legrand. Elle est au texte et au micro pour les délicates chansons Ça n’a plus d’importance, On s’est aimé (écrit en collaboration avec Francis Lalanne) et Choro pour les amants éternels.

    Dans la veine des comédies musicales de Jacques Demy, Sarah Lancman fait passer les sentiments amoureux dans tous ses états : la passion ("Ils se sont vus, ils se sont plus / Devenus amants d’un jour, / Amants toujours aimantés, même éperdus, / Perdus dans l’envie de vivre, / Cet amour qui enivre", Choro pour les Amants éternels), la nostalgie ("On s’est aimés quand on s’est vus / On s’est aimé à cœur perdu / Passent les jours et les saisons / Avec amour avec passion," On s’est aimé), la fantaisie ("« Je » aime à travers toi / Et « Tu » m’aimes en hors-la-loi / Les mots, la vie, le charme, les joies, / Passent les jours, passe l’émoi," Conjugaison amoureuse) ou les regrets ("Si nous n’étions plus amants maudits, / Sans rêve et interdits, / Est-ce qu’on s’aimerait encore et encore, / Corps à corps / Cœur à cœur et encore / est-ce qu’on changerait les choses ?," Ça n’a plus d’importance).

    Giovanni Mirabassi, découvert en France en 2001 avec son album Avanti !, fait ici merveille : comme compositeur musical de titres dignes des Demoiselles de Rochefort tout d’abord, mais aussi comme pianiste capable tout autant de grâce, de chaleur que de virtuosité (Ça n’a plus d’importance). Le jazzman italien, récompensé en 2002 par une Victoire de la Musique, et qui a aussi produit cet album, ne déçoit pas, tant l’osmose avec Sarah Lancman paraît évidente. Il nous offre notamment le très convaincant blues claptonien, Wrong or right ? (Sarah blues), avec Toku à la trompette.

    Sarah Lancman est aux manettes de A à Z dans le morceau qui donne son titre à l’album, À contretemps, preuve que l’artiste multiplie les talents : "Le temps des amants se moque du genre humain / Il n’aime qu’au présent / Et se fout du lendemain / Les saisons défilent / Le quotidien futile / On s’aime à contretemps." La voix caressante, toute de spleen et de grâce, porte une chanson que l’on se plaît à écouter et réécouter, encore et encore.

    Chanteuse surdouée, jazzwoman incandescente, compositrice talentueuse et musicienne que l’on rêverait de voir un jour en duo avec Michel Legrand, Sarah Lancman offre avec À Contretemps l’une des plus belles surprises musicales de ce début d’année.

    Sarah Lancman, À contretemps, Jazz Eleven, 2018
    https://www.sarahlancman.com
    https://www.giovannimirabassi.com
    http://toku-jazz.com

  • Rimbaud, sors de ce corps

    Pin it!

    MoonCCat serait sans doute la meilleure définition du musicien rock : dur, fragile et provocateur. Il avait été question de lui sur ce blog, à l’occasion de la sortie de son précédent album L'Absinthe, un vibrant hommage aux décadents du XIXe siècle que sont Charles Baudelaire, Oscar Wilde, Edgar Allan Poe ou Thomas Lovell Beddoes.

    Pour son dernier opus, sorti fin 2017, MoonCCat, sans doute le plus dandy des musiciens actuels, propose une lecture musicale, pop et rock, d’un autre poète maudit, Arthur Rimbaud. Bateau Ivre, c’est l’adaptation sombre, moderne - et lofi - de cinq textes classiques : Le Bateau Ivre, Le Dormeur du Val, Une Nuit d'Enfer, Première Soirée et Rêvé pour l'Hiver.

    MoonCCat fait oublier le Rimbaud académique enseigné dans les salles de classe. Il redevient cet artiste maudit, incompris et aux textes vibrants. Le Bateau Ivre est une ballade à la Noir Désir, sombre et désespérée et que l’on croirait enregistrée dans un caveau de Saint-Germain, sombre et enfumé : "Je sais les cieux crevant en éclairs, et les trombes / Et les ressacs et les courants : je sais le soir, / L'Aube exaltée ainsi qu'un peuple de colombes, / Et j'ai vu quelquefois ce que l'homme a cru voir !"

    Tragique et romanesque est le célébrissime Dormeur du Val, que MoonCCat interprète avec rage et sans tricher : "Les parfums ne font pas frissonner sa narine ; / Il dort dans le soleil, la main sur sa poitrine, / Tranquille. Il a deux trous rouges au côté droit."

    Le musicien slame le poème en prose Une Nuit en Enfer, adapté avec fidélité pour traduire le cri de désespoir du poète : "J’ai avalé une fameuse gorgée de poison. – Trois fois béni soit le conseil qui m’est arrivé ! – Les entrailles me brûlent. La violence du venin tord mes membres, me rend difforme, me terrasse. Je meurs de soif, j’étouffe, je ne puis crier."

