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Des envies

  • Margot T, Vict’rock Hugo et les autres

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    À l'écoute de T’M, un autre artiste tombe sous le sens : MoonCCat. Comme elle, le plus dandy des chanteurs se nourrit de textes XIXe siècle pour en proposer une lecture pop-rock sombre, et comme visitée par les esprits de Rimbaud, Baudelaire, Musset et Hugo.

    Ici, c’est T’M qui se colle à l’exercice, preuve que malgré les années et la reconnaissance d’écrivains étudiés dans les manuels scolaires, les textes de ces classiques n’ont rien perdu de leur vie et de leurs qualités subversives. La musicienne se jette comme une affamée sur ces textes du XIXe siècle, donnant à ces classiques ce mélange de dénuement, d’urgence et d’audace.

    T’M c’est Margot Turbil, aux commandes de ce groupe qui n’en est pas vraiment un, ou plutôt qui est sans cesse en évolution. La musicienne entend construire un work in progress qui viendrait chercher ses influences auprès de la scène rock, pop ou jazz. C’est d’ailleurs du jazz que vient Timothée Ledu qui a travaillé avec la chanteuse sur les premiers morceaux déjà disponibles en ligne: "On compose toujours à plusieurs et j'aime mettre en avant aussi les musiciens qui m'accompagne. Comme un peu les collectifs" explique-t-elle.

    Pour la Comédie en 3 Baisers d’Arthur Rimbaud, Margot T épouse l’esprit de ce poème sensuel, cette histoire d’une étreinte surprenant une jeune fille fille. La chanteuse déshabille littéralement Rimbaud et l’érotise dans un esprit rock malicieux qui n’est pas sans renvoyer au Gainsbourg période Love on The Beat: "Pauvrets palpitants sous ma lèvre / Je baisai doucement ses yeux / Elle jeta sa tête mièvre / En arrière : « Oh c’est encor mieux !… / « Monsieur, j’ai deux mots à te dire… » / Je lui jetai le reste au sein / Dans un baiser, qui la fit rire."

    La chanteuse déshabille littéralement Rimbaud

    Invoquer le Gainsbourg des dernières années a du sens si l’on s’arrête au choix du talk-over de T’M dans Perdican. Le Perdican en question est le personnage de la pièce de Musset, On ne badine pas avec l’Amour, et c’est du reste lui qui parle dans une des plus célèbres tirades de la pièce de 1834. Perdigan exprime sans l’avouer explicitement son amour pour Camille, amour qui semble se dérober en raison des craintes de la jeune femme de devoir souffrir. Margot Turbil choisit le parlé-chanté et une orchestration minimaliste pour scander les mots de Perdican, plus actuels que jamais: "Tous les hommes sont menteurs, inconstants, faux, bavards, hypocrites, orgueilleux ou lâches, méprisables et sensuels ; toutes les femmes sont perfides, artificieuses, vaniteuses, curieuses et dépravées ; le monde n’est qu’un égout sans fond où les phoques les plus informes rampent et se tordent sur des montagnes de fange ; mais il y a au monde une chose sainte et sublime, c’est l’union de deux de ces êtres si imparfaits et si affreux. On est souvent trompé en amour, souvent blessé et souvent malheureux ; mais on aime, et quand on est sur le bord de sa tombe, on se retourne pour regarder en arrière, et on se dit : J’ai souffert souvent, je me suis trompé quelquefois, mais j’ai aimé."

    Pour Spleen de Charles Baudelaire, c’est un rock électrique que T’M adopte dans à ce poème à la facture d’un chant funèbre. Grâce à Margot T, plus théâtrale que jamais, Spleen perd ses atours académiques pour revenir à ses origines : un texte sombre, gothique et fin de siècle. "Et de longs corbillards, sans tambours ni musique, / Défilent lentement dans mon âme ; l'Espoir, / Vaincu, pleure, et l'Angoisse atroce, despotique, / Sur mon crâne incliné plante son drapeau noir."

    Qui aurait dit que Victor Hugo, lui aussi, pouvait être rock ? La preuve est cette troisième adaptation musicale en ligne, Cette nuit, il pleuvait. Margot Turbil slame plus que déclame cet extrait des Châtiments, avec cet esprit rock rugueux qui lui va à merveille : "Cette nuit, il pleuvait, la marée était haute, / Un brouillard lourd et gris couvrait toute la côte, / Les brisants aboyaient comme des chiens, le flot / Aux pleurs du ciel profond joignait son noir sanglot, / L’infini secouait et mêlait dans son urne / Les sombres tournoiements de l’abîme nocturne ; / Les bouches de la nuit semblaient rugir dans l’air."

    Sans nul doute, l’esprit de Victor Hugo, comme ceux de Baudelaire, Rimbaud et Musset se sont réincarnés malicieusement grâce à une artiste rock et électrique.

    T’M, sur Youtube, 2019
    Page Facebook

    Voir aussi : "C’est le plus dandy des albums"

    © Margot T.

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  • Gloire aux liquidateurs

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    C’est la série du moment, celle que la critique encense et qui est en passe de s’imposer devant des créations aussi populaire que Game of Thrones et Breaking Bad. Chernobyl, mini-série britannique et américaine, a pourtant tout pour rebuter : sujet sombre, réalisation austère, décors gris et visages quasi mortuaires. Le parti-pris classique et sérieux de Craig Mazin s’imposait, tant il est vrai que relater l’histoire de la catastrophe nucléaire de Tchernobyl imposait un indispensable savoir-faire.

