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• • • de cinéma ? De films ?

  • Une scène très Ikea dans Fight Club

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    Focus cette semaine grâce à L’‎Œil du frigo d'un film culte : Fight Club de David Fincher s'est imposé comme un drame social complexe et aux multiples interprétations. Philippe, notre chroniqueur de L’‎Œil du frigo explique pourquoi le frigo a une vocation scénaristique plus pointue qu'il n'y paraît

    Voici une scène de frigo, encore une fois dans un film de David Fincher – souvenez-vous de Seven. Ici, dans Fight Club, le frigo est un point essentiel : on le voit très légèrement mais il va obliger Edward Norton à déménager. C'est dire l'importance d'un frigo, du destin.

    J'aime cette scène "Ikea". Evidemment, on est complètement hypnotisé par les meubles qui s'installent dans l'appartement vide. On aimerait bien d'ailleurs que nos meubles Ikea s'installent aussi bien. Plissez un peu les yeux et cherchez l'essentiel de cette séquence. Edward assis sur son trône, feuillette son catalogue puis remonte toutes les pièces, comme une lente digestion (voire régurgitation) : direction le frigo. Bref, pour résumer, avant d'ouvrir cette foutue porte de frigo, on remonte les parois intestinales du bel Edward. Je sais c'est un peu scato, mais cette vomissure commence par le début, l'ouverture de la porte du frigo et le choix de la nourriture. On est en plein dans le film. On part des toilettes pour aller jusqu'au Frigo. L'inverse aurait été plus normal même si je ne suis pas un grand gastro-entérologue. La décomposition remonte le temps et atterrit au point de départ le Frigo !

    Non ne soyez pas si dégoûté, à ce moment-là du film tout est encore soft... À l'ouverture de ce frigo, qui ne semble pas avoir été vendu par Ikea, on note bien qu'il n'y a rien dans le frigo, ou presque. Edward est désemparé. En haut, une pomme et une poire. En dessous, un vieux bout de fromage, deux pots bizarres. Et tout en dessous, du lait. Le plan ne s'élargit pas : il tourne et là – oh miracle ! – nous tombons sur des pots de confiture ou des pâtes chocolatées. À noter quand même qu'il y a un vieux poivron vert à côté d'un pot de beurre. On se demande qui a bien pu ranger le frigo : quel bazar...

    Oui, Fincher adore les frigos : il y synthétise la paroi de ses films. Enlevez une pomme de son frigo et c'est un autre film... Essayez chez vous et vous aurez une autre vie. Là, je me sens à fond pour vous parler du destin, du yi-jing, des folies de votre corps : bref de toute une vie autour de l'objet "frigo". Bon, le film est bien "dark" et le personnage féminin Marla (Helena Bonham Carter) est bien barré. Je ne vous la décriai pas mais elle vaut son pesant de noirceur.

    Une phrase résonne encore dans mon cerveau pour vous situer l'espace frigidaire dans lequel on se situe : "On a frôlé la vie", dixit Tyler (Brad Pitt, le gourou du fight club). Et là, vous foncez dans votre frigo virer une pomme, histoire de changer le destin.

    ODF

    Fight Club, drame de David Fincher
    avec Edward Norton, Brad Pitt et Helena Bonham Carter
    Etats-Unis, 1999, 139 mn

    Voir aussi : "L’‎Œil du Frigo débarque sur Bla Bla Blog"
    "Fight Club Frigo"

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  • Danse avec un frigo

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    L’‎Œil du frigo s'arrête cette semaine sur un des plus élégants et des plus émouvants films britanniques : Billy Elliot, ou l'histoire d'un garçon passionné par la danse classique et qui va être capable pour cela de déplacer des montagnes. Une chronique bien rafraîchissante pour un long-métrage qui ne l'est pas moins. 

    En voilà une belle scène de frigo. Simple efficace élégante dans un film qui respire la bonté et la liberté. Un jeune garçon, qui a perdu sa mère, a une vision d'elle alors qu'il ouvre le frigo pour se servir un verre de lait.

    Nous sommes dans une famille pauvre et le frigo est vide. Seul un pain de mie est posé sur la porte et une bouteille de lait est disponible au bas du frigo. Un vrai lien entre la mère qui apparaît dans une vision maternelle et nourricière. Le frigo est aussi là comme garant des souvenirs d'enfance. Combien d'entre vous se souviennent de quelques mets posés dans le frigo, de la façon dont ils étaient rangés, délicatement protégés, des petites maniaqueries de vos parents, de votre mère ? Ici la scène indique que Billy va quitter l'enfance, qu'il va s'en aller vers son destin. Il a pour énergie son père qui ne comprend rien à la danse ni au destin de son fils mais qui mettra tout en oeuvre pour lui faire franchir le Rubicon. Un homme qui se comporte en homme, en père, et souvent en imbécile, ce qui laisse de la marge pour Billy qui s'envole vers cette liberté que lui autorise la bonté paternelle nourrie du souvenir maternel. Un sacré film.