    Artistes maudits

    Première Soirée séduit particulièrement pour le choix d’un magnifique et sombre chant d’amour. Accompagné de Delphine M., MoonCCat en propose une relecture rockabilly, non teintée d’humour noir : "Elle était fort déshabillée / Et de grands arbres indiscrets / Aux vitres jetaient leur feuillée / Malinement, tout près, tout près. / Assise sur ma grande chaise, / Mi-nue, elle joignait les mains. / Sur le plancher frissonnaient d'aise / Ses petits pieds si fins, si fins." Une vraie belle réussite. 

    Arthur Rimbaud sort de son image classique grâce enfin au dernier titre, Rêvé pour l’hiver : "L'hiver, nous irons dans un petit wagon rose / Avec des coussins bleus. / Nous serons bien. Un nid de baisers fous repose / Dans chaque coin moelleux."

    MoonCCat démontre encore une fois qu’il est un musicien à la fois rare et audacieux, dans la lignée de ces autres artistes maudits de la fin du XIXe et du début du XXe siècle – et récupérés depuis par l’académisme littéraire. Hommage à Rimbaud, Bateau Ivre est aussi une relecture gothique, élégante et inédite de joyaux poétiques. Des joyaux empoisonnés, "dangereux et sensationnels" comme le dit lui-même le musicien, et qui invitent à " l'éveil jaune et bleu des phosphores chanteurs !"

    MoonCCat, Bateau Ivre, 2017
    http://www.moonccat.com

    "C’est le plus dandy des albums"

  • Cinquante nuances de spleen

    Pin it!

    C’est le spleen dans tous ses états que nous propose Guillaume Poncelet dans son album solo « 88 ».

    Le musicien surdoué aux collaborations multiples (Claude Nougaro, Stevie Wonder, Ben L’Oncle Soul, Mc Solaar, Joyce Jonathan ou Ayo) propose un premier opus étincelant, mélancolique et dans une veine minimaliste. Il faut chercher du côté du groupe Rachel’s (Music for Egon Schiele) pour trouver la trace d’un tel album moderne piochant du côté de la musique de chambre, de la pop comme du courant minimaliste.

    « 88 » déroule seize titres aux troublantes sonorités, tour à tour délicates, sombres ou oniriques. Album instrumental, à l’exception notoire des deux derniers morceaux (Last Breath et Mon terroir), cette œuvre de Guillaume Poncelet offre une vaste gamme de sons, de nuances et d’influences pour offrir un tout cohérent et passionnant.

    La sonate Morning Roots peut rappeler le répertoire de Michael Nyman, avec ce minimalisme assumé, à l’instar d’Iceberg ou d’Après, renvoyant, eux, au courant répétitif américain. Le mystérieux morceaux Duty séduit par ses touches debussyesques, lorsque les titres Homo Erectus, Le Cahier ou L’Ennui évoquent l’écriture mélodique de Yann Tiersen.

    Minimalisme, pop et musique de chambre

    Guillaume Poncelet ne craint pas de faire appel à l’électronique dans l’aérien Reverse. Quant à Teano, c’est l’une des très belles réussites musicales de cet album : une invitation au voyage grâce à d’intelligents, puissants et bouleversants accords orchestraux.

    Aussi à l’aise dans le jazz que dans le répertoire contemporain, Guillaume Poncelet propose de passionnantes compositions de free jazz que François Jeanneau n’aurait pas reniées : le délicat Gus Song ou cet hommage à la Nouvelle Vague qu’est Au Bout du Souffle.

    Il faut également saluer l’audace du crépusculaire Derrière la Porte, le charme automnal d’Othello ou le nostalgique, onirique et langoureux The Two Of Me.

    « 88 » se termine avec deux exceptions notables : les titres vocaux Last Breath, avec le musicien néerlandais Thomas Azier (célèbre en France pour ses collaborations avec Stromae) et Mon Terroir, un slam de Gaël Faye, auteur en 2016 du Goncourt des Lycéens Petit Pays.

    Guillaume Poncelet, pianiste exceptionnel, nous offre avec « 88 » plus qu’un album spleen : un compagnon pour nos journées et nos nuits. Un véritable ami pour ainsi dire.

    Guillaume Poncelet, « 88 », Blend, 2018
    https://guillaumeponcelet.bandcamp.com
    En concert au Centquatre-Paris (104), 13 février 2018 (complet)

  • Vingt-sept ans à la limite

    Pin it!