    Dans la nuit du 25 au 26 avril 1986, un test de sécurité à la centrale ukrainienne de Tchernobyl provoque la fusion du cœur du réacteur puis une explosion sans précédent contaminant une zone de plusieurs dizaines de kilomètres autour de la centrale. Dès les premiers jours, les autorités soviétiques sont complètement dépassées par cet événement majeur. Les morts et les contaminés se multiplient alors que les radiations, s’échappant toujours de la centrale éventrée, menacent de rendre l’Europe inhabitable pour des milliers d’années. Valeri Legassov (Jared Harris), scientifique renommé, est chargé de trouver des solutions inédites, en compagnie de Boris Chtcherbina (Stellan Skarsgård), vice-président du Conseil des ministres et chef du Bureau des combustibles et de l’énergie. Le Kremlin l'a chargé de diriger les opérations. Bientôt, des enjeux politiques – l’URSS en est à ses dernières années d’existence – dépassent les deux hommes, mus par le désir commun d’arrêter la catastrophe et de comprendre ce qui s’est passé.

    Les liquidateurs, les vrais héros de Tchernobyl

    Chernobyl est d’abord à saluer pour sa reconstitution historique, même si quelques aménagements scénaristiques (l’invention du personnage d’Ulana Khomyuk, joué par Emily Watson) ont été imaginés comme l’expliquent les auteurs. Pour le reste, la mini-série américano-britannique nous plonge dans cette catastrophe apocalyptique d'une manière plus vraie que nature : le sort des premières victimes, les opérations pour stopper la réaction nucléaire, les ravages physiques des radiations, l’évacuation des populations civiles ou les décontaminations à grande échelle. Des scènes incroyables et jamais montrées font de cette reconstitution une série plus terrifiante et hallucinante que n’importe quelle fiction : le travail des mineurs sur le site, le sort fait aux animaux abandonnées dans la zone interdite et le travail des liquidateurs, chargés de se relayer toutes les 30 secondes pour déblayer les gravats radioactifs. Ce travail titanesque, fait dans des conditions épouvantables, a fait de ces liquidateurs sans doute les vrais héros de Tchernobyl.

    Chernobyl assène enfin une impitoyable charge contre les autorités russes de l’époque. Le dernier secrétaire soviétique, Mikhaïl Gorbatchev, a souligné que Tchernobyl avait sans doute constitué un coup de poignard mortel contre l’URSS. Trois ans plus tard, le Mur de Berlin tombait : ce n’était pas le fruit du hasard.

    Chernobyl, mini-série historique de Craig Mazin
    avec Jared Harris, Stellan Skarsgård et Emily Watson
    USA et Grande-Bretagne, une saison, cinq épisodes
    HBO, Sky Atlantic, actuellement sur OCS, 2019

    Voir aussi : "Mes parents étaient des espions communistes"

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  • Jade Bird prend son envol

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    Jade Bird, il en avait été question sur Bla Bla Blog au sujet de son premier EP, Uh Huh. Ce titre est d’ailleurs présent dans son album éponyme. Facture folk, choix de l’acoustique, voix claire et posée capable d’envolées rock à la Alanis Morissette : pas de doute, Jade Bird creuse son sillon sans se poser de questions.

    La toute jeune britannique impose des choix artistiques bien assumés grâce à des compositions solides qui ne transigent pas sur la mélodie (My Motto), les textes (Love Has All Been Done Before) et, singulièrement, la puissance vocale, à l’instar des prodigieux Lottery et I Get No Joy.

    Jade Bird plane sur ce premier album avec une assurance confondante, à faire pâlir de vieux routiers. Son premier album a été produit avec le même soin que son premier EP, qui était déjà si réussi que l’on espérait qu’elle allait transformer l’essai. Pari réussi.

    La chanteuse, également à la composition pour cet envol artistique, insuffle à ses titres pop mélodiques et complexes de bonnes injections de rock grunge, à coup de guitares qu’elle manie comme des armes et s’appuyant sur une voix qu’elle pousse jusqu’à ses derniers retranchements, à l’exemple du spectaculaire Uh Huh.

    De bonnes injections de rock grunge et des guitares qu’elle manie comme des armes

    À côté de ces morceaux de bravoure nerveux et plutôt culottés (Going Gone) et souvent d’une belle construction musicale (Love Has All Been Done Before), l’Anglaise propose des titres plus apaisé, sous forme de confessions intimes, à l’exemple de My Motto et du plus minimaliste Does Anybody Know. Il y est aussi question d’adolescence (17), de la difficulté d’aimer (Lottery) ou de la mort (If I Die).

    Un premier album très personnel donc, écrit avec les tripes autant qu’avec la tête : "Cet album contient tout ce que j’ai vécu. C’est mon expérience directe et non diluée de ces deux dernières années bien remplies. Chaque décision que j'ai prise a abouti à ce processus magique, de la même manière que chaque mot que j'ai écrit a fini dans ces chansons. L’album aborde différents styles, mais la cohérence vient que c'est moi - une jeune femme qui essaie vraiment de comprendre le monde actuel et d'y trouver sa place, qui a tout écrit" dit-elle.

    Une dernière preuve que la musicienne britannique est absolument à suivre ? Depuis l’annonce de la sortie de son album, Jade Bird figure, d’après le New York Times, parmi les 10 artistes à surveiller en 2019.

    Jade Bird, Jade Bird, Glassnote Records, 2019
    http://www.jade-bird.com

    Voir aussi : "Jade Bird, Huh la la !"

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  • Une scène très Ikea dans Fight Club

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    Focus cette semaine grâce à L’‎Œil du frigo d'un film culte : Fight Club de David Fincher s'est imposé comme un drame social complexe et aux multiples interprétations. Philippe, notre chroniqueur de L’‎Œil du frigo explique pourquoi le frigo a une vocation scénaristique plus pointue qu'il n'y paraît

    Voici une scène de frigo, encore une fois dans un film de David Fincher – souvenez-vous de Seven. Ici, dans Fight Club, le frigo est un point essentiel : on le voit très légèrement mais il va obliger Edward Norton à déménager. C'est dire l'importance d'un frigo, du destin.