    Le frigo gardien de l'enfance, qui met au frais vos souvenirs gustatifs, colorés, froids, vos discussions familiales, quelques innovations culinaires ou quelques catastrophes de bouteilles fuyant dans le bac à légumes. Souvenez-vous  juste quelques minutes d'un fait. Replongez dans votre enfance: un vieil Arthur Martin avec un freezer, une loupiote qui vous aveugle et un moteur qui vous réveille un troupeau d'adolescents...

    Pour ma part, ça sera les yaourts faits dans notre yaourtière familiale Seb. On faisait des yaourts natures et comme on achetait toujours des yaourts natures on avait des yaourts natures : c'était simple, efficace et ancré dans le yaourt nature. N'empêche qu'on s'émerveillait toujours d'ouvrir ces pots rouges sortis du frigos, faits à partir d'un seul yaourt nature pour en faire huit autres natures. Une vraie révolution. Il me semble qu'on allait voir toutes les heures les yaourts en devenir pour voir s'ils devenaient des vrais yaourts ouvrant et fermant la porte du frigo au risque de se faire engueuler par notre mère...

    Il n'est pas impossible qu'à ce moment là un film qui ouvrait un frigo passait sur notre vieille télé en noir et blanc et que mon cerveau de jeune ait fait un yaourt de ces deux informations pour vous servir une flopée de fraîcheurs cinématographiques directement sorties de ce vieil Arthur Martin. Chacun sa madeleine. La mienne ressemble à un frigo.

    ODF

    Billy Elliot, comédie dramatique de Stephen Daldry, avec Jamie Bell, Julie Walters, Gary Lewis et Jamie Draven, Grande-Bretagne, 2000, 110 mn

    Voir aussi : "L’‎Œil du Frigo débarque sur Bla Bla Blog"
    "Billy Elliot frigo"
     

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  • Frigo, la baleine et le frigo

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    On ne parle pas assez des films muets du début du XXe siècle : le noir et blanc, le muet, les jeux appuyés, mais aussi ces génies souvent oubliés. L’‎Œil du frigo nous propose une chronique sur l'une de ces figures marquantes, Buster Keaton, dit "Frigo" pour son visage souvent inexpressif. S'il y a un artiste qui colle le mieux à cette rubrique sur les frigos dans le cinéma, c'est bien lui. 

    À force de faire des recherches on tombe sur de drôles d'idées. Un homme, Buster Keaton dit "Frigo", part faire le tour du monde alors qu'une femme vient de lui briser le cœur. C'est souvent le rôle des femmes qui, pour un frigo mal rangé, sont prêtes à vous larguer – mais je m'égare...

    Evidemment, notre héros part avec une coque de noix et fait le plein du frigo. Le bateau, fait d'une grande tente blanche, est la représentation parfaite de nos appareils actuels. Il s'ensuit alors quelques mésaventures dont la fin est savoureuse. Je ne vais pas vous la raconter : il faudra prendre patience et regarder ce film muet durant vingt minutes et savourer tout l'art de Buster Keaton.

    Devenir Frigo à l'époque de l'invention du frigo, je trouve cela fascinant : un personnage aussi blanc qu'une porte de frigo et aussi froid qu'un glaçon ne pouvait certainement pas s'appeler autrement. Il remplit donc son frigo de bateau avec du zerolene (huile de moteur), du gasoline (essence) et du Hard Jack, qui semble être un fromage dur, donc qui se conserve longtemps. Quelle drôle d'idée de partir avec une caisse de fromage faire le tour du monde pour noyer son chagrin. Certes, lorsque l'on est Frigo, il n'est pas complètement incongru de naviguer avec un fromage bien au frais. Le réfrigérateur des années 20 était encore à ses balbutiements, et force est de constater qu'il consommait beaucoup d'essence et de d'huile de moteur. Nous n'avions pas de porte pour mettre les condiments mais nous pouvons être reconnaissant à cette femme qui a permis à Frigo de se jeter à l'eau – si je puis dire – et de nous faire découvrir presque un siècle après les prémices d'un frigo moderne.

    Dire que j'ai passé des décennies à me faire larguer sans jamais avoir pensé à partir avec du fromage dans le frigo, et même sans partir faire le tour du monde avec mon frigo... Pourtant, à bien y regarder,  si il y en a bien une qui ne vous largue jamais, c'est bien votre frigo, sauf quand il a bouffé toute l'huile de moteur. Mais je salue ce courage, cette expérience qui saura nous mener un petit peu plus loin dans nos vies et découvrir une fois encore jusqu'où l'humanité frigostique peut nous élever. 

    Ce petit bijou de Buster Keaton, d'une durée de 20 min, est à voir absolument.

    ODF

    Frigo et la Baleine (The Love Nest), Comédie de et avec Buster Keaton, USA, 1923, 22 mn

    Voir aussi : "L’‎Œil du Frigo débarque sur Bla Bla Blog"
    "Frigo et la Baleine"
     

     

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  • Deux grandes oreilles pour Tim Burton et son Dumbo

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    Je ne serai pas le premier ni le dernier à dire que le Dumbo de Tim Burton se démarque de son œuvre par sa facture très classique.