    Après ses deux EP, Mesure Première et Mesure Seconde, on attendait la sortie du premier album de Laurie Darmon. Que nous réservait la jeune chanteuse, vingt-sept ans à peine, qui avait fait sensation avec ses chansons au flow irrésistible et sensible, Rupture, Ta Voix ou le formidable Juillet Formiguères ? Son album Février 91 ne déçoit pas et suit la même veine intimiste et la même couleur rythmique.

    Laurie Darmon a opportunément intitulé son premier opus en référence à sa date de naissance. Album très personnel, Février 91 parle de jeunesse, d’adolescence et des premiers émois. Il s’ouvre avec 17 ans, que la chanteuse propose dans deux versions – la seconde (17 ans Face B) s’avérant la plus efficace : "Ce soir, dis moi, t'as 17 ans déjà déjà / Ce soir, dis moi, t'as 17 ans, 17ans / Fugace, cocasse, / L'instant se forme et puis s'enfuit pour n'être plus qu'un souvenir…" A l’instar du Vingt ans de Léo Ferré, les adolescents de 2018 verront dans ce titre un hymne tendre, poignant et non sans humour à leurs jeunes années ("Puis un jour t'auras des gosses / Et tu leur criera "Bosse, bosse. / Puis après t’auras même des petits gosses / Et à eux tu leur diras « Encore tu bosses ? »"), chanté par une grande sœur bienveillante.

    Sans lâcher son flow tendu, Laurie Darmon construit des textes auto-fictionnels dans lesquels il est beaucoup question d’elle (Moment d’Absence), de recherche de soi (Je pense), de dépression (La Rage au Cœur : "Elle ne m'a pas quitté vous savez / La rage au corps qui me bouffe depuis sept longues années / Comme un tunnel que je n'ai pas emprunté / Parfois je n'en vois pas le bout / Il y a de l'ombre partout / Sur le monde que j'ai tant aimé / Tant croqué / Les plaisirs de la vie s'échappent / Et ne reviendront pas") ou de fantasmes (Désirs interdits).

    Laurie Darmon plonge avec un mélange de culot, d’audace et de sensibilité dans le royaume de l’intime. Elle parle de "Rêves / De choses un peu mauvaises / De douleurs qui apaisent / De gestes qui déplaisent… / De marcher sur la braise" dans ce Désirs interdits, un titre qui annonce le joyau gainsbourien qu’est Monte encore : "Au coin d'une rue / Je me suis perdue / Telle une chienne / Je me démène / Pour m'en sortir / Te voir languir / Au coin du feu / Me ferai jouir / C'est désarmant / Ce calme fou / Que tu prétends / Garder à bout / A bout de force / Je m'efforce / Tu me regardes / Sale bête féroce…" Tout, dans ce petit chef d’œuvre, que ce soit l’écriture ciselée et incandescente, la composition bluffante ou l’orchestration brillante, en fait l’un des titres inoubliables de cet album d’une grande ambition artistique.

    Incandescente

    À côté de l’étonnant, touchant et piquant hommage aux soldats anonymes (Les Militaires), l’auditeur s’attardera sur le sublime portrait Clémentine : "Clémentine part en vacances / mais Clémentine n'a pas de chance / le soleil s'est pas levé / alors elle est restée couchée / Clémentine n'a pas le moral / il l'a quitté et ça fait mal / Clémentine s'en remettra /Clémentine c'est un peu toi…"

    Laurie Darmon propose avec Les Jupons de Madame une parenthèse sobre et élégante. Le slam fait place à une valse légère, classique et mélancolique, largement inspirée du répertoire de Barbara : "Les jupons de Madame ont vu pousser de jolies jambes / Auxquelles, ils ont vite enseigné l'intimité des jolies chambres / Là-bas, la porte reste close, la nuit dure une éternité / Madame baigne dans l'obscurité à l'abri d'une enfance morose."

    Et puis, il y a Février 91. Ce titre de presque dix minutes clôture de la plus belle des manières un premier album très personnel. Laurie Darmon, qui nous avait parlé d’adolescence, propose un slam intime et bouleversant. Même si vous êtes nés bien avant 1991, il n’est pas possible de rester insensible à l’écoute de ces souvenirs égrainés par l’auteure, souvenirs qui parleront particulièrement aux trentenaires : "Février 98, bonne élève. Des mots de vocabulaire à apprendre tous les soirs. / Les dictées, les devoirs. Tom Tom et Nana sur Canal J. La douche, le dîner. / Denis la Malice le mercredi matin sur France 3. Les Minikeums. Les Filles d'à Côté. / Les jeux de bille au pied des troncs d'arbre dans la cour. /Les mammouths." Laurie Darmon slame avec grâce, pudeur et délicatesse. Elle nous ouvre son journal intime et partage la liste de saynètes de son enfance, de personnes qui ont croisées sa route ou de découvertes personnelles. Laurie Darmon parvient ici, comme ailleurs, à nous prendre par la main avec l’élégance, le culot et le talent d’une musicienne hors-pair.