    J'aime cette scène "Ikea". Evidemment, on est complètement hypnotisé par les meubles qui s'installent dans l'appartement vide. On aimerait bien d'ailleurs que nos meubles Ikea s'installent aussi bien. Plissez un peu les yeux et cherchez l'essentiel de cette séquence. Edward assis sur son trône, feuillette son catalogue puis remonte toutes les pièces, comme une lente digestion (voire régurgitation) : direction le frigo. Bref, pour résumer, avant d'ouvrir cette foutue porte de frigo, on remonte les parois intestinales du bel Edward. Je sais c'est un peu scato, mais cette vomissure commence par le début, l'ouverture de la porte du frigo et le choix de la nourriture. On est en plein dans le film. On part des toilettes pour aller jusqu'au Frigo. L'inverse aurait été plus normal même si je ne suis pas un grand gastro-entérologue. La décomposition remonte le temps et atterrit au point de départ le Frigo !

    Non ne soyez pas si dégoûté, à ce moment-là du film tout est encore soft... À l'ouverture de ce frigo, qui ne semble pas avoir été vendu par Ikea, on note bien qu'il n'y a rien dans le frigo, ou presque. Edward est désemparé. En haut, une pomme et une poire. En dessous, un vieux bout de fromage, deux pots bizarres. Et tout en dessous, du lait. Le plan ne s'élargit pas : il tourne et là – oh miracle ! – nous tombons sur des pots de confiture ou des pâtes chocolatées. À noter quand même qu'il y a un vieux poivron vert à côté d'un pot de beurre. On se demande qui a bien pu ranger le frigo : quel bazar...

    Oui, Fincher adore les frigos : il y synthétise la paroi de ses films. Enlevez une pomme de son frigo et c'est un autre film... Essayez chez vous et vous aurez une autre vie. Là, je me sens à fond pour vous parler du destin, du yi-jing, des folies de votre corps : bref de toute une vie autour de l'objet "frigo". Bon, le film est bien "dark" et le personnage féminin Marla (Helena Bonham Carter) est bien barré. Je ne vous la décriai pas mais elle vaut son pesant de noirceur.

    Une phrase résonne encore dans mon cerveau pour vous situer l'espace frigidaire dans lequel on se situe : "On a frôlé la vie", dixit Tyler (Brad Pitt, le gourou du fight club). Et là, vous foncez dans votre frigo virer une pomme, histoire de changer le destin.

    ODF

    Fight Club, drame de David Fincher
    avec Edward Norton, Brad Pitt et Helena Bonham Carter
    Etats-Unis, 1999, 139 mn

    Voir aussi : "L’‎Œil du Frigo débarque sur Bla Bla Blog"
    "Fight Club Frigo"

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  • Musset, assis sur le rebord du monde

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    Christophe Musset propose avec Orion son retour musical, et il s’agit d’un retour apaisé. L’ex de Revolver choisit une orchestration réduite, acoustique et folk dans un EP qui parle de bienveillance et de pardon après une séparation ("Aussi loin / Que tu sois / J’espère bien que tu n’as pas baissé les bras", Aussi loin), d’intimité amoureuse (À l’intérieur), de contemplation céleste (Orion) et d’introspection nietzschéenne (Ce qui ne me tue pas).

    C’est comme assis sur le rebord du monde que Christophe Musset chante "l’immensité" et "le vertige face au grand parcours".

    Il y a ce je ne sais quoi de céleste, d’universel et de métaphysique dans Orion : sans aucun doute, Musset croit aux forces de l’esprit.

    Musset, Orion, Taktic Music, 2019
    https://www.facebook.com/MussetMusic

    Voir aussi : "Les grands espaces de June Milo"

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  • Louons maintenant James Agee

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    Il est temps, sans doute, de découvrir James Agee, écrivain, journaliste, critique d’art et scénariste. C’est ce que propose Rodolphe Barry, dans son essai vivant, nerveux et documenté, Honorer la Fureur (éd. Finitude). James Agee a marqué son époque avec son livre Louons maintenant les grands Hommes qui, après une sortie discrète aux États-Unis en 1941, est devenu une œuvre majeure, à la fois reportage journalistique sans concession et création littéraire. Les photographies de Walker Evans sont du reste restées dans les mémoires.

    En 1936, James Agee est envoyé, par le magazine Fortune qui l’emploie, dans le sud des États-Unis afin d’enquêter sur les conditions de vie des métayers blancs. Nous sommes en pleine Dépression américaine et le New Deal de Roosevelt bat son plein. On adjoint au journaliste engagé et anticonformiste un photographe, Walker Evans, son exact opposé, mais avec qui le courant passe très vite.

    C’est en Alabama que les deux hommes entreprennent leur enquête, plus précisément auprès de trois familles, les Burroughs, Tengle et les Fields. De ce qui était un travail de commande, James Agee en sort marqué à jamais, bouleversé par ces compatriotes pauvres (lui-même vient du Tennessee profond et d’une famille croyante) : "Être un des leurs, plus que de n’importe quelle autre communauté d’hommes sur terre, il ne désire rien d’autre. Pourra-t-il jamais leur témoigner sa gratitude ?"

    La gratitude, il la leur offrira, à travers son reportage écrit que Fortune, son commanditaire, choisit pourtant de ne pas publier : trop long, trop engagé, trop de gauche, trop révolutionnaire. "James écrit sans sans plus se soucier des contraintes du journalisme ou d’une foutue ligne éditoriale. Finis les compromis" pour cet "anarchiste en religion autant qu’en politique." Après des années de travail d’écriture et de tractations auprès d’éditeurs, c’est une maison de Boston, Houghton Mifflin, qui accepte de publier Louons maintenant les grands Hommes, deux années après l’autre grand livre sur la Dépression, Les Raisins de la Colère de John Steinbeck. Quelques critiques saluent ce "grand livre de la compassion" ou "l’œuvre la plus morale et nécessaire de notre génération" mais le livre se vend mal.