    Dans sa revisite de ses grands classiques animés, Disney a choisi le réalisateur d’Edward aux Mains d’Argent, d'Alice de l'autre Côté du Miroir ou du Batman de 1989 pour raconter l’histoire de Dumbo. En 1941, le studio Walt Disney confiait à Ben Sharpsteen l’adaptation en dessin animé du roman d’Harold Pearl. L’histoire de l’éléphanteau aux oreilles si gigantesques qu’elles lui permettent de voler séduit le public et devient un classique du cinéma.

    Il fallait un réalisateur de la trempe de Tim Burton pour filmer de nouveau, et cette fois avec de vrais acteurs, cet émouvant destin. Évidemment, les images de synthèse ont été utilisées pour redonner vie à Dumbo, l’animal de cirque devenu une attraction de foire en même temps qu’un objet de convoitise.

    Dans cette histoire toute fantastique, qui ne pouvait que plaire à Tim Burton, il est autant question de lutte sur fonds d’intérêts autour d’un éléphanteau innocent que d’une réflexion – certes pas poussée bien loin – sur le thème de l’anormalité et du handicap.

    La prestation d’Arcade Fire pour la reprise de Baby Mine est une pure merveille

    Dumbo et Holt Farrier (Colin Farrell), l’ancien soldat mutilé de retour de guerre (l’histoire se déroule en 1919) qui est chargé de s’occuper et de dresser Dumbo dans le cirque qui l’a vu naître, sont finalement deux frères de cœur bien plus semblables qu’ils n’en ont l’air. Ils sauront s’apprivoiser après la rencontre tumultueuse avec le magnat du divertissement, M. Vandemere (Michael Keaton). La sombre et magnétique grâce d’Eva Green fera du piège tendu par son amant un nouveau départ pour Dumbo, comme pour Holt Farrier, ses deux enfants et la troupe de cirque menée par Max (Danny DeVito).

    Tim Burton respecte à la lettre l’esprit Disney : son Dumbo est d’un classicisme (presque) sans surprise. La noirceur gothique disparaît au profit d’éclairs poétiques, lors notamment des scènes aériennes de l’éléphant volant. Du spectacle plein les yeux, du merveilleux et un happy-end : parfait pour redonner du lustre et dépoussiérer un classique du studio aux grandes oreilles.

    Un conseil pour terminer : restez quelques minutes sur votre siège lors du générique de fin : la prestation d’Arcade Fire pour la reprise de Baby Mine est une pure merveille. Une dernière larme pour l’éléphant féerique.

    Dumbo, comédie dramatique fantastique de Tim Burton, avec Colin Farrell, Michael Keaton, Danny DeVito et Eva Green, USA, 2019, 112 mn
    https://disney.fr/films/dumbo-2019

    Voir aussi : "Alice contre le temps"

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  • Les frigos aussi peuvent être romantiques

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    L’‎Œil du frigo s'arrête cette semaine sur le film culte de Baz Luhrmann, Roméo + Juliette. Notre chroniqueur disserte sur une scène de frigo beaucoup plus parlante qu'elle n'en a l'air.

    Roméo et Juliette ont un frigo : et si ! Même Leonardo Di Caprio n'en revient pas. Il parle à la nourrice de Juliette pour fixer un rendez vous dans le confessionnal. La nourrice ayant dû affronter une horde de malfrats pour parler au beau Roméo, elle arrive affamée dans les appartements de la belle Juliette (Claire Danes).

    Evidemment, comme dans tout bon Shakespeare, elle se rue sur le frigo pour restaurer sa vieille carcasse. Ceci dit, le réalisateur ne nous épargne rien : comme la nourrice est une bonne vivante , elle va certainement se goinfrer et prendre les kilos - en atteste son postérieur nous voyons en gros plan avant de voir le frigo. Cela pourrait être une idée pour certaines et certains d'entre nous de visualiser quelques parties bien trop charnues de notre corps avant d'aller fourrer la tête la première dans le Frigo.

    Mais la douce nourrice y va franco. Le frigo est très bien fourni. Elle ne cherche que des fruits et ne prendra que des raisins - ou des prunes qui attendent pratiquement seules sur une étagère. Si on part de l'hypothèse que c'est bien quelques grains de raisins, alors nous sommes dans le symbole de l'amour divin, de la vie, de l'arbre de vie. Merveilleux, quand on y songe, ce que peut nous dire une image (et a fortiori un frigo), hors du texte qui est prononcé. La nourrice fait fructifier cet amour en mettant les deux jeunes gens dans un cercle d'amour et s'en va manger une grappe de raisin (amour divin), tout en ayant fixé le rendez-vous dans le confessionnal - il ne se passe pas toujours des choses divines dans les confessionnaux, mais c'est un autre sujet...

    Maintenant, si l'hypothèse est une prune, comme une "prune d'ente", qui donne nos fameux pruneaux, alors la symbolique est toute différente. Je ne vous ferai pas l'affront de vous décrire une symbolique intestinale liée à l'amour, mais juste pour le fruit être une "prune", c'est pas forcément flatteur - d'ailleurs, en prendre une non plus...