    Grâce à Février 91, l’histoire artistique de Laurie Darmon, du haut de ses vingt-sept ans, ne fait que commencer.

    Laurie Darmon, Février 91, Universal Music, 2017
    http://lauriedarmon.com
    "Laurie Darmon, la fille formidable"

  • Palimpseste électronique

    Pin it!

    Bla Bla Blog n’est pas fermé aux découvertes, loin de là. Habituellement, en musique, c’est la pop, le rock et la chanson française qui sont mis à l’honneur. Une fois n’est pas coutume, Bla Bla Blog a choisi de faire un focus sur l’électro pure, avec Mardy, artiste nantais qui se décrit lui-même comme "mouvant et polymorphe."

    Écouter Palimpseste, son premier album publié en ligne, c’est faire un grand plongeon dans l’électro pure, aujourd’hui largement utilisée et déclinée. Mardy revient en quelque sorte aux sources de cette musique longtemps dénigrée et encore aujourd’hui considérée avec méfiance – sauf quand elle ne s’invite pas à plus ou moins petite dose dans la variété française et internationale.

    Retour à l'électro pure

    Arrêtons-nous sur le titre de cet album : le palimpseste désignait à l’époque médiévale ces manuscrits constitués à partir de manuscrits plus anciens et dont on avait préalablement effacé le texte afin de les réutiliser. Comme quoi, le recyclage reste une très longue et très vieille histoire. En utilisant ce terme de palimpseste, Mardy rappelle que l’électronique n’est jamais que la réutilisation de sons et de boucles agencées afin d’en faire des créations originales. L’auditeur retrouvera ainsi dans Angle ce travail d’échantillonnages, proposant une musique répétitive (au sens noble du terme), envoûtante et susceptible de faire danser les clubs les plus hypes de la planète.

    Les influences de Mardy sont à chercher du côté de l’électro minimale allemande de Cologne, comme il le rappelle lui-même.

    Le musicien ouvre les vannes et déploie de longues plages architecturales de près de sept minutes (Verticale). Cela donne un titre aérien et fantasmagorique, comme peut l’être, à sa manière, Lyoveldio, plus surnaturel, voire "extraterrestre" dans sa facture. Panorama adopte un style un peu plus pop psychédélique, que l’on dirait venu tout droit de la fin des années 70 et du début des années 80.

    Mardy fait le choix de ne pas laisser les instruments envahir à outrance ses compositions. Ils se placent de manière harmonieuse, à l’exemple du titre Panorama ou du lunaire et cinématographique Ork, qui clôture Palimpseste.

    Mardy, musicien de la scène électro prolifique, est à suivre sur les réseaux sociaux.

    Mardy, Palimpseste, Woody records, 2016
    https://soundcloud.com/mardy_artist_music
    Page Facebook de Mardy
    https://twitter.com/Mardy_music

  • Accords célestes avec Mehari

    Pin it!

    Mehari est le nom bien français choisi par un duo toulousain qui s’était fait connaître en 2013 avec leur premier EP Red Moon – et avant une reprise remarquée du sulfureux Lover’s Cave d’Is Tropical. Mehari, donc, comme la mythique Citroën, familière des vacanciers, aventuriers et autres baroudeurs. Et il est vrai que ce nom n’est pas mal trouvé pour un groupe aux accents électroniques et célestes qui invite au voyage.

    Dans leur deuxième EP, All This Time, constitué de trois titres dans deux versions, Pierre-Henri Izambert and Matthieu Hernandez vont chercher leurs influences assez loin, dans le rock électronique des années 70 qui découvrait toutes les possibilités du synthétiseur. Mehari revendique ses influences chez Giorgio Moroder, Pink Floyd mais aussi, plus près de chez nous, Air.

    Pop et planant

    Après un titre pop et ascendant, All This Time, Breathe a le souffle de ces morceaux pop et planants qui nous amènent dans la pop des années 80 de Vangelis ou Jean-Michel Jarre. Le troisième morceau, Long Way Home, est un beau et long voyage céleste, à la fois spatial et temporel. On y trouvera les couleurs de la new age, lorsque Brian Eno collaborait avec David Bowie pour la Trilogie berlinoise.

    Le duo toulousain offre une palette chaleureuse de sons, de rythmes et de trouvailles musicales d’une rare élégance. Après de convaincants premiers singles, Les Toulousains pourraient bien transformer l’essai dans les prochaines années. Signe des temps, Mehari travaille sur un premier album, à surveiller de près.

    Mehari, All This Time, Champcaine Records, 2017
    http://champcaine.com/mehari
    https://www.facebook.com/wearemehari