    L’œuvre la plus morale et nécessaire de notre génération

    James Agee a un peu plus de trente ans et réfléchit à la suite de sa carrière littéraire. Il choisit le cinéma. Ce seront d’abord des critiques, pointues, clairvoyantes et suivies pour le Times et son concurrent, plus marqué à gauche, The Nation. Cette passion pour le cinéma se concrétise avec une nouvelle étape, qui passera par Hollywood. Il y a la rencontre avec Charlie Chaplin, puis avec celle de John Huston. Deux monstres sacrés qui verront dans James Agee, un ami et un des leurs. Lorsque le journaliste écrit au sujet de l’auteur du Faucons maltais que "quel que soit son objectif, [il] se bagarre toujours avec noblesse et ténacité pour l’atteindre. Si jamais il devait se battre pour une question de vie ou de mort… il aurait beaucoup plus de chance de l’emporter que la plupart des gens", sans nul doute c’est aussi le portait en creux de lui-même. Scénariste de The African Queen (1951), c’est un autre chef d’œuvre qu’il va contribuer à créer (même s’il ne sera jamais crédité) : La Nuit du Chasseur de Charles Laughton. Une carrière éclair qui se terminera par son autre grand livre, Une mort dans la Famille, prix Pulitzer posthume.

    Rodolphe Barry retrace la carrière mouvementée de James Agee, sans omettre la vie privée tout aussi tumultueuse d’un homme écorché vif. Il y a les femmes qui ont croisé sa route et, pour certaines, partagé sa vie : Via, Alma, Mia ou Billie. Il y a aussi ses amitiés, en particulier avec le père Flye, avec qui il entretiendra une correspondance nourrie.

    Gros buveur et gros fumeur, James Agess s’éteint à l’âge de 46 ans, laissant l’œuvre d’une vigie de son époque et d’un intellectuel comme "à l’écart du monde, le regard aux aguets, scrutateur" pour reprendre une réflexion de Charlie Chaplin. Lors des obsèques de James Agee, Walker Evans lit un extrait de Louons maintenant les grands Hommes : "Le coup le plus mortel qui puisse frapper l’ennemi de la race humaine, consiste à honorer la fureur."

    Une dernière raison de lire James Agee ? En 1989, son reportage sur les métayers blancs d’Alabama a fait l’objet d’une suite : And their children after them. Leurs Enfants après eux : ce verset tiré de l’Ancien Testament (Ecclésiastique, 44,9) est aussi le titre du roman de Nicolas Mathieu, prix Goncourt 2018. La voix de James Agee continue de crier près de 65 ans après sa mort : "Honorer la fureur ! Toute fureur sur la terre a été absorbée, le temps venu, en tant qu’art, ou religion, en tant que facteur d’autorité sous une forme ou une autre..."

    Rodolphe Barry, Honorer la Fureur , éd. Finitude, 2019, 274 p.
    https://www.finitude.fr/index.php/auteur/rodolphe-barry

    Voir aussi : "Ivre de vers et d’alcool"

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  • Juste quelques minutes d’électro

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    9 minutes de Greg Bozo replonge dans une électronique bien loin de ces objets formatés pour pistes de danse et autres plages d’Ibiza. Il s’agit d’une électronique imaginée comme un champ d’expériences acoustiques de Greg Kozo.

    Un vrai retour aux sources vers l’électronique des années 70 et 80 pour l'une des deux têtes de Make The Girl Dance : boucles travaillées, sons découpées avec minutie, rythmique envoûtante et messages subliminaux laissent apercevoir un savoir-faire d’artisan.

    L’influence de Daft Punk est bien présente dans ce premier EP, avec le minimaliste et précis Baangg, dans lequel chaque son semble trouver sa place, avec une belle cohérence d’ensemble.

    Pour Silk, nous voilà dans l’électronique expérimental et sombre des années 70, celle des Kraftwerk. Un signe que Greg Kozo ne dédaigne pas ses classiques. Aride vient délicatement choper un peu de l’influence jarrienne : le sample s’humanise sur des rythmiques familières. Familières et lumineuses, comme le souligne précisément le dernier titre fort justement intitulé Chaleur. 

    Après la parenthèse dorée et hype de Make The Girl Dance, Greg Kozo s’affirme comme un artiste épris de liberté : "J’ai voulu recommencer à écrire seul dans une pièce sans le ping-pong d’écriture avec un(e) chanteur(se). En enlevant les voix, je voulais me rapprocher d’une musique plus intime et spontanée."

    Greg Kozo, 9 minutes, Roy Music / Believe, 2018
    https://www.facebook.com/gregkozo

    Voir aussi : "L'été sera électro dans les maillots"

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  • La connerie, l'autre chose la mieux partagée au monde

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    À quelques mois d’intervalles, deux livres nous parlent chacun à leur manière d’un sujet universel : l’état de la connerie humaine. Le recueil Psychologie de la Connerie, dirigé par Jean-François Marmion (éd. Sciences Humaines) et l’essai de Tom Phillips, Et Merde ! (La Librairie Vuibert) proposent de revenir, comme le dit Jean-François Marmion en reprenant une citation de Descartes, sur cette "chose du monde la mieux partagée" - avec le bons sens - qu'est la connerie : cette "promesse non tenue, promesse d’intelligence et de confiance trahie par le con, traître à l’humanité." Vaste programme !" aurait dit le Général de Gaulle. Il fallait bien le travail de trente philosophes, psychologues, intellectuels, sociologues et historiens pour décortiquer ce triste et universel comportement humain. C’est ce que propose justement Jean-François Marmion, à la direction de l'ouvrage de référence qu’est Psychologie de la Connerie.

    Le con n’y est pas caricaturé en "animal" ou être insondable impossible à raisonner. Jean-François Marmion rappelle avec humilité "qu’on est toujours le con de quelqu’un", ajoutant : "Moi-même, je ne me sens pas très bien." L’objectif de Psychologie de la Connerie est bien de décortiquer cette tare humaine et d’en faire une radio la plus précise et la plus sérieuse possible. Le premier article du livre est d’ailleurs consacré à la pertinence d’une étude scientifique sur la connerie, avec quelques questions posées par son auteur Serge Ciccotti ("Le con est-il de mauvaise fou ?", "Qu’est ce que le con-con ?", "Pourquoi le con s’appuie-t-il sur des croyances ?" ou "Pourquoi quand tu pleures y’a toujours un con pour te dire : Ça va ?"). Plus loin, Jean-François Dortier s’attache à faire consciencieusement une typologie du con (beauf, con universel, arriéré ou crédule), une réflexion poussée par Pascal Engel dans son article "De la bêtise à la foutaise".