    Notre vieux frigo qu'on referme avec le pied n'est là que pour renfermer les cercles vertueux de toutes les hypothèses. Il les tient au frais. Deux cercles vont se rencontrer et s'unir dans un confessionnal. Tous les symboles sont au vert, et l'espace de fusion entre les cercles créera un sous-ensemble dont la complexité m'égare. Quitte à gérer des cercles et un frigo, mieux vaut être le cercle le plus simplement efficace et clair. Pour tous ceux qui n'ont pas encore saisi, je vous renvoie à votre programme de sixième : Le cercle de centre O et de rayon R est l’ensemble des points du plan situés à la distance R du point O : voilà qui est dit !

    On peut noter quand même qu'en haut du frigo, il y a des plats tout préparés... Shakespeare aurait donc tout prévu en cas de famine amoureuse il suffirait de se faire chauffer un Tupperware au micro-onde. J'aime bien cet auteur : il m'épate quand il parle d'amour absolu.

    Roméo + Juliette, drame américain de Baz Luhrmann
    avec Leonardo DiCaprio, Claire Danes, John Leguizamo, Harold Perrineau Jr.
    et Pete Postlethwaite
    , 1996, 115 mn

    Voir aussi : "L’‎Œil du Frigo débarque sur Bla Bla Blog"
    "Roméo+Juliette Frigo"
     

     

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  • Dickens ou Poe ?

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    La France est une grande nation de court-métrages, sans aucun doute : ce secteur reste en bonne santé et symbolise la bonne santé de la création française d’après un rapport du CNC en 2017. Illustration avec Le Signal, un court tourné il y a deux ans et que Bla Bla Blog vous invite à découvrir.

    David Samic, à l’écriture et à la réalisation, étonne par son parti-pris comme le soin qu’il a porté à la mise en scène de cette adaptation d’une nouvelle de Charles Dickens. Au fait : Charles Dickens ou Edgar Allan Poe ? Il est vrai que cette histoire d’un aiguilleur obsédé par un fantôme le visitant régulièrement n’est pas sans rappeler l’auteur de Double assassinat dans la rue Morgue. Empoisonné par ce délire, l'homme se confie à un inconnu rencontré par hasard, Charles Dickens lui-même.

    David Samic a réalisé un court-métrage plus ambitieux qu’il n’y paraît. Les images de synthèse, utilisés astucieusement dans Le Signal, permettent de donner une facture onirique à un film tourné en costume d’époque. Il fallait oser. David Samic l’a fait.

    Le signal, court-métrage fantastique de David Samic, avec Cédrick Spinassou, Christian Balthauss, Emmanuel Martin, Suad Vrazalica et Athénais Reignier, France, 15 mn, 2016
    http://ciepfilm.wix.com/davidsamic

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  • Sortie en 4K Ultra HD de Voyage au Bout de l’Enfer

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    L’illustration en couverture de cette chronique parlera à beaucoup de personnes d’entre vous. Elle reprend en dessin une scène culte du film non moins légendaire de Michael Cimino, Voyage au Bout de l’Enfer, datant de 1979. Après une ressorti en salle cette semaine, il sera disponible le 21 août 2018 dans une version restaurée en 4K Ultra HD.

    Lauréat de cinq Oscars® en 1979, dont celui de Meilleur film, Meilleur réalisateur et Meilleur acteur dans un second rôle pour Christopher Walken, Voyage au Bout de l’enfer est largement reconnu comme l’un des grands chefs-d’œuvre du cinéma et renferme quelques-unes des scènes les plus mémorables de l’histoire du 7e art.

    Lorsque Michael (Robert De Niro), Steven (John Savage) et Nick (Christopher Walken) sont capturés par les Viêt-Congs, ils sont forcés de jouer à la roulette russe par leurs cruels geôliers, qui parient sur leur survie.

    L’expérience de la captivité les marque physiquement et mentalement, et lorsque Michael retourne à Saïgon pour honorer la vieille promesse faite à un de ses amis, il fait une découverte aussi terrible qu’inattendue.

    À noter également les extraordinaires performances de Meryl Streep dans le rôle de la femme dont Michael et Nick tombent amoureux, et de John Cazale (Le Parrain, Un après-midi de chien) dans celui de Stan, leur ami fragile et instable.

    Les amoureux du cinéma se précipiteront sur le coffret édité par StudioCanal et Carlotta Films comprenant le film en 4K Ultra UD, le film en Blu-Ray, des suppléments en Blu-Ray avec des interviews du critique David Thomson, de Michael Cimino, de Mickey Rourke, du directeur de la photographie Vilmos Zsigmond et de John Savage, sans oublier un choix de scènes coupées. Le coffret sera complété de la bande originale du film en CD, d’un livret de 64 pages sur la genèse d’un des plus grands films de l’histoire du cinéma et du script original du film, The Man who came to play.

    Un vrai événement pour cinéphile sur un brillant plaidoyer contre les guerres.

    Michael Cimino, Voyage au Bout de l’Enfer, avec Robert De Niro,
    Christopher Walken, Meryl Streep et John Cazale
    En salle depuis le 25 juillet
    StudioCanal / Carlotta Films, en 4K Ultra HD, Blu-Ray, avec la BO en CD,
    3H04, 1979, réédition le 21 août 2018
    http://www.studiocanal.com

  • Joueur 1, prêt, partez

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    Que les lecteurs de Bla Bla Blog m’excusent : l’écriture d’une chronique sur Ready Player One, le nouveau Speilberg, aurait nécessité un double, voire triple visionnage, démarche que le bloggeur avoue ne pas avoir faite. Il est vrai aussi que le dernier long-métrage de Spielberg, qui est aussi le premier film de SF qu’il a réalisé depuis La Guerre des Mondes (2005) vient de sortir dans les salles.

    Bien entendu, ce n’est pas l’histoire en elle-même qui nécessite une relecture et une analyse pointue. Elle est même d’une simplicité évangélique : en 2045, dans un futur rongé par la pollution, les conflits et la misère sociale, les habitants, fatalistes, se réfugient dans le jeu, en l’occurrence un monde idéal et virtuel, l’OASIS. Wade Owen Watts fait partie de ces drogués à ce jeu en ligne. Son avatar Parzival, navigue tel un super héros, à la recherche d’un trésor, l’easter egg, caché par le créateur de l’OASIS, James Halliday. Mais d’autres joueurs sont à la recherche de cet objet virtuel et surtout de sa récompense de 500 milliards de dollars, bien réelle celle-ci.

    Les amateurs de Spielberg boiront comme du petit lait ce pur divertissement, aux effets visuels bluffants. Mais ce sont les fans de pop culture qui se régaleront le plus devant un film aux références nombreuses : Akira, Le Géant de Fer ou Retour vers le Futur. Les nostalgiques auront également droit à un grand bain dans les années 80, avec une grande place accordée aux jeux vidéos de cette époque. Mais la séquence phare du film restera sans doute celle consacrée à Shining de Kubrick. Un Kubrick qui, au moment de son décès en 1999, travaillait sur le projet de film A.I. Intelligence artificielle, que réalisa finalement... Steven Spielberg.

    Inspiré du roman Player One d'Ernest Cline, Ready Player One peut autant se voir comme un objet ludique que comme un hommage d’un réalisateur culte au cinéma qu’il aime.

    Ready Player One, de Steven Spielberg, avec Tye Sheridan, Olivia Cooke, Ben Mendelsohn, T. J. Miller, Simon Pegg et Mark Rylance, USA, 2018, 140 mn

  • Les bourreaux meurent aussi

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    Il était question il y a quelques semaines de l’assassinat d’Heydrich, un sujet traité avec maestria par Laurent Binet dans HHhH, avant deux films tournés et sortis à un an d’intervalle : Opération Anthropoid de Sean Ellis et HhhH de Cédric Jimenez.

    Les habitants de Montargis vont découvrir au cinéma, grâce à l’association d’art et d’essai Les Cramés de la Bobine, une autre version de cet acte de la Résistance tchèque avec un film plus ancien, Les Bourreaux meurent aussi, de Fritz Lang et datant de 1947. Cette fois, cette fiction s’intéresse à d’autres personnages, dans une version plus classique.

    En mai 1942, dans Prague occupée par les nazis. Heydrich, le bras droit de Himmler, est victirne d’un attentat qui lui coûte la vie. L’auteur du complot, le docteur Svoboda, se réfugie chez son ami, le professeur Novotny. Mais la Gestapo multiplie les rafles, menaçant de tuer des centaines de personnes si le coupable ne se dénonce pas. Le professeur Novotny tombe bientôt entre les mains de l’ennemi.
    Une curiosité, à ne pas manquer.

    Les Bourreaux meurent aussi , de Fritz Lang
    avec Brian Donlevy, Hans Heinrich von Twardowski et Walter Brennan,
    USA, 1947, 2h15

    Au cinéma l’Alticiné, proposé par Les Cramés de la Bobine,
    du 15 au 20 mars 2018 (débat le 15 mars à 20H30)

    "La bête doit mourir"

  • Black Panther sort ses griffes

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    Unique : tel est le qualificatif que l’on peut singulièrement donner à Black Panther, blockbuster de Marvel dédié à un super-héros, pas forcément le plus connu en France.

    Encore un super-héros, me direz-vous ! Celui-ci fait pourtant date puisqu'il donne à un afro-américain le premier rôle et à la communauté noire un écho inédit jusque-là. Il est du reste peu probable que Marvel s’attendait à un tel raz-de-marée.

    La Panthère Noire était au départ un héros de comics créé aux Etats-Unis, en plein mouvement des droits civiques. Les lecteurs afro-américains trouvaient dans cet personnage – noir – un héros proche d’eux. Là sans doute est l’une des raisons du succès de cette adaptation cinéma.

    Chadwick Boseman endosse à merveille le costume de Black Panther, alias le prince T'Challa devenu, à la mort de son père assassiné, souverain du royaume imaginaire, secret et technologiquement hyper avancé du Wakanda.