    Le recueil devient plus pointu lorsqu’il entre dans la sphère psychologique ("Connerie et biais cognitifs" d’Ewa Drozda-Senkowska, "La pensée à deux vitesses" de Daniel Kahneman), voire des neurosciences ("De la connerie dans le cerveau" de Pierre Lemarquis). L’ouvrage de Jean-François Marmion se fait particulièrement actuel et engagé lorsqu’elle parle de post-vérité, des réseaux sociaux et des dérives politiques et historiques, aboutissant à des erreurs politiques et historiques monumentales.

    Tom Migdeley remporte la palme toute catégorie

    Et c’est là qu’on en vient au second ouvrage de cette chronique : l’essai à la fois éloquent, savoureux et drôle de Tom Phillips. Et Merde ! propose de balayer l’histoire universel des conneries, des bourdes et des quiproquos, prouvant par l’exemple que l’erreur est bien humaine.

    De la chute de l’australopithèque Lucy tombée de son arbre au plantage de la sonde spatiale Mars Climate Observer à cause d’une erreur élémentaire de calcul, en passant par le colonialisme ou la guerre du foot entre le Salvador et le Honduras en 1969, Tom Phillips multiplie les exemples de ces merdes qui ont pu avoir des conséquences dramatiques. L’auteur britannique s’arrête ainsi longuement sur l’accumulation de bourdes diplomatiques du shah khwarezm Muhammad II, qui, au début du XIIIe siècle, a réussi en moins de cinq ans à faire stupidement disparaître l’un des plus grands empires du monde en s’étant mis à dos sans raison Genghis Khan. L’auteur s’intéresse aussi à des événements et des personnages plus connus : l’erreur stratégique de Diên Biên Phuen 1953, le désastreux plan d’invasion de la Baie des Cochons ou la catastrophe que fut Adolf Hitler, en réalité "un égocentrique paresseux et incompétent, et son gouvernement une bande de clowns." Tom Phillips rappelle que le chef nazi est arrivé au pouvoir à cause de la légèreté d’électeurs allemands et que des politiques, pas moins cons, pensaient pouvoir manipuler les doigts dans le nez "ce crétin pathétique…"

    Les exemples de chefs d’état incompétents, de souverains "merdiques" (l’auteur s’arrête longuement sur trois spécimens ayant régné sur l’empire ottoman au XVIIe siècle), de guerres inutiles, de batailles foireuses (à l'exemple éloquent de la bataille de Karansebes en 1788 qui vit une armée s’auto-décimer sans ennemis), de responsables politiques improbables, de campagnes coloniales irréfléchies ou de choix stratégiques et diplomatiques vraiment très, très hasardeux.

    Mais paradoxalement, la science a su largement prouver qu’en matière de conneries elle n’était pas en reste. De ce point de vue, Tom Migdeley remporte la palme toute catégorie, et ce n’est pas en raison de sa mort stupide – étranglé avec les câbles de son lit qu’il avait perfectionné à l’aide de poulies. On doit à Tom Migdeley deux inventions désastreuses. La première est l’essence au plomb, qui permit de développer l’automobile – et par la même d’enrichir quelques industriels – mais aussi et surtout d’empoisonner la planète puisque des études scientifiques ont mis à jour le lien entre l’essence au plomb et la hausse de la criminalité dans le monde. Mais Tom Migdeley n’en resta pas là. Au début des années 30, il mit au point une autre de ces affligeantes découvertes : les CFC (les tristement célèbres chlorofluorocarbures) qui étaient destinés à la réfrigération encore balbutiante. Malgré son intérêt certain, cette deuxième invention s’avéra désastreuse pour la planète : "Dans les années 1970, alors qu’on commençait à vouloir abandonner par étapes l’essence au plomb, on découvrait l’existence du trou croissant de la couche d’ozone", trou provoqué par les CFC.

    Voici deux ouvrages qui font descendre l’intelligence humaine de son piédestal. Jean-François Marmion et Tom Phillips nous rappellent au devoir d’humilité, ne serait-ce que pour se rappeler des erreurs de l’historie humaine et éviter d’en refaire d’autres. Peut-être finirons-nous un jour par ne plus merder. On peut toujours rêver.

    Sous la direction de Jean-François Marmion, Psychologie de la Connerie
    éd. Sciences Humaines, 2018, 378 p.

    Tom Phillips, Et Merde ! (Humans: A Brief History of How We Fucked It All Up)
    éd. La Librairie Vuibert, 2019, 282 p.

    https://www.jfmarmion.com
    https://fullfact.org

    Voir aussi : "Un siècle risqué"

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  • Les grands espaces de June Milo

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    Dans Avril, son dernier EP, June Milo, de sa voix sucrée, aborde des thèmes classiques : l’aliénation amoureuse, l’attente et la séparation. Ce qui l’est moins est la facture pop folk, voire country, à l’instar de Sous l’eau ("Sous l’eau / Arrête l’orage / Il pleut des cordes / À flot / des larmes / Sur ma peau").

    Pour tout dire, ses récits intimes sont autant de déambulations dans les grands espaces américains. Je t’attends brille grâce à l’éclat d’une trompette, donnant à ce joyau sur le thème de l’attente l’allure singulière d’une BO de western. L’aventure sentimentale fait ici figure de terre sauvage et impitoyable à conquérir : "Je t’attends / tu es lent / Tout ce temps que tu prends / Pour me prendre / Vraiment." Sauf qu’il n’y a pas d’issue à cette attente, ou, si issue il y a, elle est au fond de soi et au fond d’un verre. Au sombre et alcoolisé Question d’équilibre de Francis Cabrel, vient répondre l’attente et le "délicieux néant" de June Milo, résignée mais tout autant désespérée : "Quand je bois aux déboires / Je m’accroche au comptoir / Et me noie lentement."