    Droits civiques, féminisme et intrigue politique

    Aidé de sa fiancée Nakia (Lupita Nyong'o), de sa sœur Shuri (excellente Letitia Wright) et de l’officier Okoye (Danai Gurira), il se lance à la recherche d’un artefact volé à Londres en vibranium, une matière première à l’origine des avancées scientifiques du Wakanda. Les voleurs de cet objet précieux, qui risquent de dévoiler au reste du monde l’existence du mystérieux royaume africain, menacent dangereusement le pouvoir royal comme la vie de Black Panther. Les femmes de son entourage ne seront pas de trop pour l’aider à lutter.

    Intrigue maligne, costumes chatoyants, bande originale séduisante produite par Kendrick Lamar, design incroyable des architectures et des vaisseaux, effets visuels bluffants : mille et un détails font de ce blockbuster grand public une vraie réussite. Cet objet cinématographique ose s’aventurer sur des thèmes peu familiers dans ce genre de films de super-héros : droits civiques, féminisme et vraie intrigue politique – même si le manichéisme n’est pas absent. Black Panther pourrait être défini comme un objet cinématographique unique, entre SF, film d’action et d’espionnage à la James Bond (la séquence en Corée du Sud) et surtout plongée dans les rites tribaux ancestraux.

    Black Panther est un vrai enchantement visuel et musical , autant que la surprise ciné de ce début d’année, surprise qui a amené dans les salles des millions de spectateurs, pour la plupart stupéfaits par l’audace des studios Marvel.

    Black Panther de Ryan Coogler, avec Chadwick Boseman, Michael B. Jordan
    Forest Whitaker, Lupita Nyong'o, Letitia Wright et Danai Gurira,
    Marvel Studios, 134 mn, 2018

  • La bête doit mourir

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    C’est le fait d’arme le plus important et le plus spectaculaire de la Résistance pendant la seconde guerre mondiale : l’assassinat du haut-dignitaire nazi, Reinhard Heydrich, le 4 juin 1942 à Prague. Celui que l’on surnomme toujours HhhH, "Himmlers Hirn heisst Heydrich" (en français : "Le cerveau de Himmler s'appelle Heydrich") avait un rôle central dans l’appareil nazi : directeur de la RSHA (Reichssicherheitshauptamt), vice-protecteur de la Bohême-Moravie à sa mort (surnommé à ce titre "le bourreau de Prague"), il fut aussi responsable de la Gestapo, créateur des sinistres Einsatzgruppen chargés des tueries de masse en Europe de l’Est et en Union soviétique (la Shoah par balles), avant de planifier à partir de la conférence de Wannsee, le 20 janvier 1942, la Solution finale contre les juifs. C’est dire l’importance d’un homme fanatisé, violent ("L’homme au cœur de fer") et capital dans la machinerie de mort nazie.

    Début 1942, Londres envoie à Prague deux agents, le slovaque Jozef Gabčík et le tchèque Jan Kubiš, afin de mettre en place l’opération Anthropoid. Les deux hommes ont la difficile mission d’assassiner Heydrich. Dans un pays mis sous coupe réglée par les dignitaires nazis, la mission réussit, non sans des conséquences désastreuses : les villages de Lidice et de Lezaky sont rayés de la carte et des milliers de victimes tchécoslovaques sont tués en guise de représailles.

    Sur cet événement important mais mal connu en France, Laurent Binet en a tiré un livre en 2010, HhhH (éd. Grasset). Contre toute attente, ce premier roman reçoit un accueil enthousiaste, public et critique. Le jeune écrivain a fait de ce récit historique une matière littéraire passionnante, dans laquelle le narrateur – et l’auteur – parle de la difficulté à relater une histoire hors-norme. À la fois essai, roman historique et autofiction, HHhH est plus que convainquant : un premier roman magistral et passionnant de bout en bout.

    L’homme au cœur de fer

    L’an dernier, ce livre a fait l’objet d’une adaptation qui était très attendue. Cédric Jimenez s’est attelé à cette tâche, avec Rosamund Pike dans le rôle convaincant de l’épouse d’Heydrich. Las, le parti-pris de Laurent Binet – allier la grande histoire et les questionnements sur l’indicible – sont passés à la trappe. HHhH suit de manière efficace le parcours du dignitaire nazi dans une première partie, avant de s’intéresser aux deux résistants tchèque et slovaque. Le réalisateur ne nous épargne par les exactions après l’assassinat de la tête pensante de la Solution Finale, notamment lors de la destruction de Lidice, "l’Oradour-sur-Glane tchèque."

    En 2016, un autre film, plus confidentiel, a traité de cet événement. Opération Anthropoid, de Sean Ellis, se concentre cette fois sur les six mois qui ont précédé l’attentat contre Heydrich, en suivant la préparation, les atermoiements et la vie quotidienne de Gabčík et Kubiš. Tourné sans grand moyen, avec cependant la présence à l’écran de la lumineuse Charlotte Le Bon dans le rôle d’une complice investie, Opération Anthropoid a les qualités du film d’espionnage. Heydrich n’apparaît que fugacement, lors de l’attentat. Ce long-métrage a des accents hagiographiques en ce qu’il suit deux résistants pugnaces, héroïques et lancés dans une opération désespérée.

    On peut se féliciter que ce fait d’arme exceptionnel de la résistance tchèque soit revenu au-devant de l’actualité. Cependant, les deux films, très différents dans leur facture – mais tous deux dominés par deux actrices exceptionnelles, Rosamund Pike et Charlotte Le Bon – ne sont sans doute pas à la hauteur de l’événement raconté, et ce malgré les qualités de ces deux œuvres. Il reste le roman de Laurent Binet, traduit dans le monde entier, notamment en Tchéquie, et qui demeure l’œuvre de référence pour comprendre l’assassinat de Reinhard Heydrich par Jozef Gabčík et Jan Kubiš.

    Laurent Binet, HHhH, éd. Grasset, 441 p., 2010
    HHhH, de Cédric Jimenez, avec Jason Clarke, Rosamund Pike, Jack O'Connell, Jack Reynor, Mia Wasikowska et Thomas M. Wright, France, 2017, 120 mn
    Opération Anthropoid, de Sean Ellis, avec Jamie Dornan, Cillian Murphy, Charlotte Le Bon et Toby Jones, Grande-Bretagne – France – Tchéquie, 2016, 120 mn

  • Télérama’enfants

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    Le Festival Cinéma Télérama revient du 21 février au 6 mars 2018 dans 185 cinémas art et essai sur tout le territoire. C’est l’occasion pour les enfants, mais aussi les plus grands, de voir, à un tarif accessible, une sélection de films, choisis de concert par Télérama et l’AFCAE (Association Française des Cinémas Art et d’Essai).

    Des films pour les tout-petits aux films les plus familiaux, cette sélection démontre toute la diversité et la richesse du cinéma Jeune Public. Long ou court, animé ou en prises de vue réelles, documentaire ou fiction, ces films entendent favoriser l’éducation au cinéma.

    Ce festival est aussi l’occasion de souligner le travail quotidien des salles Art et Essai, à travers des animations qui, au-delà de l’éveil aux pratiques artistiques, créent du lien social.

    Les 11 meilleurs films jeune public de 2017 sont à découvrir en avant-première : La Ronde des Couleurs, Des Trésors plein ma Poche, Cadet d’Eau douce, Agatha Ma Voisine Détective, Coco, La Vallée des Loups, Le Voyage de Lila, Willy et les Gardiens du Lac, Croc -Blanc, Le Grand Méchant Renard, Paddington 2, Un Conte peut en cacher un autre, Zombillénium et Lou et l’Île aux Sirènes.

    Festival cinéma Télérama enfants 2018, du 21 février au 6 mars 2018

     

  • Pour toi, mon amour, je décrocherai l’Everest

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    L’Ascension est la comédie de l’année 2017 et certainement le film qu’il faut voir cet hiver.

    Cette aventure humaine est inspirée d’une histoire vraie, celle de Nadir Dendoune, le premier franco-algérien arrivé au sommet du toit du monde (Un Tocard sur le Toit du Monde, éd. JC Lattès).

    L’Ascension, réalisé par Ludovic Bernard, avec Ahmed Sylla, Alice Belaïdi et Nicolas Wanczycki dans les rôles titres, raconte l’histoire de Samy Diakhaté. Ce néophyte d’origine sénégalaise part de la Cité des 4000 à La Courneuve pour rejoindre le Népal. Au terme d’un pari fou pour les beaux yeux de la belle Nadia, le jeune homme se lance dans l’ascension de l’Everest.

    Pour les beaux yeux de Nadia

    L’an dernier, L'Ascension n’est pas passée inaperçue. Cette comédie très bien menée a reçu le grand prix du Festival international du film de comédie de l'Alpe d'Huez en 2017. Ludovic Bernard suit habilement le défi de Samy dans un environnement hostile et inédit pour le banlieusard sans expérience. Le réalisateur alterne les scènes en montagne et les réactions des proches restés en région parisienne – les parents, de Samy, Nadia, les amis, les habitants de la Courneuve et les animateurs intarissables de Radio Nova.

    L’Ascension est plus que le récit de 8848 mètres harassants à travers une nature hostile : il s’agit aussi d’un bel hommage au 93, d’une histoire d’amour naissante et d’un défi humain et sportif mené par un jeune homme à la pugnacité exceptionnelle. Impossible de rester insensible. Vraiment impossible.

    L’Ascension, de Ludovic Bernard, avec Ahmed Sylla, Alice Belaïdi, Nicolas Wanczycki,
    Kevin Razy et Waly Dia, France, 2017, 1H45, en ce moment sur Canal+


  • Ma consœur à la Maison Blanche

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    Il ne reste plus que quelques jours pour découvrir sur Canal+ Menaces sur la Maison Blanche d’Erik Van Looy. Il ne faut pas s’arrêter sur le titre français qui pourrait faire penser à un de ces blockbusters américains des années 90, lorsque Harrisson Ford jouait le rôle des Présidents survitaminés et indestructibles.

    Sous ses airs yankees, le long-métrage que propose en ce moment la chaîne cryptée a cette première caractéristique originale d’être 100 % belge, tournée autour de Bruxelles et jouée en flamand.