    Si issue il y a, elle est au fond de soi et au fond d’un verre

    La pop enveloppante du titre Avril, qui donne son nom à l’album - et auquel a collaboré Frédéric Lo - parle également de solitude, d’attente mais aussi d’espoir : "S’envolent les saisons / Défilent les idylles /Le soleil j’attends / De juillet en avril."

    Dans la ballade mélancolique L’absent, June Milo chante les séparations ordinaires et déchirantes, mais cette fois à la troisième personne : "Danse avec l’absence / sans son souffle haletant / Dans ton cou brûlant / Ce n’est que le vent."

    Sous L’eau se clôt en douceur sur une dernière ballade plus épurée, De loin. Encore une histoire de d’aventure sentimentale, de voyage sans retour et de grands espaces : "Pour un seul baiser de nous / Je te donnerai ma vie / mais je ne sens que le vent."

    June Milo, Avril, Sixième Étage, 2019
    www.junemilo.com

    Voir aussi : "Chine Laroche, l’outsideuse"

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  • La Norvège, l’autre pays du blues

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    La Norvège tient là une réputation assez inédite : celle de nourrir un des plus dignes représentants du blues. Qui ça ? Bjørn Berge, qui vient de sortir son dernier album, Who Else?

    Mine de rien, le musicien venu des fjords a la bouteille de ces hommes à qui rien ne fait peur : une guitare sauvage, une voix sortie d’outre-tombe, un physique de géant tout droit sorti de Game of Thrones. Hourra, l’Europe tient là un bluesman capable de faire la nique aux Américains, pourtant certains d’être l’alpha et l’oméga de cette musique essentielle dans l’histoire du rock !

    Avec Lost Pearl, on vagabonde sur les routes terreuses du Tennessee ou de l’Alabama, sans oublier une bonne rasade de bourbon (Ginger Brandy Wine), idéal pour se délecter de ce voyage proposé par Bjørn Berge.

    Sa guitare sous amphétamines (The sun’s going down) atteint des sommets dans un album porté par ce Norvégien qui a été capable de mettre les États-Unis à ses pieds, grâce à son jeu à la fois virtuose et profond.

    Un physique de géant tout droit sorti de Game of Thrones

    L’histoire retiendra que le projet Who else? a commencé en 2014, interrompu par une parenthèse musicale avec le groupe Vamp, un pilier et une référence en Norvège.

    Outre des reprises de standard (Ace of spades de Motörhead ou Give it away des Red Hot Chilli Peppers, mais qui ne figurent pas dans l’album), Bjørn Berge endosse à merveille le costume de bluesman rockeur américain (The Calling), et ne jurerait pas en face de légendes américaines telles que ZZ Top (Mr Bones).

    Avec cet Européen venu du froid, le blues sort de ses retranchements en se teintant de pop et de country (It just ain’t so) ou rock (Speed of light, The sun’s going down).

    Mais Bjørn Berge sait aussi se faire guimauve avec la ballade Bitter sweet. Un peu de douceur portée par une voix musclée, ronde et rassurante. Du très grand art, mes petits amours.

    Bjørn Berge, Who Else?, Blue Mood Records /[PIAS], 2019
    Page Facebook de Bjørn Berge

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  • Danse avec un frigo

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    L’‎Œil du frigo s'arrête cette semaine sur un des plus élégants et des plus émouvants films britanniques : Billy Elliot, ou l'histoire d'un garçon passionné par la danse classique et qui va être capable pour cela de déplacer des montagnes. Une chronique bien rafraîchissante pour un long-métrage qui ne l'est pas moins. 

    En voilà une belle scène de frigo. Simple efficace élégante dans un film qui respire la bonté et la liberté. Un jeune garçon, qui a perdu sa mère, a une vision d'elle alors qu'il ouvre le frigo pour se servir un verre de lait.

    Nous sommes dans une famille pauvre et le frigo est vide. Seul un pain de mie est posé sur la porte et une bouteille de lait est disponible au bas du frigo. Un vrai lien entre la mère qui apparaît dans une vision maternelle et nourricière. Le frigo est aussi là comme garant des souvenirs d'enfance. Combien d'entre vous se souviennent de quelques mets posés dans le frigo, de la façon dont ils étaient rangés, délicatement protégés, des petites maniaqueries de vos parents, de votre mère ? Ici la scène indique que Billy va quitter l'enfance, qu'il va s'en aller vers son destin. Il a pour énergie son père qui ne comprend rien à la danse ni au destin de son fils mais qui mettra tout en oeuvre pour lui faire franchir le Rubicon. Un homme qui se comporte en homme, en père, et souvent en imbécile, ce qui laisse de la marge pour Billy qui s'envole vers cette liberté que lui autorise la bonté paternelle nourrie du souvenir maternel. Un sacré film.

    Le frigo gardien de l'enfance, qui met au frais vos souvenirs gustatifs, colorés, froids, vos discussions familiales, quelques innovations culinaires ou quelques catastrophes de bouteilles fuyant dans le bac à légumes. Souvenez-vous  juste quelques minutes d'un fait. Replongez dans votre enfance: un vieil Arthur Martin avec un freezer, une loupiote qui vous aveugle et un moteur qui vous réveille un troupeau d'adolescents...

    Pour ma part, ça sera les yaourts faits dans notre yaourtière familiale Seb. On faisait des yaourts natures et comme on achetait toujours des yaourts natures on avait des yaourts natures : c'était simple, efficace et ancré dans le yaourt nature. N'empêche qu'on s'émerveillait toujours d'ouvrir ces pots rouges sortis du frigos, faits à partir d'un seul yaourt nature pour en faire huit autres natures. Une vraie révolution. Il me semble qu'on allait voir toutes les heures les yaourts en devenir pour voir s'ils devenaient des vrais yaourts ouvrant et fermant la porte du frigo au risque de se faire engueuler par notre mère...

    Il n'est pas impossible qu'à ce moment là un film qui ouvrait un frigo passait sur notre vieille télé en noir et blanc et que mon cerveau de jeune ait fait un yaourt de ces deux informations pour vous servir une flopée de fraîcheurs cinématographiques directement sorties de ce vieil Arthur Martin. Chacun sa madeleine. La mienne ressemble à un frigo.

    ODF

    Billy Elliot, comédie dramatique de Stephen Daldry, avec Jamie Bell, Julie Walters, Gary Lewis et Jamie Draven, Grande-Bretagne, 2000, 110 mn

    Voir aussi : "L’‎Œil du Frigo débarque sur Bla Bla Blog"
    "Billy Elliot frigo"
     

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  • Orage lunaire annoncé

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    Lunar Storm, il en avait été question sur ce site il y a plusieurs mois de cela à l’occasion du tremplin Festival Emerganza. Ce véritable marathon musical conduit Lunar Storm jusqu’en finale au Bataclan, le 29 Juin prochain à partir de 19h45. Rien que ça.

    Dans la foulée, le groupe parisien a sorti son premier album, So Far From Home, à l’énergie noire d’une belle intensité. Sans nul doute c’est la sincérité et le savoir-faire de véritables artisans pop-rock qui peut expliquer que Lunar Storm apparaisse en pleine lumière, un peu plus de deux ans seulement après leur formation. Pas de machines, ni d’ordinateurs, ni de boîtes à rythme pour ce groupe parisien, mais que du pop rock durable, garanti sans OGM et élevé au grain.

    Dès son entrée en matière, Lunar Storm roule toute bride abattue, cheveux au vent à l’exemple de Bicycle à la facture nineties, et qui pourrait aussi s’écouter comme un hommage au My Bicycle de Queen.

    Du pop rock durable, garanti sans OGM et élevé au grain

    Des guitares lumineuses éclairent Cold Streets, dans un duo mêlant mélancolie et une sorte de fureur pop-folk et noctambule. Avec Unwanted, on reste plus que jamais aux États-Unis, avec ce titre pop folk qui semble nous entraîner sur les routes poussiéreuses de l’Alabama ou du Tennessee à bord d’une Buick sans âge.

    Lunar Storm connaît ses classiques, à l’instar du bien nommé Blues. Le groupe parisien sait pour autant adopter des dérapages contrôlés sur une route qui semblait a priori bien balisée : les voix s’envolent, grincent et pleurent (Blues), les guitares slaloment à grand renfort de riffs pour finir par se percuter dans un rock râpeux et intense (Accidental Harmony), lorsqu’elles ne s’affranchissent pas définitivement de leurs créateurs (Out Of My Shoes). Quant à Shine, il peut s’écouter comme une mécanique infernale, démarrant comme une ballade folk avant de perdre tout contrôle et de tout démolir sur son passage, dans un rock grunge percé de trouées lumineuses. Un morceau de bravoure est à ne pas manquer : Jolene, un titre pop country joué avec un enthousiasme communicatif.

    Qu’on se le dise : un orage lunaire est sur le point d’éclater, et cela se passera au Bataclan le 29 juin avec Lunar Storm. Le groupe sera également en concert à L’Alimentation Générale le samedi 18 mai à partir de 20H30.

    Lunar Storm, So Far From Home, auto-produit, sur les plateformes de téléchargement
    En concert à L'Alimentation Générale, le samedi 18 mai 2019, 20H30, gratuit

    Au Bataclan, le samedi 29 juin 2019, à partir de 19H45 
    http://www.emergenza.net
    https://lunar-storm.fr/musique-rock-paris

    Voir aussi : "Lunar Storm à la Boule Noire"

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  • Rose était son nom

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    La biographie de Franck Bouysse nous apprend qu’avant de se consacrer à son cycle des saisons à la Manufacture des livres l’auteur corrézien a signé plusieurs polars. De là vient sans doute cet art du suspense et cette plongée dans la noirceur humaine si caractéristique de son dernier roman, Né d’aucune Femme.

    Dans une France rurale de la fin du XIXe ou du début du XXe siècle, Gabriel, un modeste prêtre, est réclamé pour se rendre dans un proche asile afin de bénir le corps d’une femme tout juste décédée. Elle se prénomme Rose. Peu de temps auparavant, au confessionnal, une femme lui a demandé de récupérer sur sa dépouille des cahiers. Lorsque le père revient à son presbytère en compagnie de son sacristain, il a entre les mains un témoignage écrit par une jeune paysanne relatant son histoire.

    Lorsqu’elle avait 14 ans, Rose a été vendue par son père à un notable pour devenir domestique. Battue, maltraitée, violée et séquestrée par ce "maître des forges", Rose n’a pas d’autre choix que d’ourdir une vengeance contre lui et sa mère. La jeune fille va payer chère sa révolte contre des notables tout puissants, ne trouvant son salut que dans les cahiers que découvre Gabriel quelques années plus tard.

    C'est à travers l’écriture que passera la rédemption de Rose

    Franck Bouysse relate dans un livre polyphonique la destinée incroyable d’une femme, en choisissant de faire parler son héroïne avec sa langue à elle, puisque c’est à travers l’écriture – une écriture âpre, organique et peu académique – que passera la rédemption de Rose : "Les mots, j'ai appris à les aimer tous, les simples et les compliqués que je lisais dans le journal du maître, ceux que je comprends pas toujours et que j'aime quand même, juste parce qu'ils sonnent bien. La musique qui en sort souvent est capable de m'emmener ailleurs, de me faire voyager en faisant taire ce qu'ils ont dans le ventre, pour faire place à quelque chose de supérieur qui est du rêve."