    Menaces sur la Maison Blanche ose le thriller complotiste à partir d’une intrigue tenue et maligne. Lors d’une visite en Europe de la Présidente américaine (Saskia Reeves), un groupe terroriste infiltré au cœur de l’appareil d’État américain kidnappe la femme et l’une des filles du premier ministre belge (Koen De Bouw). On lui promet qu’elles seront rendues s’il assassine lui-même la Présidente américaine lors de sa visite officielle.

    Voilà le premier homme belge face à un dilemme insupportable, et avec pour toute aide celui de sa collaboratrice Eva (Charlotte Vandermeersch), enlevée elle aussi. Le premier ministre a quelques heures devant lui pour faire face à un groupe d’extrémistes bien décidés à semer le chaos en Europe, "pour réveiller le monde".

    Menaces sur la Maison Blanche est un petit bijou de série B, à la facture qui ne dépaysera pas les fans de film d’action, à ceci près que les lieux de ce thriller se situent au cœur de l’Europe, avec dans le rôle principal un fringant premier ministre, formant avec sa collaboratrice un duo attachant pris au piège dans un piège diabolique et palpitant. Comme le dit l’organisateur de ce complot : "Des avions qui s’écrasent dans des tours on a déjà vu. Mais un premier ministre obligé d’abattre la Présidente des USA, reconnaissez que c’est spécial."

    Menaces sur la Maison Blanche, d’Erik Van Looy, avec Koen De Bouw, Stijn Van Opstal, Charlotte Vandermeersch, Saskia Reeves, Adam Godley, Truus de Boer, Wim Willaert
    et Nathan Wiley, Belgique, 2016, 1h55

    Sur Canal+, jusqu'au 24 novembre

  • Valérian et Laureline, agents très spatiaux

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    Un peu plus d’un mois après sa sortie à grands frais, pourquoi ne pas revenir sur Valérian et la Cité des Mille Planètes ? Le dernier opus de Luc Besson, rêve d’enfant du réalisateur du Cinquième Élément autant que défi artistique et pari commercial, propose une adaptation du couple de SF le plus connu et le plus glamour de la bande dessinée.

    En collaboration avec ses deux créateurs, le dessinateur Jean-Claude Mézières et le scénariste Pierre Christin, Luc Besson propose de rendre justice à Valérian et à Laureline, dont les aventures ont été largement pompées par les créateurs de Star Wars. Le résultat : la plus grande superproduction française (197 millions d’euros), si grande que l’avenir de la société de production EuropaCorp dépend de la réussite ou de l’échec du film.

    Valérian et la Cité des Mille Planètes adapte l’histoire de L'Ambassadeur des Ombres (1975) et non pas la BD de 1971, L'Empire des Mille Planètes, dont le film de Luc Besson reprend une partie du titre.

    Nous sommes en 2740. Les agents gouvernementaux Valérian et Laureline sont chargés de récupérer un réplicateur – en réalité une charmante bestiole dotée d’un pouvoir de reproduction d’objets physiques, dont une étrange perle. Après le succès par nos agents de cette mission, le précieux réplicateur est amené sur Alpha, une base spatiale héritée de l’ISS et peuplée de 17 millions d’êtres vivants humains et surtout d'extra-terrestres. Mais des créatures jusque-là inconnues, venues de la mystérieuse planète Mül, viennent dérober le réplicateur et enlever, par la même occasion le Commandeur Filitt. Les agents Valérian et Laureline se lancent dans une course à la recherche de ces êtres fascinants et comme venus de nulle part.

    De mauvaises langues ont fait la fine bouche devant ce grand et beau divertissement populaire. Luc Besson sait faire ce qu’il sait le mieux faire : raconter une histoire, faire vivre ses personnages sans temps mort et aussi montrer que le cinéma français peut rivaliser avec les blockbusters américains. À n’en pas douter, voilà qui a fait grincer pas mal de dents outre-atlantique.

    Dane DeHaan et Cara Delevingne, dans les rôles respectifs de Valérian et Laureline, jouent le rôle d’agents spécieux et spatiaux en pleine forme. Ils cavalcadent, se battent, croisent des créatures extra-terrestres et extraordinaires et ne manquent pas de se chercher dans un jeu digne de "je t’aime moi non plus", avec une fin entendue dès le début. Une mention spéciale est décernée à Cara Delevingne – certes pas suffisamment rousse pour le rôle – pour son interprétation d’une Laureline courageuse, bravache et qui ne s’en laisse pas conter.

    À l’heure de l’écriture de cette chronique, après le flop de Valérian aux États-Unis et le succès au box-office français (4 millions d’entrées), les producteurs ont les yeux rivés sur la fréquentation en Chine, pour l’heure rassurante mais sans garantie d’une suite, pourtant déjà écrite par Luc Besson. Ce qui serait d'ailleurs fort dommage.

    Valérian et la Cité des Mille Planètes, de Luc Besson, avec Dane DeHaan, Cara Delevingne, Clive Owen, Rihanna et Ethan Hawke, EuropaCorp, France, 2017, 138 mn, toujours en salle
    "Star Wars pris la main dans le pot de confiture"
    "Laureline et Valérian, bons pour le service"