    L’auteur insère au milieu du récit de la paysanne devenue domestique, d’autres voix : celle du père, Onésime, étouffé par la culpabilité ("Onésime eut la certitude que la pire des choses n'était pas de mourir, mais de perdre toute raison de mourir"), celle de la mère désœuvrée ("Une mère, c'est fabriqué pour s'inquiéter, y a rien à faire contre"), celle d’Edmond en témoin impuissant et s’exprimant dans une sorte de chant funèbre ("Je sais pas où il l'a trouvée. / Elle a pas voulu me dire. / Ils vont lui mener la vie dure, lui et la reine mère, c'est sûr. / Il y a pas grand chose qui peut les arrêter, je suis bien placé pour le savoir. / Ici, le malheur, il est caché partout."), et bien entendu les propres phrases de Gabriel. Ils viennent clôturer ce roman où les mots de pardon, de bienveillance et d’humanité prennent tout leur sens : "Les âmes. Les Pères m'ont enseigné qu'elles ne se vernissent pas, qu'elles se traitent en profondeur, qu'il est bien plus charitable de pardonner l'homme ballotté par le malheur que de courtiser celui qui par naissance et fortune en est préservé. La vertu sans mérite n'est rien d'autre qu'un déguisement de carnaval."

    Né d’aucune Femme vient d'obtenir le Prix des libraires 2019.

    Franck Bouysse, Né d’aucune Femme, éd. La Manufacture des Livres, 2019, 334 p.
    https://www.lamanufacturedelivres.com/auteurs/fiche/1/franck-bouysse

    Voir aussi : "Pendant que j’écrivais, j’étais avec elle"

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  • Les corneilles n’oublient jamais les visages

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    Amateurs de thrillers hitchcockiens tordus à souhait, cette BD est faite pour vous. Timothée Le Boucher signe Le Patient aux éditions Glénat : une petite merveille, après le remarqué Ces jours qui disparaissent (qui devrait être adapté au cinéma).

    Cette bande dessinée somptueuse plonge dans l’histoire d’un crime familial sordide. Une famille est retrouvée assassinée à l’arme blanche après que Laura Grimaud, l’aînée des enfants, ait été croisée déambulant un couteau ensanglanté à la main. Seul Pierre Grimaud, son frère de 15 ans, est retrouvé en vie, gravement blessé et dans le comas. L’adolescente de 17 ans, déclarée coupable de ces crimes, sera enfermée avant qu’elle ne mette fin à ses jours.

    Six ans après ce fait divers, Pierre sort de son comas. Une psychologue, Anna Kieffer prend en charge le jeune patient afin de comprendre ce qui s’est passé mais aussi de traiter les traumatismes du jeune homme.

    Une grenade scénaristique

    Entre la scientifique et l’ancienne victime du "massacre de la rue des Corneilles", une étrange relation se noue, alors que Pierre se plaint de recevoir des visites dans sa chambre d’un mystérieux homme en noir. Et il est vrai qu’autour de l’hôpital, un étrange individu rôde.

    Le moins que l’on puisse dire est que Timothée Le Boucher prend son temps pour déplier l’intrigue autour des séquelles d’un crime finalement jamais complètement élucidé. L’auteur a usé d’un soin particulier dans le traitement des lieux, des espaces, des regards et des dialogues dans un huis-clos de plus en plus étouffant. Tel un joueur d’échec, l'auteur avance ses pièces les unes après les autres, avant de dégoupiller sa grenade scénaristique à partir de la moitié du livre.

    Manipulation, traumatismes, souvenirs persistants : Timothé le Boucher souligne qu’à l’instar des corneilles, les victimes n’oublient jamais. Anna Kieffer incarne l’héroïne hitchcockienne par excellence : femme fatale mais fragile, c’est elle le fil conducteur de cette histoire de plus en plus intime.

    La bande dessinée donne également une large part aux personnages secondaires – patients, infirmières, médecins – dont certains deviennent essentiels à l’intrigue. Une intrigue rondement menée pour un récit sombre et déstabilisant. Une vraie réussite.

    Timothé Le Boucher, Le Patient, éd. Glénat, coll. Mille Feuilles, 2019, 292 p.
    http://timotheb.canalblog.com

    Voir aussi : "Changez-vous, mademoiselle"

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  • Quelques pages de Tatiana de Rosnay sorties de l’exil

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    Il avait été question en début d’année d’un recueil de nouvelles en faveur des Restaurants du Cœur, auquel avait participé Tatiana de Rosnay. C’est d’un autre engagement de l’auteure franco-britannique dont il est question ici, cette fois pour l’Unicef.
    Pour la 3e année, le Livre de Poche s'engage en effet aux côtés d'Unicef au travers du recueil caritatif Exils. En France et dans le monde, des milliers d’enfants sont discriminés et ne peuvent accéder aux soins ou à l’école parce qu’ils sont migrants. Pour chaque livre acheté, 1,50 € sera reversé à l’Unicef qui aidera ces enfants réfugiés et migrants afin qu’ils puissent accéder à la scolarité.

    Parmi les auteurs de ces textes, des écrivains, des célébrités, M.A.G.I.C, un collectif de slameurs, et bien sûr Tatiana de Rosnay, qui nous intéresse et qui signe une nouvelle sur ce thème l’exil.

    Les mots qui sont ma Prison est un texte écrit à la première personne, en fait dix pages comme tirées d’un journal intime. De l’auteur imaginaire, on ne sait pas grand-chose, mise à part qu’il s’agit d’un garçon relatant le secret d’un "mur qui a poussé" autour de lui et d’une liberté qui, au fur et à mesure du temps s’effiloche.

    La surveillance est omniprésente et la seule camarade d’école qui veuille adresse la parole à ce "Petit Chose", une fillette nommée Ana, finit par ne pas lui adresser la parole. Mais il y a cette voisine, en face : le jeune auteur finit par entrer en contact avec elle.

    Les mots qui sont ma Prison est un texte à part dans la bibliographie de Tatiana de Rosnay : engagé, sombre et volontairement elliptique. Un manifeste en faveur de l’enfance, à lire pour une bonne cause.

    Tatiana de Rosnay, Les Mots qui sont ma Prison
    in Exils, Le Livre de Poche, Unicef, sortie le 9 mai 2019

    http://www.tatianaderosnay.com
    Unicef, recueil Exils

    Voir aussi : "Tatiana de Rosnay, son œuvre"
    "Tatiana de Rosnay engagée et attablée"

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